«Музей Бенаки Афины»

M. Силина Музей Бенаки Афины

Официальный сайт музея:

Адрес музея: 1 Koumbari St. & Vas Sofias Ave, Афины.

Телефон: 210 367 1000.

Проезд: Автобусы: № 22, 60, 200, 203, 204, 211,214, 220–224, 231, 235, 408, 419, 601, 603, 622, 81 5, А5, Г5, Е6, Е7.

Троллейбусы: № 3, 7, 8, 13.

Метро: линии № 2 и 3, станция «Syntagma & evagelismos».

Часы работы: Среда, пятница: 9:00–17:00, четверг, суббота: 9:00–24:00, воскресенье: 9:00–15:00.

Музей закрыт по понедельникам, вторникам, 25 марта, 1 мая, 15 августа, 28 октября, в Рождество, Новый год, Крещение, на Пасху.

Цены на билеты: Постоянная экспозиция: полный — 7 €, льготный — 5 €.

Временные выставки: полный — 5 €, льготный — 3 €.

Вход бесплатный каждый четверг и 18 мая (Международный день музеев).

Информация для посетителей: В музейных магазинах можно приобрести книжную и сувенирную продукцию.

На втором этаже музея расположено уютное кафе.

Здание музея

Музей Бенаки в Афинах — уникальное место, в котором представлена долгая и насыщенная событиями история Греции. Для многих эта южная страна ассоциируется с колыбелью европейской цивилизации. На Аттике, в Афинах; на священном острове Делос, в Спарте и Коринфе в последних веках до нашей эры ярко расцвело искусство скульптуры, архитектуры, поэзии, философии. Здесь возник канон изображения прекрасного атлетического тела героев. В этих местах зародились и законы классического зодчества — ордерная архитектура храмов, непревзойденная до сих пор. По чувству формы и цельности линейных силуэтов вазопись Древней Греции по праву считается одной из вершин человеческого творчества в области изобразительного искусства.

Экспонаты музея

В I веке Эллада (так по-другому называют Грецию) оказалась под властью Римской империи, которая продолжила развивать древнегреческие принципы науки и искусства. Новый расцвет греческой культуры произошел под властью Византии — духовного очага ортодоксального христианства. Монастырская культура подарила миру прекрасные образцы иконописи, щедро украшенной церковной утвари и парадных одеяний священнослужителей.

Самым трагическим периодом в развитии государства и христианской культуры Греции стала эпоха Османского господства. Многовековое вынужденное сосуществование двух религий, мировоззрений, традиций началось 29 мая 1453. Исламская культура насаждалась сверху, христиане сплачивались вокруг своей веры и обрядов, сохраняя и преумножая их.

Современная история греческого государства начинается с XIX века. Именно тогда, после национально-освободительной войны 1821–1829, в 1830 страна обрела независимость. Произошло новое «открытие» античного наследия.

Европейцы устремились в Грецию, чтобы, наконец, после столетий изоляции увидеть очаг цивилизации. По всей территории Эллады работали английские, немецкие и французские археологи. Греческие художники и ремесленники, в свою очередь, посмотрели на Запад, поехали учиться в Европу, чтобы обогатить национальную традицию.

В золе музея

Экспонаты музея

Именно эти периоды в истории страны с помощью произведений искусства, артефактов и прикладных объектов показаны в экспозиции музея Бенаки. Современный культурный и образовательный музейный центр посвящен не только греческому искусству, но и культуре. Это значит, что зритель найдет здесь шедевры живописи, скульптуры и иконописи, а также сможет увидеть бытовые предметы, повседневные вещи, образный строй которых формировался в русле национальной греческой традиции.

Эммануил Бенакис (1842-1929) всю сознательную жизнь собирал предметы искусства и утвари, связанные с историей родной страны. После его смерти в 1929 был основан музей, названный его именем. Он открыт в доме, где жил коллекционер. Здание — памятник истории, оно построено в изящном неоклассическом стиле в 1868. В XX столетии его несколько раз расширяли из-за необходимости демонстрации все новых и новых экспонатов. Сейчас в собрании этого частного музея находится более 40 тысяч предметов. Экспозиция раскрывает широкую панораму истории страны — Античность, владычество Римской империи, османское иго, период национально-освободительного подъема в 1820-х и современность.

Для посетителей музей открыл свои двери в 1931 и с тех пор пользуется заслуженной популярностью у любителей искусства со всего мира.

После смерти коллекционера собрание продолжало пополняться усилиями семьи Бенакис. Сейчас в музее создано несколько отделов. Среди них важное место занимают античная, византийская и поствизантийская коллекции. Особое внимание нужно обратить на прекрасные экземпляры древнегреческой вазописи.

Церковное искусство Греции с периода Средневековья по XIX век — гордость собрания. Лучшие иконы греческой и критской школ, а также ранние работы Эль Греко составляют славу музея. Функционирует несколько разделов современного искусства: модернизм, моноэкспозиции известных греческих художников, отдел фотографического искусства, архив неогреческой архитектуры, а также отделы разнообразных культурных артефактов (ювелирные произведения, музыкальные инструменты, игрушки). Выделены большие разделы коптского, китайского и исламского искусств.

В золе музея

Искусство древней Греции и древнего Рима. Доисторическое искусство

Неизвестный художник. Терракотовая женская статуэтка 250–200 до н. э.

Мастер фитцвильямского музея Женская статуэтка со сложенными руками 2600–2500 до н. э. Кикладский мрамор. Высота — 21

Доисторические фигурки мужчин и женщин, которые археологи обнаруживают по разным уголкам мира, поражают разнообразием форм и силуэтов. Однако в каждом отдельном регионе такие статуэтки, как правило, тяготеют к определенному набору основных типов. Как предполагают ученые, скульптурные изображения человека использовались в ритуальных целях. Очень распространены женские фигуры, олицетворяющие культ плодородия. Щедрость природы была важным фактором выживания доисторического человека, он надеялся только на благоприятное стечение обстоятельств и хороший урожай.

В этом образце древнейшей культуры, существовавшей на территории Греции, интересны почти геометрические, отвлеченные и абстрактные, едва намеченные формы тела. Детализация в статуэтке минимальна, мастера не интересует даже самая важная, на взгляд современного человека, часть тела — лицо. Изображение далеко от реализма: выделяется крупная, почти прямоугольной формы голова. Фигурка была покрыта минеральной краской, следы которой сохранились до сих пор.

Ритон в виде быка с Крита 1450-1200 до н. э. Керамика. 1 32x11 5

Ритон — это сосуд для питья в форме какого-либо животного (собаки, барана, козла, лошади). В древнегреческой культуре его часто использовали в обрядах жертвоприношения или ритуального возлияния вина. Перед зрителем — предмет древней культуры Крита. Ученые выделяют два очага в регионе — Минойский и Микенский. Крит — место зарождения греческого эпоса с его легендарными героями и пантеона богов, которые в действительности были правителями местных царств. Именно на этом острове происходили события любимых многими мифов (об аргонавтах, похищении Европы). О царе Миносе, «охранителе Крита», повествует Гомер в «Илиаде». Крито-микенская культура предшествовала искусству Древней Греции и непосредственно влияла на него. С XVI века до н. э. на острове начался расцвет цивилизации: минойцы и микенцы строили великолепные дворцы, развивалось искусство фрески, мастерство керамики, изготовления ритуальной и повседневной утвари, предметов домашнего обихода.

Объекты искусства доисторической культуры притягивают своей искренней простотой форм и лаконичностью силуэта. Удивительно, как такие хрупкие вещи смогли сохраниться в земле более двух тысяч лет. Археологические раскопки в этом регионе были произведены только в 1900 знаменитым Генрихом Шлиманом. «Сокровища Трои», обнаруженные им, хранятся в ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве. Данный экспонат относится к периоду, предварявшему знаменитую Троянскую войну, в ходе которой афиняне разрушили и разграбили город. До наших дней дошло большое количество керамических изделий, на которых изображались затейливые цветочные орнаменты, морские существа и образы быков, традиционные для культовых ритуалов.

Подвесной пиксис. X–IX века до н. э. Бронза. Длина — 14

Перед зрителем — образец ритуальной утвари древнего государства Македония, находившегося на Балканском полуострове. Страна отделена от севера Греции горой Олимп. Экспонат дает представление об одном из самых древних периодов развития этого горного государства. В IV веке его прославил царь Александр III Великий, который известен как Александр Македонский.

Данный простой сосуд предназначался для обрядов, а также для хранения различных мазей, пряностей и благовоний. Его декоративные характеристики достаточно примитивны: широкие волнообразные горизонтальные полосы визуально уравновешивают вытянутую емкость. В суровой простоте бронзы чувствуются древность веков и прямолинейность людей, которые населяли эту легендарную страну.

Аттический скифос 745–730 до н. э. Керамика. Высота — 11

Скифос — древнегреческий сосуд для питья, имеющий форму чаши с двумя ручками. Как правило, такие емкости богато украшались геометрическим орнаментом и делались в основном из керамики. Данный образец создан ремесленниками Аттики, скорее всего, из Афин — области, которая сыграла ключевую роль в истории древнегреческой цивилизации. Тело сосуда оформлено очень интересным декором, большая часть мотивов считается классической. Чаша разделена на несколько продольных секторов, они украшены четырехлистными розеттами, свастикой, меандром, а также разнообразной штриховкой, пунктиром и шахматным узором. Наиболее интересна судьба двух мотивов — свастики и меандра. Первый — традиционный еще со времен Древней Индии символ солнца и благополучия, получивший широкое распространение в культурах кочевых народов Востока. «Свасти» на санскрите означает «приветствие». Родственным свастике является меандр — популярный ленточный симметричный орнамент, который может развиваться в бесконечном количестве вариантов. Интересно, что узор получил свое название от реки с извилистыми очертаниями, протекавшей по территории Малой Азии, недалеко от Милета. Особую приземистость и основательность придает тщательное заполнение орнаментом всего тела чаши. Ритмичный рисунок нанесен черной краской. Специалисты этот период в развитии искусства именуют геометрическим.

Богиня Куротрофос на лошади 750–725 до н. э. Бронза. Высота — 8

Перед зрителем — один из устойчивых типов статуарного искусства древнего периода развития греческой культуры, Куротрофос — женское божество, «детопитательница», «вскармливающая юношей». Так называли Артемиду, покровительствовавшую рождению мальчиков в древнегреческой Спарте, знаменитой своими храбрыми воинами. Богиня изображена на лошади, что символически обыгрывает мотив целенаправленного воспитания солдат, которые с детства проводили время в седле. В целом техника изготовления еще довольно простая, неизвестному ваятелю было важно передать в статуэтке, служившей в ритуальных целях, общие узнаваемые черты.

Аттическая чернофигурная чаша 530–520 до н. э. Керамика. Высота — 11,2

Не сразу можно поверить, что данный экспонат является своего рода продолжением и уточнением декоративных принципов архаической вазописи геометрического стиля. Чернофигурная чаша — пример классического искусства оформления керамики, основные черты которого (визуальная устойчивость, симметрия, гармония частей) взяли свое начало именно из образцов геометрического стиля. Линии утончаются, узор становится симметричным, замкнутым в строгие композиции, популярная раньше спираль заменяется мотивом окружностей, которые прочерчиваются циркулем. Прямые линии проводятся по линейке. Искусство вазописи приобретает виртуозность и легкость, но любовь к выверенным линиям не мешает особой лиричности.

В представленной чаше композиционный и смысловой центр — мотив «почек лотоса» в форме капли. Он мог быть заимствован из искусства Передней Азии. В VII — начале VI века до н. э. древние греки активно взаимодействовали с соседями по торговым и колонизаторским делам. Однако общий облик вазы — классически греческий. Построение выверено, нет встречавшегося до этого несколько в разнобой выполненного декора с разным направлением движения линий. Мастера выделяют важные части сосудов: ножку, ручки, ободок, добиваясь впечатления идеальной формы и устойчивости. Вазы в культуре Древней Греции играли значительную роль: существует большое количество их видов, но самое главное, что они выполняли функции не только домашней утвари, но и служили в разнообразных ритуальных целях. Их использовали в погребальных обрядах, мистериях, жертвоприношениях.

Мужская фигурка в гиматии. Около 500 до н. э. Терракота. Высота — 21,5

Перед зрителем — небольшая фигурка мужчины в традиционном древнегреческом плаще-накидке, который называют гиматий. Характер обработки камня, застылость позы, скованность рук, условные, бегло намеченные складки одеяния свидетельствуют о том, что эта работа относится к раннему архаическому периоду в развитии скульптуры. Эмоциональность и живое выражение лица «заменяет» так называемая архаическая улыбка. С ее помощью древние мастера стремились придать идолообразному изображению человеческую теплоту. Позже ее заменит естественная динамика движений, жестов и взгляда.

Чернофигурный скифос 500–490 до н. э. Керамика. Высота — 15,6

Этот сосуд для питья, который по-древнегречески называется «скифос», интересен своим сюжетом. Здесь изображена квадрига с амазонками. Они — легендарные женщины-воительницы из Малой Азии. Древние греки считали, что амазонки произошли от брака бога войны Ареса и богини Гармонии. Рожденных мальчиков отважные наездницы отдавали отцам или убивали, а девочек оставляли себе. Многие полагали, что у них существовал обычай ампутировать правую грудь, чтобы было легче метать копья и дротики. Против амазонок выступал Геракл, который стремился добыть пояс их царицы Ипполиты. Воительницы поклонялись Аресу и Артемиде, богине охоты и плодородия. Во фриз введены фигуры сфинксов — чудовищ с телом собаки, крыльями птицы, женской головой и лицом. Они убивали юношей. По одному из преданий, сфинксы принадлежат к роду амазонок. В облике воинственных дев видно восточное влияние — они одеты в свободные шаровары.

Силуэты очень пластичны, кажется, что неизвестные мастера нарисовали их одним движением. Традиционным для любой древней культуры является реалистическое изображение животных. Здесь фигуры предварительно процарапаны, линия гибкая, струящаяся, она отражает динамику бега. Древние греки достигли небывалого искусства в вазописи. Даже композиция данного, так и недоделанного до конца сосуда свидетельствует об этом: она гармонична, тело чаши выглядит монументально и стабильно. Неудивительно, что вазы стали не просто бытовыми и ритуальными объектами, они также являлись важной частью экспорта. Археологи по сей день находят образцы, изготовленные древнегреческими мастерами, в самых отдаленных уголках Европы и Азии.

Аттический чернофигурный лекиф 500–490 до н. э. Керамика. Высота — 20,6

Этот еще один не доведенный до финальной отделки сосуд показывает особенности древнегреческой вазописи. Сюжет, масштабы, пропорции и композиции емкостей выбирались сообразно их форме. Искусство росписи делает эти предметы не просто бытовыми объектами, как современные люди воспринимают утварь. Они были настоящими произведениями искусства, со своим значимым сюжетом, характером силуэта и составных форм (ручки, горлышко). «Лекифом» называли вытянутый по пропорциям сосуд для масла. Интересно, что он также часто использовался в погребальных обрядах. Обращает внимание распределение черных широких полос на теле емкости: внизу и на горле в виде раструба. Такая лента словно обрамляет как физическое тело вазы, так и нарисованный сюжет на ее тулове. Здесь изображены популярные персонажи мифов: герой Геракл, богиня Афина и Гермес. Впечатляет свободное, нескованное расположение персонажей на теле сосуда.

Аттическая краснофигурная гидрия. Около 440 до н. э. Керамика. Высота — 35,9

На данной гидрии изображена сцена отправления мужчин в военный поход, прощания с родными. В центре стоит воин. Слева от него сидит престарелый отец, а за его спиной — крылатая Ника, богиня победы. Древний мастер изобразил сцену благословения аллегорически: родитель обращается к молодому человеку, а в это время богиня протягивает ему меч. Молодая героиня — сестра или жена героя — держит в руках ойнохойю — кувшин с характерным горлышком в форме трилистника. Скорее всего, в нем вино, которым она будет потчевать уходящего. Греки, как и любые другие представители древних культур, большое внимание уделяли символике силы и мужества. Именно в этом ключе нужно трактовать фигуру собаки с силуэтно изображенным крупным половым органом. По форме данная чаша предназначалась для черпания и ношения воды, они традиционно богато декорировались.

Кукла 430–420 до н. э. Терракота. Высота — 15

В музее хранится уникальный экспонат — терракотовая кукла с ногами и руками на шарнирах. Интересно, что таких кукол археологи находят либо в погребениях детей, либо в святилищах, посвященных богам брака и супружества. Несмотря на то что это не произведение искусства в классическом европейском смысле, а скорее, поделка, игрушка, черты лица персонажа гармоничны, глаза светятся спокойствием. Как и было характерно для женских фигур монументальной скульптуры, у куклы богатая по деталям, сложная прическа. Вероятнее всего, кукла была одета в классический женский наряд.

Ваза. Середина IV века до н. э. Терракота. Высота — 17

Перед зрителем — небольшая ваза ремесленной выделки, не претендующая на статус великого произведения искусства. Однако она дает возможность заглянуть на «кухню» древнегреческого искусства и познакомиться с повседневной утварью, которая имелась практически в каждом доме. Такие предметы делали обычно с помощью штамповки и трафаретов, это было настоящее массовое производство дешевых изделий. Мастера лепили вазу, делали оттиск лица и моделировали фигуру, потом раскрашивали произведение. Здесь изображена женщина с характерными, убранными в сложную прическу кудрявыми волосами. Она сидит, облаченная в гиматий, — традиционную верхнюю накидку, которую носили и мужчины, и женщины.

Надгробная плита Конец IV–III века до н. э. Паросский камень. 51x87

Эта каменная плита найдена в Беотии (исторической области центральной Греции) и является своеобразной схемой классического античного храма. Так, на ней выгравирован декоративный антаблемент — часть архитектурной конструкции. В верхней части — двухскатная крыша, пространство которой образует треугольный фронтон. Ниже — триглифы (вертикальные продольные полосы) и метопы, украшенные цветами. В фигурной рамке прорезано имя — Парфен.

Надгробные плиты были очень распространены, похожие обнаружены по всей территории центральной Греции, а также в Фивах и Танагре. Обычно их размещали на высоком пьедестале, который устанавливали на могиле.

Здесь представлены традиционные для Греции орнаменты надгробий: цветы и разнообразные плетеные узоры, в том числе в виде свастики. Особенное значение приобрел мотив пальметт — симметрично вырезанных, веерообразно расположенных листьев (в данном случае венчает фронтон надгробия). Это один из самых популярных и древних орнаментов мира — он был известен со времен Древнего Египта. Его окончательное развитие и укрепление в изобразительном искусстве произошло в античной культуре. Такими флоральными узорами часто украшали памятные и надгробные стелы.

Сидящая женщина. III век до н. э. Терракота. Высота головы — 34

Перед зрителем — редкий экспонат с необычным сюжетом. Изображена бытовая сценка: молодая девушка в венке из цветов сидит с клубком пряжи в руках. Сохранились только фрагменты скульптурки, но ученые-реставраторы смогли воссоздать первоначальный вид. Несмотря на повреждения, в статуэтке видны все характерные черты греческой пластики: идеализированные черты лица, благородная поза и правильная осанка и наклон головы, пластичная проработка складок одежды, реалистическая трактовка пышной прически. Поза женщины очень живая и естественная. До сих пор на изваянии сохранились следы краски — древнегреческая скульптура, в том числе в составе архитектурных комплексов, была традиционно богато и ярко раскрашена.

Золотая цепь с украшением в виде «узла Геракла». II век до н. э. Золото, сердолик, стекло. Длина — 102

В музее хранится необычная и очень красивая вещь — крупная золотая цепь с интересным украшением — так называемым узлом Геракла (Геркулеса). Это эффектное сплетение известно еще со времен Древнего Египта. В древнегреческом искусстве Геракл по традиции представлялся в боевом облачении — шкуре немейского льва (ее передние лапы завязаны на груди героя данным узлом). Знаменитый писатель и мыслитель Плиний в книге «Естественная история» упоминает, что такой узел способен исцелять раны (по аналогии с непобедимостью Геракла). Судя по его популярности в античном ювелирном искусстве, специалисты предполагают, что он служил также оберегом от злых сил. Прекрасные образцы украшений с этим узлом хранятся в Британском музее в Лондоне и музее Метрополитен в Нью-Йорке. Данное не уступает им, оно искусно декорировано. Петли двух широких лент из драгоценного металла, продетые друг в друга, образуют узел. В середину впаяны золотые цветы, изделие было богато инкрустировано камнями.

Золотой венок 200–100 до н. э. Золото. Диаметр — 17

Венок на голову — традиционный символ победы в античной культуре. Такие венки делали из золота, олив, мирта, дуба, ивы и лавра. В данном экспонате из драгоценного металла воссозданы листья последнего. Судя по произведениям древнегреческой литературы, различали даже типы венков по географическим местностям, но сегодня ученые не знают их. В разнообразных мифах бог Аполлон одаривал подобными венками лучших поэтов. Также их получали в награду победители спортивных и зрелищных игр. Существовали специальные гимны и песни, которые восхваляли героев. Для победителей Олимпийских игр оливковые ветви срывали в священной роще, разросшейся, по преданию, от ветки, принесенной Гераклом от Аполлона Гиперборейского. Широко распространены были и траурные венки. Их укладывали в могилы царям и правителям по всему региону. Ассоциация венков с властителями осталась по сей день: недаром их называют венценосными особами. Победителей в битвах награждала венками богиня Афина, любовные пары сплетали их в знак своих чувств и привязанности, до сих пор эта традиция отражена в обряде венчания. Также венки использовали в религиозных церемониях, жертвоприношениях. Их еще крепили на стены, позже европейцы переняли данный декоративный мотив, и сегодня скульптурные венки служат для оформления архитектурных сооружений и памятников.

Существовал очень интересный архаический праздник «Феоксении» — статуи богов снимались с подножий, укладывались на подушки, украшались венками, и перед ними ставилось угощение.

Набор золотых кулонов. I век н. э. Золото, изумруды. Высота — от 3 до 5

Ювелирное искусство Древней Греции отличалось большим разнообразием приемов, техник, используемых материалов и форм. Наиболее ценными были, конечно, золотые украшения. Причем их имели право носить только свободные граждане. Этот металл в греческой, как и во многих других древних культурах, ассоциировался с солнцем, плодородием, богатством и властью. С детских лет европейцы знают легенду о приключениях Ясона, который отправился искать золотое руно. Золото было редкостью на территории Греции. Одним из первых центров его обработки в стране стала Лидия. Имя лидийского царя Креза до сих пор является символом богатства. Александр Македонский гордился тем, что из своего знаменитого похода привез более пяти тысяч тонн золота. В начале XX века археологические раскопки позволили ученым ближе познакомиться с ювелирным делом греков — были найдены сотни могил с драгоценными кладами. Самый известный — безусловно, золото Трои, обнаруженный Генрихом Шлиманом.

Представленный набор золотых кулонов с изумрудами происходит из могилы человека по имени Пирей. Эти изделия выполнены в форме разнообразных сосудов и ваз. Главное в них — не мастерство собственно ювелирной работы, а количество золота и драгоценных камней, которые пошли на изготовление.

Голова Аполлона Саврокнота. II век. Мрамор. Высота — 26,5

Перед зрителем — прекрасная древнеримская копия знаменитой бронзовой работы Праксителя. Великий скульптор, легендарный мастер канонических статуй атлетов и богов создал ее примерно в 350 до н. э. Слава ваятеля прошла сквозь века, древние римляне ценили и часто копировали его творения.

Изначально Аполлон был изображен отдыхающим, опустившим левую руку на ветку дерева, а правой убивающим маленькую ящерицу (имя «Саврокнот» и означает «Убивающий ящерицу»). Этот сын Зевса славился не только своей красотой и любовью к искусствам, но и жестокостью. Он был еще богом-губителем, который насылал смерть и болезни. Лицо героя имеет гармоничные пропорции. Пракситель создал непревзойденный идеал мужской красоты: высокий лоб, миндалевидные глаза, прямой крупный нос, благородный рисунок сомкнутых губ — древнегреческий тип лица на многие века стал образцом неувядающей классики.

Голова Париса. III век. Мрамор. Высота — 32

Парис — прекрасный юноша, троянский царевич, из-за которого, как и предсказывали его матери Гекубе, погибла Троя. В эпосе ему отведена незавидная роль виновника начала войны, которого ненавидели и греки, и троянцы. Однако в искусстве сохранился и другой образ Париса — тонкого ценителя красоты и музыки. Античные и ренессансные мастера часто изображали его вместе с похищенной им у царя Менелая Еленой Прекрасной, из-за чего и началась ссора греков с троянцами. Здесь царевич по традиции представлен в головном уборе, распространенном на территории Малой Азии — фригийском колпаке. Черты лица благодаря математически выверенным пропорциям отличаются благородством и гармоничностью. Такая почти неземная красота многие века вдохновляла скульпторов на соревнование с древними греками. Вся скульптура XVIII — начала XIX века основывалась на эстетике античного ваяния.

Крышка ящика. Конец II-начало IV века. Дерево. Высота — 22

Перед зрителем еще один уникальный объект — резная деревянная крышка от ящика. Ее ценность состоит в том, что дерево очень плохо сохраняется в веках и тысячелетиях, обладать таким экспонатом — большая удача любого коллекционера. Скорее всего, изделие использовалось в домашнем хозяйстве. Это объект массового производства, он не претендует на художественную ценность, но отражает вкусы простых горожан. На крышке представлена лежащая обнаженная женщина. Специалисты не смогли установить тему изображения, но некоторые считают, что это нимфа, морское божество, богиня ветра, а возможно, кто-то из домашних богов, хранителей очага, незримо присутствовавших в повседневном быте горожан, чье покровительство бережет от несчастий.

Работа резчика довольно простая, не отличается тонкостью исполнения. Однако интересно взглянуть на популярный стиль того времени. Хотя этот предмет происходит из Египта, в нем явно видно греческое влияние: манера исполнения фигуры очень свободная, почти абстрактная. Зрителю изображение может напомнить не античное искусство, а творения классиков XX века — Матисса и Пикассо.

Византийское и поствизантийское искусство

Македонская школа. Святой Георгий. 1550–1599

Похоронный портрет женщины. III век. Хлопок, темпера, роспись, гипс, золотая фольга. 64x38

Представленные на этом развороте произведения относятся к египетскому раннехристианскому искусству. Уже в 395 учение Христа станет официальной религией новообразованного государства Византия, и до середины VII века Египет будет неотъемлемой ее частью. Музей гордится несколькими великолепными по качеству образцами фаюмских портретов — одной из самых ярких страниц религиозного искусства данного региона. Это изображения умерших, которые во время погребения накладывали непосредственно на тело. Свое название они получили по месту находки первой такой работы в 1887 в оазисе Фаюм в Египте. Данный экспонат был обнаружен в египетском городе Антинополисе. Женщина представлена в богатом облачении и драгоценностях. В руке она держит «анх» — традиционный египетский «узел жизни», символ бессмертия. Позже этот крест был перенят коптами — египетскими христианами. Портреты выполнены в традициях эллинистического (античного) искусства, они отличаются живостью натуры, реализмом, особой теплотой взгляда.

До сих пор фаюмские портреты служат своеобразным символом христианской веры в бессмертие души.

Похоронный портрет. Вторая четверть III века. Хлопок, темпера. 50x30

Фаюмские портреты традиционно выполнялись в технике энкаустики, так называется восковая живопись: краски разогревались и наносились в горячем состоянии на холст или хлопковое полотно. Эта техника отличается особой прочностью и долговечностью красочного слоя, она была открыта в Греции в эпоху наивысшего расцвета античного искусства, в V веке до н. э. Погребальные портреты часто помещались непосредственно на запеленутые мумифицированные тела и могли долгое время находиться на открытом воздухе, вот почему требовалась прочность рисунка. Портреты до сих пор считаются непревзойденными по интуитивному, продиктованному верой в бессмертие соединению реалистической характеристики умершего с одухотворенностью взгляда, его теплотой.

Портрет византийских императоров. IV–V века. Сплав меди, серебро, 6х6

Эта небольшая медная планка уникальна. Она сохранилась со времен драматического разделения Рима на Восточную и Западную империи. В 395 умер последний правитель единой Римской империи Феодосий. Власть перешла к его двум малолетним сыновьям — Аркадию (на востоке) и Гонорию (на западе). С тех пор Западная Римская империя больше никогда не соединялась с Восточной и постепенно ослабевала под натиском варваров.

На данном произведении византийского искусства в необычной технике гравировки с серебряными вставками изображены правители бывшей Римской империи. Конечно, ни о каком сходстве не может идти и речи, это даже не портреты в классическом смысле слова, а символическая репрезентация двух властителей, которые фланкируют фигуру, олицетворяющую город Константинополь. Историки и реставраторы, исходя из анализа даты изготовления этой таблички, предполагают, что запечатлены Аркадий и Гонорий. По эллинистической традиции столица представлялась в образе Фортуны. Сегодня имеются две версии объяснения, почему падение Римской империи сопровождалось таким сильным упадком в изобразительном мастерстве. Первая — естественный регресс ремесла, отсутствие заказчиков, денег на искусство, его невостребованность. Вторая — особенности новой религиозности римлян: в III–IV веках произошло отречение от роскоши, лицемерия, изнеженности последних столетий существования империи. Христианство предоставило людям новую альтернативу — аскетичную жизнь, заботы о душе. Наивность произведения лишь подчеркивает и углубляет впечатление отчаяния и духовных поисков, надежды на лучшую жизнь, более справедливый порядок. Через несколько веков, в VIII–IX столетиях, в Византии будет даже поднят вопрос о запрете изображений людей и бога в знак отказа от идолопоклонства.

Лампа с подставкой. VI–VII века. Сплав меди. Высота — 41

Этот образец христианского византийского искусства очень оригинальный по форме и изобретательности. К его крышке приварен крест сложных декоративных очертаний. К ручке прикреплена орнаментальная фигурка орла в виде распятия. Казалось бы, перед зрителем — обычная лампа, однако она дает возможность уловить коренной характер искусства Византийской империи: оно было пронизано символикой. Все вещи, любой ритуальный предмет или изображение сразу отсылали к христианским, библейским, религиозным и сакральным образам. Их значение превосходило чисто утилитарный уровень. Позже, с укреплением могущества Византии и христианства, символика и образность достигли небывалой сложности и систематичности, уровня отвлеченной рафинированности.

Флакон. VI–VII века. Стекло. 9,2x3,2

Византия славилась своим искусством стеклоделия. Императорские мастерские изготовляли изящную ритуальную и бытовую утварь, щедро украшенную золотыми и серебряными орнаментами и росписью. В Средние века именно Византия была главным центром художественного стеклоделия в Европе.

Данный небольшой граненый флакон представляет собой образец массового ремесленного производства. Об этом свидетельствует его довольно примитивная и неровная форма. Сосуд сделан, скорее всего, для нужд семьи или общины — об этом говорят нанесенные на тулово символы, возможно, плодородия или иудейской веры. По всей видимости, в емкости хранились благовония.

Сосуд для святой воды. V–VII века. Глина. 9,7x7

Этот сосуд для святой воды сделан для паломников в одной из мастерских Египта. На нем в обобщенной и наивной манере изображен один из самых почитаемых в древности христианских мучеников региона — святой Мина. Он был солдатом, родом из Египта. Во время суровых гонений на христиан в период правления императоров Диоклетиана и Максимилиана (конец III века) воин отказался служить у мучителей и удалился в горы, где проводил время в молитве и посте. Позже, вернувшись в город, где раньше служил, Мина попался в руки властям и погиб, перенеся жесточайшие пытки. Наивный образ святого, изображенный здесь, служил постоянным напоминанием верующим о силе духа и стойкости убеждений истинных христиан.

Гостеприимство Авраама. Последняя четверть XIV века. Дерево, темпера, золото. 36x62

С XX века музейные работники и религиозные деятели, особенно в России после гонений на церковь в СССР, спорят о том, правомерно ли называть иконы искусством, место ли им в музеях. Ведь для верующих — это молельный образ, одно из средств обращения к Богу.

Искусство иконы родилось из искренней и страстной веры христиан в милосердие, возможность спасения. Поэтому на протяжении столетий каноны и иконография эволюционировали. Менялись представления самих, в основном не известных по именам, мастеров о том, как надо писать образы — страстно, экспрессивно или, наоборот, лирично и мягко. Иконопись стала самым характерным видом религиозного искусства Византии, она достигла там наивысшего расцвета. Историки различают несколько основных периодов ее развития. Данное произведение искусной константинопольской мастерской — пример зрелой фазы — палеологовского периода, называемого по имени последней династии императоров Византии. Тогда страстный порыв веры, особое ощущение величия, которые вылились в работы, поражающие глубиной взгляда и особой атмосферой, сменились интересом к виртуозности, мастерству, граничащему с рафинированностью. Эта икона очень тонкая по рисунку — на золотом фоне, словно вне времени, представлены Святая Троица и Авраам с женой Сарой. Силуэтно изображенные фигуры, звенящая благоговейная тишина, движение взглядов — все свидетельствует о духовной мощи и вселенском значении происходящего. «Гостеприимство Авраама» является символическим изображением Святой Троицы.

Андреас Рицос (около 1421–1492) Триптих. XV век. Дерево, яичная темпера. 21x43

Этот триптих создан в знаменитой иконописной мастерской Андреаса Рицоса. Он — один из самых известных и прославленных живописцев острова Крит конца XV века. Российские ценители иконописи наверняка знают работу этого творца «Богоматерь Страстная», выставленную в ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве. В его школе в Ираклионе учился Доменикос Теотокопулос (1541–1614), известный на весь мир как Эль Греко.

Мастера критской школы выработали особый каллиграфически точный рисунок и безупречную тонкость техники наложения мазков. Как видно на представленном триптихе, важной составляющей художественного языка стал колорит: яркие, чистые краски наносились на светящийся золотой фон. На центральной панели, словно в архитектурной нише (арке), изображены монументальные фигуры Богоматери и Младенца Христа. Они восседают на троне. Сверкающий фон окружает их сиянием славы. Обратите внимание на ноги Марии — на них багряные сапожки императрицы. Эти детали говорят о том, что она мыслится как Царица Небесная. Взгляд Богоматери преисполнен необычайной духовной силы и неколебимой веры. На боковых створках изображены группы по три апостола, они будто пришли на поклон к Марии и Иисусу. Справа — апостолы, указующие на Писание, слева — столпы веры. Общая строгость образов и монументальность звучания вместе с торжественностью золота свидетельствуют о высочайшем качестве работ иконописной мастерской Крита.

Мастерская художника Ангелоса(?) Святая Анна с Богоматерью. Середина XV века. Дерево, темпера, золото. 106x76

Перед зрителем — икона святой Анны, матери Марии. Символика понималась мастерами прямолинейно: Анна держит на руках уменьшенную по масштабам Богородицу, что означает ее детский возраст, однако изображена она канонически, во взрослом. Икона впечатляет своей простотой и одновременно виртуозной изящностью. В ней нет ничего лишнего — только молельные образы святых. Лаконичность композиции, где главный акцент сделан на лике Анны, дополняется эффектными сочетаниями локальных цветов, почти не тронутых графической детализацией. В начале XX века неизвестные дельцы приписали на произведение подпись Эммунаила Тцанеса, лидера критской школы иконописи. Современные реставраторы опровергли его авторство, но работа, безусловно, создана талантливым мастером и представляет собой образец высочайшего качества.

Преображение Господне. Вторая половина XV века. Дерево, темпера. 44,9x36,1

Данная икона написана в одной из мастерских Крита на сюжет из числа самых распространенных в христианской иконографии. Преображение Господне — явление Божественного величия и славы трем ближайшим ученикам во время молитвы на горе Фавор. Композиция построена виртуозно: на вершине стоит Иисус. Характерны вытянутые пропорции тел, золотой (но потемневший со временем) оттенок ликов. Интересно сравнить, как в византийском искусстве трансформировался мотив античной драпировки — линии стали жестче, геометризированней по характеру, они больше не струятся, а, скорее, фиксируют основные точки позы. Очень экспрессивно показаны Петр, Иаков и Иоанн, падшие ниц у подножия горы. Неизвестный мастер так пишет их фигуры, блики и складки на плащах, что герои похожи на искрящиеся лучи — продолжение света, излучаемого Христом.

Критская школа Бегство в Египет. Конец XV века. Дерево, темпера. 28x62

В этой работе критской школы иконописи пропорции героев библейской истории равны городским вратам и элементам окружающего пейзажа. Фигуры занимают почти всю высоту доски — они монументальны, но при этом написаны с большой теплотой. Чувствуется, что это не просто молельный образ, а рассказ о хорошо известных и любимых событиях Священной истории. Ведь в более ранние периоды развития византийской иконописи отсутствие измерения и, соответственно, вневременной характер изображения подчеркивали незыблемость библейской истории, ее неподвластность времени. Для этого мастера использовали прямую перспективу, намеренно не соблюдали реалистические пропорции тел, вводили много золотого света, который словно уничтожал глубину, погружая все в сияние. На представленной работе видно, что в иконописи развивается последовательный рассказ. Влияние светского искусства проявляется в особом интересе к пейзажу: мастер выписывает тонкие стебли растений, варьирует оттенки зеленого в изображении травы, рисует изысканные по силуэту деревца. Художник добивается объемности, глубины изображения, которые добавляют иконе пространственно-временное измерение. Изображенная история описана в Евангелие от Матфея. После рождения Христа ангел явился Иосифу и сказал: «Встань, возьми Младенца и Матерь Его и беги в Египет, и будь там, доколе не скажу тебе, ибо Ирод хочет искать Младенца, чтобы погубить Его». Трактовку дополняют апокрифы (не вошедшие в библейский канон предания о Священных событиях). Так и на этой иконе показан один из встретившихся на пути Марии и Иосифа путников.

Иоанн Пермениатис Поклонение волхвов 1500–1525. Дерево, темпера. 87x134

Взаимоотношения греческих художников и ренессансной Италии были очень интенсивны в Венеции. Этот город издавна служил своеобразным перевалочным пунктом между двумя великими цивилизациями: ортодоксальной Византией и католическим Западом. Поэтому его архитектура и творившие в нем мастера представляют собой уникальный «продукт» взаимовлияний восточных изысканной декоративности и духовности и художественных новаций эпохи Возрождения. Иоанн Пермениатис был одним из самых известных греческих мастеров, которые работали в Венеции. В этом его произведении наглядно виден синтез двух принципов понимания живописного искусства. В творчестве Пермениатиса объединились исконные черты византийской иконописи: вытянутые пропорции фигур, заостренные черты лиц и жесткие складки одеяний, которые призваны олицетворять стойкость, строгость веры и служения Господу. Лики главных героев — Богоматери, Иосифа и трех волхвов — канонически «иконописны». Ренессансные, западноевропейские традиции ярко выражены в общей композиции картины. Повествование уходит вглубь живописного поля, оно разворачивается издали к первому плану. Интересно, что пространством выражается временное измерение: на заднем плане зритель видит волхвов, которые наблюдают Вифлеемскую звезду, служащую знаком рождения Спасителя (сцена справа). Слева, за скалой, видны они же, приближающиеся к месту действия. По преданию, волхвы пришли с трех сторон света: из Европы, Африки и Азии, они представляют три расы. Поэтому художник согласно ренессансной традиции подробно изображает различия в этническом типе, а также в манере одеваться и даже способе передвижения. На заднем плане — морской пейзаж в характерном синем цвете, олицетворяющем дальность расстояния. Некоторые объекты — дерево и звезда — нарисованы с несоблюдением перспективы и масштаба, что придает им важное символическое значение.

Михаил Дамаскин (около 1535–1592) Четыре святых воина. Вторая половина XVI века. Дерево, темпера. 73x57

Михаил Дамаскин — один из самых знаменитых представителей критской школы иконописи, современник Эль Греко. Дамаскин дополнил свое классическое восточнохристианское представление об искусстве иконы обучением в Италии, в Венеции. В этой работе европейские навыки видны в динамичной, объемной композиции, реалистически трактованных фигурах, характерной для Западной Европы живописности облаков. Мастер обновил каноническую и ставшую холодной поствизантийскую традицию (империя существовала до 1453), восприняв находки ренессансных творцов. Здесь изображены святые воины: Георгий и Феодор Тирон — слева и Димитрий и Федор Стратилат — справа.

Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541–1614) Поклонение волхвов 1565–1567. Дерево, темпера. 56x62

В музее хранится большая редкость — ранняя работа Доменикоса Теотокопулоса, который прославился на весь мир под именем Эль Греко («грек»). Он родился на острове Крит и первые уроки живописи получил, как и Михаил Дамаскин, в монастырской школе иконописи в Ираклионе.

Эта работа интересна тем, что по ней заметно, как художник искал свою манеру, пробовал разные приемы и стили для нахождения оптимального авторского решения. Здесь очевидно влияние работ ренессансного живописца Тициана и художника Позднего Возрождения венецианской школы — Тинторетто. Именно в Венецию Доменикос поехал учиться в 26 лет. Этот итальянский город был традиционно связан с византийскими художественными традициями. Мастера школы впитали в себя как навыки великих итальянских живописцев, так и особую спиритуальность восточнохристианской традиции.

Данная икона была написана на панели старого сундука. Композиция и приемы работы — европейские. Здесь есть развитие картины в глубину, динамичный сюжет с искусно расположенными персонажами, тщательно прорисованный пейзаж и реалистично трактованные архитектурные декорации. В произведении много воздуха и света, но не за счет традиционных иконописных средств выражения в виде добавления позолоты, а благодаря живописной технике, разработанной Тицианом. Греческий художник варьирует тона, пишет очень сочно и мягко.

Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541–1614) Святой Лука рисует икону с Девой Марией 1560–1567. Дерево, темпера. 41x33

В музее хранится еще одна, на этот раз более традиционная икона, подписанная Эль Греко. Он создал ее во время учебы на Крите. Здесь изображен распространенный в Греции сюжет, представляющий святого Луку первым художником, нарисовавшим образ Богоматери. Тем самым византийские мастера вели иконографию Богородицы от Евангелиста и свято соблюдали канон, а гильдия европейских средневековых мастеров носила его имя.

Как свойственно этому необычайному по масштабу таланта мастеру, он синтезирует старые византийские традиции с европейскими живописными приемами. Образ Девы Марии и статичность святого Луки — каноничны, однако сила цвета, внутренняя динамика композиции говорят о личном вкладе художника.

Феодосия Пулопос Плащаница с вышивкой 1599. Ткань, золотая нить. 80x107

Плащаница — это погребальное полотно с вышитым изображением лежащего во гробе Иисуса Христа. Обычно ее используют во время предпасхальных богослужений в православных церквях. При изготовлении таких покрывал применяются разнообразные декоративные техники. Как правило, предпочтение отдавали бархатной основе, на которой методом лицевого шитья с золотыми нитями мастерицы вышивали сюжет Положения во гроб. Этот плат имеет подпись, его вышила Феодосия Пулопос в 1599.

Представленный экспонат — один из самых интересных примеров церковного искусства поствизантийского периода в Греции. Композиция и набор действующих лиц традиционны — изображена сцена Положения во гроб. Вокруг тела Христа собрались его ученики и последователи. Библейское предание гласит, что снятое с креста тело обвили плащаницей, пропитанной благовониями, поместили в склеп, высеченный в скале, и привалили ко входу камень. За этим наблюдали Мария Магдалина и Богоматерь.

Фигуры выполнены почти во всю высоту плата, они производят монументальное впечатление. Автор выбирает лаконичную гамму цветов. Основной эффект создает сочетание насыщенно-красного фона и мерцающего серебристого оттенка фигур. Работу отличают тонкость выделки, гармоничность пропорций и цельная композиция. Трудно представить себе, сколько времени потребовалось монахине, чтобы создать это подлинное произведение искусства.

Критская иконописная школа Иоанн Креститель. Около 1600. Дерево, темпера, золото. 35,2x26,3

Греческое искусство иконописи отражает общие настроения восточной ветви христианства, которая традиционно более мистическая, иррациональная, страстная, аскетичная и одухотворенная по сравнению с западной. Последняя была направлена, скорее, на рациональное постижение сущности божественного.

Эта икона ярко демонстрирует названные черты восточной церкви, стоит только взглянуть на манеру написания тела и лица Иоанна Крестителя. Перед зрителем — настоящий аскет, плоть которого иссушена, а в глазах отражается страстное служение Богу. Композиция проста, в изображении Иоанна нет никаких лишних деталей, колорит ограничен черным, коричневым и золотым, все внимание направлено на лик.

Димитрий из монастыря Иоанна Предтечи в Серресе Киворий 1613. Серебро, эмаль. Высота — 22

В музее представлен киворий, созданный одним из монахов греческого монастыря Иоанна Предтечи. Это дарохранительница и литургический сосуд. В нишах предполагалось хранить хлеб, а внутри — святую воду. Интересно, что за века этот тип емкости претерпел изменения: из чаши, которую подвешивали к потолку, он превратился в навес (сени) над алтарем. Теперь киворием называют своеобразный шатер внутри церкви или снаружи на территории монастыря, а также дарохранительницу. Данный киворий привлекает старательностью своей выделки и почти «игрушечным» характером. Кажется, что мастер вложил в него теплоту, искренность своей души и прямолинейность веры.

Критская иконописная школа Сошествие во ад. Первая половина XVII века. Дерево, темпера, золото. 51x66

Расцвет поствизантийской критской иконописи приходится на XV–XVII века. Мастера сочетали в своих работах великое наследие Византии с технической виртуозностью современной им итальянской школы живописи. Эта икона очень характерна для так называемой греческой манеры, которая следует восточнохристианским канонам и представлениям о молельных образах. Фигуры вытянуты по пропорциям, прописаны достаточно жестко, геометрически, чтобы создать ощущение несгибаемых столпов веры. Эту характеристику поддерживает и сопоставление боковых групп персонажей с фланкирующими их скалами. Мягкий наклон в движении, которое совершает Спаситель, является своеобразным мостиком между людьми и центром композиции.

Теодор Пулакис (около 1620–1692) Архангел Михаил. Вторая половина XVII века. Дерево, темпера, золото. 76x54,3

Теодор Пулакис — один из самых видных представителей критской школы иконописи. Почти всю жизнь он прожил в Венеции — городе, в котором благодаря его географическому расположению соединились культура и менталитет Запада и Востока. Здесь творили как типичные европейские ренессансные живописцы, так и многочисленные иконописцы, работавшие по церковным канонам. Если сравнить эту икону с предыдущей, то яснее станет западноевропейское влияние на искусство Теодора Пулакиса. На его манере отразились принципы живописи барокко, а также искусства голландской гравюры. Архангел Михаил показан в выразительной динамичной позе, каждая складка его облачения развевается почти театрально. Воздушность драпировок и общая стремительность движения очень эффектно смотрятся на поглощающем объем золотом светящемся фоне.

Вотивный объект в виде руки. XVII век. Золото, драгоценные камни. Высота — 12

Скорее всего, эта необычная и очень красивая вещь была частью иконы Божьей Матери или входила в состав реликвария как одно из украшений крышки. Техника исполнения напоминает традиции мастеров города Сафрамполис в Понте. Впечатляют простота и убедительность данного культового объекта: крупные драгоценные и полудрагоценные камни вставлены в простые оправы по ходу расположения пальцев и основных сочленений. Ладонь традиционно имела большой спектр значений в различных мировых религиях. В христианстве рука олицетворяла силу, власть, присутствие Бога, благословение, передачу учения.

Украшение на голову. XVII–XVIII века. Золото, агаты, горный хрусталь, бирюза, кораллы. 12x30

Представленный экспонат относится к достаточно позднему этапу развития поствизантийской культуры. В это время нарастало влияние светской культуры на образ жизни простых греков. Однако, как можно убедиться на примере данного артефакта, традиции национального церковного искусства и ремесла были достаточно сильны. Перед зрителем — женское золотое украшение на голову. Оно предназначалось для торжественных церемоний, о чем свидетельствует щедрый декор крупными полудрагоценными камнями. Убор состоит из десяти золотых пластин со сложным профилем, невольно напоминающим абстрактные человеческие фигурки. Некоторые из них «увенчаны» коронами. Возможно также, что это флоральный мотив с изображением тюльпанов. К нижнему краю прикреплены цепочки с завершениями в виде небольших наконечников. Они придавали украшению динамический характер, служа своей подвижностью своеобразным контрастом широкими крупными пластинам. Драгоценные камни впечатляют разнообразием и размерами и имеют символическое значение. Неизвестный мастер использовал агат, который еще с древности славился целебными свойствами. Люди верили, что он способен отгонять злые силы. В христианстве, по строгой номенклатуре священнического одеяния, агат присутствовал в ряду камней перстня первосвященника. Горный хрусталь благодаря прозрачности и чистоте традиционно почитался как символ Богоматери, «не излучая света сам, он изумительно сверкает, встречаясь с потоком божественного света», подобно ей. Бирюза также была популярным камнем в символике христианского искусства. Ее цвет (сине-зеленый) напоминал одновременно о Небесах и воде (как одном из евхаристийных образов Христа). В целом украшение привлекает своим радостным многоцветьем и одновременно монументальностью общего облика.

Кредо. Около 1700. Дерево, темпера, золото. 32,5x43

Перед зрителем — иконописная копия гравюры авторства Иоганна Заделера, мастера конца XVI века из Брюсселя. Он в свою очередь выгравировал изображение по рисунку Мартина де Воса, считающегося одним из самых влиятельных художников фламандской школы живописи и графики указанного времени. Таким образом, рассматриваемая икона представляет собой результат череды трансформаций, она путешествовала из страны в страну, меняя тип и технику изготовления.

Практика копирования была популярна по всей западной и восточной христианской цивилизации. Гравюра стала самым главным способом распространения сюжетов и картин прославленных мастеров для широкого круга людей. Так манеры, стили, техники, сюжеты и образы преодолевали расстояния в тысячи километров, взаимообогащая разные культуры и создавая единый стиль европейского искусства. Например, сам Мартин де Вос учился у Тинторетто, одного из влиятельнейших художников венецианской школы, которая творчески питала и греческих иконописцев. Работам де Воса свойственны удлиненные пропорции. Позже, в гравюре, манера исполнения смягчилась, приобрела больше округлостей, что отвечало вкусам начала XVII века. Критские мастера сделали из изображения икону, как они называли, на «итальянский манер». Это значит, что заказчиками были католики. Сюжет традиционен для западной ветви христианства. «Кредо» — это католический символ веры, система основных постулатов церкви, которые образно представлены на данной картине. Достаточно типичная западноевропейская композиция и трактовка фигур сопровождаются традиционными золотыми нимбами.

Священническое украшение в виде диптиха 1736. Дерево, серебро, эмаль, кораллы. Длина — 70

Это украшение священнического облачения было заказано в 1736 Михаилом Сараситисом, богатым промышленником, владельцем серебряных карьеров, для местной церкви в Аргируполи. На богато выделанной подвеске изображены двенадцать великих церковных праздников, Деисус, святые Дмитрий и Георгий, победитель дракона. Деисус означает традиционное изображение Христа (чаще всего Вседержителя), а справа и слева от него — Богоматери и Иоанна Крестителя, представленных с жестами молитвенного заступничества. Резьба по дереву наследует византийские средневековые традиции резьбы по слоновой кости: характерные небольшие вытянутые фигурки, мягкие очертания, стройный, частый ритм персонажей.

Митра епископа 1739. Серебро, полудрагоценные камни. Высота — 25, диаметр — 20

Этот головной убор епископа называется «митра» (с греческого «повязка»). Он является частью облачения епископа во время богослужения и, как правило, очень богато и искусно оформляется драгоценными и полудрагоценными камнями, а также изображениями сцен из Библии. Эта митра была создана в дар архиепископу Амиды — древнего города на территории Турции, который исторически относился к царству Великой Армении. В 504 город завоевали византийцы. Убор декорирован по образу архитектурного сооружения: внутри арок с тонкими колоннами расположены святые и библейские сюжеты, важные для богослужения, а также Деисус.

Кубок с крышкой 1751. Серебро. Высота — 44

Этот серебряный кубок — образец утвари новогреческого периода. Изощренность орнамента, скрупулезность отделки очень характерны для поздней фазы развития религиозного поствизантийского искусства. Форма емкости очень цельная, строгая, на поверхности нет ни одного не заполненного узорами места. В чаше конструктивно выделены три части. Ножка имеет прихотливую форму, в чешуйки помещены изображения святых. Декоративный «узел», связывающий сосуд и ножку, — шар с инкрустацией драгоценными камнями. Тело кубка оформлено словами из Писания. Отличительная черта искусства ортодоксальной культуры: изделие очень затейливое и богатое, с применением фантазийных форм, но одновременно чаша имеет целый, словно замкнутый на себе силуэт и характер. Сосуд неуловимо напоминает столб (аналогия со столпом веры) и древнее растение с корнями (библейские аллюзии).

Фрагмент архитрава из Киклад. Вторая половина XVIII века. Мрамор. 29x40

Архитравом обычно называют продольную часть античного архитектурного ордера, которую несут колонны. Но у слова есть и более узкое значение. Это каменная плита с резными изображениями. Представленный фрагмент являлся частью архитрава старого святилища. Он был оформлен повторяющимися фигурами русалок с драконами по бокам. Эта очень редкая работа происходит с Эгейских островов Греции, ученые знают не так много подобных артефактов. Территории прославились произведениями доисторического искусства, а вот творения Нового времени (XVII–XIX века) практически не изучались специалистами. Выделим две особенности. Во-первых, бросаются в глаза наивность этого искусства, его неумелость, почти детский по характеру рисунок. Кажется, что неизвестный резчик по камню впервые выполнил изображение. Однако такая простота свидетельствует и о том, что художником двигала вера, он выполнял изображения не ради искусства, а ради традиции, как символ своей религии. Во-вторых, как это ни странно, мастер следует языческой античной иконографии, древним образцам, которые оказались у него под рукой. Такие предметы искусства бережно хранились художниками. Авторы символически продолжали традиции предков, тщательно копируя образы. Часто случалось так, что знание о том, что обозначало изображение, терялось со временем, но это не останавливало мастеров от почтительного копирования. Так, типичная античная языческая русалка оказалась изображенной на христианском святилище.

Богоматерь с Младенцем и пророками 1788. Серебро, позолота, чеканка. 89x58,5

Эта икона — образец искусства художественной выделки серебра из Малой Азии. Лики Богоматери и Младенца написаны красками по металлу. На обрамлении выгравированы образы пророков и святых. Промежутки между изображениями заполнены флоральными орнаментами. Интерес представляет посвятительная надпись: она записана по-турецки греческими буквами. Такие иконы, помещенные в интерьер церкви, создавали еще один источник отражения света свечей, добавляли в атмосферу церковной службы богатство и потустороннее мерцание.

Прецессионный крест. XVIII век. Дерево, резьба, позолота. Высота — 35

Данный крест носили во время церковных процессий. Именно его праздничная, ритуальная функция объясняет такую затейливость и декоративность форм, необычайно нарядный силуэт. Крест состоит из двух частей. Главная — это непосредственно само распятие с пышной кружевной позолоченной резьбой по краю. По бокам у подножия креста — две подставки в виде драконов, второй элемент предмета. На кронштейнах держатся иконные образы — Скорбящая Богоматерь и Иоанн Креститель. Изображения выполнены очень просто и душевно, они наполнены искренним религиозным чувством. Эта даже несколько наивная трактовка персонажей Священной истории неожиданно сочетается с тяжелой, парадной и вычурной формой креста. В ритуальном предмете, таким образом, видны подлинная вера и религиозная страстность.

Крест. Конец XVIII века. Дерево, эмаль, позолота. Высота — 25

Неизвестный мастер обыграл в этом сделанном для литургических целей кресте мотив райского дерева. Не сразу можно разглядеть классическую форму предмета, в глаза бросаются сочные бутоны диковинных цветов, тяжело свисающие с веток. Само тело креста сделано из дерева. В нем искусно прорезаны сцены из Библии. По боковым частям в небольших нишах-окошках размещены фигуры евангелистов. Вырезана даже обстановка их келий. По профилю креста расположены прекрасные ювелирные поделки, изображающие листья, цветы, ствол дерева, его ветви.

Безусловно, это сращение креста и дерева имеет глубокую символическую образность: цветение Истины и Плодородия христианской веры.

Деревянная панель. Фрагмент 1770–1799. Дерево, темпера. 43x232

Эта работа дает зрителю возможность познакомиться с особенностями греческого светского искусства, на которое непосредственное влияние оказало турецкое владычество. В экспонате соединились черты разных культур, народов и религиозных образов. Он попал в музей со знаменитого острова Родос в Эгейском море. Длинная (более двух метров) панель разбита на секторы, каждый из них отмечен изящной нарисованной колонной или перегородкой. Это древний способ изображать рассказ, помещая его в подобие условных архитектурных декораций. На ярком красном фоне даны галантные сценки развлечений и отдыха. По исламской традиции они ассоциируются с раем: именно там люди беззаботно проводят время, веселятся, наслаждаются вином, охотой, музыкой.

Привлекает внимание стилистика изображения, перенятая из средневековых миниатюр: яркие краски, четкие силуэты, сложные ракурсы. Такое искусство характеризуется и несоблюдением единой перспективы, условным размещением героев в пространстве, еще более умозрительными масштабами и пропорциями персонажей. Интересно взглянуть на зверей. Они представляют реальные виды (заяц, пантера, птицы) и одновременно наделены какими-то фантастическими характеристиками. Высунутые языки — традиционный геральдический символ активности и энергичности хищников. Сцены с действиями людей перемежаются с декоративными композициями: вазами с цветами, путти. Одежда персонажей и форма сосудов свидетельствуют об исламском влиянии, а фигурки ангелочков говорят о западноевропейских мотивах. Нечасто встретишь такую удивительную смесь! Скорее всего, судя по развлекательной тематике, панель предназначалась для спальни.

Свадебное нагрудное украшение XIX век. Серебро, инкрустация. Высота — 28

Это произведение попало в музей с острова Эвбея, крупнейшего после Крита на территории Греции. Острова, как и вся материковая часть страны до 1830, были под властью Османской империи. Однако греки тщательно сохраняли свои традиции и специфику национального искусства.

Такое украшение во время свадебной церемонии невеста носила на груди. Оно сделано из серебра и состоит из нескольких декоративных форм: цепочек, орнаментированных дисков с инкрустациями, крестов и монет. Последние две олицетворяют праведность и богатство. Это своеобразный зарок и пожелание новобрачным избежать бед, быть благочестивыми и стяжать достаток. Особую символику имеет и трехкратное повторение главных элементов украшения. Обращает на себя внимание виртуозная и кропотливая работа ювелира, который вставил камни в тончайшее серебряное литье круглых деталей, напоминающих солярный знак. Декоративные традиции высокого литургического искусства, которым славились Византия и поствизантийкое ремесло, сохранялись также в таких предметах таинства и брачных обрядах.

Пирпири XIX век. Шерсть, золотая нить. Длина — 123

Эта потрясающая по красоте вышивки женская верхняя одежда называется пирпири. Традиционно она украшалась очень богато и разнообразно: мастера использовали большое количество разноцветных нитей, в том числе серебряных и золотых, вводили затейливые орнаментальные композиции и сюжеты. Здесь эффектно сочетается черная шерстяная материя с вышивкой золотой нитью. В узор вплетены хорошо узнаваемые изображения коронованного двуглавого орла. Этот геральдический символ имеет очень древнее происхождение, он был распространен еще со времен Древнего Шумера (IV–III тысячелетия до н. э.). В Византии и позже, в поствизантийскую эпоху, он означал императорскую власть.

Кондогуни. XIX век. Бархат, золотая нить. Длина — 42

В экспозиции представлен еще один образец традиционной греческой одежды — «кондогуни». Эта бархатная куртка щедро расшита золотой нитью. Конструктивно выделены главные элементы — рукава, ворот и спина (данный сектор наиболее богато орнаментирован). Основным мотивом стал образ райского сада: двуглавый орел, по бокам от него — необычайной красоты птицы, чуть ниже — фонтан. Скорее всего, это источник с чистейшей водой, являвшийся символом утоления жажды страждущих. В оформлении спинной части почти нет пустого места: фигуративные изображения вплетены в изысканные завитки и цветочные мотивы. На рукавах также вышиты флоральные композиции, по бокам — крупные бутоны лилий. В христианской символике этот цветок означает чистоту и упование на милости Господа. Орлы традиционно олицетворяли божественную и императорскую власть, а также храбрость и верность, служение идеалам. Этот драгоценный экспонат был создан на острове Корфу.

Пояс священника. XIX век. Ткань, золотая нить. Длина — 100

Перед зрителем — элемент священнического облачения из греческого региона Кесария. Он принадлежал церковному главе целого региона. Этот богатый по отделке пояс интересно украшен. На бляхе — уже виденный зрителем двуглавый орел, олицетворяющий божественную и императорскую власть. Узор составлен из веток и гроздей виноградной лозы — одного из главных (наряду с хлебом) символов евхаристии. В Евангелие от Иоанна Иисус говорит: «Я есмь истинная виноградная лоза, а Отец Мой — виноградарь». Лоза — традиционный знак для служителей церкви, являющихся, таким образом, виноградными гроздьями, которые произрастают из тела Христа. Они также могут символически пониматься как ветви мощного древа веры.

Живопись

Неизвестный художник. Портрет лорда Байрона. 1830

Вид на Аргостоли на острове Кефалония 1770–1799. Холст, масло. 73x127

Панорама — традиционный для XVIII века жанр живописи. В нем соединились на первый взгляд противоположные черты — стремление к точности и документальности с очень условно выполненными объектами и широким углом зрения. В панорамах, как правило, изображали местности или события, в которых участвовало большое количество людей: баталии, праздники, императорские шествия. Данный жанр дошел и до наших дней, он обычно используется в музейной практике.

Данная панорама была написана после того, как Аргостоли стал столицей округа в 1757. На этой древней земле находят следы микенской культуры. На картине — знаменитый местный порт и характерные дозорные башни. Названный крупный город жил за счет интенсивной морской торговли. Хотя краски сильно потемнели, старинное произведение обладает своим характером. Зрителю открывается вид на водные просторы, тихую, будничную жизнь греческого населения, которое не являлось хозяином своей собственной страны. Длительный период она находилась под властью Османской империи. Во время освободительной войны греков в 1820-1930-е Аргостоли оккупировали англичане (им одновременно была невыгодна как независимость Греции, так и власть турок). Судьба и дальше была неласкова к этим краям. Во Вторую мировую войну город пострадал от немецких бомбардировок. В 1953 сильнейшее землетрясение превратило в руины почти все побережье. Сейчас Аргостоли — типичный курорт.

Ноэль Д. Финерт (1797–1852) Французская миссия в Морее (Пелопоннес) 1828. Холст, масло. 56x71

В музее хранится коллекция живописных произведений, которые либо сюжетом, либо авторством связаны с историей и культурой Греции. Одна из таких картин создана французским живописцем Ноэлем Финертом. Почти не сохранилось сведений о жизненном и творчеством пути этого мастера, однако представленное полотно — наглядное свидетельство типичной манеры академического искусства первой половины XIX века. Его жанр — классика исторической живописи. Обычно художники участвовали в политических, дипломатических и военных кампаниях в составе делегации, чтобы по свежим следам запечатлеть важные события. Как правило, они создавали серию эскизов, набросков, отдельные зарисовки местности и типажей, портреты главных персонажей будущей картины. Вернувшись на родину, авторы выполняли в мастерской полноценное, как правило, достаточно большое по формату произведение. В нем соединялись впечатления, события и детали, а иногда и сочинялись новые. В композиции работы все было полно символики и значимо для современника: расположение персонажей, состояние погоды и другое.

Так, данную картину художник создал в 1828, но изобразил события, которые разворачивались годом ранее. Он запечатлел высадку французских военных на пелопонесский берег, что являлось подготовкой к знаменитому Наваринскому сражению. В нем участвовали, с одной стороны, союз Англии, Франции и России, а с другой — турки и египтяне. Османская империя не согласилась признать автономию Греции, которая с 1453 находилась под ее властью. Эта битва стала одной из главных в серии сражений, в результате которых Греция обрела национальную независимость. Разгром турецкого флота в Наваринском сражении ослабил морские силы Турции, что послужило значимым вкладом в победу России в Русско-турецкой войне (1828–1829). Здесь живописец запечатлел мирный, освободительный характер французской миссии. Офицеры в узнаваемом обмундировании дружески и непринужденно общаются с местными жителями, одетыми в греческие национальные костюмы. Вдали видны силуэты нескольких кораблей, но в целом на заднем плане показана спокойная гладь моря.

Рудольф Мюллер (1802–1885) Вид на Акрополь с Пникса 1863. Холст, масло. 62x87

Представленное полотно является еще одним примером живописи, вдохновленной открытием европейцами памятников древнегреческой культуры после освобождения страны от османского ига. Художники старались разглядеть в современном пейзаже исконно античные черты, будоражившие их фантазию и направлявшие творческие поиски. Рудольф Мюллер — швейцарский живописец, судьба и устремления которого характерны для эпохи, мастер пейзажа. В 15 лет он самостоятельно отправился в странствие, добрался до Англии, а потом до Италии, где и прожил почти всю жизнь.

Акрополем называют возвышенное огороженное место в городе, где располагаются общественные учреждения. Его культурная роль сформировалась еще во времена архаики — здесь находились величественные храмы и святилища. В эпоху классики, к V веку до н. э., архитектурный ансамбль достиг своего наивысшего развития и завершенности. Сокровища, обнаруженные при археологических раскопках на его территории во второй половине XIX столетия, пополнили коллекции крупных музеев мира и составили фонд знаменитого афинского музея Акрополя.

Для европейцев Акрополь наряду с римским форумом стал одним из символов античной цивилизации. Этот вид можно назвать романтическим — величественные руины и пейзаж вокруг, а также состояние неба — все свидетельствует о героическом характере местности и людей, населявших ее. Художник пишет сизевато-розовую дымку, силуэт Акрополя сливается с пустынными, уходящими вдаль горами и долинами Афин. На холме Пникс, с которого сделана работа, в древности собирались граждане, считается, что он вмещает 15 000 человек. Вот почему его название переводится как «давка».

Карл Фридрих Вернер (1808–1894) Храм Афины Ники Аптерос. Вид с северо-востока 1877. Бумага, акварель. 32x55

Эта картина написана известным немецким акварелистом Карлом Фридрихом Вернером. Его учителем в Лейпциге был знаменитый художник Юлиус Шнорр фон Карольсфельд. В краткий период с 1829 по 1831 Вернер решил заняться изучением архитектуры, но вскоре вновь вернулся к живописи. Однако названное увлечение у него не прошло, большинство работ мастера посвящено зодчеству. Он предпочитал рисовать виды знаменитых исторических зданий, памятников древних культур. Появление в творчестве Вернера образов Греции неслучайно. Когда Греция находилась под властью Османской империи, европейцы почти не бывали в стране, которая стала родиной всего европейского искусства. А ведь все неоклассическое искусство и учеба в академиях строились на античном идеале, известном в основном только по римским образцам. Поэтому совершенно ясно, с каким восторгом европейские художники, поэты, писатели и архитекторы встретили известие об обретении Грецией независимости. В страну началось настоящее паломничество с целью изучения памятников искусства и архитектуры. Импульсом к этому послужила наука археология, которая только-только доказала свою эффективность. С начала XIX века были обнаружены сокровища Египта и расшифрованы иероглифы, найдены Вавилонская библиотека и первый череп неандертальца, который позволил ученым строить гипотезы о происхождении человека. Последовала деятельность Генриха Шлимана на территории Греции: отыскали сокровища Трои. В Европе начался расцвет архитектурного стиля неогрек. В академиях художники стали создавать полотна, в которых сценки повседневной жизни помещались в величественные архитектурные сооружения и руины. Эта картина как раз из их числа. Стал распространен и жанр живописной архитектурной реконструкции: мастера стремились представить подлинное величие античной эпохи. Ведь современная им Греция была уже совсем не той легендарной колыбелью искусства. Под чужеземной властью ее положение, как экономическое, так и культурное, было довольно плачевным. Грандиозные следы былой цивилизации оказались заброшены и окружены мирными полями и турецкими поселениями, как на этой картине.

Николаос Гизис (1842–1901) Пожилой мужчина в красной феске. Без даты. Холст, масло. 47x36

Николаос Гизис — один из самых известных и влиятельных художников Греции XIX века. На родине он стал первооткрывателем нескольких живописных жанров. Он перенес на греческую почву технику и манеру немецких мастеров эпохи модерна. Гизис попробовал себя почти во всех тематиках, сохранились его мифологические, исторические, религиозные и аллегорические полотна. Автор не только писал портреты, пейзажи, натюрморты, но увлекался и прикладной графикой. Он делал плакаты, книжные иллюстрации и карикатуры.

В этой работе прекрасно видны основные черты наиболее передовой живописи конца XIX столетия: сочетание портретного реализма со свободной манерой накладывать краски, а также использование ограниченной палитры цветов. Мастер создает эффектный образ умудренного опытом мужчины. Он беспощадно высвечивает дряблую кожу щек. Идеализация проявляется в благородном профиле, задумчивом взгляде. Эффектный, насыщенный красный цвет фески вносит в портрет яркий акцент.

Никос Хаджикуриакос-Гика (1906–1994) Лондонские крыши I 1945. Холст, масло. 25x54

В музее хранятся и произведения искусства современных греческих мастеров. Греки, как и много веков назад, охотно взаимодействуют с другими культурами, обогащая национальный стиль. Так и художник Никос Хаджикуриакос-Гика, происходивший из древнего балканского княжеского рода, обучался в Париже. Он перенес на греческую почву методы кубизма и абстракционизма, ставшие классическими в XX веке. Однако наравне с новейшими тенденциями в искусстве мастер всегда увлекался родной народной культурой, пристально изучал фольклорные мотивы.

Эта работа представляет основное направление творчества автора: эксперименты с подачей материала, повествовательным компонентом живописи. Он, как и древние мастера художественных панорам, выбирает архаическую перспективу — с высоты птичьего полета. Хаджикуриакос-Гика рисует крыши Лондона, приписывая названия домов и улиц. Получается затейливый коллаж: и документальная фиксация городской топонимики, и, возможно, картина «на память». Художник отмечает места, которые чем-то дороги ему. Рейки справа, их полустертые очертания, свидетельствуют о том, что это вид из окна. В полотне причудливо сочетаются искусственность, условность общей композиции и достаточно традиционный (со времен французских импрессионистов) колорит и манера передачи городского пейзажа. Благодаря надписям здания становятся похожи на предметы, которые мастер комбинирует на свой вкус и под настроение. Так, современная живопись раздвигает классические жанровые границы. В работе, при внимательном осмотре, раскрывается много разных оттенков и смыслов.

Неизвестный художник Элефтериос Венизелос попирает болгарского тигра. XX век. Холст, масло. 85x63

Эта оригинальная картина сделана в стиле примитив: герой, попирающий тигра, изображен среди условно и немасштабно нарисованных фигур солдат, убивающих невинных женщин и детей. Отрубленные части человеческих тел написаны буквально и очень тщательно. Они призваны отобразить ужасы войны. Скорее всего, картину действительно создал художник-самоучка, который был восхищен личностью Элефтериоса Венизелоса, одного из самых деятельных политиков в драматический период первых десятилетий XX века, ознаменовавшийся международными конфликтами, в том числе катастрофически вылившимися в Первую мировую войну (1914–1918). Использованы традиционные аллегории попирания: политик наступает на тигра, который олицетворяет Болгарию. В 1913 между двумя странами при посредничестве Турции развязалось противостояние, окончившееся победой Греции.

Предметы обихода

Неизвестный мастер. Кресло. 1800–1833

Оконная рама с резными ставнями из Египта. V–VII века. Дерево. Высота — 49

Данный экспонат представляет искусство коптов. Так называют египетских христиан, которые приняли веру еще в первые века ее распространения. Они — представители одной из самых древних и самобытных христианских Церквей. Копты на протяжение веков притеснялись арабами, что еще больше сплотило их и заставило держаться своих корней, ритуалов, искусства и традиций.

Перед зрителем — всего лишь створка окна, однако как тщательно и с какой фантазией она вырезана! Здесь несколько основных мотивов: птицы, искусно декорированная колонна-растение, розетты и гибкие, перекрученные между собой ленточные узоры. От этого объекта веет полумифической древностью и атмосферой быта, укорененного в религиозную культуру.

Верхняя панель резного сундука 1700–1799. Дерево, резьба. 129x39

Перед зрителем — резная крышка традиционного деревянного сундука с Пелопоннеса. В эти причудливые узоры вплетены фигурки охотников, львов, птиц и двуглавого орла. Стилистика изображения говорит о наследовании средневековых монастырских принципов работы в живописи и скульптуре. Образы обобщены и наивны, вся поверхность панели заполнена, нигде нет свободного места. Этот факт свидетельствует о принципе horror vacui, что с латинского языка переводится как «боязнь пустоты». Исследователи придерживаются мнения, что многие примитивные культуры или общества с преобладанием специфического религиозного сознания выражают свои эмоции и чаяния по отношению к окружающему миру в чрезмерной художественной обработке объектов. Древние и средневековые мастера стремились преобразовать всю поверхность обрабатываемого предмета, словно боялись злых сил, которые символически «захватят» пустое, не возделанное рукой человека пространство. Так и здесь панель испещрена резными орнаментами, изображениями цветов, ветвей, стеблей, фигурок, расположенных асимметрично и вразнобой. Складывается ощущение, что творец, начав вырезать, остановился только потому, что больше не осталось места. На крышке присутствуют распространенные образы и орнаменты, но нет продуманной композиции. Нагромождение мотивов должно было свидетельствовать о высокой стоимости предмета и виртуозности мастера. Эта работа — прекрасный пример настоящего народного искусства.

Ящик для инструментов ювелира 1800–1850. Дерево, инкрустация. 39x35x16

Перед зрителем — интересный предмет повседневной жизни ремесленников прошлых столетий в Греции. Это хранилище для инструментов ювелира. Каждый ящик сделан под определенные принадлежности. Все оформлено инкрустацией, которая образует несколько неприхотливых, но очень эффектных геометризированных орнаментальных мотивов. Можно представить себе, глядя на этот красивый, чисто утилитарный предмет, с какой радостью работал неизвестный мастер золотых дел.

Сундук. Вторая половина XVIII века. Дерево, роспись. 55x85x45

Этот предмет принадлежит к официальному греческому искусству, то есть был создан и заказан турками. Подобные расписные сундуки обычно дарились молодоженам и размещались в ногах супружеского ложа. Мотивы рисунков соответственно интимной, любовной и галантной тематики. Обычно изображались сценки увеселительных прогулок в саду, наслаждения музыкой, танцами и вином. На передней панели сундука расположена большая флоральная декоративная композиция. Ее стилистика (крупные, сочные плоды, птицы, цветы) свидетельствует о заимствовании западноевропейской традиции того времени — изысканного рококо.

Настольные часы 1800–1850. Высота — 68

Представленные часы произведены во Франции и выполнены в стиле ампир (французский «имперский стиль»), об этом свидетельствуют затейливо и богато оформленные ножки экспоната. Они были сделаны для богатого греческого заказчика, который хотел выразить надежду на обретение Грецией независимости от Османской империи или радость от случившегося в 1830.

Часы интересны изображенной на них аллегорией: воин обнимает женщину — это традиционный символ независимости и победы над внешним врагом. Страна боролась с турками в течение десятилетий, образ солдата в национальном костюме призван выразить упование греков на защиту от захватчиков.

Футляр с фигурой горгоны 1900–1930. Дерево. Высота — 25

В музее хранится оригинальный экспонат, являющийся элементом типичного крестьянского быта Греции первых десятилетий XX века. Это затейливо сделанный деревянный футляр для спиц. Интересно, как в традиционном народном укладе жизни соединились образы и мотивы, популярные еще в Античности, с условным декором, в котором чувствуется восточное, турецкое влияние. Лицо персонажа намечено очень условно, все внимание неизвестного мастера сконцентрировалось на тщательной резьбе орнаментов на туловище. Впечатляют как декоративная трактовка груди и торса, так и фантазийно скомпонованный хвост мифологического существа.

Неизвестный художник. Золотая сережка. 250–200 до н. э.

Следующим том

Здание музея Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке построено по проекту выдающегося архитектора-новатора Френка Ллойда Райта и является одним из важных достижений архитектуры XX века. Его собрание включает разнообразную коллекцию живописи, начиная от импрессионистов и заканчивая произведениями современного искусства. Это один из самых посещаемых в Нью-Йорке музеев, ежегодно его экспозиции осматривают более трех миллионов зрителей.

Оглавление