«Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней»

Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней (fb2) - Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней 5542K скачать: (fb2) - (epub) - (mobi) - Оксана Алексеевна Киташова

О. Киташова Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней

Официальный сайт музея:

Адрес музея: Art Gallery Road, The Domain, Сидней.

Телефон: 02 9225 1744.

Проезд: На автобусе: № 441; City Sightseeing — остановка № 12. На поезде — остановка «St James and Martin Place».

Часы работы: Ежедневно: 10:00–17:00, по средам: 10:00–21:00.

Музей закрыт на Рождество и в День благодарения.

Вход свободный.

Фото- и видеосъемка: Разрешена личная, некоммерческая, фотосъемка без применения вспышки и треноги.

Видеосъемка запрещена.

Информация для посетителей: Магазины, расположенные на территории музея, предлагают книжную и сувенирную продукцию.

Все желающие могут посетить ресторан, кафе или арт-бар.

Рюкзаки, большие сумки, зонты, детские коляски должны быть обязательно сданы в гардероб.

Здание музея

В 1870-х Европа переживала период жестоких бесчинств: разгорелась Франко-прусская война, революция во Франции повлекла за собой свержение Наполеона III и установление Третьей республики, итальянские войска оккупировали папский Рим, сделав престарелого Пия IX узником Ватикана.

Памятник перед зданием музея

Эти тревожные события всколыхнули общественную жизнь во всем мире, дойдя и до далекой Австралии. На первом вечере, проведенном Академией искусств Нового Южного Уэльса 7 августа 1871, основной темой разговора стали недавние европейские волнения. Обсуждалась судьба охваченного пожаром Лувра, который использовался в качестве склада оружия. Решено было, что юная Австралия во что бы то ни стало должна нести факел культуры, даже если Европа погрязнет во мраке первобытного хаоса. Осознание собственной спасительной миссии красной нитью проходит через всю историю страны. Упомянутые происшествия воспламенили желание учредить Академию искусств «с целью продвижения искусства с помощью лекций, практических занятий и регулярных выставок».

Но этот культурный идеализм являлся лишь одной из причин возникновения Художественной галереи Нового Южного Уэльса. Не менее важным было исторически сложившееся соперничество между Сиднеем и Мельбурном. Открытая в 1861 галерея в Мельбурне пробудила в жителях Сиднея стремление непременно обзавестись собственной коллекцией искусства, достойной Австралийской матери колоний. В то же время лишь немногие из состоятельных граждан города выказывали желание поддержать этот проект. Десять человек, назначенных членами правления Академии искусств, были уверены, что настал момент реинвестировать часть национального дохода в просветительские сферы, подобные искусству. Они надеялись, что основание Академии возвысит город и его жителей над сельскохозяйственными и коммерческими ценностями. Газета «Sydney Punch» озаглавила статью, повествующую о возникновении учреждения, утверждением Овидия, что изучение свободных искусств «облагораживает характер и позволяет ему не быть жестоким».

В зале музея

В зале музея

Основатели музея — люди, искренне верившие в возвышающую силу прекрасного и отдававшие свое время и деньги в поддержку этой веры. Большинство из них были бизнесменами или общественными деятелями, трудившимися в интересах множества культурных, религиозных и образовательных институций колонии.

Дата основания галереи дискуссионна. Что можно считать определяющим в ее открытии: рождение художественного сообщества, действия членов которого обусловили появление музея; голос правительства в пользу материальной поддержки для формирования публичной коллекции или возникновение ее физического дома? Каждое из этих по-своему важных событий произошло в разное время. Как бы то ни было, административно галерея обязана своим рождением Академии искусств Нового Южного Уэльса.

Нынешнее ее здание является одной из достопримечательностей Сиднея. Старое крыло и фасад были возведены в промежутке между 1896 и 1909 по проекту архитектора Уолтера Либерти Вернона, работавшего на правительство. До этого коллекция искусства Сиднея ютилась в комнатах Актового зала Кларка, изначально предназначенных для танцевальных классов. Публика могла ее осматривать лишь по вечерам пятницы и субботы. Позже собрание переместилось на территорию Ботанического сада — сначала в главный зал Садового дворца, потом в специально устроенное помещение с девятью комнатами, «Крыло изящных искусств». В 1899 попечительские фонды, наконец, выделили средства для создания полноценного постоянного помещения для галереи, начался период проектирования.

Вернон считал, что обращение к готическому стилю придаст зданию большую индивидуальность и богатство, «недоступные для холодных несгибаемых линий языческой классики». Однако попечители жаждали увидеть воплощение классического храма искусств, подобного тем, что массово возводились в Европе и Америке. В итоге постройка была решена в изящном раннеклассическом духе. Нынешние формы несколько более аскетичны и сдержанны, чем их задумывал зодчий, рассчитывавший дополнить облик здания скульптурным декором, но производят гармоничное и целостное впечатление.

В 1988 пристройка увеличила площадь музея вдвое. Она обеспечила пространство для размещения искусства Азии и скульптурного сада. В 1994 открылась дополнительная галерея Йирибана, предоставившая место для расположения произведений искусства аборигенов. В 2003 были перестроена и расширена азиатская галерея и выделены специальные залы для выставок. В 2008 складскую зону переоборудовали в помещение для более 200 произведений современного искусства, дарованных музею коллекционером Джоном Калдером и его семьей.

В настоящий момент общая площадь галереи составляет 11 000 м2, вмещающих богатые и разнообразные собрания западного, азиатского, австралийского искусства, искусства тихоокеанских стран, аборигенов Австралии и островов Торресова пролива, фотографий и современного искусства.

В зале музея

Живопись XVI–XVIII веков

Бернардо Строцци. Освобождение Петра. Около 1635

Аньоло Бронзино (1503–1572) Козимо I Медичи в доспехах. Около 1545. Дерево, масло. 86x67

Аньоло Бронзино — один из известнейших представителей итальянского маньеризма. Его приемным отцом и учителем был Джакопо Понтормо, под руководством которого Бронзино достиг творческой зрелости.

На портрете изображен член младшей ветви знаменитого итальянского семейства Медичи — Козимо I, великий герцог тосканский. Бронзино исполнил произведение, отличающееся характерным для техники художника бесстрастием фактуры и близкой к одержимости безукоризненностью выражения идеи. Выписывание металлических доспехов Козимо потрясает достигнутой в рамках одного и того же цвета широтой тональных нюансов, отображающих градацию между затененными и освещенными частями облачения. Доспехи герцога воспринимаются как основа работы, достаточная для ее создания. Бронзино всегда сосредотачивал свое внимание на деталях костюма, орнаменте, украшениях, в то время как лица его благородных моделей близки по исполнению к гладко отполированному камню и лишены каких-либо эмоций.

Козимо Медичи был главным покровителем Бронзино. Эта картина имеет множество авторских копий, одна из которых — столь же высокого уровня — находится во флорентийской галерее Уффици.

Франс Пурбус Младший (1569–1622) Мужской портрет. Без даты. Холст, масло. 61x53,3

Франс Пурбус Младший — наиболее известный представитель фламандской художественной династии Пурбусов. Рисовать он начал учиться у своего отца, затем был принят в Академию святого Луки в Антверпене. Покинувший родные земли, Пурбус в Италии стал придворным живописцем герцога Мантуанского, а затем перебрался в Париж, где работал при дворе Генриха Наваррского. Большая часть его творческого наследия — это портреты знатных людей, составившие славу мастера. Эпоха, в которую Пурбус писал их, относится к тому же этапу развития фламандской живописной школы, когда создавал свои полотна знаменитый Питер Пауль Рубенс, воплотивший на холсте идеалы барочной чувственности.

В представленном мужском портрете ощутима близкая манере Рубенса тяга к изобразительной выразительности, насыщенности и многообразию колористического решения. Собственно авторский стиль произведения отличается продуманностью и внутренней уравновешенностью. Динамика и непосредственность движения кисти, работающие на создание патетической барочной экспрессии, принесены в жертву тщательной проработке деталей.

Ян ван Бейлерт (1598–1671) Девушка с флейтой. Около 1630. Холст, масло. 108x85,8

Радикальное и смелое новаторство в творчестве Караваджо оказало огромное влияние на развитие европейского искусства, в том числе и на мастеров голландской школы, к которой принадлежит Ян ван Бейлерт. Как в сюжетном, так и в стилистическом плане художник следует за итальянским первооткрывателем. Вслед за ранними работами Караваджо живописный мир Европы наполнился многочисленными изображениями, воплощающими радость жизни музицирующих юношей и девушек, чьи образы, как и в данном случае, зачастую не лишены некоторой фривольности в трактовке. Стилистически же полотно ван Бейлерта ближе скорее к зрелому этапу творчества Караваджо, когда для него, наряду с пластическим решением фигур, приобрела особое значение проблема света и на картинах появились резкие противопоставления светлых и темных участков. Именно этот прием пользовался наибольшей популярностью у караваджистов, которые порой доводили рождаемую им выразительность до гротеска. Ван Бейлерту, как бы то ни было, удалось, используя этот метод, сохранить в своем произведении гармонию.

Маттиас Стом (около 1600-после 1650) Гай Муций Сцевола в присутствии Ларса Порсены. Первая половина 1640-х. Холст, масло. 152,6x205,7

Маттиас Стом — нидерландский художник из группы утрехтских караваджистов. Большая часть его работ посвящена античным сюжетам и, в частности, римской истории, отражая приверженность творца к классицизму, с которым Караваджо не имел ничего общего.

Содержательной основой этого полотна является предание о юном римском герое Муцие Сцеволе. Первые упоминания легенды восходят еще к периоду ранней Римской республики: молодой патриций пробрался в шатер осаждавшего Рим этрусского царя Ларса Порсены, чтобы убить его. Однако по ошибке римлянин вонзил нож в тело придворного писца, после чего был схвачен и приведен к повелителю. Сцевола объявил правителю, что 300 юношей поклялись ценой своей жизни убить его. От дерзкого пленника потребовали раскрыть детали заговора под угрозой пыток и казни, в ответ на это он вытянул свою правую руку над пылающим алтарем и держал так до тех пор, пока она не обуглилась. Порсена, потрясенный таким бесстрашием, приказал отпустить его и заключил мир с Римом. Именно после этого случая Гая Муция прозвали «Сцевола», что означает «левша».

Стом изображает на своей картине наиболее драматический, кульминационный момент описанной выше истории, что было свойственно последователям Караваджо. В то же время он утверждает на холсте торжество духа высокой гражданственной морали, тем самым задолго предвосхищая появление работ мастеров неоклассицизма, таких как Жак-Луи Давид, для которых подобная, связанная с самозабвенной преданностью государству нравственность станет основной темой творчества.

Франс Снейдерс и мастерская (1579–1657) Охота на кабана. Около 1650. Холст, масло. 172x239

Крупномасштабные, наполненные безудержной барочной экспрессивностью, выразительные декоративные полотна фламандского творца Франса Снейдерса украшали жилища многих его знатных современников, в том числе и столовую во дворце известного мецената и епископа города Брюгге Антония Триста. Снейдерс имел звание главного художника губернатора Нидерландов — герцога Альберта. Основным полем деятельности живописца, избегавшего изображения людей, были монументальные по своим размерам и жизнеутверждающие по образному строю натюрморты и анималистические сцены. Некоторое время он работал помощником Рубенса, рисуя для него животных. В начале творческого пути Снейдерса привлекало написание натюрмортов, а впоследствии он больше заинтересовался созданием на холстах сцен охоты.

Эта поздняя работа, выполненная, вероятно, большей частью в мастерской, повторяет картину, написанную еще в 1620-е, хранящуюся в Национальном музее Познани. Позже, развивая вариативность композиции, художник создал еще два шедевра с изображением разъяренных собак, окружающих и набрасывающихся на кабана. Один из них, датированный 1653, принадлежит британской королевской коллекции и находится в Кенсингтонском дворце.

Якоб ван Рейсдал (1628–1682) Лесистый склон с видом на замок Бентхайм 1655–1660. Холст, масло. 60,2x73,9

Якоб ван Рейсдал по праву считается ведущим голландским пейзажистом XVII века, кроме того, он значительно повлиял на последующее развитие этого жанра, в особенности на произведения романтизма. Его шедевры обнаруживают глубинные, ранее никем не использовавшиеся возможности выразительности пейзажа, который может быть не только отражением какой-либо местности, или, как это бывало у художников прежних эпох, общей идеи универсума, но также способен оттенять то или иное психологическое состояние, быть созвучным различным настроениям человека. По произведениям мастера очевидно, насколько чутким и острым восприятием жизни природы он обладал.

К 1660-м Рейсдалу удалось достичь особой эмоциональной наполненности своих полотен, данный период стал наиболее плодотворным для него. Эта картина проникнута тревожным, меланхолическим чувством, что не является редкостью в стилистическом почерке автора. Предельная мрачность пейзажа с заполненным тревожно сгущающимися тяжелыми облаками небом достигается с помощью использования темных, холодных оттенков в колорите. Неприветливая тропа подводит взгляд зрителя к сумрачному старинному замку, теряющемуся среди деревьев на вершине холма. Эту реально существующую постройку XI века и окружающую ее местность Рейсдал запечатлевал 12 раз. Появление подобных безрадостных работ могло быть обусловлено необходимостью борьбы с тяжелым недугом и непростыми жизненными обстоятельствами, по-видимому, порождавшими весьма пессимистичный взгляд на место человека на земле и сущность жизни, что не могло не отразиться на творчестве живописца.

Томас Хадсон (1701–1779) Маргарет, леди Оксенден. Около 1755–1756. Холст, масло. 126,2x102

Во второй половине XVIII века в Англии активно развивался жанр светского портрета. Традиции, заложенные веком ранее фламандским живописцем Антонисом ван Дейком, работавшим при дворе Якова I и Карла I, продолжились в творчестве многих художников-портретистов, среди которых наиболее широкую популярность получили Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс. Томас Хадсон был их старшим современником и учителем последнего.

Как и большинство английских творцов той эпохи, Хадсон специализировался на написании портретов высокопоставленных людей. Героиня представленной картины — леди Оксенден — принадлежала к семейству баронетов. Это особый наследуемый титул, выдававшийся британской короной с XVII века, по рангу находившийся между бароном и рыцарем. Супруга баронета, по аналогии с избранницей рыцаря, носила звание дамы. Хадсон придает изображению Маргарет должные величие и достоинство, всенепременно присущие женщине с таким высоким социальным статусом. Как и многие другие английские портретисты, автор не пытается приукрасить внешность своей модели, но с тщательным вниманием и неоспоримым мастерством выписывает подтверждающие ее высокое положение в обществе детали — одежду, аксессуары и драгоценности.

Филипп Якоб Лютербург (1740–1812) Кораблекрушение у скалистого побережья 1760. Холст, масло. 83x126,4

Филипп Якоб Лютербург — живописец и график французского происхождения, основная часть творческой деятельности которого пришлась на время проживания в Англии, где он даже был принят в члены Королевской академии художеств. Наследие мастера разнообразно: оно включает в себя гравюры и картины с изображениями пейзажей и животных, карикатуры, кроме того, Лютербург занимался созданием театральных декораций. Морские сцены, весьма далекие от штилевого спокойствия, также часто привлекали его внимание. На создание подобных работ автора вдохновляли произведения французского мариниста Клода Жозефа Верне, прославившегося изображением морских бурь.

Лишенные конкретики реальности, близкие к романтическим идеалам сцены кораблекрушений составляют большую часть произведений Лютербурга. В основе их выразительности лежат драматичность события и напряженная динамика композиции, в которой не только волны, но и облака находятся в тревожном, несущем разрушения движении. Твердь скал становится воплощением суровой неизбежности трагического исхода, а акцентированно патетические жесты паникующих людей, чьи фигурки теряются на фоне бушующей стихии, дополняют общее ощущение экспрессивного отчаяния.

Юбер Робер (1733–1808) Широкий вид близ Парижа 1781. Дерево, масло. 76,6x88,5

Юбер Робер — один из известнейших французских пейзажистов второй половины XVIII века. Высокая популярность художника в 1760-1770-е определила его значительный общественный статус, в 1780-е позволивший ему занять должность главного хранителя королевской коллекции Лувра. Робер знаменит в первую очередь своими работами в жанре каприччо, который объединяет природные виды с изображением фантазийной архитектуры, имитирующей величественные постройки античной древности, или руин. Однако он не ограничивался созданием только лишь выдуманных архитектурных пейзажей, среди его произведений также присутствуют настоящие виды и даже топографические ведуты.

Примером реалистического пейзажа живописца может служить «Широкий вид близ Парижа», который даже в отсутствии гигантских старинных зданий и руин и при всей простоте выбранного мотива сохраняет дух возвышенного величия, пронизанного ностальгическим чувством. Изображая в левом углу картины художника за работой, Робер фактически создает свидетельство собственной деятельности. Это произведение отличают особая свежесть, непосредственность исполнения, что достигается с помощью светлой колористической гаммы и большого внимания, уделенного пространству и световоздушной среде. Названные качества предвосхищают развитие французского пейзажа в XIX веке.

Живопись XIX века

Этьен Дине. Заклинатель змей. 1889

Жан Батист Камиль Коро (1796–1875) Старый мост. Без даты. Холст, масло. 24,1x38,1

Камиль Коро — французский художник, работавший на стыке романтических и реалистических традиций. Стилистический рисунок его пейзажей впоследствии оказал основополагающее влияние на становление импрессионизма. Одни критически настроенные современники осуждали его за «небрежность» техники, другие отмечали искренность и непосредственность, которые привносила эта новая манера исполнения с широкими, несглаженными мазками в произведения художника.

Коро любил воссоздавать на холстах виды провинциальных, обычно не привлекающих к себе особенного внимания уголков Франции, в которых его профессиональный взгляд замечал естественность, искренность и живую простоту. Живописные образы мастера предстают в гамме предпочтительно неярких пастельных оттенков, ему приписывается высказывание «валёры прежде всего». И действительно, пейзажи Коро наполнены тонкими цветовыми переходами, привносящими ощущение наполненной воздухом подвижной среды.

Джон Скиннер Праут (1805–1876) Лесной пейзаж с водопадом и аборигеном, преследующим местных животных, Новый Южный Уэльс 1860. Холст, масло. 70,5x91,4

Джон Скиннер Праут родился в английском Плимуте. В 1840 вместе с женой и семерыми детьми он эмигрировал в Сидней в надежде составить себе славу профессионального живописца в Австралии. Как и многих других покинувших европейскую цивилизацию художников, Праута привлекала та желанная близость к природе, которую он не мог обнаружить у себя на родине. Тем не менее его взгляд на естественную жизнь оставался идеализированным взглядом европейца, созерцающего ее извне. Дикари и невиданные доселе животные, появляющиеся на его полотне, полностью соответствуют потребностям восприимчивого ко всякой экзотике вкуса романтически настроенного жителя Европы тех лет. Изображение водопада Виллоуби, находящегося недалеко от Сиднея, становится одной из граней очень полюбившейся англичанам мечты об Аркадии, утопической стране.

Отыскивая мотивы для работ, Праут бродил по излюбленным тропам многих поселившихся в Сиднее мастеров изобразительного искусства. Он делал эскизы, которые впоследствии превращал в законченные картины, литографии или акварели уже в студии. Прауту удалось достичь признания, в Австралии у него было несколько персональных выставок, кроме того, он преподавал рисунок и живопись, а литографии автора неоднократно печатались в газете «Sydney illustrated».

Эжен Делакруа (1798–1863) Анджелика и раненый Медор. Около 1860. Холст, масло. 81x65,1

Один из основоположников романтизма во французской живописи, Эжен Делакруа непрерывно подвергал трансформациям свой стиль, пересматривал подход к трактовке форм, всячески избегая застоя в творческом развитии.

Сюжет данной картины, происходящий из рыцарских поэм о неистовом Роланде, не раз обращал на себя внимание художника, однако лишь в этом случае решение найдено в подобной практически эскизной манере, более характерной для поздних работ Делакруа. Быстрыми и смелыми движениями кисти, оставляющими впечатление чистой импровизации, он визуализирует эпизод из истории о деве-воительнице Анджелике. Катайская принцесса отвергала всех воздыхателей, в том числе и безответно влюбленного в нее Роланда, однако полюбила мавра Медора, которого обнаружила раненым и выходила в хижине у приютивших их пастухов. Делакруа изображает в своей работе момент спасения. Впоследствии принцесса уехала с избранником к себе на родину.

Эжен Буден (1825–1898) Пляж 1864. Холст, масло. 30,9x47,1

Творчество Эжена Будена занимает переходное положение между искусством живописцев барбизонской школы и импрессионистами. Мастера вдохновляли произведения Жана Франсуа Милле, а сам он стал учителем для Клода Моне. Художники-новаторы относились к нему с большим уважением, его работы даже были представлены на выставке импрессионистов в 1874.

Начиная с самого раннего этапа деятельности Будена привлекало изображение сцен из жизни элиты, проводящей время на фешенебельных курортах. В обыденные для определенного круга людей сюжеты мастер вносил особое, присущее его технике ощущение легкости. Эти полотна кажутся наполненными присутствием ветра, который можно почувствовать в том, как положен каждый мазок. Буден акцентировал свое внимание на состоянии световоздушной среды, неба и моря, выписывание этих элементов со временем и составило его славу как художника. Камиль Коро называл его «мастером неба». Достижению такого впечатляющего эффекта в красочной передаче столь тонких, едва уловимых стихийных материй, безусловно, поспособствовала непосредственная работа с натуры в технике, близкой к импрессионистической. Покинув мастерские, где произведение неизбежно лишается свежести восприятия, Буден стал одним из первых французских пейзажистов, отдавших предпочтение работе на пленэре.

Джеймс Тиссо (1836–1902) Вдовец 1876. Холст, масло. 11 6x74,3

«Вдовец» — нетипичное произведение в ряду работ французского художника Джеймса Тиссо, жившего в Англии. В основном он изображал не отмеченные особой глубиной эмоционального переживания сцены из светской жизни: обеды, встречи, прогулки, беседы, посещения салонов и театра. К вышеобозначенному жанру на первый взгляд можно было бы отнести и данную картину, содержащую в себе настоящее чувство трагического, которое обнаруживается внезапно, лишь благодаря названию, и тут же открывает новое измерение, даруя зрителю возможность прочтения изначального авторского замысла.

Сцена, которую можно принять за будничную, повседневную, превращается в тихое, но от этого не менее драматическое выражение горькой утраты, видимой и в отрешенном лице мужчины, и в том, как бережно держит он свою маленькую дочь. Девочка, должно быть, не осознает потерю или вовсе не знает о ней, и ее беспечный образ дополнительно оттеняет и подчеркивает скорбь отца, испытывающего боль сразу за двоих. Кем был этот мужчина и существовал ли он вообще, не установлено, однако считается, что персонажи изображены в саду лондонской резиденции Тиссо. Присущее живописцу высокое качество технического исполнения с убедительно написанными фактурами придает полотну еще большую выразительность.

Жан-Батист Роби (1821–1910) Цветы и фрукты 1877. Дерево, масло. 116,2x89

Бельгиец Жан-Батист Роби окончил Королевскую академию художеств Брюсселя. Он специализировался на создании декоративных натюрмортов, в которых немаловажную роль играло изображение цветов. Этот натюрморт с цветами и фруктами дает исчерпывающее представление о творчестве Роби. Он очень типичен в своей высокопарной торжественности и нарочитой демонстрации роскоши. Первичным предназначением подобных работ было украшение парадных залов и столовых в домах состоятельных людей и знати.

Всем элементам картины, начиная с непростой многоуровневой композиции и заканчивая предметами — большой фарфоровой вазой с пышным букетом цветов, позолоченной посудой, коврами, покрывающими столы, — надлежит демонстрировать престиж, изысканность и изобилие. Это сближает произведение Роби с типом «роскошного натюрморта», который возник и был очень востребован в Голландии в XVII веке. В частности, для данного направления характерно наличие дорогостоящей чаши наутилус, сделанной из раковины одноименного моллюска.

Эдвин Лонг (1829–1891) Встреча общества Доркас в VI веке 1873–1877. Холст, масло. 134,6x217,5

Эдвин Лонг — английский живописец, специализировавшийся на воплощении в художественной форме моментов повседневной жизни человека, окружающего его мира и исторических сцен. Ориентиром для него служили жанровые произведения испанских мастеров, в первую очередь Веласкеса, работами которого он был впечатлен во время своей поездки в Испанию. В творчестве Лонга часты многофигурные изобразительные пассажи, в них обнаруживаются классицистически гармоничное построение композиции, спокойная ритмика плавных движений, приглушенный колорит и общая согласованность всех формальных элементов.

Создавая свои картины, Лонг часто переносился в далекие от современности эпохи и оставлял без внимания свою промозглую туманную родину. Его привлекали жаркие восточные страны и их древние экзотические обычаи. На представленной картине изображена встреча общества Доркас, существовавшего в раннехристианский период, о чем свидетельствует дата, указанная самим художником. Общество Доркас — это христианская благотворительная организация, снабжающая неимущих одеждой и традиционно состоящая из женщин. Свое название оно получило от библейской героини Доркас, также известной как Тавифа. В жизни сильная волей и духом женщина, упомянутая в Деяниях апостолов, всегда «была исполнена добрых дел и творила много милостыни», поэтому была воскрешена апостолом Петром из мертвых.

Шарль Ландель (1821–1908) Исмения, нимфа из свиты Дианы 1878. Холст, масло. 130x87

В последней четверти XIX века, несмотря на то что импрессионисты уже давно организовывали выставки, где демонстрировали не просто произведения, но и новое представление об искусстве, официальные парижские Салоны и художники академического толка продолжали держать свои позиции. Одним из подобных приверженцев мифологических сюжетов и гладкой фактуры был Шарль Ландель, учившийся у Поля Делароша и Ари Шеффера.

На картине изображена одна из спутниц богини охоты и покровительницы всего живого на земле — Дианы, незримое присутствие которой обозначено атрибутами: луком и колчаном со стрелами. Живописец избирает традиционный мотив купальщицы. Обнаженное тело юной девушки, написанное с тонкой нюансировкой оттенков, идиллически сопоставлено с окружающей ее средой и тщательно проработанными складками драпировок.

Альфонс де Невиль (1835–1885) Оборона Роркс-Дрифт в 1879. 1880. Холст, масло. 181,4x301,5

Альфонс де Невиль — французский художник-баталист, обучавшийся у Эжена Делакруа. Его произведения, выхватывающие отдельные кульминационные моменты различных сражений и демонстрирующие несокрушимую отвагу воинов, наполнены динамикой, патетикой прочувствованного жеста и ощутимым превознесением боевого героизма.

Сражение у Роркс-Дрифт — это ключевое событие Англо-зулусской войны 1879. Пересмотренное в настоящее время значение данного исторического факта в период создания картины де Невиля представлялось исключительно как справедливое отстаивание подвергшихся атакам англичан собственного колониального престижа. Маленькая застава на берегу реки Буффало была окружена и атакована зулусским войском под командованием единокровного брата короля зулусов Дабуламанзи. Нападающие изображены как стихийная, неотвратимо надвигающаяся угроза в правой части холста; несравнимо большая часть полотна посвящена реакции представителей английской армии, чьи действия во всем их разнообразии будто бы развиваются во времени, привнося ощущение кинокадра. Несмотря на то что де Невиль не имел патриотической заинтересованности в этом важном исключительно для Англии событии, ему удалось написать шедевр, который по сей день используется в качестве иллюстрации той битвы. В работе над ним он основывался на рассказах выживших очевидцев и участников, а также на военных докладах.

Фредерик Лейтон (1830–1896) Кимон и Ифигения 1884. Холст, масло. 163x328

Первый из британских художников, удостоившийся титула барона, президент Королевской академии художеств Фредерик Лейтон являлся ярким представителем викторианского академизма. Как воспитанник классической живописной школы, он был заинтересован в историческом жанре и часто обращался к сюжетам, востребованным в период Раннего Возрождения. «Кимон и Ифигения» является одним из них.

Первоначально в Ифигении воплощался образ богини Артемиды. Позднее, в античной традиции, выделилась отдельная персонификация этого имени, а многочисленные жизненные ситуации, связанные с ним, легли в основу разнообразных произведений изобразительного искусства. Однако в данном случае выбор пал не на героиню античной Ифигении, а на ту слившуюся с ней в единое целое деву, что появляется в одной из новелл «Декамерона» Джованни Боккаччо. В интерпретации легендарной истории красивый, но недалекий юноша Кимон (или Чимоне) влюбился в Ифигению, искренняя любовь к ней возвысила и облагородила его сердце и разум. Лейтон изобразил момент повествования, когда, направляясь по своим делам в соседнюю деревню, Кимон видит спящую на поляне неподалеку от родника красавицу, что навсегда изменит его жизнь. Фигура погруженной в царство Морфея Ифигении в белых одеждах, выделяющихся на фоне еще не разгоревшегося рассвета, находится в центре композиции. Таким образом, акцент внимания сосредотачивается на первой встрече будущих возлюбленных как своеобразном и естественном явлении чуда.

Люсьен Анри (1850–1896) Телопея 1887. Дерево, масло. 51x35

Выпускник французской Академии изящных искусств Люсьен Анри помимо занятий живописью проявлял также социально-политическую активность и входил в Парижскую коммуну. За революционную деятельность он был сослан в Новую Каледонию, откуда по истечении срока наказания перебрался в Австралию и поселился в Сиднее, продолжая заниматься рисованием, преподаванием и разработкой предметов декоративно-прикладного искусства. Заинтересованный непривычными для взгляда европейца флорой и фауной и вдохновленный художественными возможностями, предоставляемыми ими, он создавал проекты витражей, решения интерьеров и прикладные произведения. Особое внимание мастера привлекала телопея, являвшаяся эмблемой штата Новый Южный Уэльс. Это чрезвычайно выразительное по виду и форме растение, часто встречающееся в австралийских садах, стало главным героем картины Анри. Притягивающий своей почти флуоресцентной яркостью и оригинальностью цветок здесь впечатляет глубиной детализации и убедительностью. Чтобы еще больше выделить телопею, творец изобразил ее на фоне контрастных голубых обоев с узорами в исламском стиле и в близкой им по цвету вазе.

Клод Моне (1840–1926) Порт-Гульфар, Бель-Иль 1887. Холст, масло. 81x65

Один из основателей и самых известных представителей импрессионизма Клод Моне в своих произведениях часто подчеркивал идею движения, в котором словно замирают сиюминутные впечатления от окружающего мира. Он снова и снова варьировал избранный мотив, воплощая его в сопоставимых, но неоднотипных ракурсах, в разное время суток и при различных погодных условиях. Таким образом автор показывал, насколько нестатична и неоднозначна природа и как легко могут трансформироваться наши представления о ней, как непохоже, в зависимости от исходных данных и их составляющих, может восприниматься одно и то же явление или место.

Моне неоднократно рисовал скалы в Бель-Иль, стремясь обнаружить свое понимание моря. Эта работа далека от типичного морского пейзажа, в котором живописцы обыкновенно создают композиционную опору в виде линии горизонта, обеспечивающей простор для взгляда зрителя. Здесь же она полностью заслонена скалами, также замыкающими изображение слева и справа, провоцируя своего рода «клаустрофобию» у взгляда, которому остается лишь всматриваться в замкнутое, будто бы пойманное в ловушку море. Эта небольшая часть водной поверхности является главной частью картины, художник мастерски продемонстрировал свою способность к передаче живой сущности волн.

Камиль Писсаро (1830–1903) Крестьянские дома, Эраньи 1887. Холст, масло. 59x71,7

В промежутке между 1884 и 1888 Камиль Писсаро эксперементировал с разработанным Жоржем Сёра пуантилистским методом, заключавшимся в письме отдельными цветовыми точками, каждая из которых, взаимодействуя с другими, рождает в итоге живописный эффект, по мнению изобретателя приема, наиболее адекватный для живого восприятия человеческим взглядом. Этот стилистический сдвиг в творчестве Писсаро совпал с общим завершением господства импрессионизма как наиболее передовой техники в изобразительном искусстве.

В картине «Крестьянские дома, Эраньи» Писсаро предстает последовательным учеником своего младшего современника и четко следует правилам его метода. Построение форм здесь основано на противопоставлении положенных рядом коротких разноцветных мазков, оттенки которых являются дополнительными по отношению друг к другу. Атмосфера создается посредством мерцающего цвета, поверхность полотна воспринимается единым неделимым целым. Ощущение некоторого автоматизма, воспринимаемого как основной недостаток пуантилистской техники, у Писсаро снимается острым чувством внутренней динамики изображения. Тени, отброшенные невидными зрителю объектами, представляют собой своеобразное решение задачи целенаправленной наивности, технически одобренное и воспринятое художниками следующего поколения — постимпрессионистами, например Гогеном и Сезанном.

Поль Сезанн (1839–1906) Берега Марны. Около 1888. Холст, масло. 65x81,3

Поль Сезанн — художник-постимпрессионист, новатор и революционер в живописи, опыт которого оказал столь сильное влияние на развитие искусства авангарда в начале XX века, что его значение сложно переоценить. Правомерно сказать, что Сезанн сделал первый шаг на пути к кубизму. В отличие от непосредственных предшественников импрессионистов творца не интересовала передача мгновенного, сиюминутного. Свои работы он, напротив, старался представить как можно более устойчивыми, стремился передать через них ощущение чего-то непреходящего и вечного. Сам процесс создания картин у Сезанна в корне отличался от излюбленного метода импрессионистов, чьи шедевры часто рождались за один-единственный подход. Он же писал свои полотна очень долго, руководствуясь в значительно большей степени разумом, чем эмоциями, длительно обдумывая расположение, направление и оттенок каждого отдельного слоя. Порой эта задача оказывалась настолько сложной, а его подход к ней был настолько серьезным, что предпочтительнее было, скорее, оставлять на холсте участки, вовсе не покрытые краской, чем ошибиться с решением.

Обращение Сезанна к пейзажам и высветление палитры рисунка предположительно связывают с влиянием Камиля Писсаро, с творчеством которого автора роднят, впрочем, лишь раздельно положенные мазки. Картина «Берега Марны» относится к периоду зрелости Сезанна, известного под названием «конструктивного» — времени вершины его мастерства. Использование пластичных мазков позволяет достичь единства массивных форм и пространства, формирующих неразрывную структуру полотна, ощущение цельности пейзажа и его неподвластности времени.

Брайтон Ривьер (1840–1920) Покойся с миром 1888, Холст, масло. 158,7x225

Брайтон Ривьер — английский живописец, основную часть творческого наследия которого составляют работы на анималистические сюжеты. В его произведениях животные часто наделяются человеческими качествами. Иногда, используя этот прием, художник создавал картины с аллегорическими проявлениями социальной критики. Кроме того, при помощи кисти и красок он стремился передать глубину связи между человеком и преданным ему животным, чаще всего собакой.

Именно таким шедевром является картина «Покойся с миром». Ривьер воспроизводит сцену из средневекового прошлого Англии, изображая рыцаря, лежащего в доспехах на смертном одре, и сидящую рядом с ним верную ищейку. Талантливому мастеру, хорошо понимающему животных и внимательному к различным проявлениям их поведения, удалось воплотить в образе собаки идеал беспредельной преданности, сохранившейся даже после смерти хозяина. Несомненно, визуализация столь убедительной позы животного скрывает скрупулезный, кропотливый труд с предварительным созданием множества эскизов, один из которых также хранится в Художественной галерее Нового Южного Уэльса.

Уильям Чарльз Пигуэнит (1836–1914) Верховья Непиана 1889. Холст, масло. 91x129,9

Родители Уильяма Чарльза Пигуэнита были родом из Англии, но его отец имел французские корни, однако сам автор стал одним из первых профессиональных живописцев с австралийским происхождением. Пигуэнит родился в Хобарте, штате Тасмания, и был преимущественно самоучкой, взяв себе в качестве образца произведения школы европейского романтизма с мотивами величия и грандиозности. Его творчество близко по исполнению ктаким австралийским живописцам-эмигрантам, как Николас Шевалье и Юджин фон Герард. Переехав в Сидней, Пигуэнит получил поддержку от недавно созданной Художественной галереи Нового Южного Уэльса. Фактически его работы стали одними из первых, приобретенных галереей для своей коллекции в 1875.

Картина «Верховья Непиана» не является выражением духа своего времени в пейзаже. Основные течения в австралийском искусстве этого периода, следовавшего за европейскими нововведениями, были совсем иными. Пигуэнит же основывает свою картину на романтическом наследии, привнося в нее также элемент благоговения перед силами природы, что отличает австралийское направление, предшествующее формированию национальной школы в конце 1880. Как бы то ни было, изображенные место и атмосфера совершенно реальны и отсылают к раннему опыту жизни Пигуэнита среди живописнейших гор и вод Тасмании.

Руперт Банни (1864–1947) Тритоны. Около 1890. Холст, масло. 80,3x150,5

Эта картина Руперта Банни выставлялась в парижском Салоне 1890 и стала первой работой австралийского художника, привлекшей к себе внимание и получившей лестные отзывы. Впоследствии Франция даже приобретет 13 его полотен для Музея в Люксембургском саду и личных коллекций.

В величественном пространстве стихии воды запечатлена группа тритонов — существ из античной мифологии, детей Тритона и нимф, которые могли жить как под водой, так и на воздухе. Вместо ног у тритонов, как можно видеть на холсте, — хвосты, подобные рыбьим. Они наслаждаются жизнью в привычной для них среде и будто бы приглашают зрителя присоединиться к их морским играм.

Здесь уже проявляются типичные для творчества Банни черты: обращение к мифологическим персонажам и изображение экзотической среды как дружественной, близко знакомой и лично прочувствованной. С помощью деликатных пастельных тонов и переходов автор мастерски создает сумрачную среду. Светло-голубые, сероватые и серебристые оттенки волн и розоватые — неба находят свое отражение в телах персонажей. Современники отмечали в Банни бесспорный талант колориста.

Том Робертс (1856–1931) Адажио. Около 1893. Картон, масло. 25,4x50,6

Том Робертс — одна из ключевых фигур гейдельбергской школы живописи, движения, впоследствии названного австралийским вариантом импрессионизма. Представители направления были близки этим европейским творцам по используемой технике, работе на пленэре и обращению к сюжетам повседневной жизни и пейзажам-впечатлениям.

Картина «Адажио» является отражением увлечения Робертса музыкой в течение 1890-х, когда он регулярно посещал вечера искусства, а музыканты становились его друзьями и персонажами созданных им портретов. В произведении намечается отход от наиболее близкого мастеру реалистического видения в сторону символизма, вдохновленного европейскими влияниями. Символисты были увлечены идеей существования непосредственной связи между музыкальным и визуальным способами выражения восприятия и возможностью отразить впечатления от одного через другое. Подобно им, Робертс стремился воплотить чувства и ощущения, полученные от музыки, которые невозможно претворить в виде более буквальных образов реальности.

Том Робертс (1856–1931) Остановленные 1895. Холст, масло. 134,5x182,8

Художники гейдельбергской школы живописи, к которым относится Том Робертс, отводили значительное место изображению австралийского ландшафта, а также придуманных и реальных сцен из повседневности жителей Бушленда. Как и большинство представителей этого направления, Робертс работал на пленэре. Картина «Остановленные» была практически полностью написана им на открытом воздухе, со специально устроенной на эвкалиптовом дереве платформы, обеспечивавшей автору выгодную точку зрения.

Во время жизни в Инверелле, городке на севере штата Новый Южный Уэльс, Робертс проникся идеей создания серии картин о блюстителях порядка в Бушленде. В этой работе в равной степени взаимодействуют пейзаж и сюжетная линия. Сделав основой колорита цвет выжженной травы, живописцу удалось уловить и передать ощущение знойного дня и объединить цвет с напряжением разворачивающегося действия. Персонажи, изображенные им, являлись реальными жителями Инверелла. Так, например, человек, управляющий дилижансом, — это Молчаливый Боб Бэйтс, а останавливает его местный полицейский по прозвищу Капитан Удар Молнии.

Уолтер Уизерс (1854–1914) Буря 1896. Холст, масло. 76,3x137,6

Уолтер Уизерс — австралийский творец английского происхождения, входивший в гейдельбергскую школу живописи. Его ранняя страсть к рисованию была сдержана строгим запретом со стороны отца, не желавшего, чтобы сын становился профессиональным художником. В 1882 Уизерс переехал в Австралию, где после 18 месяцев работы на ферме поселился в Мельбурне и устроился рисовальщиком в типографию. В свободное время он всячески старался развить свое мастерство, и в итоге одна из его творческих работ была принята на выставку в старой Академии.

Большую часть наследия художника составляют пейзажи, как и всех австралийских импрессионистов. В картине «Буря» он запечатлевает тревожную и мрачную атмосферу надвигающегося ненастья. Тонкие ветви деревьев клонятся под силой ветра в ту же сторону, куда уводит стадо коров девушка-пастушка, будто бы подгоняя ее. Резко положенные, разнонаправленные мазки способствуют созданию ощущения беспокойной подвижности воздуха. Эта работа стала первым лауреатом знаменитой австралийской премии Уинн для художников и скульпторов в 1897, и в этом же году была приобретена Художественной галереей Нового Южного Уэльса.

Джордж Вашингтон Ламберт (1873–1930) Через поля чернозема 1899. Холст, масло. 91,6x305,5

Как и большинство австралийских живописцев конца XIX — начала XX века, Джордж Вашингтон Ламберт имел богатое на разъезды детство. Родившись в Санкт-Петербурге, он вскоре переехал вместе с матерью в Германию к своему дедушке, позже учился в английском колледже Кингстон, а в 1887 семья Ламберта эмигрировала в Австралию и обосновалась в Сиднее.

В возрасте 26 лет начинающий творец, рисовавший комиксы для еженедельного журнала «The Bulletin», отважился на создание поистине монументального полотна. Известно, что картина «Через поля чернозема» была написана в маленьком садовом сарае, куда холст шириной в три метра целиком не помещался, даже будучи развернутым по диагонали. Ламберт обратился к сюжету работы на полях, вдохновившись жизнью крестьян Бушленда, и задался целью передать их наполненную тяжелым трудом жизнь в героическом измерении. В произведении ярко проявляются присущие автору способности рисовальщика. В 1899 Ламберт был награжден за эту картину премией Уинн, а в следующем году отправился в Лондон вместе с первой организацией художников-стипендиатов из Нового Южного Уэльса.

Живопись XX века

Руперт Банни. Летнее время. Около 1907

Хью Рэмси (1877–1906) Леди в голубом (Мистер и миссис МакДональд) 1902. Холст, масло. 172x112

С раннего детства Хью Рэмси жил в Австралии, а в 1900 он отправился учиться в Европу. В пути ему посчастливилось оказаться на одном судне с близким по духу мастером живописи Джорджем Вашингтоном Ламбертом, впоследствии ставшим его другом. Прибыв в Париж, Рэмси поступил в Академию Коларосси, частную художественную школу, основанную итальянским скульптором Филиппо Коларосси в XIX веке. Преподаватели вскоре распознали в нем высокий потенциал. Четыре из пяти работ Рэмси, присланных на выставку Национального общества изящных искусств в 1902, были приняты и представлены все вместе, что стало исключительной похвалой для молодого студента.

Умерший за пару недель до своего двадцатидевятилетия творец успел составить себе славу выдающегося портретиста в Европе и на родине. Чаще всего он изображал позировавших ему как часть определенной мизансцены, что можно видеть и в парном портрете мистера и миссис МакДональд. Происходящее не имеет определенной трактовки, однако невозможно игнорировать некую напряженность атмосферы, которая определяется отстраненностью повернутого в профиль лица женщины, не обращающей никакого внимания на пристальный взгляд своего мужа. Его фигура едва выступает из темноты фона, в то время как голубое платье акцентирует внимание на миссис МакДональд. Главенствующее положение героини также подчеркивается в альтернативном варианте названия картины.

Эммануэль Филипс Фокс (1865–1915) Переправа. Около 1910–1911. Холст, масло. 114,6x52,4

Эммануэль Филипс Фокс — представитель австралийского импрессионизма, относящийся к поколению австралийских экспатриантов конца XIX века, поселившихся в Европе. Признание он заслужил своими космополитными по духу и чрезвычайно выразительными по колориту работами, написанными во время пребывания в Париже.

«Переправа» — один из лучших примеров творчества Фокса. Картина основана на нескольких быстрых эскизах, сделанных художником в Трувиле, излюбленном пляжном курорте на севере Франции. Работа, начатая на пленэре, была завершена уже зимой в студии. Зритель, по решению Фокса, чуть сверху наблюдает за элегантной компанией, усаживающейся в лодку, и погружается в пышный и изысканный мир насыщенных цветов, роскошных тканей и согревающей летней атмосферы. Изначально выставлявшееся в Лондоне и Париже полотно также оказало влияние и на младшее поколение австралийских модернистов, когда в 1913 было привезено на выставку в Сидней.

Спенсер Гор (1878–1914) Дорога в Икнилде 1912. Холст, масло. 63,4x76,2

Спенсер Гор — британский живописец-постимпрессионист, первый президент объединения независимых художников, аналогичного парижскому Салону Независимых, — группы Кэмден Таун. Ее представители преимущественно специализировались на создании пейзажей и картин, изображающих лондонские площади, скверы, парки, улицы, мюзик-холлы и кинотеатры в довоенный и военный периоды, что делает их творческое наследие особенно ценным не только для искусствоведов, но и для историков.

Эта значительная работа Гора обнаруживает стилистический отпечаток произведений Сезанна, к которому примешиваются большая экспрессивность и колористическая выразительность, присущие Ван Гогу и Гогену. Следует отметить, что последние два автора имели особое значение для кэмденской группы. Гор упрощает естественные формы, геометризируя их, что наиболее заметно в том, как изображены облака и деревья. Подобный подход использован мастером для объединения композиции. Внутренняя динамика, достигнутая им, в одно и то же время является взволнованной и устойчивой. Художнику удается кадрировать изображение без потерь для живописной энергии. Еще большее одушевление работе придают калейдоскопические, подчеркнуто гиперболизированные по насыщенности цвета. В своем произведении автор отражает далеко не поверхностное, но глубокое и продуманное переживание впечатлений, полученных от созерцания местности, их глубину и яркость.

Элиот Грюнер (1882–1939) Время доения (Долина Эралуэна) 1922. Холст, масло. 35x45

Элиот Грюнер — австралийский творец, семикратно получавший за свои произведения премию Уинн, ежегодно вручавшуюся художникам и скульпторам. Заметив рано пробудившийся интерес сына к рисованию, мать Грюнера отвела его к известному и влиятельному в Австралии живописцу Джулиану Эштону, который помог двенадцатилетнему Элиоту сделать первые шаги в искусстве. После смерти отца, случившейся, когда мальчику было 14 лет, Грюнеру пришлось много работать для поддержания семьи, однако, выкраивая время на выходных, он продолжал писать. В 1901 молодой мастер начал посылать свои работы в Общество художников Сиднея, а в 1907 он уже получил широкое признание у критиков и других мастеров изобразительного искусства, среди которых был Норман Линдсей.

Картина «Время доения» написана в счастливый для автора период, когда победы на конкурсе следовали одна за другой. После того как ему было заказано большое полотно с изображением долины Твида, Грюнер крайне редко обращался к крупным произведениям, предпочитая работать с близкими к эскизным форматами, не превышающими 60 сантиметров в диагонали, к таким относится и эта небольшая картина. Изображения коров и других животных были нередким выражением тематических исканий. Обращаясь к сценам из простой сельской жизни, Грюнер делал основной акцент на отображении световой среды, которая в первую очередь и привлекает внимание к его холстам.

Рой де Мейстр (1894–1968) Интерьер студии. Около 1931. Холст, масло. 50,5x60,6

Рой де Мейстр — австралийский художник с мировым именем, первым в Австралии начавший работать в стиле чистого абстракционизма. Известны его ранние эксперименты с цветомузыкой, связанные с обнаружением и исследованием связи между музыкальной гармонией и гармонией цветов. Разработанной им цветомузыкальной теории Мейстр в 1919 посвятил выставку «Цвет в искусстве». Впоследствии под влиянием кубизма он отходит от абстракции в сторону фигуративной живописи. Это произошло в 1930-е, примерно в то время, когда мастер перебрался на постоянное место жительства в Лондон.

«Интерьер студии» — картина, написанная уже в Европе. Ее можно считать переходным произведением, содержащим в себе элементы, присущие как абстракционизму, так и кубизму. Преобладание обобщенных геометрических форм, приближенных к простейшим, искажение изображаемой реальности, приводящее к ощущению одномерности и существования лишь одной, общей для всех элементов плоскости, особое внимание к взаимодействию различных цветовых участков отсылают к абстракционизму. Тем не менее на этой основе образы конструируют определенное пространство, внутри которого размещаются легко идентифицируемые — хоть и условные — человеческие фигуры. В подобном использовании наблюдаемого мира для преломления под собственным углом зрения и состоит главное отличие кубизма от абстракционизма, окончательно отвергавшего вещи привычной действительности, создавая свои собственные отвлеченные миры.

Герберт Бэдхэм (1899–1961) За завтраком 1936. Оргалит, масло. 59x71

Во время обучения в сиднейской школе искусств Эштона под руководством таких мастеров, как Джордж Вашингтон Ламберт, Генри Гиббонс и самого основателя учреждения Джулиана Эштона, Герберт Бэдхэм получил традиционное академическое художественное образование, основанное на первенстве рисунка. К этой стандартной для многих поколений начинающих живописцев базе он присовокупил свою личную заинтересованность в изображении перспективы и промышленном дизайне. Последнее очевидно и в произведении «За завтраком», где стол, покрытый клетчатой скатертью, становится своеобразным подиумом для целого ряда тщательно выписанных бытовых предметов, в их окружении автор также изображает свою жену. Спокойное утреннее настроение, на первый взгляд наполняющее эту картину, неминуемо разрушается, стоит лишь обратить внимание на свежий номер газеты, заголовок которой гласит о вторжении Муссолини в Абиссинию. Бэдхэм был одним из тех фигуративных творцов Сиднея межвоенного периода, чьи работы дают возможность составить представление о сиднейском модернизме тех лет — современные, животрепещущие темы подавались сквозь призму доминирующих традиций реалистического английского изобразительного искусства.

Дороти Торнхилл (1910–1987) Утро в Креморне 1939. Холст, масло. 45,7x61

Дороти Торнхилл — австралийская художница, преподававшая в Национальной школе искусств на протяжении почти сорока лет. Многие мастера изобразительного искусства и критики высоко ценили способности рисовальщицы и отмечали ее непревзойденный талант в создании быстрых набросков с натуры. Живописец Брайан Данлоп говорил, что эти рисунки, лишенные готовых формул и клише, были одними из лучших, когда-либо известных в Австралии.

Среди творений Торнхилл имеются и пейзажи, в которых острое чувство линии и формы столь же существенно и определяюще, как и в зарисовках человеческих фигур. На основе таких эскизов художница создавала работы, подобные «Утру в Кремоне». В своем стиле она объединила импрессионистический и пуантилистский подходы, что проявляется в одновременном присутствии в изображении непосредственного живого чувства и продуманности. Торнхилл запечатлевает свои ощущения от ясного свежего утра, полученные, судя по точке зрения, при взгляде из окна. Основной задачей для автора здесь становится передача воздействия света на среду, показ того, как под его влиянием изменяются листва деревьев, вода, небо и вся атмосфера пространства, ведь именно утренний свет превращает привычный вид из окна в достойный картины мотив и дает возможность взглянуть на него по-новому.

Чарльз Меере (1890–1961) Австралийский пляж 1940. Холст, масло. 91,5x122

Чарльз Меере был одним из группы художников Сиднея, чьи работы послужили модернизации классических изобразительных традиций, использовавшихся для запечатления жизни нации на протяжении межвоенного периода.

«Австралийский пляж» — наиболее известная картина живописца — отражает всю совокупность его взглядов. Меере запечатлевает множество пляжников, их атлетически сложенные тела приобретают монументальные, героические пропорции. Каждое движение, длительность которого в действительности моментальна, остановлено и наделено величием вечности. Сложная, созданная из взаимодействия многих человеческих фигур ритмическая композиция, подобная замысловатому узору, полна сдерживаемой энергии. Это культовое произведение заключает в себе миф о здоровой нации, нашедший воплощение в загорелых богоподобных телах отдыхающих на пляже людей.

Джеймс Глисон (1915–2008) Сеятель 1944. Холст, масло. 76,2x50,8

Джеймс Глисон — один из передовых австралийских живописцев второй половины XX века. Все его творчество представляет собой попытку проникновения в бессознательное человека, его страхи и фантазии. В большинстве случаев работы художника развивают стилистику сюрреализма.

Детские воспоминания Глисона наполнены болезненными впечатлениями от минувшей Первой мировой войны, которыми делились с ним и друг с другом взрослые люди, участники событий и свидетели ужасов. Когда он всерьез решил посвятить себя изобразительному искусству, началась Вторая мировая. Таким образом, война была для творца преследующим с пеленок и до окончания юности кошмаром. По словам художника, он всегда надеялся, что можно повлиять на отношение людей к военным действиям, возвестить об их катастрофических последствиях и предотвратить возникновение новых.

Картина «Сеятель» отсылает к знаменитому одноименному полотну французского живописца XIX века Жана Франсуа Милле. Глисон говорил, что постоянно держал этот образ в голове во время написания произведения. Его персонаж — это сеятель XX столетия, чей жуткий облик и неестественные, мутировавшие конечности отражают бесполезность не оправдавших себя идей гуманизма. Мрачный пейзаж предстает выражением духа современности, в то время как в работе Милле изображенная природа олицетворяла плодородие.

Сидней Нолан (1917–1992) Шахта прелестного Полли 1948. Оргалит, эмалевая краска. 91x122,2

Сидней Нолан — один из крупнейших австралийских мастеров второй половины XX века, живописец-абстракционист и график. Изобразительному искусству он обучался при Национальной художественной галерее в Мельбурне, позже стал одним из руководителей группы «Круг Хейде» — художников-модернистов, живших и работавших на бывшей молочной ферме «Хейде» на реке Ярра, в пригороде Мельбурна.

Картина «Шахта прелестного Полли» входит в серию «Пустоши», появившуюся после путешествий творца по штату Квинсленд и острову Фрайзер. Это произведение, на котором запечатлены следы былого процветания, стало первым из приобретенных у Нолана Художественной галереей Нового Южного Уэльса. Оно было написано по впечатлениям от посещения запустевшей шахты Маунт-Айза. Образ чопорной, облаченной в темный костюм фигурки, бродящей у обветшавшего строения, навеян управляющим шахтой, повстречавшимся автору. По его словам, мужчина «любил кормить птиц по утрам. Все считали его помешанным, но он просто кормил птиц — розелл и всех остальных». Огромная розелла (семейство попугаевых), летящая за пищей, фокусирует на себе внимание зрителя. Невозможно сказать наверняка, играет создатель данной картины с планами, максимально приближая птицу к границе изображаемого, или с размерами, превращая попугайчика в мутировавшего гиганта. Как бы то ни было, Нолану удается добиться в своей работе фантастического ощущения.

В творениях Нолана представления об австралийском пейзаже переплетаются с историей страны, легендами и душой ее коренного народа, создававшего произведения, которые часто сюрреалистичны по своему характеру.

Рассел Дрисдейл (1912–1981) Группа аборигенов 1953. Холст, масло. 50,8x61

Сформировавшийся под влиянием сюрреалистического и абстрактного искусства художник Рассел Дрисдейл считается создателем революционного видения на австралийской изобразительной сцене, равным по влиятельности Тому Робертсу. В 1947 он получил премию Уинн, а в 1954 удостоился чести представлять Австралию на Венецианской биеннале. Критики считали творца визуальным поэтом, воспевающим всеохватывающее отчаяние, вызванное жарой и засухой. Ряд картин Дрисдейла с изображением аборигенов с полуострова Кейп-Йорк изначально задумывался как небольшая серия, появившаяся в 1952–1953.

Прежде европейские живописцы часто запечатлевали коренных австралийцев как «вымирающую расу», с этнографической тщательностью или же сатирически отражая широко распространенные расистские тенденции своей эпохи. Полотно «Группа аборигенов», принадлежащее к серии Дрисдейла, желавшего продемонстрировать возможность иного видения, является полным сочувствия портретом и считается одним из лучших произведений мастера. Показывая максимально упрощенный, лишенный каких-либо деталей австралийский пейзаж на заднем плане, художник придает группе людей, изображенных на его фоне, чувство спокойного достоинства и величия, типичное для героев его картин.

Джон Бракк (1920–1999) Телефонная будка 1954. Холст, масло. 80,3x47,1

В 1940-е, ставшие временем расцвета абстрактного экспрессионизма, в Австралии возникло так называемое Движение антиподов, художников, отстаивавших достоинства фигуративной живописи. У группы был свой манифест, утверждавший их идеалы, и собственная выставка, прошедшая в 1959 в Мельбурне. Джон Бракк был одним из участников и основателей этого движения. Отличительными чертами его стиля являются упрощенные, геометризированные формы, плоскостность, угловатость изображения, неяркий колорит, состоящий в основном из серых и коричневых оттенков, фигуры людей, похожие друг на друга как две капли воды. Все они были связаны с критическим отношением творившего к повседневности.

На картине «Телефонная будка» изображена женщина в процессе разговора. Заостренность очертаний тела делает ее фигуру словно частью окружающих неодушевленных форм. Акт коммуникации, призванный служить созданию связи между людьми, здесь вызывает ощущение неестественности и разобщенности, отчаянной попытки докричаться до того, кто тебя все равно не услышит. Таким образом Бракк выразил свое отношение к опыту урбанизации, городской жизни и их социальным последствиям.

Скульптура XIX–XX веков

Бертрам Маккеннал. Танцовщица. 1904

Джон Гибсон (1790–1866) Нарцисс. После 1829. Мрамор. 86x36x60

Джон Гибсон — один из самых значительных скульпторов Британии — родом из Уэльса. В Риме, куда он перебрался в 1818, его учителем стал знаменитый представитель неоклассицизма Антонио Канова. Творческие устремления и стиль Гибсона, в первую очередь, были определены его восхищением античной культурой и подражанием древнегреческим и римским мастерам. Благодаря личной предрасположенности и влиянию учителя творец, выполнявший произведения в безупречном академическом духе, идеально угодил вкусовым ожиданиям современной ему эпохи.

Гибсон экспериментировал с полихромными техниками и необычными материалами, однако мрамор, традиционно ассоциирующийся с чистотой и строгостью, был для него особенно любим. В этой иллюстрации к мифу о Нарциссе, на создание которой вдохновил увиденный в Риме юноша, смотрящий в фонтан, Гибсон пытается превратить повседневное восприятие во взгляд из античного мира. Прическа и обувь юноши являются, как можно видеть, прямым цитированием классических источников.

Джон Гибсон (1790–1886) Охотник с собакой 1838. Мрамор. 119, 7x88,8x54,4

Уэльский скульптор Джон Гибсон создавал свои произведения в духе неоклассицизма — стиля, в котором наиболее гармонично могли найти свое отражение его эстетические предпочтения. В их основе лежал глубокий интерес к пластическому искусству Античности. Сюжеты, избираемые мастером, чаще всего носили либо мифологический характер, либо изображали сцены из жизни древних греков или римлян, к XIX веку окутанные не меньшим ореолом легендарности и идеализации.

В скульптуре «Охотник с собакой», имеющей второе название «Римский охотник», Гибсон показывает юношу, чье тело обнажено и гармонично, как у древнегреческого атлета. Охота с собаками действительно была распространена в Древнем Риме, однако ее участники всегда были одеты. Автор поэтизирует образ охотника, пришедший к нему из мечты о былом мире, которым, по мнению художников неоклассицизма, правила безусловная красота.

Харриет Хосмер (1830–1908) Беатриче Ченчи 1857. Мрамор. 44, 1x106,3x43,8

Среди скульпторов неоклассицизма немало женщин, в большинстве своем американок по происхождению. Среди них и ученица Джона Гибсона — Харриет Хосмер. В своем римском ателье она нередко принимала высокопоставленных гостей, знаменитостей и знатоков искусства; ее работы высоко ценились коллекционерами. Интерес к творчеству Хосмер часто определялся не только и не столько ее бесспорными профессиональными заслугами, сколько полом: женщина-скульптор стала новым явлением эпохи.

Хосмер переняла принципы европейского неоклассицизма, дополнив их идеалами классической философии демократической нации. Скульптор, не пренебрегавшая частными заказами и не боявшаяся крупных масштабов, была очень востребована в создании общественных монументов. Произведения меньших размеров ей часто приходилось повторять в нескольких вариантах, чтобы удовлетворить всех желающих получить то или иное ваяние.

Такова судьба и «Беатриче Ченчи» — одной из самых популярных работ Хосмер. Персонажем представленного творения является дочь римского аристократа, жившая в эпоху Возрождения. Считается, что в сговоре с мачехой и братьями она убила отца, который вел грубую и развратную жизнь и вершил насилие над своими родными. Впоследствии семья была арестована и подвергнута жесточайшим пыткам, лишь Беатриче не созналась в преступлении. В итоге всех Ченчи, за исключением самого младшего пятнадцатилетнего брата, казнили. Бетариче похоронили в церкви Сан-Пьетро-ин-Монторио. В капелле, названной ее именем, 11 сентября — в день трагедии — ежегодно служат мессу за упокой ее души. История прекрасной и отважной девушки легла в основу множества произведений искусства как литературных, так и изобразительных.

Огюст Роден (1840–1917) Второй макет к «Гражданам Кале». Копия 1972 с модели 1885. Бронза, шесть отдельных частей

В 1347, во время продолжавшейся около года осады ключевой французской крепости Кале, английский король Эдуард III дал согласие пощадить изможденных голодом горожан в том случае, если шестеро самых состоятельных из них пойдут на казнь ради жизни народа. Юсташ де Сен-Пьер стал первым, кто героически принес себя в жертву, за ним последовали еще пятеро. Истощенные и самоотверженные люди вышли навстречу к Эдуарду с ключами от Кале, без одежды и с обвязанными вокруг шеи веревками, как он требовал.

В 1884 мэр Кале Деваврин заказал Огюсту Родену скульптуру, призванную отдать дань памяти этому событию. Ее создание связывалось с необходимостью поднятия национального духа Франции, тяжело переживавшей поражение во Франко-прусской войне. Изначально планировалось изобразить лишь де Сен-Пьера, однако Роден, без промедления приступивший к созданию макета, представил всех шестерых персонажей в виде группы, объединенной одной основой. Продолжая работу над проектом, мастер разъединил их, сделал фигуры одетыми, увеличил масштабы до монументальных.

Церемония открытия скульптурной группы состоялась в 1895. Второй из шести гипсовых макетов, примерно 60 сантиметров в высоту, был представлен в 1885 и сейчас хранится в Музее Родена в Париже. В 1970-е с него сделали 12 бронзовых копий, данная — одна из них.

Бертрам Маккенал (1863–1931) Истина 1894. Бронза. 66x18,5x16

Бертрам Маккенал — австралийский скульптор, наиболее известный разработкой дизайна монет и печатей с изображением короля Великобритании Георга V, однако в его наследии насчитывается немало аллегорических произведений, к которым относится и «Истина».

С античных времен олицетворением истины чаще всего служил образ обнаженной девушки, и в конце XIX века творец не отступает от этой традиции. Кроме того, он наделяет ее и другими привычными для истории изобразительного искусства атрибутами: зеркалом, направленным к зрителю и отражающим только правду, и крыльями, торжественно приподнятыми вверх и осеняющими голову, подобно лавровому венку, в свою очередь напоминающему о том, что в конце концов истина всегда побеждает. В целом вся бронзовая фигура отличается простотой и естественностью, но, несмотря на изящность исполнения, поза и очертания наполняют ее явным чувством несокрушимой стойкости.

Агатон Леонард (1841–1923) Женский бюст. Около 1900. Бронза, позолота. Высота — 45,7

Агатон Леонард — французский скульптор эпохи ар-нуво. За буквальным переводом этого названия — «новое искусство» — скрывается одно из художественных направлений в культуре последней декады XIX — начала XX века, для которого были характерны интерес к природным формам, новым технологиям и расцвет декоративно-прикладного искусства, случившийся при попытке объединить эстетические и утилитарные функции создаваемых произведений. Леонард выставлялся на парижском Салоне с 1868, состоял в Обществе французских художников и Совете национальных изящных искусств. На Всемирной выставке в Париже в 1889 он получил серебро, в 1900 — золото, тогда же был избран кавалером ордена Почетного легиона.

Работы мастера всецело отвечают эстетическим идеалам своего времени. Чаще всего, это, как и в случае «Женского бюста», небольшие фигуры из окрашенной и позолоченной бронзы. Формы отличаются изысканностью, черты лица — утонченной отрешенностью. Произведение в целом характеризует аскетичная сдержанность, однако детали проработаны деликатно, с бережной тщательностью.

Джулио Паолини (род. в 1940) Другая фигура 1984. Гипс. 183x250x190

Джулио Паолини — современный итальянский живописец и скульптор-концептуалист, крупный представитель итальянского художественного течения конца 1960-1970-х арте-повера — «бедное искусство». К нему относились художники из Рима, Турина, Генуи и Милана, желавшие отразить в своих произведениях диалог между природой и индустрией, освободить искусство и творчество от пут традиционных форм и принципиально использовавшие недорогие промышленные, нетипичные для реализации творческих идей материалы, за что и получили свое название. Одной из персональных целей Паолини считал совмещение понятий оригинала и репродукции.

В работе «Другая фигура» он затрагивает эту тему, используя для ее создания гипсовые слепки с римских копий эллинистических бюстов. Идентичные скульптурные головы расположены на постаментах друг напротив друга так, чтобы не только каждая из них становилась отражением своего гипсового близнеца, но также чтобы привносить одушевление в композицию, застывшую бы намертво, будь бюсты повернуты строго лицом к лицу. Каждый из них будто пытается ухватить взгляд другого и также обратить внимание на случившееся драматическое происшествие, следы которого отчетливо проявляются в виде осколков, окружающих постаменты: третий бюст, подобный двум, разлетелся перед ними на мертвые гипсовые куски. Это ставит вопрос о том, как значима уникальность, и об отказе от нее в пользу неограниченного репродуцирования и бесконечного клонирования.

Искусство Азии

Неизвестный мастер. Тара. X век

Неизвестный автор Вотивная ступа. Пакистан. I век. Мрамор. 23x11,9

Ступа — это буддийское монолитное архитектурное или скульптурное сооружение. Практика возведения ступ восходит к архаическому обычаю устройства могильных курганов и насыпей на месте погребения племенных вождей и царей. Изначально ступы использовались как реликварии, вмещавшие прах умерших, а позже стали функционировать в качестве памятников, отмечавших важные для буддизма события.

Форма ступы глубоко символична для буддистов, поскольку ее возникновение они связывают с сооружением мемориальной насыпи вокруг останков основателя учения Будды Шакьямуни. Для ранних буддистов ступа была символом Будды Паранирвана (достигшего полного просветления после физической смерти) и самой веры. Конструкция этой совсем небольшой ступы типична: база, полусферическое тело, увенчанное «хармикой» — квадратными элементами, развившимися из ограждений ранних святынь, и многоярусная зонтичная верхушка. Основная часть, близкая по форме к колоколу, является знаком совершенной мудрости Будды.

Неизвестный автор Шакьямуни и Майтрейя. Пакистан. II–III век. Серый сланец. 51x17x15

Существует учение о «семи буддах прошлого» — просветленных, приходивших в мир смертиных. Последний из них — Шакьямуни, легендарный основатель буддизма, однако считается, что должен появиться еще один учитель, его преемник — Будда грядущего — Майтрейя, который возглавит новую школу, превосходящую учение предшественника.

Эта единственная в своем роде двусторонняя статуя, бывшая, вероятно, частью колонны или другой опорной конструкции, демонстрирует обоих будд, явление которых завершает линию передачи дхармы (совокупности норм и правил, необходимых для поддержания надлежащего миропорядка). Шакьямуни легко узнаваем по признакам Будды: выпуклости на макушке — ушнише, длинным мочкам ушей и монашескому одеянию, покрывающему его тело. Майтрейя, напротив, одет очень богато; он изображен как бодхисатва — просветленный, отказавшийся уходить в нирвану, чтобы помочь всем живым существам. Сосуд, который он держит в левой руке, — его отличительный атрибут.

Изваяние принадлежит гандхарской школе скульптуры, в рамках которой впервые обратились к скульптурному представлению Будды. Образы, созданные этой школой, характеризуются ярко выраженным присутствием эллинистических элементов, что обусловлено развитыми торговыми связями региона с Западом в тот период.

Неизвестный автор Сидящий размышляющий Будда. Пакистан. III век. Серый сланец. 79x39x18

В течение первых четырех веков нашей эры на территориях, относящихся в настоящее время к северо-западу Пакистана, развивалось искусство гандхарской школы, ставшее уникальным историческим явлением пересечения восточных и западных художественных традиций.

Скульптура изображает бодхисатву Майтрейя — согласно верованиям буддистов, последнего ожидаемого в череде будд, среди являвшихся в мир для поддержания космического порядка, проповеди учения и помощи людям. Наряду с Буддой Шакьямуни он был самым популярным персонажем искусства Гандхары. Майтрейя сидит на декорированном орнаментом пьедестале, на его теле множество украшений. Поза, в которой правая нога поднимается вверх, оставляя на подножии пустую сандалию, придает фигуре непринужденность. Благодаря этому созерцательная задумчивость Будды грядущего предстает как свободное и ничем не стесненное, естественное состояние. Формально оно обозначено жестом руки, легко касающейся лица.

Неизвестный автор Буддийская стела. Китай 525–535. Песчаник. 143,8x53,3x19,5

Резьба этой стелы изображает двух Будд: Шакьямуни, основавшего буддизм, — на одной стороне и Майтрейю — Будду грядущего — на противоположной. Оба они сидят в нишах, навес над головой Шакьямуни имеет форму языка пламени, навес над Майтрейей напоминает прихотливо исполненные волны. Фигуры обоих персонажей по бокам фланкированы парами небольших изображений бодхисатв. Верхние части сторон стелы заполнены миниатюрными фигурками других будд.

Посвятительная надпись на стеле, указывающая на время ее создания, имеет повреждения, что затрудняет возможность точной датировки. Иероглифы, покрывающие плоскость в промежутках между изображениями будд, содержат перечень имен донаторов, вложивших средства в изготовление памятника. Такое пожертвование выражало преданность учению.

Неизвестный автор Статуя Будды. Индия. VI–VII века. Стукк со следами пигмента. Высота — 51,5

Это хрупкое и потому исключительное изображение Будды, выполненное из стукка, происходит из малоизученного храмового комплекса в Фондукистане, территории, находящейся к западу от нынешнего Кабула. Статуя является примером так называемого иранобуддийского стиля, проявлявшегося в буддийской скульптуре в регионе, близком к Гиндукуш, на северо-западе Афганистана. Здесь развивалось вбирающее в себя традиции нескольких культур искусство Гандхары. Четырехчастная риза с кисточками характерна для произведений Фондукистана, в то время как лицо с мягкими, идеализированными чертами, естественные формы драпировки и поза фигуры относятся к отличительным признакам гандхарского искусства. Будда изображен с короной на голове как монарх, под чьим правлением объединяются физическое и духовное царства.

Неизвестный автор Стоящий Авалокитешвара. Индонезия. VIII век. Медный сплав, позолота. 13,8x3,6x3,1

Авалокитешвара — это бодхисатва, в котором воплощается сострадательная природа всех будд. По преданию, он был учеником Будды Шакьямуни, единственным, кто решился воздействовать на отличавшихся особой свирепостью жителей Тибета и искренне желал «наполнить светом всю эту кровожадную страну». По сей день далай-лама — духовный лидер тибетского народа — считается перевоплощением Авалокитешвары.

Фигурка бодхисатвы выполнена из очень темной бронзы в стиле, характерном для индонезийской провинции Центральная Ява. Жест его левой руки — варада-мудра — олицетворяет сострадание и милосердие. Он характерен для тех персонажей, призванием которых была помощь человечеству. На Авалокитешваре — простой саронг — традиционная одежда народов Океании и Юго-Восточной Азии. Украшений почти нет, за исключением перекинутого через левое плечо священного шнурка упавиты и ожерелья. Вытянутые пропорции фигуры и характерная прическа джата-мукута свидетельствуют о южноиндийских влияниях.

Неизвестный автор Лев-страж. Камбоджа. Около 1000. Бежевый песчаник. 94x44,2x56

Во время золотого периода существования государства Ангкор, который пришелся на X век, правители возводили целые города и огромные храмовые комплексы, призванные символизировать их власть и божественность. Одна из подобных столиц — Кох Кер — была создана в 921 императором Джаяварманой IV в 65 километрах от Ангкора. Оттуда происходит и этот лев-страж.

Такие изваяния размещались на террасах и лестничных пролетах и были призваны охранять центральную пирамидальную конструкцию комплекса, являвшуюся символической репрезентацией Меру — священной горы в космологии индуизма и буддизма, обители божественных существ и центра Вселенной. В Камбодже не водятся львы, поэтому кхмерские скульпторы интерпретировали их образ по-своему, наделяя причудливыми вымышленными чертами. Покрытая искусной резьбой, почти демоническая голова зверя и его орнаментально украшенная грудь демонстрируют яванское влияние, сыгравшее большую роль в развитии кхмерской культуры.

Неизвестный автор Стела с парой якша — якшини и джинами. Индия. X век. Песчаник. 133x73x20

Эта достаточно хорошо сохранившаяся стела, украшенная резьбой с богатой иконографией, когда-то находилась в нише внешней стены храма джайнов дигамбара («одетых в воздух»). О принадлежности именно к этой из двух существующих в джайнизме сект свидетельствуют фигуры трех джинов — «победителей», душ, достигших нирваны, — изображенных обнаженными.

Два центральных персонажа — семейная пара — это якша и якшини с ребенком. Якши — это существа, присутствующие в индуистской, буддийской и джайнийской мифологиях, природные духи, родившиеся из стопы Брахмы. Чаще всего они ассоциируются с деревьями и выступают хранителями сокровищ природы. Сущность якшей неоднозначна и непредсказуема: они могут быть совершенно безобидны, а могут становиться монстрами-людоедами, подобными злым духам ракшасам. Для джайнов пары якшей играют важную роль, будучи посредниками между приверженцем учения и нематериальной джиной. Изображенные на стеле якша и якшини с королевским величием восседают под стилизованным деревом, которое, вероятно, символизирует калпа-врикшу — древо желаний. Правая рука обоих персонажей демонстрирует жест бесстрашия и доброжелательности — абхая-мудра. Тот факт, что фигуры двух главных персонажей изображены в равном масштабе, символизирует в джайнистском искусстве идею гендерного равенства.

Неизвестный автор Вишну и его аватары. Индия. XI век. Песчаник. 110x55x24,5

Вишну — один из трех главных богов индуистского пантеона, наряду с Брахмой и Шивой, хранитель мироздания. Его стройная фигура с широкими плечами, узкой талией и тонкими конечностями является центральной в произведении, созданном талантливыми скульпторами, работавшими во время правления династии Чандела. Несмотря на то что для индийского искусства нехарактерна передача анатомического устройства — в фигуре никогда не демонстрируется скелетный каркас или мышечная ткань, — тело Вишну наполнено естественной витальной силой. Ярко выраженная вертикаль вытянутой в струну осанки бога способствует отождествлению его с осью Вселенной и ведет взгляд молящегося вверх. На голове Вишну корона воина, его торс обвязан священным шнуром. В трех руках он держит свои обычные атрибуты: булаву, диск и раковину. Четвертая рука, в которой чаще всего находится лотос, в данном случае изображена в приветственном жесте варада-мудра. Со всех сторон бог окружен своими аватарами, или воплощениями, включая Вараху с головой вепря и человека-льва Нарасимху.

Иконографически сложные и технически изощренные ваяния, подобные этому, обычно покрывали всю внешнюю поверхность стен индуистского храма.

Неизвестный автор Будда, берущий землю в свидетели. Бирма. Конец XII века. Латунь, медь. Высота — 12

Ранние буддийские изображения, происходящие из Бирмы, обладают ярко выраженными характеристиками, отличающими их от аналогичных работ, созданных на территории Юго-Восточной Азии. К ним относятся широкий лоб, монголоидный разрез глаз, лицо конической формы и высокая ушниша — выпуклость на макушке, признак Будды, символизирующий его мудрость.

В Бирме преимущественно исповедуется Тхеравада, старейшее из сохранившихся ответвлений буддизма, главной фигурой которого является представленный Будда Акшобхья. Он сидит в позе с обращенными вверх ступнями, на них изображены колеса. На лбу у Будды можно видеть еще один признак высшего существа — выступающую точку, урну. Его левая рука покоится на бедре ладонью вверх в медитационной мудре, правая касается кончиками пальцев земли в бхумиспарша-мудре. Этим жестом Будда призывает землю засвидетельствовать его стойкость в противостоянии искушениям злого духа Мары.

Неизвестный автор Хеваджара мандала. Камбоджа. Конец XII века. Бронза. 39x23

В отличие от таких ответвлений буддизма, как Тхеравада и Махаяна, последователи тантрической школы считают, что серьезные усилия и руководство опытного наставника могут помочь адепту достичь окончательного просветления еще при жизни. Основной практикой на пути к нему является медитация, во время которой приверженец учения предельно концентрирует внимание на особом схематическом изображении — мандале, космической диаграмме, в которой символически сосредоточены образ и энергия какого-либо божества, и принимает на себя его качества. Эта статуэтка является трехмерной мандалой с образом Хеваджары — главного бога медитации в тантрическом буддизме.

Расцвет культа Хеваджары в Камбодже пришелся на промежуток между X и XIII веками. Здесь бог представлен стоящим на восьмилепестковом лотосе, окружен фигурами женских духов дакинь, носительниц тайных учений. У Хеваджары четыре разных иконографических облика. В данном случае у него 16 рук, в каждой он держит по капале — ритуальной чаше из верхней части человеческого черепа. На капалах в правых руках изображены живые существа: лошадь, слон, осел, верблюд, бык, сарабха (мифологическое животное), человек и кошка. На капалах в левых руках — божества: воды, земли, огня, воздуха, солнца, луны, богатства и смерти. В этой форме у Хеваджары восемь ликов.

Неизвестный автор Голова Будды. Таиланд. XIV век. Бронза. 26x16x16,5

К тому времени как буддизм распространился на территории Таиланда, его образная система уже была хорошо разработана и обладала строгими каноническими предписаниями. В период Сукхотаи (1200 — около 1400) местным скульпторам удалось представить уникальное решение образа Будды, демонстрирующее его духовную сущность, не выходя за рамки установленных канонов. В процессе создания истинного изображения этого божества возникала необходимость отражения системы лакшан (признаков высшего существа), насчитывающей 32 основные и 80 дополнительных характеристик. Среди них: возвышение на макушке — ушниша, выражающее сверхъестественную мудрость Будды, удлиненные мочки ушей, указывающие на благородное происхождение, спиралевидные завитки волос — знак отречения обрезавшего свои локоны просветленного, нос, подобный клюву попугая, и округлый подбородок.

Высокое навершие в виде пламени, которое должно было быть прикреплено к фигуре, — нововведение, пришедшее с Шри-Ланки, но ставшее характерной чертой классического тайского стиля. Это — Огонь Мудрости, в нем сгорают эгоизм, невежество и страдание.

Любимым материалом скульпторов Сукхотаи являлась бронза, в обращении с ней они сумели достичь высочайшего мастерства. Мотивированные верой в то, что чем совершеннее статуя, тем сильнее ее сила, искусники создавали настоящие средоточия духа, подобные представленному.

Неизвестный автор Калачакра и Вишвамата Тибет. XIV век. Бронза, позолота, драгоценные камни. Высота — 29,8

В этой скульптурной группе изображена слившаяся в страстном объятии пара из тантрической мифологии — Калачакра и Вишвамата. У обоих персонажей по четыре головы, у Калачакры 24 руки, у Вишваматы — 8, их переплетения образуют вокруг фигур золотистую ауру, подобную нимбу. Изначально в каждой из рук божества держали по атрибуту. Среди уцелевших: ваджра — пучок стрел для борьбы с демонами асурами, колокольчик, частично сломанный меч, нож, двусторонний барабан, буддийское колесо, аркан, раковина моллюска и инкрустированное камнями украшение. В поднятой выше всего руке Калачакра держит отрезанную голову четырехликого бога-творца Брахмы. Несмотря на кажущуюся мрачность, этот атрибут символизирует бесконечное сострадание Калачакры по отношению ко всем созданиям.

Губы и глаза на каждом лице обозначены пигментом, что добавляет скульптуре естественности. Калачакра изображен в стремительном, полном энергии положении, которое зеркально отражается в позе Вишваматы, что придает им динамичное единство. На обеих фигурах одето большое количество украшений с бирюзой и полудрагоценными камнями. Особого внимания заслуживает изысканный ободок на голове Калачакры.

Неизвестный автор Портрет короля Бхупатиндры и королевы из династии Малла. Непал. Около XVIII века. Бронза. 48x28 и 35,5x35,5

Король Бхупатиндра из династии Малла правил в Бхактапуре, одном из трех крупнейших городов Непала, приблизительно с 1696 по 1722. Часто его называют непальским аналогом представителей флорентийского семейства Медичи за вклад в поддержку искусства и архитектуры. Бхактапур — «Город верующих» — находится в 14 километрах к востоку от Катманду, столицы страны, и является жемчужиной ее культуры. Он может похвастаться своими выдающимися дворцовыми и храмовыми комплексами, многие из которых расположены в центре, вокруг площади Дурбар. Напротив храма, посвященного покровительнице города, богине Таледжу, находится бронзовая статуя короля Бхупатиндры, установленная на высоком постаменте. Она, вероятно, и послужила образцом для создания портретов меньшего масштаба.

Практика заказа портретной скульптуры была распространена среди состоятельных непальцев. Эти произведения передавались в храмы в качестве утверждения пылкой преданности божеству, в честь которого они создавались. Представленные фигуры короля и королевы, довольно большого размера и высокого качества исполнения, скорее всего, размещались за пределами главного святилища центрального храма, были обращены к его дверям.

Неизвестный автор Будда, защищенный семиглавым наги. Таиланд. Начало XIX века. Бронза, позолота. 74,3x54,3x33,4

Во время бангкокского периода основную роль в искусстве страны продолжали играть произведения, направленные на восхваление и укрепление буддизма. Эта позолоченная статуэтка Будды, защищенного семиглавым наги — змееподобным мифическим существом, является типичной для того времени, когда в произведениях высоко ценились яркость и внешняя эффектность.

Иконография скульптуры отсылает к эпизоду из жизни реально существовавшего Будды, Шакьямуни, произошедшему на пятой неделе его медитации под деревом Бодхи, направленной на достижение Просветления. Во время, пока Будда не мог воспринимать окружающую реальность, на озере Мучалинды, у берега которого он сидел, началась страшная буря. Увидев, что Будда находится в медитации, змеиный король Мучалинда поднял его над потоком воды, свернув под ним свое тело в кольца, и защитил Будду капюшонами своих семи голов от дождя. Подобный вариант изображения чаще всего встречается в Юго-Восточной Азии.

Неизвестный автор Народакини. Тибет. XX век. Бронза, позолота, серебряные вставки. 86,2x66,8x26,2

Народакини — одна из ваджра-йогинь, будд-женщин в тантрическом буддизме. Изначально она почиталась в Индии, а после приобрела большое значение и в тибетских практиках. Этот персонаж легко узнается по динамичной позе и поднятой капале — чаше из черепа. Имя йогини связано с индийским отшельником Наропой, которому она явилась, после чего он установил культ в ее честь. Не считая отличительной позы, Народакини обладает признаками, которые являются общими для всех дакинь — женских духов. Другой характерной чертой является прическа со свободно распущенными прядями, что считается признаком человека, практикующего йогу, в частности тантрическую. Также буддисты определяют неубранные, развевающиеся волосы в образе Народакини как символ свободы ее сознания от эго и счастливого взаимодействия с существующей действительностью.

Лицо йогини обращено к чаше, она готовится испить бесконечно истекающий оттуда нектар блаженства. Считается, что Народакини взирает на буддийский рай, известный как Кхечара, где успешно преодолевшие путь тантры встречают конец своего земного существования и вечно живут в царстве небесного величия и красоты. Достигая совершенства, попавшие в рай могут сами воплощаться в будд и нисходить в мир людей, чтобы вести других к освобождению.

Уильям Статт. Первая победа Давида. 1868. Фрагмент

Следующий том

В Художественном музее «Атенеум» — одном из ведущих в Финляндии — представлена самая большая в стране коллекция предметов искусства, насчитывающая более 20 000 экспонатов, среди которых картины, скульптурные произведения, графика. Музей гордится полотнами мастеров мирового масштаба, в их числе картины Винсента Ван Гога, Поля Гогена, Поля Сезанна, Эдварда Мунка, Фернана Аеже, Марка Шагала, Амедео Модильяни и других художников.

Оглавление

Живопись XVI–XVIII веков

Живопись XIX века

Живопись XX века

Скульптура XIX–XX веков

Искусство Азии Fueled by Johannes Gensfleisch zur Laden zum Gutenberg