«Художественный музей “Атенеум” Хельсинки»

Художественный музей “Атенеум” Хельсинки (fb2) - Художественный музей “Атенеум” Хельсинки 5946K скачать: (fb2) - (epub) - (mobi) - Мария Михайловна Силина

М. Силина Художественный музей «Атенеум» Хельсинки

Официальный сайт музея:

Адрес музея: ул. Кайвокату 2, Хельсинки.

Проезд: На метро: «Central Railway Station», «Kaisaniemi»; на трамвае: «Central Railway Station», «Kaivokatu», «Mikonkatu», маршруты — ЗВ, ЗТ, 6, 9; на автобусе: «Railway Station Square».

Телефон: +358 (0)9 61 22 5510.

Часы работы: Вторник — пятница: 10:00–18:00, среда, четверг: 10:00–20:00, суббота, воскресенье: 11:00–17:00.

По понедельникам музей закрыт.

Цена билета: Полный — 12 €, льготный — 10 €.

Детям до 18 лет вход свободный.

В цену входного билета включена стоимость общей экскурсии на русском языке (второе воскресенье каждого месяца в 13:00).

Фото- и видеосъемка запрещена.

Информация для посетителей: Аудиогид — 3 €.

В ресторане Tablo Ateneum вам предлагаются ланч, кондитерские изделия и самый свежий кофе. На третьем этаже расположен «Cafe-Bar Cubus».

Книги, альбомы, буклеты, плакаты, открытки, сувениры и многое другое можно приобрести в магазине, находящемся на цокольном этаже.

Здание музея

Сегодня Финляндия граничит с Россией, а когда-то, с 1809 по 1917, она входила в состав Российской империи. Однако мало кто из соотечественников может похвастаться знанием культуры этой северной страны. А ведь они во многом близки славянским и языческим традициям нашего государства, которое оказывало влияние на искусство Финляндии. Многие мастера, чьи работы представлены в данном альбоме, учились в Санкт-Петербургской академии художеств. Высокий уровень их живописи и общность творческих исканий делают экспозицию Художественного музея «Атенеум» заслуживающей самого пристального внимания.

Фрагмент фасада музея

Одним из центральных символов истории и культуры Финляндии стал эпос «Калевала». Филолог и натуралист Элиас Лённорт записал отдельные песни (руны), путешествуя по деревням — традиционным очагам крестьянской культуры. В 1835 он выпустил отредактированный и приведенный к единству текст. Именно «Калевала» консолидировала творческий потенциал финнов. Влияние древних мифологических образов заметно как в национальных литературе и музыке, так и в изобразительном искусстве середины XIX — первых десятилетий XX века.

По словам российского филолога Е. М. Мелетинского, «в „Калевале“, как и в других архаических эпосах, доминирует не воинская героика и богатырская самонадеянность. ‹…› …А мудрость, магическая сила, творческий порыв в космогонии и мирном труде, своего рода „прометеевский пафос“, чуждый классическим формам героического эпоса». Иллюстрации к эпосу стали одним из центральных творческих достижений художника Аксели Галлен-Каллелы.

Изобразительное искусство Финляндии развивалось под влиянием зарубежных академий. Большинство мастеров, которые создали национальную школу живописи, обучались в Париже, Дюссельдорфе, часть — в Санкт-Петербурге. Конец XIX — начало XX столетия в Финляндии ученые неслучайно называют золотым веком. В этот период трудились Альберт Эдельфельт, Ээро Ярнефельт и Пекка Халонен. Наиболее самобытными и яркими по праву считаются Аксели Галлен-Каллела и Юхо Риссанен. Также необходимо отметить видных женщин-художниц — Марию Виик и Хелену Шерфбек.

Художественный музей «Атенеум» — главный музей страны, гордящийся самой крупной в ней коллекцией искусства. Культура этого северного государства представлена более 20 000 экспонатов, освещающих творческий путь нации от 1750-х до середины XX века.

Начало собранию было положено около 1846, когда открылось Художественное общество Финляндии. В 1863 произведения сделали доступными для осмотра широкой публикой. На следующий год при поддержке государства коллекция стала пополняться, и возник вопрос о строительстве помещения под экспозицию.

Здание музея располагается в центре Хельсинки, столицы Финляндии. Оно было построено в 1887 архитектором Теодором Хёйером. Первоначально здесь находились не только собрания живописи, но и школа рисования (позднее — Академия изобразительного искусства), а также размещались коллекции Общества художественной промышленности Финляндии и художественно-промышленное учебное заведение (позднее — Художественно-промышленный институт).

Альберт Эдельфельт. Женщины у церкви Руохолахти (Слухи). 1887

Постройка была выполнена в период архитектурной эклектики. По представлениям того времени, фасад должен был демонстрировать функции и назначение здания. Посетитель увидит большое количество статуй и рельефов, все они являются символами искусства и науки. Например, непосредственно над главным входом, на уровне второго этажа, расположены три бюста известных мастеров: архитектора Браманте, живописца Рафаэля и скульптора Фидия. Они призваны олицетворять единство трех искусств и служить своеобразным идеалом для современных творцов. По замыслу архитектора, музей — храм искусств, где величайшие художники — служители или даже боги. Об этом говорит и само название — «Атенеум». Оно родилось от имени древнегреческой богини войны и мудрости Афины Паллады.

Музей открыл свои двери для посетителей в 1888. В 1990 он перешел под юрисдикцию государства. Коллекцию, накопленную с момента открытия, разделили на две части. В «Атенеуме» остались работы, выполненные мастерами, которые начали свою карьеру до 1950, а в Музей современного искусства отошли произведения более молодых авторов. «Атенеум» — крупнейшее хранилище национального финского искусства, только здесь можно получить полноценное представление об изобразительном искусстве этой северной страны. Также музей гордится небольшой, но умело подобранной коллекцией творений художников мирового масштаба, таких так Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн, Эдвард Мунк, Фернан Леже и Марк Шагал.

Хуго Симберг. Раненый ангел. 1903

Валле Росенберг. Автопортрет. 1910

Искусство XVII-первой половины XIX века

Нильс Шилъмарк. Натюрморт с вазой для пунша. 1795–1797

Эдвард Кольер (около 1640 — около 1702) Тромплей. Портрет женщины. Без даты. Холст, масло. 51x34

Эдвард Кольер — один из знаменитых мастеров золотого века голландской живописи. Его работы хранятся в крупнейших музеях мира. Художник прославился произведениями в жанрах «ванитас» и «тромплей». Так называют особые виды натюрмортов, которые подбором объектов олицетворяют мимолетность жизни, тщету ее красот и обыгрывают визуальные эффекты, растворяют границу между реальностью и фантазией. Тромплей — своего рода символы зыбкости человеческого бытия, его хрупкости и условности в сравнении с бессмертием Бога.

На картине изображена деревянная панель с прикрепленным потрепанным временем и порвавшимся листом, на нем — портрет незнакомки. Смысл тромплея хорошо прочитывается: все проходит, слава и молодость не вечны.

Франсуа Буше (1703–1770) Даная. XVIII век. Холст, масло. 41,5x32,5

Французский живописец Франсуа Буше — один из самых ярких представителей рококо. Творчество этого знаменитого мастера второй половины XVIII века чрезвычайно разнообразно. Он создавал пейзажи, картины на мифологические и исторические темы, пасторали, изображал быт крестьян и галантные сцены из жизни аристократии.

Представленное полотно характерно для манеры Буше: оно написано очень свободно, колорит отличается сочностью и одновременно особой декоративностью из-за виртуозного введения золотого цвета. Так художник трактует сюжет мифа о Данае и Зевсе, который проник в покои к красавице в виде золотого дождя. Картина создана на традиционный мифологический сюжет, но юность главной героини, ее неустойчивая, динамичная, свободная поза придают композиции характер живой сценки.

Нильс Шильмарк (1745–1804) Натюрморт со свечой. Около 1795–1797. Холст, масло. 64x111,5

Нильс Шильмарк, признанный мастер портрета, натюрморта и пейзажа, родился в Швеции, но жил в Финляндии. Это произведение дает возможность познакомиться с очень популярным в европейском искусстве того периода жанром — натюрмортом. Помимо точного изображения предметов он выражает философские понятия тщетности жизни и быстротечности всего живого, имеет моральный подтекст, а также является своеобразным символом устройства мира. Бытовые вещи (вазы, чаши, тарелки, драпировки), овощи, фрукты, дичь наделялись аллегорическим значением, которое считывалось зрителями.

Существовали разные темы натюрмортов, например «цветы и фрукты», «завтраки», «рынки», «убитая дичь». Образность стекла, как на этом полотне, хорошо понятна даже современному человеку — оно означает хрупкость и душевную чистоту. Наполненность сосудов водой символизирует умеренность, их опустошенность — смерть. Свеча олицетворяет быстротечность времени. Золотые и серебряные вещи — богатство, все равно не приносящее людям счастья. Надо отметить, что для мастера самого севера Европы характерна очень сдержанная, холодная палитра. Натюрморт почти монохромен: Шильмарк пишет оттенками серого и голубого, добавляя для контраста теплый охристый в изображении курительной трубки. Она призвана символизировать эфемерность земных наслаждений, которые рассеиваются, как дым от табака.

Эжен Делакруа (1798–1863) Мазепа на умирающей лошади. Около 1824. Бумага, акварель, гуашь. 22,5x31

Это произведение примечательно во многих отношениях. Оно создано одним из величайших живописцев XIX века, страстным романтиком и непревзойденным колористом, французом Эженом Делакруа. Скандальный поэт Шарль Бодлер утверждал: «У Фландрии есть Рубенс, у Италии — Рафаэль и Веронезе, у Франции — Лебрен, Давид и Делакруа». Как истинный романтик Делакруа изображал драматические сюжеты, отважных героев с трагической судьбой, которые восхищали духовным величием, страстью, порывами и поступками, граничащими с безрассудством.

Мастер запечатлел и не менее легендарного героя современной ему истории — Мазепу, политического деятеля конца XVII — начала XVIII столетия. Он был гетманом войска Украины, сначала сподвижником Петра I, а позже его противника — шведского короля Карла XII. Мазепа — герой многочисленных художественных и живописных произведений. Так, например, еще один великий француз, писатель Виктор Гюго, в 1828 посвятил ему поэму. Мастеров привлекал мятежный и независимый нрав украинского государственного деятеля. О сюжете, изображенном Делакруа, можно узнать из «Истории Карла XII» Вольтера: «В молодости у него был роман с женой одного польского шляхтича, и муж его возлюбленной, узнав об этом, велел привязать Мазепу нагим к дикой лошади и выпустить ее на свободу. Лошадь была с Украины и убежала туда, притащив с собой Мазепу, полумертвого от усталости и голода. Его приютили местные крестьяне; он долго жил среди них и отличился в нескольких набегах на татар. Благодаря превосходству своего ума и образования он пользовался большим почетом среди казаков, слава его все более и более росла, так что царь принужден был объявить его украинским гетманом».

Искусство второй половины XIX-начала XX века

Илья Ефимович Репин. Портрет Елизаветы Званцевой. 1889

Фердинанд фон Райт (1822–1906) В саду Хаминалахти. Около 1856–1857. Холст, масло.43x57

Фердинанд фон Райт — один из самых известных живописцев Финляндии, составивший славу истории искусства этой небольшой северной страны. Музей располагает внушительной коллекцией его работ.

Данное полотно выполнено в традиционном для первой половины XIX века жанре аллегорического пейзажа с фигурами. Здесь представлена сценка отдыха аристократической семьи. Прекрасный сад и панорамный вид пейзажа вдали делают композицию почти пасторальной. Герои затеряны среди красот природы и наслаждаются тихим досугом. Свежие и нежные цветки на кустарниках, белые голубки, безусловно, являются смысловыми деталями. Цветы означают душу, а голубки в христианстве традиционно олицетворяли Святой Дух. Изображенное место можно трактовать как райский сад. Люди написаны повернутыми спиной к зрителю, позы также символичны: они уединены, замкнуты в себе, сосредоточены на своих занятиях, им нет дела до суеты мира. Этот пейзаж — антитеза, противоположность парадному портрету (цель которого — продемонстрировать социальный статус героев). Здесь художник показывает их духовный, интимный мир. Палитра разнообразна, но и достаточно сдержанна из-за преобладания насыщенных, теплых темных тонов в нижней части картины. Она олицетворяет земное начало. Верхняя часть постепенно, от середины полотна, белеет. Привлекает внимание шатер, благодаря своему цвету становящийся символом, обозначающим купол неба. Небеса доминируют, фактически сюжету отведена лишь небольшая часть холста.

Вернер Холмберг (1830–1860) Дорога в Хеме, или Жаркий летний день 1860. Холст, масло. 88,5x103,5

Любители искусства, безусловно, вспомнят о знаменитом полотне «Утро в сосновом бору» Ивана Шишкина и Константина Савицкого (1889, Государственная Третьяковская галерея, Москва), глядя на колорит и сцену данного холста. Вид чащи — излюбленный мотив пейзажистов второй половины XIX века по всей Европе. Этот пейзаж, как и большая часть живописи академического направления названного столетия, не просто является реалистически точной картиной местности, но и имеет аллегорическое значение. Лес олицетворяет душу творца, самоощущение человека в мире: одиночество, тайные страсти и страхи. Смотря на данное произведение, можно насладиться красотой природы, ее одухотворенностью.

Талантливый художник Вернер Холмберг был родом из Финляндии. Он учился в Германии, в Дюссельдорфе, и смог соединить в своем творчестве традиции немецкой романтической пейзажной живописи с тонким ощущением родной финской природы.

Здесь изображена и дорога, а в глубине виднеется повозка. Она словно часть леса — по тону, материалам, — деревенский быт гармонирует с окружающим миром. Композиция полотна строится на манер театральных кулис. Слева — массив, по центру — одинокое дерево, которое намечает перспективу и глубину сцены. Вдаль уходит проезжая дорога, ее след живописно теряется в чаще за извилистым поворотом. В глубине картины синеет даль.

Холмберг, один из самых многообещающих живописцев Финляндии, скоропостижно скончался, не дожив месяц до тридцатилетия.

Роберт Вильгельм Экман (1808–1873) Семья нищих в дороге 1860. Холст, масло. 35x44,5

Роберт Вильгельм Экман — выдающийся финский живописец и педагог, взрастивший плеяду местных художников. Он работал в русле национального романтизма. Мастер учился в родной Финляндии, потом с 1824 по 1836 — в Королевской академии в Стокгольме. Уже тогда он отходил от холодного академизма и стремился отображать насущные, волнующие его темы. Экман писал портреты простых людей, а также аллегории. По окончании Академии он удостоился награды — многолетнего заграничного путешествия с целью совершенствования техники. За 1837–1844 творец побывал в Нидерландах, Франции и Италии — центрах мировой живописной культуры. После возвращения в Швецию он получил гражданство, но довольно скоро вернулся в Турку, на родину, где работал в качестве придворного художника до конца жизни.

Представленная работа характерна для творчества мастера. Традициям романтизма соответствуют идеализированный пейзаж и манера написания героев: они выглядят очень скромно и покорны судьбе. Однако сам выбор темы «странствующие нищие» говорит об осознании Экманом необходимости социальной критики в своих полотнах. Такие картины означали поворот от идеалов неоклассицизма первой половины XIX века с его четко рассчитанной композицией и обобщенными типажами к реализму. Подобные произведения восхищали ценителей изящными пейзажами и манерой письма и в то же время ненавязчиво напоминали о существовании несправедливости и расслоения в обществе. Художники делали своим героем «маленького человека». Привлекает внимание палитра мастера, особенно виртуозное изображение холодного северного неба, творец добивается интенсивного цвета.

Роберт Вильгельм Экман (1808–1873) Илматар 1860. Бумага на холсте, масло. 79x111,5

Роберт Вильгельм Экман знаменит картинами, написанными в манере, объединяющей классицизм и романтизм. Художник стремился создать круг тем и образов, неразрывно связанных с его родной Финляндией. Он по праву считается одним из самых ярких и талантливых живописцев этой северной страны.

Илматар — богиня воздуха, персонаж национального эпоса «Калевала». Она традиционно изображалась прекрасной девушкой. Так и здесь, художник делает ее платье, фигурку словно сотканными из воздуха. Экман пишет богиню над бурными и мрачными волнами сурового моря, что подчеркивает ее хрупкость. Полотно очень интересно композицией и атмосферой. Оно создано по типу европейской аллегорической картины с минимумом деталей, сложно по фактуре и колористической гамме: интенсивный, густой цвет бушующих волн, почти мистический по цвету просвет в небе.

Композиция соответствует строению мифа о сотворении жизни на земле. Ведь сначала царствовали только стихии: Вода и Небеса. У Небес была дочь — юная Илматар. Она искала место, чтобы немного отдохнуть, и опустилась на воду. Илматар плыла 700 лет, пока не приметила прекрасную птичку, которая также искала место для отдыха. Прекрасная богиня подставила ей свое колено. Птичка снесла шесть яиц из золота и одно из железа. Колено Илматар так сильно нагрелось, что взорвалось. Яйца разломились, упали в воду, и обломки образовали сушу, луну, звезды, а желток — солнце. Еще несколько веков богиня наслаждалась видом созданного, плавая в водах. Наконец, Море оплодотворило ее, и она родила на свет первого человека — Вяйнямёйнена. Этим сказанием открывается эпический сборник народных легенд «Калевала».

Берндт Линдхольм (1841–1914) Лодки на берегу 1870. Холст, масло. 25x32

Берндт Линдхольм считается одним из первых финских импрессионистов. Он уехал учиться в Париж, наиболее важную художественную столицу Европы, и оказался открыт всем современным течениям в живописи.

Представленная картина написана в реалистической манере под воздействием французской школы второй половины XIX века. В это время расцветает творчество Жан-Батиста Камиля Коро, а также пейзажиста барбизонской школы Шарль-Франсуа Добиньи. Именно французские мастера своими полотнами с неприхотливыми видами сельской местности, технически предельно виртуозными, задали новую моду в изобразительном искусстве. От романтической живописи Линдхольм перешел к реалистическим атмосферным видам северной природы.

Работу отличает очень сдержанный, благородный колорит: краски словно немного выцвели от солнца. Композиция построена лаконично. Художник разделил холст на две части: верхняя — небосвод, нижняя — дюны. Песочный и голубой цвета объединяет сизеватый оттенок. Темным акцентом служат холм и лодки насыщенного коричневого цвета. Вид воспевает суровую простоту и безыскусную прелесть родных мест. Это произведение неслучайно в наследии мастера. Прибрежные мотивы стали его излюбленной темой, к концу своей долгой и плодотворной жизни он создавал почти исключительно их.

Творчество Линдхольма было оценено правительством Финляндии, художник получил множество наград, но жил в основном за границей. В Швеции он преподавал в живописной школе и был избран президентом Академии изобразительных искусств и членом Шведской королевской академии.

Фанни Хурберг (1845–1892) Горы Рапавики 1871. Холст, масло. 29,5x34

Фанни Хурберг — одна из самых талантливых художников Финляндии. Она родилась в большой семье, лишь к 20 годам стала брать уроки живописи, в том числе у Берндта Линдхольма, чья картина представлена в альбоме ранее. Позже Фанни училась в немецком Дюссельдорфе, живописные и эстетические традиции которого оставили на ее творчестве глубокий отпечаток, в Париже, где усовершенствовала технику. Несмотря на путешествия за границей, каждое лето художница возвращалась в родную Финляндию. Уроки живописи романтизма, полученные в Германии, как нельзя лучше отвечали характеру природы этой северной страны.

Хурберг предпочитала сильные контрасты, драматизм композиции и эмоциональную интенсивность палитры. Она создала прекрасный образец аллегорического пейзажа в стиле романтизма. Через картины природы мастера символически выражали свое настроение. Образы гор были излюбленными мотивами романтиков по всей Европе. Недосягаемость, мятежность, порыв, ассоциируемые с ними, передавали их самоощущение. Работа отличается высокой степенью реалистичности в изображении пейзажа, однако ее смысл превосходит простое стремление к подражанию. Сдержанная гамма черного, темно-зеленого, сизого олицетворяет темные силы мироздания, которые словно роднят душу художницы с неприступными скалами.

Творческая жизнь Хурберг оборвалась внезапно. В 35 лет, в самом расцвете сил, она оставила карьеру, два года была вынуждена посвятить больному туберкулезом брату, а когда он умер, осталась практически одна. Историки считают, что неожиданный отказ от живописи был связан с жесткой критикой современников, которые открыто выражали сомнения в потенциале женщины. С 1880 она ни разу не взялась за кисть. Теперь, как уже было сказано, ее считают одним из лучших финских художников.

Арвид Лильелунд (1844–1899) Покупка народной одежды в Сякюля 1878. Холст, масло. 73x94

Творчество художника Арвида Лилье-лунда можно назвать «энциклопедией финского быта». Все работы мастера посвящены укладу жизни местных крестьян с их вековыми традициями, верованиями и обрядами, причудливо соединившими язычество и христианство. Он был родом из простой семьи, однако родители, увидев у ребенка тягу к рисованию, не стали препятствовать стремлениям, а, наоборот, всячески поддерживали его. После курса обучения в Турку Лильелунд отправился в Дюссельдорфскую академию художеств. По окончании и до конца жизни мастер работал в школе искусств Турку, выпускником которой он сам был. В 1883–1884 несколько зимних месяцев он провел в столице мировой живописи — Париже.

Представленная картина выполнена в традициях академизма. Колорит и композиция отражают также влияние голландского искусства. Фигуры торгующих контрастно проступают на темном фоне белизной одежд. Сделка происходит в интерьере классической финской деревянной избы. Зритель видит уклад жителей небольшой деревушки на западе страны. Тут же в доме клюют зерно куры. Художник намеренно подчеркивает разницу в облике и выражениях лиц персонажей. Справа изображены купцы из города: они сосредоточены, довольно холодны и расчетливы. Оба одеты богато и по-европейски: в цилиндр и капитанскую кепку. С помощью головных уборов мастер символически хочет показать, что традиционная финская одежда, которую покупают мужчины, отправится далеко за пределы родных мест. Крестьянин с хитринкой смотрит на гостей, он ведет диалог с героем справа, о цене. Празднично одетая крестьянка, улыбаясь, держит ткань, которую, скорее всего, сама и изготовила. Картины на подобные сюжеты играли двоякую роль: они фиксировали народные традиции, постепенно вытеснявшиеся цивилизацией, и давали пищу для роста национального сознания, формирования общих для финнов ценностей.

Гуннар Берндтсон (1854–1895) Альме, египетская танцовщица 1883. Дерево, масло. 45x37,5

Гуннар Берндтсон — известный финский художник, творчество которого отмечено многими наградами. Тематически диапазон его работ очень широк. Мастер создал исторические и жанровые полотна, а также множество портретов современников. Берндтсон учился в Париже, там он отточил живописную манеру.

Представленное произведение написано на популярную во второй половине XIX — первых десятилетиях XX века тему экзотических восточных танцев. Европейцы очень интересовались мистической, почти не знакомой им до XIX столетия культурой Востока: арабские танцовщицы, египетские иероглифы, японские театральные маски, турецкие фески и курительные трубки — вот лишь небольшой перечень образов, которые кочевали из картины в картину в живописи, рассчитанной на украшение интерьеров аристократии. На данной присутствует множество экзотических и одновременно эклектично подобранных предметов: подковообразная арка, богатые ковры, яркие витражи.

Амели Лундал (1850–1915) Девушка-садовница 1885. Холст, масло. 100x67

Излюбленными темами художницы Амели Лундал были портреты простых людей и сельские пейзажи. Ее манеру отличают особая эмоциональная теплота и симпатия к своим персонажам.

Представленная работа — одна из самых известных в творчестве мастера. Молодая девушка в традиционной одежде того времени изображена с лейкой в оранжерее. Этот неожиданный для финской художницы сюжет объясняется просто: она училась в Стокгольме и удостоилась приглашения в Париж. В 1870-х Лундал провела много времени во французской Бретани, виды, колорит и типажи которой навсегда остались вдохновением для нее. Картина очень гармонична по соотношению фона и портрета. Цвета сбалансированы и спокойны, художница концентрируется на верной передаче черт лица девушки.

Андерс Цорн (1860–1920) Первый раз 1888. Холст, масло. 91x54,5

Андерс Цорн — один из самых известных шведских живописцев. При жизни он прославился как первоклассный портретист. Мастер создал целую галерею изображений влиятельных людей своего времени, ему позировали даже американские президенты. О том, что авторитет этого творца в художественном мире был заслужен по праву, может свидетельствовать представленный холст.

Работу отличает сложная и богатая фактура, особенность — варьирование графической и живописной техники. Цорн использует условную штриховку тел, обобщенные мазки водной поверхности в нижней части и объемную, осязаемую трактовку глади в центре, которая снова переходит в почти абстрактные пятна вверху. Эта, казалось бы, простая картина очень интересна с живописной точки зрения. Мастера не интересуют персонажи как таковые, главный акцент он делает на выразительности воды и небес, которые смешиваются в насыщенном воздушном потоке.

Альфред Финч (1854–1930) Веллингтонские гонки во время моросящего дождя 1888. Холст, масло. 49,5x59

Альфред Финч родился в Брюсселе в семье англичан. После окончания Академии художеств он возглавил группу молодых мастеров, которые хотели порвать со старыми традициями. Живописец и его друзья находились под большим впечатлением от творчества Жоржа Сёра и Поля Синьяка. Эти французские художники к 1886 на основе импрессионизма разработали особый метод нанесения красок и назвали его «пуантилизм» (от слова «точки»). Сущность метода заключается в том, что в природе существует лишь ограниченное количество «основных цветов» (красный, зеленый, голубой). Колористическое многообразие, которое человек воспринимает, связано с тем, что мозг «смешивает» цвета, так становятся видны оттенки. Если знать этот закон, можно попробовать действовать, как природа: наносить на холст локальные цвета, а глаз «автоматически» будет смешивать их. Разработка данной техники (которую еще называют «дивизионизмом») стала возможной благодаря углубленному изучению оптики, теории восприятия и цвета во второй половине XIX века. В итоге применения метода на практике картины стали больше похожи на декоративные панно. Французские критики отрицательно восприняли подобные новшества, однако коллеги-художники со всего мира заинтересовались пуантилизом. Финч стал лидером направления в родной Бельгии.

К началу 1890-х мастеру стало ясно, что работа живописцем не принесет денег, достаточных для существования. Он переключился на изготовление керамики. Именно в связи с этой деятельностью в 1897 творец переехал в Финляндию и возглавил завод. Он добился успеха, став родоначальником модерна в декоративном искусстве страны.

Альфред Финч (1854–1930) Скалы Дувра 1892. Холст, масло. 66,5x80,5

Данное произведение бельгийца Альфреда Финча создано в технике пуантилизма. Оно было исполнено мастером на своей исторической родине, в Англии. Дувр — это знаменитое место, соединяющее две страны: Великобританию и Францию. Возможно, более известно широкому читателю не его английское название, а французское — Па-де-Кале. Чисто визуально кажется, что картина больше похожа на декоративный ковер, чем на холст, написанный в духе реализма с топографически точной передачей местности. Прием, которым пользовался Финч, технически очень сложен, чем и привлекает внимание художников. Основа классического метода заключается в смешивании основных цветов на палитре. Пуантилизм радикально порывает с традицией живописи, цвета накладываются непосредственно на холст, а глаз зрителя сам «доделывает» работу, превращая краски в оттенки.

Интересно, что живописцы в конце XIX века стали использовать способ, сейчас повсеместно применяющийся в устройстве компьютерных и телевизионных мониторов и носящий название «аддитивное смешение». Существуют три основных цвета, с помощью которых можно получить многообразие оттенков, — красный, зеленый и синий.

В этом полотне мастер экспериментировал с созданием дымки, возникающей на море в солнечный день. Ему нужно было досконально изучить теорию, чтобы цвета на холсте «естественно» смешивались в натуральные оттенки.

Торстен Васашерна (1863–1927) Французские женщины за глажкой 1889. Холст, масло. 38x45

Это произведение финского мастера Торстена Васашерны принадлежит к первому этапу его творчества. Примерно до начала 1890-х художник работал в реалистической манере, предпочитая рисовать пейзажи и портреты современников. Позже он переключился на более литературные, философски многозначные сюжеты в стиле символизма.

В представленной картине отражены все основные качества реалистической живописи последней четверти XIX века. Большое влияние на мастеров со всей Европы оказала французская барбизонская школа пейзажа, в которой особое внимание уделяли виртуозной технике письма. Свою роль сыграл и импрессионизм. Художники этого направления приучили публику к «бессодержательным» с точки зрения академических правил эскизным полотнам. Мастера рисовали простые городские сценки, неприхотливые пейзажи родных мест, «случайные» фрагменты каждодневных занятий крестьян или городских обывателей. Васашерна обобщенно, но точно запечатлевает характерные позы склонившихся над глажкой женщин. Их монотонному неблагодарному труду соответствует и скупая, почти «скучная» палитра: белый, коричневый, голубой цвета.

Ээро Ярнефельт (1863–1937) Лето. Ночь. Луна 1889. Холст, масло. 62x79,5

Ээро Ярнефельт принадлежит к реалистической школе живописи конца XIX — начала XX века. Он родился в Финляндии, учился в Санкт-Петербургской академии художеств (1883–1885). Совершенствовать свое классическое образование в Париж Ярнефельт отправился весной 1886. Там он подружился с Аксели Галлен-Каллелой. Наибольшее впечатление на финского мастера произвели метод рисования с натуры на пленэре, а также натуралистические работы Жюля Бастьен-Лепажа. Полученные еще в России навыки композиционного построения он объединил с прогрессивной манерой французской живописи 1860-1870-х.

Ярнефельт посвятил себя искусству, описывающему быт крестьян, он создал целый ряд картин, воспевающих Финляндию. Это произведение исполнено в реалистической манере. Простой уголок привлек художника поэтическим настроением в полнолуние. Он мастерски передал атмосферу, полную тепла, любви к родным местам, восхищения и растворенности в природе, особой ночной тишины и почти мистического сияния луны. Зритель словно ощущает еще не остывший со дня воздух, запах травы и древесины. Теплый свет будто обволакивает все предметы, кажется, что это место, где живут приветливые, честные и работящие люди.

Ээро Ярнефельт (1863–1937) В ярме (Сжигание валежника) 1893. Холст, масло. 131x164

Ээро Ярнефельт по праву входит число талантливейших живописцев реалистического направления в Финляндии. Он прославился работой «Наемные рабы» (1893), в которой изобразил крестьян, занимающихся подсечноогневым земледелием. Представленная картина продолжает затронутую тему. Запечатлен один из самых древних, примитивных и тяжелых способов обработки земли в условиях леса. На полотне группа крестьян готовит почву для будущего посева. Деревья рубили или подсекали, оставляли на год для просушки, а потом сжигали. Зола является прекрасным удобрением, но, к сожалению, такой метод быстро исчерпывал возможности местности. Подсечно-огневой способ обработки земли был распространен в Финляндии и северо-востоке России.

Ярнефельт написал это произведение на стыке реализма и натурализма. Однако изображенные условия труда настолько тяжелы, что вся сцена с изможденной девочкой в центре напоминает «крик души», свойственный, скорее, такому направлению, как экспрессионизм. Он появился десятилетием позже в качестве одного из течений социальной критики. Для художника характерна любовь к густым, насыщенным теплым тонам, они добавляют тревожности в атмосферу холста. Темная палитра вторит суровым условиям жизни крестьян. Это не мирная картина, запечатленная мастером, например, в работе «Лето. Ночь. Луна», а документ незавидного положения тружеников.

Ээро Ярнефельт (1863–1937) Водяной лютик 1895. Холст, масло. 39x28

На этой небольшой картине Ээро Ярнефельт запечатлел скромное растение родной Финляндии — водяной лютик. После завоеваний французских пейзажистов и импрессионистов в последнюю четверть XIX века, когда мастера стали отдавать предпочтение небольшим, будто случайно выбранным фрагментам повседневной жизни, такие работы, как данная, стали возможны. Представлены лишь речка с растением и нет никакого привычного повествовательного сюжета. Динамику композиции придает реалистически точное изображение водной глади, светящейся глубины в потоках солнечных лучей. Произведение может трактоваться как символ родных мест или лирического настроения автора. Темная насыщенная палитра теплых оттенков синего и коричневого типична для творчества Ярнефельта.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Улица в Овер-сюр-Уаз 1890. Холст, масло. 73,5x92,5

Величайший художник, голландец по происхождению, Винсент Ван Гог стал одним из ярких представителей французской школы живописи. Манера мастера узнается сразу. Он хотел попробовать разнообразие фактур, форм, пытался найти монументальное звучание в самых обычных вещах и простых ракурсах. Здесь Ван Гог экспериментирует с трактовкой неба, стремится передать легкость и одновременно объемность, визуальную плотность облаков. Полотно поражает сочным, фактурным цветом и особым ощущением жизненной силы. В целом изображение напоминает сказочный городок, наполненный солнцем, обдуваемый свежим ветром.

Данное произведение принадлежит к целому ряду картин, которые были написаны художником в местечке на севере Франции, в Овер-сюр-Уаз. В этот уединенный сельский уголок он приехал по совету брата Тео, который всю жизнь помогал Винсенту. Великий живописец страдал от психических проблем, с каждым годом становившихся все серьезней. В Овер-сюр-Уаз Ван Гог хотел найти отдых и дать покой взвинченным нервам. Указанный период — наиболее интенсивный в творчестве мастера: иногда он создавал по две картины в день. Всплеск деятельности закончился трагически. Во время очередного сеанса рисования художник покончил жизнь самоубийством.

Интересна история приобретения этой работы Художественным музеем «Атенеум». Сначала она находилась у Тео, потом — у его жены, которая продала ее французскому поэту Жюльену Леклерку. Он являлся первым организатором ретроспективной выставки Ван Гога в Париже в 1901. Леклерк состоял в браке с финской пианисткой Фанни Флодин. Именно она продала картину закупочной комиссии музея в 1903. Таким образом, «Атенеум» стал первым собранием в мире, приобретшим творение великого живописца.

Мария Виик (1853–1928) Женщина на веслах. Эскиз. Около 1892. Холст, масло. 26,5x35,5

Финка Мария Виик — одна из самых значительных мастеров живописи — женщин конца XIX — первых десятилетий XX века. Путь к искусству, которое бы признавалось критиками, а вслед за ними и публикой, шел через европейские академии, официальные выставки и публикации в журналах. Именно такими социальными инструментами создавался и до сих пор создается профессиональный статус «художник». В то время считалось, что образование вредит женщине, ведь, начав интересоваться чем-то помимо семьи и материнства, она не выйдет замуж, а экономически не сможет обеспечить себя. Таким образом, только наиболее целеустремленные и богатые представительницы прекрасного пола могли выбрать карьеру профессионального живописца. В Финляндии второй половины XIX столетия таким мастером стала Мария Виик. В юности она получила образование на родине, а потом, как и многие другие творцы, отправилась в Париж совершенствовать технику. Именно здесь частные академии принимали на учебу женщин, Франция гордится тем, что взрастила не одно поколение художниц.

Виик славится портретами. Большей частью ее модели — женщины и дети. Выбор героев объясним: согласие позировать является частью представлений о престиже. Безотказными для женщины-живописца могли стать ее подруги, родственники и дети. Так и на представленной работе, небольшом по формату масляном эскизе, — молодая беззаботная девушка. Мастер запечатлела открытое, чуть смущенное лицо со скромной, но очень теплой улыбкой. С точки зрения стиля этот холст совмещает технику импрессионизма с новациями в колористической трактовке в духе постимпрессионизма. Композиция при всей реалистичности изображенного математически выверена. Бежевый цвет лодки прямо рифмуется с холмами, а водная гладь — с голубым небом. Фиолетовые мазки-блики напоминают о модном тогда увлечении теорией света.

Поль Гоген (1848–1903) Пейзаж на Таити 1892. Холст, масло. 54,5x31

Талант Поля Гогена, широта его художественных интересов и мера влияния на искусство XX века сравнимы с вкладом Поля Сезанна и Винсента Ван Гога. Французский неоимпрессионист прославился работами, которые создал на экзотическом острове Таити. Притягательность его живописи заключается в монументальной целостности образов: люди на полотнах — не портреты, а типы. Ключом к успеху авторской манеры служит оригинальная колористическая гамма. Гоген свободно комбинирует контрастные сочетания, а светотеневые эффекты «усиливает» добавлением по-импрессинистски проанализированных цветов (например, на солнце зеленый воспринимается как черный). Перед зрителем — простая бытовая сценка, ее очарование заключается в выразительности художественных средств и эмоциональности, которую вкладывает живописец в картину. Он словно упивается буйством цветов, сочностью зелени, насыщенным жарким воздухом, затерянным уголком рая на земле.

Поль Гоген (1848–1903) Пейзаж со свиньей и лошадью (остров Хива-Оа) 1903. Холст, масло. 75x67

Представленная картина величайшего художника постимпрессиониста Поля Гогена впечатляет неземным колоритом. Полинезийские острова стали для мастера миром грез. После лаконичных пейзажей севера Франции богатейшая и экзотическая природа дала ему импульс к новым исканиям. Надо помнить, однако, что, несмотря на тягу к неизведанным, дальним уголкам мира, живописцу очень тяжело далась жизнь здесь. Он зарабатывал нищенские деньги, подорвав здоровье в непривычном климате, подолгу болел. Тем не менее в истории Гоген остался как новатор, который обогатил современную художественную культуру.

Мастер смело использует контрастные и неожиданные, не встречающиеся в природе цветовые комбинации. Коричневая древесина становится сиреневой и фиолетовой, сочная зелень — черной. Неопримитивизм в изображении животного сочетается с богатой фактурностью в трактовке травы. Данная картина стала одной из последних в творчестве живописца.

Беда Шерншанц (1867–1910) «Везде, куда голос нас зовет…» 1895. Холст, масло. 85,5x129,5

Финская художница Беда Шерншанц — один из самых известных представителей символизма, работавших в этой северной стране. Мастера данного направления черпали вдохновение из литературных и философских источников, их картины — своеобразные зашифрованные аллегории и символы жизни и смерти человека, молодости и старости. К сожалению, осталось не так много произведений Шерншанц. В отличие от других женщин-художниц, которые принадлежали к высшим слоям общества и не нуждались в деньгах, ей приходилось зарабатывать своими полотнами на жизнь. Мастер смогла позволить себе лишь год обучения в Академии Коларосси в Париже. Знаменитая школа вырастила многих художниц со всего мира, стоит назвать лишь Анну Голубкину и Камиллу Клодель. Когда Шерншанц поступила туда в 1891, ее руководителем стал соотечественник Магнус Энкель. Он и познакомил Беду с идеями символизма. Название данной работы взято из первых строк популярной песни того времени, лаконично называвшейся «Песнь Финляндии»:

Везде, куда голос нас зовет, Везде, где голос отзывается, Это песнь Финляндии!

На картине изображены гуляющие в саду дети. Слева девочка держит гусли, традиционный струнный щипковый музыкальный инструмент. Звуки музыки наполняют пространство, герои застыли, очарованные ими. Перед зрителем — аллегория детства, невинности, мира сказки и грез. Композиция намеренно не выверена, не симметрична. Художница специально берет произвольный фрагмент пространства, случайный момент, чтобы подчеркнуть вневременной аспект изображаемой сцены.

Магнус Энкель (1870–1925) Фантазия 1895. Бумага, гуашь, пастель, карандаш. 47x44

Магнус Энкель — знаменитый представитель символизма в Финляндии. Он считается одним из первых новаторов в стране, который порвал с традициями академического натурализма. Во время учебы в Париже Энкель находился под огромным впечатлением от творчества Пюви де Шаванна, а также утонченных в своей сложности и лиричности образов символистской литературы и поэзии. Эта работа относится к раннему периоду деятельности мастера, когда он предпочитал тусклые, сдержанные оттенки. Как и многие коллеги по всей Европе, живописец развивал темы потерянного рая и золотого века.

Полотно финского художника наполнено негой, особой трепетностью, в нем реальность сплетается с видением. На переднем плане изображен Аполлон, прекрасный покровитель Муз. Именно он — главный герой картины, повелитель сказочной страны фантазий. Энкель не нуждается в ярких красках, ему достаточно светоносных поэтических образов, которыми он населяет чудесный лес.

Магнус Энкель (1870–1925) Пробуждающийся Фавн 1914. Холст, масло. 65,5x81

Зритель уже рассмотрел раннюю картину знаменитого в Финляндии художника Магнуса Энкеля, представленная принадлежит позднему периоду творчества мастера. После 1902 Энкель все чаще употреблял яркие, даже иногда кричащие краски под влиянием постимпрессионизма. В его наследии большую роль играет мужская натура. Образы юношей, в основном обнаженных, наделены неподдельной чувственностью, они граничат с эротикой. Этот холст, как и предыдущий, буквально дышит счастьем бытия, восторгом жизни, энергией любви и творчества. Каждое лето живописец вместе с коллегами-единомышленниками выезжал к морю, где создавал полные света и радости полотна на самые простые сюжеты.

Хуго Симберг (1873–1917) Сад смерти 1896. Бумага, акварель, гуашь. 15,8x17,5

Хуго Симберг — один из самых запоминающихся художников-символистов Финляндии. В 1891 он поступил в рисовальную школу, однако методы преподавания не подошли ему. В 1895–1897 Симберг стал частным учеником знаменитого Аксели Галлен-Каллелы. Позже, как это было принято в то время (если, конечно, позволяли средства), он отправился в Лондон (1896), Париж и Италию (1897). Ранние работы, в которых живописец уже начал использовать образы смерти, принесли ему успех у публики и профессиональных критиков. Надо отметить, что эта тема стала созвучной душам многих художников Норвегии, Швеции и Финляндии. Так и Симберг нашел свою стезю.

Скелет — традиционный образ еще со времен Средневековья. Уже тогда существовал устойчивый религиозный сюжет, который назывался danse macabre (с французского — «пляска смерти»). В нем — философское осмысление бренности жизни. На данной картине показан необычный сад. За своеобразными прилавками стоят скелеты, которые выращивают цветы. По мысли мастера, эти растения — души людей, а сад — перевалочный пункт между фактической смертью и попаданием на небеса. Универсальная истина человеческой судьбы в том, что смерть с рождения поджидает людей. Внимание скелетов-садовников к их жизни невольно вызывает содрогание. Композиция и пространство произведения условны: виден лишь уголок сада, а всю остальную часть холста занимают персонажи. В авторской трактовке смерти удивителен ее «положительный» характер. Садовники не изображены озлобленными или коварными существами, они по-своему заботятся о душах.

Хуго Симберг (1873–1917) Весенний вечер во время таяния льда 1897. Холст, масло. 27x37

Данная работа Хуго Симберга не похожа на предыдущую, кажется, что их создали два разных автора. Перед зрителем — классический пейзаж с топографически документальными деталями. Однако художник доводит реалистические элементы до предельной степени обобщенности и условности. Финский мастер запечатлел весенний вечер и таяние льда. В этом полотне Симбергу удалось поднять простоту пейзажа до монументальной ясности чистых линий и особой атмосферы предвечерней утомленности и задумчивости. Глыбы тающего льда могут трактоваться как надежда на будущее уставшего от холода и зимы человека или как символы тревоги, одолевавшей мастера. Он черпал вдохновение из колорита закатных сумерек, как нельзя лучше отвечавших символистскому мировоззрению. Живописец умело создает экспрессивный контраст теней в отражении озера и оранжево-желтого неба. Вид на воду, который он выбрал, свидетельствует о любви к экзотическим и популярным в то время японским гравюрам, глубоком их понимании. О внутренней отсылке к культуре этой азиатской страны говорит и стилистика названия картины, напоминающего строки японской поэзии. Произведение очень ясно по композиции, просто и выразительно. Черные горизонтальные линии кромки земли, гор и облака придают работе ритмическую упорядоченность, математическую строгость. Пейзаж привлекает атмосферой меланхолии, одиночества и тишины.

Хуго Симберг (1873–1917) Танец на причале 1899. Бумага, акварель, гуашь. 19,5x25,5

Художественное направление «символизм», ярким представителем которого в Финляндии был Хуго Симберг, характеризуется повышенным интересом к философским, религиозным и поэтическим метафорам. Мастера, развивающие это течение, всегда очень внимательно относились к многослойности и сложности трактовок образов и аллегорий. Символисты опирались на многочисленные культурные традиции: будь то античные мифы или, как в данном случае, религиозные сюжеты позднего Средневековья (XV век).

Излюбленным образом мастера был danse macabre (с французского — «пляска смерти»). Так называли отдельный жанр живописи, который служил аллегорией смерти. Смысл символики заключался в том, что неважно, какое положение человек занимал при жизни, смерть объединит всех. Наиболее известными работами, затрагивающими эту тематику, стали монументальное полотно из Любека мастера Берндта Нотке (1463) и графическая серия великого художника Ганса Гольбейна Младшего (1526). Такой сюжет призывал людей помнить о скоротечности жизни, условности славы и относительности земных благ.

В XIX–XX веках на эту тему написан целый ряд музыкальных произведений, в том числе такими мастерами, как Модест Мусоргский (1875–1877) и Дмитрий Шостакович (1944), а также современниками Симберга Густавом Малером (1901) и Арнольдом Шенбергом (1914). Финский живописец, работавший на рубеже столетий, включил себя в богатейшую традицию переосмысления аллегории пляски смерти. Два скелета поочередно подхватывают в танце людей, выстроившихся в очередь на причале. Кажется, что они сбрасывают живых в воду. Это место — переходное от человеческого мира в подземное царство. Художественное время картины условно: не понятно, то ли это закат, то ли раннее утро.

Альфред Вайно Бломстедт (1871–1947) Франческа 1897. Холст, масло. 51x38

Альфред Вайно Бломстедт — финский художник, близкий к течению прерафаэлитов — братства живописцев, которое было основано в Англии Данте Габриэлем Россетти. Это направление последней четверти XIX века отмечено стремлением к эстетизму, углубленным интересом к средневековым легендам, мифам и мистике.

Работы Бломстедта отличаются тонкой одухотворенностью образов, колористическим богатством и общей гармоничной декоративностью. Художник предпочитал аллегории, пронизанные сложной цветовой и смысловой символикой. Герои средневековых преданий в духе прерафаэлитов органично соединяются со стилистикой экспрессионизма, свойственной мастерам Северной Европы. Франческа, одна из героинь «Божественной комедии» Данте, представляет для мастера идеализированный портрет женщины: одухотворенной, нежной и неприступной красавицы из безвозвратно ушедшего золотого прошлого.

Пекка Халонен (1865–1933) Молодые сосны под снегом 1899. Холст, темпера. 44,5x29,5

Пекка Халонен — один из самобытных мастеров Финляндии. Он традиционно рисовал простые реалистические сюжеты на тему стужи, привычные для этой страны морозные пейзажи. На родине живописец считается «певцом зимы». Он стал известен публике в 1890-х.

Перед зрителем — одна из ранних работ мастера, на ней изображены заснеженные молодые сосны. Интересно, что этот неприхотливый вид несет отсылки к японским гравюрам. Именно произведения из Японии, которые стали привозить путешественники в XIX столетии, убедили творцов в том, что даже самый малый фрагмент природы заслуживает любви, а художественная привлекательность его ничуть не уступает сюжетным картинам, где важное место занимают повествование и сложная композиция. Фрагментарность как часть эстетики японского искусства как нельзя лучше подходила для исканий европейских новаторов-импрессионистов и реалистов последних десятилетий века.

Пекка Халонен (1865–1933) Помидоры 1913. Картон, масло. 42x51

На примере экспозиции музея зритель смог убедиться, что в конце XIX — начале XX века в искусстве Финляндии происходило становление национальной школы живописи, а местные художники достигали мирового уровня мастерства. Пекка Халонен — один из ярких представителей так называемого золотого века финской живописи.

Перед зрителем — небольшое произведение, зарисовка зреющих помидоров на ветках. Для жителей этой северной страны, где зима длится долгие месяцы, а лето радует совсем немного, свежая листва, дары природы, весенний рост — символы оптимизма и радостей жизни. От данной неприхотливой работы веет довольством и теплом.

Пекка Халонен (1865–1933) Женщина в лодке 1924. Холст, масло. 92x73

Пекка Халонен наряду с Аксели Галлен-Каллелой — финский художник-постимпрессионист, который составил славу национальному искусству в XX веке. Он учился в Париже, а также занимался под руководством самого Поля Гогена. После возвращения на родину Халонен поселился в построенном им самим доме и всю жизнь рисовал простые виды окрестностей и быт местных жителей — своих соседей. Как говорил мастер, «искусство должно не шокировать, а нести умиротворение». Представленная картина спокойного и аскетичного колорита, лирического настроения прекрасно подтверждает это кредо. Поэтическая красота произведения понятна без слов.

Юхо Риссанен (1873–1950) Зимняя рыбалка 1900. Холст, масло. 125x175

Судьба финского художника Юхо Риссанена уникальна. Благодаря таланту и стремлению рисовать ему удалось выбиться из нищеты и посвятить свою жизнь искусству. В 1896 Риссанен поступил в школу рисования сначала в Хельсинки, потом в Турку. Далее, в 1897, жизнь свела его с Санкт-Петербургом и такими мэтрами, как Илья Репин и Иван Крамской. Дело в том, что более ста лет, с 1809 по 1917, Финляндия была частью Российской империи, поэтому финские художники нередко становились студентами русской Академии. В конце XIX века активно творили передвижники, которые затрагивали темы, близкие Риссанену: социальная критика условий жизни крестьян, пейзажи родных мест. Их деятельность нашла отклик в сердце финна, с тех пор он разрабатывал сюжеты, созвучные реалистам.

Данная картина дает представление о манере мастера. Он органично соединил реализм, жанровую и социальную тематику с лаконичным колоритом и жесткой, чуть упрощенной линией силуэтов. Стиль творца внутренне тяготеет к плоскостной трактовке. Неудивительно поэтому, что всю свою карьеру он стремился воплотить замыслы во фреске, которая как раз требует четкости профилей и общей композиции. Действительно, в представленной работе фигуры рыбаков достигают монументальной типичности, напоминая по своим приземистым пропорциям и красноватым лицам крестьян Питера Брейгеля. Пространство хотя и исполнено по всем правилам воздушной перспективы, но производит впечатление условного и абстрактного фона. Такая отвлеченная трактовка окружающего мира говорит о стремлении Риссанена создавать эпичные, обобщенные образы-символы.

Юхо Риссанен (1873–1950) Ледокол 1900. Холст, масло. 125x175

Современники, особенно коллеги по искусству, ценили самобытный талант Юхо Риссанена, вышедшего из бедной семьи. Художник рано, еще во время учебы в Санкт-Петербурге, выработал свою узнаваемую и цельную манеру, навсегда оставаясь верным сюжетам повседневной жизни и особому, только ему свойственному синтезу реализма с постимпрессионизмом. Настойчивый интерес к фрескам постоянно толкал мастера на эксперименты. Он хотел добиться особой, характерной для монументальной живописи четкости силуэтов и ясной композиции, поэтому предпочитал использовать темперу и акварель, чтобы фактура была гладкой. Риссанен вслед за таким мэтром постимпрессионизма, как Поль Гоген, обводил предметы и фигуры черной линией, придавая сцене более условный характер, чем это было принято в реализме.

Все перечисленные качества творчества хорошо видны в представленной картине. Ее сюжет, как всегда у мастера, очень прост. Большой ледокол со знакомым всем финнам названием «Сампо» (история слова — с. 82) уверенно идет вперед, прокладывая себе дорогу. Работу отличает четкая, лаконичная композиция, а по колориту она приближается к условным локальным цветам постимпрессионизма. Образ судна грандиозен, благодаря грозному сочетанию желтого неба и черного дыма полотно приобретает символический характер.

Юхо Риссанен (1873–1950) Натюрморт 1909. Холст, масло. 61x53

Юхо Риссанен, получив классическое образование в Российской академии художеств у Ильи Репина, всю жизнь был близок передвижникам. В этой небольшой работе, словно созданной исключительно для собственного удовольствия, мастера интересует живописная передача разнообразных фактур. Все предметы растворяются в естественном свете, льющемся из окна: кувшин, в блестящем лаке которого отражается обстановка комнаты, многочисленных оттенков стеклянные вазы и стаканы. Чувствуется, что автор любуется привычными вещами в своей мастерской, являя их в спокойной и деловой атмосфере солнечного рабочего дня.

Венни Солдан-Бруфельдт (1863–1945) Архипелаг 1900. Холст, масло. 127x175

Венни Солдан-Бруфельдт — живописец, скульптор, иллюстратор, дизайнер, писатель и жена Юхани Ахо, первого профессионального литератора в истории Финляндии. У художницы яркая биография. Она родилась в прогрессивной семье, в которой большое внимание уделялось всестороннему образованию детей. Родители всячески способствовали становлению карьеры Венни. В 1885 по 1890 с небольшими перерывами она училась во Франции. Пребывание в столице мировой художественной культуры сформировало вкусы и отточило живописную технику Солдан-Бруфельдт. Там она нашла друзей и единомышленников. Получив профессиональное образование, девушка отправилась в путешествие по Италии и Испании. Деньги на поездку она заработала копиями классических картин, которые в то время пользовались большим спросом. Художница была активной участницей культурной жизни Финляндии. В ее окружении находились такие знаменитые мастера, как Пекка Халонен, Альберт Эдельфельт, Аксели Галлен-Каллела и Ээро Ярнефельт, чьи произведения представлены в экспозиции музея.

Картины Солдан-Бруфельдт отличает более свободный и фактурный мазок в стиле постимпрессионизма. В этой зрителю открывается панорама, исполненная в неопримитивистском вкусе. Архипелаг, увиденный с горы, написан четкой, гибкой силуэтной линией в локальных цветах. Колористически композиция строится на сопоставлении насыщенного теплого синего и коричневого тонов. Художница обыгрывает также популярную в конце XIX — начале XX века эстетику японских гравюр. Привлекает внимание сосна, растущая на горе слева. Именно это типичное для пейзажа Японии и Финляндии дерево служит своеобразным символом органического соединения обеих стран в холсте.

Морис Дени (1870–1943) Улисс и Калипсо 1905. Холст, масло. 82,5x11 6,5

Морис Дени — известный французский художник, творивший в первые десятилетия XX века, представитель символизма. Своими теоретическими работами мастер повлиял на зарождение влиятельных течений столетия: кубизма и абстрактного искусства. Дени родился в Нормандии, в небольшом прибрежном городке. Именно образы моря стали его излюбленными. Живописец был религиозен и рассматривал свои картины как гимны красоте мира, созданного Богом. В 1890 он вместе с Полем Серюзье и Пьером Боннаром основал группу «Наби». Название переводится с иврита «пророки», художники считали собственные произведения откровениями, понимали их в качестве новых форм жизни.

Стилистически эта картина написана как синтез идей, идущих еще от импрессионизма, а колористически — наследуя палитру символизма. Дени изображает хорошо известную историю Улисса (латинизированная форма имени Одиссей) и Калипсо, сцену из «Одиссеи» Гомера. На прекрасном острове жила бессмертная нимфа Калипсо. Она была хозяйкой места, где кроме нее находились лишь преданные служанки. Однажды туда попал Одиссей, его прибило к берегу бурей. Калипсо околдовала героя пением и мечтала, чтобы тот остался с нею навеки. Семь лет она держала мужчину у себя, а он думал, что пробыл с ней совсем недолго, не чувствовал хода времени. Однажды Одиссей понял, что с момента его прибытия к Калипсо прошли не мгновения, а годы. Дома его ждала верная жена Пенелопа. К разочарованию и негодованию прекрасной нимфы герой пожелал вернуться.

Художник живописными средствами показывает настроение этого сюжета: прекрасный сон без времени и тревог, место, в котором всегда светит солнце и чарующе звучит музыка любви. Но однажды Одиссей проснется…

Поль Серюзье (1864–1927) При лампе 1906. Холст, масло. 60,5x73,5

Поль Серюзье — знаменитый французский художник, из числа первых мастеров абстрактного искусства. В 1888 он примкнул к группе Поля Гогена, которая жила и работала во французском Понт-Авене. Живописец считается также одним из вдохновителей авангардистских течений. Он входил в группу «Наби», в ней состояли также Пьер Боннар и Морис Дени. Авторы провозгласили себя пророками искусства и творили в совершенно разных техниках и жанрах.

Представленное полотно написано в стиле синтетизм — это частный случай более широкого постимпрессионистического течения. Оно показывает, как автор синтезирует сочные теплые тона постимпрессионизма и дивизионизм с его абстрактным характером форм. Основная примета рассматриваемого холста — краски напоминают витражи. Произведение получилось очень декоративным, эстетским. Обращает на себя внимание трактовка пространства. Предметы написаны почти в манере кубизма: они словно прилепляются друг к другу, образуя композиции из геометрических фигур. В то же время глаз зрителя распознает угол комнаты и телесную объемность вещей. Главная прелесть картины заключается в атмосфере домашнего уюта. Теплый свет лампы озаряет стол, за которым лирический герой Серюзье занимается работой, разбором и чтением писем. При кажущейся простоте произведение имеет несколько смыслов: оно — символ душевных привязанностей художника, его манифест. С точки зрения технической характеристики живописи подобная манера наносить краски стала возможной после углубленного изучения теории цвета.

Пьер Боннар (1867–1947) Дождливый пейзаж 1909. Холст, масло. 64x49

Пьер Боннар — всемирно известный французский художник-постимпрессионист. В 1890 он вместе с Полем Серюзье основал символистскую группу «Наби». Эстетика произведений, как и представленной работы «Дождливый пейзаж», строится вокруг непосредственного, «детского», взгляда на мир. Композиция отличается ритмичностью горизонтальных линий, которые воспринимаются своеобразным контрастом свободному и тягучему мазку неопримитивистского толка. При кажущейся простоте и доступности живописной манеры Боннара его творчество базировалось на глубоком изучении популярной в начале XX века японской гравюры, наследия Поля Гогена, а также оптических и колористических опытов последней четверти XIX столетия. Мастер изображает дождливую погоду, однако стоит обратить внимание на потрясающее богатство палитры и цветовых сочетаний.

Вернер Томе (1878–1953) В парке Борели 1909. Холст, масло. 110x140

Финский постимпрессионист Вернер Томе синтезировал в своем творчестве традиции французской школы живописи и особую экспрессивность линии и колорита мастеров Северной Европы.

Перед зрителем — одна из характерных работ зрелого периода деятельности мастера. Он начал выставляться сравнительно недавно, в 1903, серьезные перемены произошли около 1906. Тогда, побывав в Италии, художник отказался от «северной» темной палитры и стал адептом течения, известного как «витализм». Название говорит само за себя: автор писал светлыми красками, сюжеты картин были полны оптимизма и витальности. Радость жизни, важность каждого мгновения — вот его кредо. Здесь видна унаследованная от импрессионизма свободная манера передавать зрительные впечатления, большое внимание уделять световому потоку и производимому им эффекту в живой природе. Силуэты предметов очень компактны, они напоминают манеру, которую прославил Эдвард Мунк.

Изображен «случайный» момент будней парка Борели в Марселе. Эта фрагментарность и непроизвольность в выборе мгновения для запечатления — тоже намеренный художественный прием. Тем самым Томе хочет показать ценность мельчайшего, незаметного в суете отрезка времени, важность для сердца и памяти человека небольшого впечатления: удаляющаяся карета, шум деревьев в летнем парке, лучи солнца, создающие на пышной зелени черные и фиолетовые тени. Любая мелочь, быстрый взгляд, неясные силуэты и непроизвольные ассоциации — вот что начали ценить живописцы конца XIX — начала XX века.

Вернер Томе (1878–1953) Купающиеся мальчики 1910. Холст, масло. 108,5x130

Вернер Томе начинал карьеру как график. В 1898–1899 он занимался под руководством Хелены Шерфбек, но вынужден был оставить учебу по состоянию здоровья. Позже, в 1909, вместе с Магнусом Энкелем финский художник входил в группу «Сентябрь», наряду с мастерами Альфредом Финчем и Юхо Риссаненом. Они испытывали влияние постимпрессионизма, особенно были вдохновлены творчеством Поля Синьяка, выставка которого прошла в Хельсинки в 1904. С 1903 по 1910 Томе вместе Энкелем часто выезжал на пленэр, где они рисовали вариации одного и того же сюжета. Сначала, около 1904, когда Томе стал регулярно выставляться, он предпочитал работать в типичной для севера лаконичной, сдержанной и темной палитре. Однако после путешествия в 1906 в Италию, а позже, в 1908, на юг Франции мастер заинтересовался световыми эффектами и теорией цвета, его палитра стала солнечной, яркой.

Перед зрителем — тематически очень простая картина. Мальчики купаются в море. Данный сюжет очень любили живописцы XIX–XX столетий за возможность интересно построить композицию и выполнить сложные задачи изображения солнечных бликов на воде. Здесь финский творец интересуется проблемой передачи очень яркого прямого света и следует по стопам своего кумира Синьяка. Даже люди, не связанные с живописью, не раз замечали, что такой свет воспринимается черным или фиолетовым. Атмосфера беззаботного купания, обобщенные типические мальчишеские фигуры придают полотну особое символическое звучание.

Амедео Модильяни (1884–1920) Портрет Леопольда Сюрважа 1917. Холст, масло. 61,5x46

Зритель моментально узнает оригинальный стиль Амедео Модильяни. Этот итальянский художник, один из самых известных мастеров экспрессионизма, прославился своими очень необычными типажами, которые похожи на идолов. Он создавал запоминающиеся лица-маски на африканский манер и по-готически вытянутые силуэты.

Живописец запечатлел Леопольда Сюрважа, художника-новатора, родившегося в России в финской семье. До революции он активно участвовал в творческой жизни империи, после 1917 снимал студию вместе с Модильяни в Париже. В этом портрете, написанном в Ницце, мастер использует лаконичные, но выразительные сочетания цветов и общую неопримитивистскую манеру рисунка. Он пишет черной и белой красками, а также варьирует оттенки коричневого. Привлекает внимание прием сопоставления объемной трактовки лица с обобщенными линиями контура.

Произведения Альберта Эдельфельта

Алъберт Эделъфелът. Христос и Мария Магдалина. Финская легенда. 1890

Алъберт Эделъфелът (1854–1905) Читающая парижанка 1880. Холст, масло. 81x100

Альберт Эдельфельт считается одним из самых плодотворных и талантливых живописцев Финляндии. Он родился в творческой семье, его отец был архитектором. Другом семьи и кумиром для подрастающего художника являлся Йохан Людвиг Рунеберг, поэт, который воспел национальную финскую историю. Эдельфельт позже создал целую серию иллюстраций по мотивам его эпических произведений.

В альбоме, однако, представлены картины, которые принадлежат еще одной стороне наследия мастера. Он учился год в Антверпене, четыре — в Париже и год в Санкт-Петербурге. Наиболее сильное влияние на него оказала парижская школа. Эдельфельт входил в число первых финских творцов, познавших славу за пределами родины. Во французской столице его работы были высоко оценены, и, вернувшись в Финляндию, он стал одним из самых авторитетных художников реалистического направления.

Данный холст характерен для мастера и, безусловно, говорит о влиянии такого столпа французского искусства, как Огюст Ренуар. Об этом свидетельствуют и манера накладывать краски, и типаж героини. Композиционно картина поделена по диагонали на три части. Именно диагональ придает ей особую непосредственность атмосферы отдыха и чтения. В нижнем правом углу темным написан подлокотник кресла или дивана. Автор изображает молодую парижанку из высшего общества в модном наряде, она наслаждается книгой, и это явно не ученые занятия. Героиня смотрит прямо на зрителя, в ее глазах огонек довольства и молодости. Эдельфельт виртуозно прописывает мельчайшие детали сложного наряда и прически. Фактурность драпировки на заднем плане рифмуется с богатой структурой ткани платья. Пастельные тона одежды и фона с изысканным орнаментом оттенены «живой» деталью — сочной ветвью растения справа. Объемность, насыщенность поверхности являются изюминкой этой работы, которую можно долго рассматривать.

Алъберт Эделъфелът (1854–1905) Дети, играющие на берегу 1884. Холст, масло. 90x107,5

Данная работа Альберта Эдельфельта написана на один из излюбленных сюжетов прогрессивных художников конца XIX — начала XX века — играющие на берегу дети. Этот, казалось бы, простой мотив привлекал европейских реалистов богатыми композиционными и светотеневыми возможностями. Нужно было не только запечатлеть сложнейшую игру солнечных бликов на воде и общее сияние теплого летнего дня, после десятков лет академизма трудной задачей являлась и передача игры, особого беззаботного настроения ребят — точно и живо зафиксировать повседневный фрагмент человеческих будней. Интересна композиция: фигуры мальчиков написаны монументально, мастер не смотрит на них сверху вниз, а выбирает пониженную точку зрения, он как бы находится среди детей. Пейзаж показывает величие пространства. Берега реки сходятся в точке за горизонтом, а мальчики, представленные по диагональной оси, выходящей из крайней левой нижней точки картины, служат как бы дополнительным «лучом». Но геометрический расчет незаметен благодаря героям холста, которыми являются беззаботно играющие дети, воздух и залитый солнцем берег. Эдельфельта не интересуют портреты, он выводит типажи, сознательно стремится обобщить сцену, чтобы зритель почувствовал летную атмосферу и вспомнил свое детство. В персонажах нет ничего специфически финского, такие ребята и такой берег могли быть запечатлены в любой точке Европы.

Алъберт Эделъфелът (1854–1905) Люксембургский сад, Париж 1887. Холст, масло. 141,5x186,5

Перед зрителем — еще одна картина из парижского цикла Альберта Эдельфельта. Здесь он использует наработки своих французских учителей и изображает типичную сцену на парижских бульварах и в садах. Знаменитый Люксембургский сад, в котором собирались для отдыха и прогулок горожане, заложенный еще в начале XVII века, — одна из достопримечательностей Парижа. Для мастера характерны свободное владение композицией и особый талант создавать очень живые сценки повседневной жизни. На переднем плане слева расположены бонны со своими воспитанницами. Эдельфельт играет на контрасте белого и черного, а также на сопоставлении фактур: невесомой ткани платьев девочек и плотной, тяжелой материи облачений их нянь. Дамы справа в серо-сизых нарядах словно сливаются с дымкой, окутавшей деревья и небеса слева. Эта колористически сложная композиция поддерживает атмосферу оживленных будней, глаз зрителя невольно перебегает от одного плана к другому, которые связаны одинаковыми оттенками. Художник добивается динамики, используя ограниченный набор цветов: белый, черный, серебристо-серый и теплый бежевый с небольшими акцентами бордового. Достоинством работы является особое сочетание непосредственности поз и сценок с характерной для мастера монументальностью и статностью в изображении фигур. Этот холст, как и другие его произведения, хочется долго разглядывать. Неудивительно, что Эдельфельт является одним из самых талантливых и известных живописцев Финляндии.

Алъберт Эделъфелът (1854–1905) Париж в снегу 1887. Дерево, масло. 46x37

Данная работа написана в очередной приезд Альберта Эдельфельта в Париж. Он был одним из немногих финских мастеров, которые удостоились наград в этом центре передовой живописи.

Художник не только учился во французской столице, но и регулярно бывал. Так, на полотне запечатлен типичный вид на заснеженный город. Финский мастер виртуозно передает застывшую в морозной дымке даль. Главным героем картины являются даже не дома и тоненькие стволы деревьев, а замерзшее неподвижное пространство. Ощущается атмосфера пустоты и какой-то заброшенности застывшего от холода города. Трубы работающих заводов и печей дополняют этот лирический пейзаж урбанистическими нотками. Здесь живописец, как и на предыдущей картине, намеренно берет случайный момент и оживляет его с помощью вытянутой и уходящей за горизонт перспективы расположенных по диагонали параллельных линий.

Алъберт Эделъфелът (1854–1905) Пристань нюландского яхт-клуба в Хельсинки 1899. Холст, масло. 125x175

Творческая манера Альберта Эдельфельта расцвела благодаря парижской школе живописи. На его колорит, стиль и сюжеты, без сомнения, повлиял такой непревзойденный мастер, как Огюст Ренуар. Несмотря на прямое копирование «рецептов» передовых французских художников, холсты финского автора выполнены с большим профессионализмом, отличаются высокой технической культурой. Работы Эдельфельта можно без всяких оговорок назвать талантливыми. Живописец много учился, не только в специализированных учреждениях, но и в многочисленных поездках по странам, которые в разные периоды были мировыми художественными центрами. Он вел очень деятельную жизнь. Мастер совершил путешествия в Италию, подолгу жил и выставлялся во Франции, бывал в Англии, Испании. Объездил соседние с Финляндией государства (Швецию, Данию), посещал Россию. Эдельфельт пробовал себя во многих жанрах, писал в разных техниках, постоянно экспериментировал с новыми приемами. В его творческом наследии — множество картин на исторические, бытовые сюжеты, а также портреты и пейзажи. Он работал и в графике, использовал пастель и акварель.

Так, в представленном произведении Эдельфельт черпал вдохновение из палитры Ренуара и Поля Сезанна. Сюжеты с морем и лодками характерны для французских импрессионистов. Ведь схватить переменчивую игру солнечных бликов на воде, трудноуловимую зыбь волн было настоящим вызовом для живописцев, поставивших себе цель с помощью красок передать тончайшие движения воздуха и света, которые видит человеческий глаз, а рука мастера не поспевает за ними.

Здесь почти иллюзионистская атмосфера морского причала соседствует с намеренно отстраненными, чисто художественными приемами. Стоит обратить внимание, как «искусственно» написана тень от лодок, как тщательно финский творец прорисовывает линии предметов. Нюландский яхт-клуб — старейший в Хельсинки, знаменитый тем, что его флаг 1861 года стал национальным флагом Финляндии в 1918.

Алъберт Эделъфелът (1854–1905) Из парка Сен-Клу 1905. Холст, масло. 65x81,5

Альберт Эдельфельт воспитал такого мастера, как Аксели Галлен-Каллелу, он помог молодому дарованию проявить себя в Париже. Среди учеников Эдельфельта был также наш соотечественник Леон Бакст, который прославился монументальными декорациями к знаменитым дягилевским балетам. Колорит, принципы композиции и темы Эдельфельта очень схожи с манерой русских художников «Мира искусства», объединения талантливых прогрессивных творцов, возникшего в конце 1890-х в Петербурге. В него входили Александр Бенуа, Николай Рерих, Мстислав Добужинский и Бакст.

К началу XX века в наследии Эдельфельта появляются сюжеты, которые своей атмосферой напоминают ушедшее прошлое, зыбкое сновидение, сказочную фантазию. Эти ассоциации возникают благодаря обобщенным силуэтам, свободной манере письма, лаконизму деталей, колориту с традиционными для символизма мистическими розовыми и голубыми тонами. Современным зрителям не сразу понятно — то ли это мир, в котором жил художник, то ли мир, который он потерял и по нему грустит. Сюжет одновременно меланхоличен и очень светел: тихие прогулки, разговоры вдали от суеты, парки, утопающие в зелени. Закат написан достаточно грозным, тучи нависают над городом, а мирная прогулка двух женщин служит эмоциональным контрастом к тревожности небес.

Произведения Аксели Вальде Мара Галлен-Каллелы

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела. Кровное убийство. 1897

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Мальчик и ворона 1884. Холст, масло. 86x72

Полотно написано Аксели Галлен-Каллелой в возрасте 19 лет. Критики и друзья удивлялись, как начинающий финский художник, никогда не посещавший Францию, настолько профессионально перенял стиль французской школы живописи. Именно в этой стране ко второй половине века появилось то направление реализма, которое все больше склонялось к свободной передаче световых эффектов в окружающем мире. Его знаменитым представителем и кумиром финских художников был Жюль Бастьен-Лепаж. Галлен-Каллела брал частные уроки у Альберта Эдельфельта, ранее жившего в Париже и являвшегося своеобразным проводником новинок в живописи для финских коллег.

Эта работа проста: мальчик, показанный вполоборота, смотрит на ворону. Одинокая фигура задает вертикаль, птица — контрастный акцент. Все очарование заключено в атмосфере. Тон одежды и волос ребенка звучит в унисон с оттенками деревенского поля. Успех картины у публики объясняется тем, что мастеру удалось создать напряжение между внимательно следящим за вороной героем и экспрессивным силуэтом практически черной птицы.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Лесной дягель 1889. Холст, масло. 103x56

В музее хранится богатое собрание одного из самых ярких мастеров Финляндии — Аксели Галлен-Каллелы. Художник предпочитал темные, буквально вибрирующие, насыщенные цвета, острые колористические контрасты, основанные на них. Также в числе главных особенностей живописца — эксперименты с перспективой и композицией. Он смело выбирал пониженную точку горизонта, рисовал объекты, которые словно возвышались над зрителем. И эта работа написана так, что зритель оказывается глубоко в траве и ему открывается лишь небольшой кусочек реки и неба. Героем картины становится простое растение, встречающееся и на территории России, лесной дягель.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Триптих Айно 1891. Холст, масло. Центральная часть — 154x154, боковые части — 154x77. Общий размер — 200x413

Эпос «Калевала» считается одним из главных достояний культуры Финляндии. В первой половине XIX века ряд европейских стран встал на путь формирования национальной самоидентификации, передовые деятели литературы и искусства обратились к истории страны и народа, чтобы сформулировать исконные ценности и традиции. В Германии это братья Гримм, в России — собиратель сказок А. Н. Афанасьев, в Финляндии — языковед и врач Элиас Лённрот, который к 1835 художественно обработал отдельные народные эпические песни (руны), исправил разночтения и ввел недостающие детали в повествования. Сюжет строится вокруг приключения трех богатырей — Вяйнямёйнена, Ильмаринена и Лемминкяйнена. Одними из самых известных живописных произведений, посвященных «Калевале», стали творения Аксели Галлен-Каллелы. Создать иллюстрации для эпоса стало делом чести для финского художника. Он начал работу над циклом во время своего медового месяца в восточной Карелии, регионе, где были собраны многие руны «Калевалы». Данный период в творчестве мастера называют романтическим. Ведь изобразить мифы собственной родины — это акт прикосновения к истокам, попытка поиска национальной души. Исторические корни основы собственного мироощущения ценились художниками-романтиками начала XIX века и символистами в конце столетия.

Айно — девушка, которую ради собственного спасения брат хотел насильно выдать замуж за состарившегося мудреца Вяйнямёйнена. Несмотря на одобрение этого брака родителями, Айно не хотела покоряться судьбе и бросилась в реку. Интересно, что имя ей придумал Лённрот. С тех пор имя смелой и независимой героини стало нарицательным, оно вошло в обиход и в 2000-х являлось одним из самых популярных в Финляндии.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Создание Сампо 1893. Холст, масло. 200x152

Аксели Галлен-Каллела написал еще одно полотно на тему эпоса «Калевала». Этот сюжет взят из его первых рун. Богатырь Вяйнямёйнен женился на деве Севера. Вызванный путем заклинания кузнец Ильмаринен создал для его супруги таинственный предмет, дающий богатство и счастье — мельницу Сампо. Из-за нее потом произошла ужасающая битва между богатырем и повелительницей северных земель.

Галлен-Каллела отдавал предпочтение вертикальному формату картин, делал их очень динамичными. Показан укромный уголок древнего финского леса, легендарные герои выплавляют чудо-мельницу. Густые пары дыма, насыщенные темные цвета и экспрессивные позы кузнецов придают сюжету экспрессивный и героический характер.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Принцип творчества 1894. Бумага, гуашь. 65x47

Финский художник Аксели Галлен-Каллела работал во многих манерах. Его раннее творчество, особенно произведения для эпоса «Калевала», отмечено романтическим реализмом, оно воссоздает национальные достояния Финляндии — природу, типы, реконструирует древнюю историю народа.

Мастер прославился также картинами в стиле модерн. Он сформировал свой острохарактерный, узнаваемый стиль, в котором необычная композиция, позы и очень насыщенные оттенки рождают особый образ. Любое изображение и сюжет словно превращаются в загадочный символ, зритель чувствует многозначность, ее можно разгадать только эмоционально. Представленное произведение — прямая аллегория художественного творчества. Обнаженный человек пытается поймать сфинкса. Казалось бы, существо неподвижно, но, судя по отчаянному повороту мужчины, завладеть им не так-то просто.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Портрет Эдварда Мунка 1895. Холст, масло. 44,5x41,5

В декабре 1894 Аксели Галлен-Каллела переехал в Берлин, чтобы участвовать в выставке вместе с норвежцем Эдвардом Мунком. Именно тогда финский художник познакомился с символизмом, творческим течением, в котором он нашел свою струю.

Перед зрителем — достаточно классический по палитре портрет. Он выдержан в теплых тонах коричневого, с небольшим белым акцентом и новаторским зеленым отблеском на галстуке модели. Однако жанрово это, скорее, этюд, зарисовка. Лица почти не видно, никак не выявлены выражение и взгляд. Мунк погружен в раздумье, он не обращает внимания на происходящее вокруг.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Мать Лемминкяйнена 1897. Холст, темпера. 85,5x108,5

Эта иллюстрация к эпосу «Калевала» Аксели Галлен-Каллелы отличается от рассмотренных раннее стилистикой. После 1894 мастер познакомился с символизмом, который оказал на него колоссальное влияние. Если «Триптих Айно» — живописная иллюстрация к тексту, то данная работа — не комментарий к «Калевале», а ее зримый образ. Все — и стать фигур, и типажи, и детали — говорит о том, что изображены эпохальные события седой древности. Они не просто были когда-то давно, но имели влияние на следующие поколения и до сих пор не утратили значения для финнов. Именно символизм позволил художнику добиться монументального звучания эпоса.

Иконографически сцена, безусловно, наследует сюжеты о Христе и Богоматери. Фигура Лемминкяйнена напоминает ренессансные изображения усопшего Иисуса, где он часто представлялся с острохарактерными вытянутыми пропорциями тела и натуралистически мертвенной белизной кожи. Камни образуют почти что узор, их «искусственность» лишь подчеркивает легендарный характер происходящего. Сюжет таков: мать Лемминкяйнена находит и оживляет своего сына, одного из трех главных героев «Калевалы». «Смелый рыбак, удалой охотник, веселый парень» сватался к дочери властительницы «сумрачной Похъёлы», старухи Лоухи. Именно эта колдунья входит в число главных противниц трех отважных богатырей. Он совершил несколько подвигов, но погиб в темных водах Маналы.

Данная работа — из ряда популярнейших в творчестве финского мастера.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Несчастье Куллерво 1899. Холст, масло

Эта картина Аксели Галлен-Каллелы посвящена одному из самых драматичных сюжетов эпоса «Калевала». Богатырь Куллерво был наделен необычайной силой, но проклят. Внешние силы ему уготовили трагическую судьбу, сравнимую с участью знаменитого древнегреческого царя Эдипа. Финский герой попал в рабство, но к чему бы он ни прикасался, все рушилось. После чреды приключений он оказался на родине, влюбился в девушку, соблазнил ее, а потом узнал, что это его сестра. В отчаянии Куллерво покончил жизнь самоубийством.

Привлекает внимание стиль мастера: словно выжженный солнцем, сизый цвет деревьев, чистый теплый оттенок голубого, тщательно прописанные ветви и цветы создают мир сказки.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Весна. Эскиз фрески для мавзолея Юзелиуса 1903. Холст, темпера. 77x145

После знакомства в Берлине с символизмом Аксели Галлен-Каллела побывал в Англии, а также в Италии, где изучал фресковую живопись. В 1900 для финского павильона Всемирной выставки в Париже он создал серию фресок с острым политическим звучанием. Там были аллюзии на русского императора («Илмаринен вспахивает поле с гадюками»), которого художник мечтал изгнать с родной земли, чтобы страна приобрела независимость (это произойдет в 1917). В начале века мастер приобрел славу первого живописца Финляндии.

В 1901 серию фресок творцу заказал один из богатейших промышленников — Фриц Артур Юзелиус. Он задумал возвести мавзолей-усыпальницу в готическом стиле в честь своей умершей 11 — летней дочери Сигрид. Фрески быстро погибли от повышенной влажности и были реконструированы сыном Аксели Галлен-Каллелы лишь в 1939. Серия должна была отразить символы жизни и смерти маленькой девочки. Так, здесь представлен эскиз к фреске «Весна».

Дети радуются теплому ветру, вся земля покрылась свежей зеленью. Мастер очень интересно строит композицию: фигуры обрезаны по пояс, в центре видна лишь макушка маленькой елочки. Все символично, все имеет смысл. Например, белая одежда олицетворяет невинность. На контрасте в левом углу картины в профиль изображена женщина в черном. Скорее всего, это мать. Ее фигура добавляет в общем-то беззаботной сценке нотку трагичности.

Аксели Вольдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Река Туонела. Эскиз фрески для мавзолея Юзелиуса 1903. Холст, темпера. 77x145,5

Если предыдущая картина «Весна» символизировала жизнь, детство, то представленная олицетворяет смерть. Аксели Галлен-Каллела в свойственной ему манере изобразил погружение в лодку, которая переправляется по реке Туонела — так в финской и эстонской мифологии называют и само подземное царство. Художник почерпнул этот мифологический образ из эпоса «Калевала», иллюстрациями к которому он стал знаменит во всем мире. В подземное царство, как и в классической античной мифологии, людей провожает лодочник. Герои выстроились в очередь. Здесь и старики, и люди среднего возраста, и совсем дети. Мастер подчеркивает переход от мира живых в мир мертвых мотивом снятия одежды. Умершие оставляют ее на берегу, как и все прочие социальные условности. Смерть они встречают, как и рождение, обнаженными. Художник избегает ярких цветов и контрастов. Сцена выполнена в приглушенных тонах: бежевый, кирпичный, сизый. Вокруг покрытые мхами камни, древние коряги. Лица персонажей сосредоточены, полны скорби, старики сидят задумчиво, они спокойно вспоминают былое. Молодая женщина в отчаянии закрывает руками лицо: она полна сил и красоты и не готова так рано расстаться с жизнью. Девочка-подросток покорно раздевается перед тем, как сесть в лодку, которая навсегда разлучит ее с близкими.

Произведения Хелены Шерфбек

Хелена Шерфбек. Автопортрет. 1884–1885

Хелена Шерфбек (1862–1946) Читающие девушки 1907. Бумага, акварель, пастель, карандаш. 67x79

Хелена Шерфбек — финско-шведская художница, яркая представительница модерна. Она родилась в Хельсинки, но последние годы жизни, которые пришлись на Вторую мировую войну, провела в Швеции. Хелена начала заниматься живописью в 11 лет, с тех пор попробовала себя во многих манерах, последовательно пройдя школу реализма, экспрессионизма и модернизма. Работы Шерфбек довольно быстро были приняты коллегами, критиками и публикой. В качестве стипендиата она совершила поездку в Париж для совершенствования мастерства. Художница написала более тысячи картин в портретном, пейзажном и историческом жанрах. В XXI веке ее наследие вновь привлекло внимание мировой общественности, выставки прошли в Париже, Гамбурге и Гааге, а Художественный музей «Атенеум» к 150-летию со дня ее рождения представил к экспонированию более 300 неизвестных широкой публике произведений.

Данная работа в стилевом отношении соответствует периоду модерна. Изображены две читающие девушки, но сюжет не так важен для живописца. Выразительность картины строится на контрастном сочетании локальных цветов и почти абстрактных форм человеческого тела. Особую оригинальность придает умение Шерфбек сочетать плоские красочные пятна с осязаемым скульптурным, плотным и в то же время легким, светоносным воздушным объемом. Так написано платье героини слева, а особа справа трактована двухмерно. Мастер создает сложное пространство, добавляя небольшим акцентом портрет в коричневой раме. Рождается домашняя, семейная атмосфера, кажется, что девушки сидят здесь так же, как раньше изображенная на портрете дама. Автора не интересуют индивидуализированные образы, она схватывает типичные черты определенного социального слоя: скромные одеяния, высокие прически и строгие лица.

Хелена Шерфбек (1862–1946) Костюмированная картина II 1909. Холст, масло. 89,5x63

Данная работа Хелены Шерфбек написана также в период модерна. Здесь снова соединяется социальный портрет с новаторской эстетикой полуабстрактных форм и лаконичных цветов. Смелыми мазками художница намечает объем платья. Необходимо сказать и о ее приемах: лицо героини высветлено, словно модная в то время японская маска, а лаконичным акцентом и одновременно символом-контрастом между мертвенной бледностью и теплотой и яркостью жизни служит оранжевый фрукт. Название полотна — «Костюмированная картина» — указывает на его карнавальный, чисто художественный смысл, это не портрет, а игра с примеркой на себя новых образов.

Хелена Шерфбек (1862–1946) Девочка на песке, или Играющий ребенок. Около 1912, Холст, масло. 57x50

В творчестве Хелены Шерфбек изображение женских персонажей занимает особо важное место. Ее наиболее известные произведения связаны именно с ними.

Перед зрителем — небольшой эскиз с зарисовкой маслом будничной и в общем-то ничем не примечательной сценки — девочка играет на песке. Работа интересна техникой, манерой накладывать краску на холст. Шерфбек создает объем по-акварельному: широкими негустыми мазками она накладывает контрастные блики. Художница двумя-тремя линиями намечает силуэт, основные детали, а дальше ее задача — только вдохнуть жизнь в изображение. В итоге получилась небольшая, мастерски выполненная, очень свежая и легкая по ощущениям зарисовка солнечного летнего дня, юности и беззаботности.

Хелена Шерфбек (1862–1946) Автопортрет на черном фоне 1915. Холст, масло. 45,5x36

Автопортреты в творчестве Хелены Шерфбек занимают особое место. Нужно отметить, что в XX веке этот жанр переживает второе рождение, ведь изображение самого себя становится для художника не просто прихотью самолюбования: живописцы и скульпторы стремятся выразить собственные эмоции, чувства, часто рассматривая подобные полотна как личные заявления о собственном характере и кредо.

Так и здесь, несмотря на то что Шерфбек познала успех у публики и критиков, на зрителя смотрит не довольная собой героиня, а целеустремленная женщина с немного задумчивым взглядом. Стилистически работа очень выразительна: мертвенная бледность художницы еще больше подчеркивается чистым, непроницаемым черным фоном, а красный и желтый цвета в изображении баночки с краской слева добавляют яркий акцент.

Хелена Шерфбек (1862–1946) Красные яблоки 1915. Холст, масло. 40,5x40,5

Перед зрителем — достаточно простой по композиции натюрморт с яблоками и цветами. Благодаря этой репродукции можно проследить эволюционный путь авторской манеры Хелены Шерфбек. Фактура холста становится сложнее, экспериментальней, грань между реальностью и видимостью — все иллюзорней. Он очень светел по колориту, от полотна веет теплом солнечного летнего дня. Фрукты, спелые и сияющие изнутри, словно парят в воздухе. В отличие от классического натюрморта, «канон» которого был установлен в голландском искусстве XVII–XVIII веков, когда этот жанр означал выражение миропорядка, картина Шерфбек не претендует на отображение душевного состояния мастера. Художницу в первую очередь интересуют абстрактная красота красок и сочетаний объемов, эстетичность сложной трактовки поверхности. Работа декоративна по характеру. На белом и нежно-сиреневом фоне контрастно выступают красновато-розовые, теплые по тону яблоки с лимонными и ярко-желтыми тенями. Полупрозрачная ваза изображена не телесно и устойчиво, а, скорее, условно. В ней — бледно-лиловые цветы-пятна.

Хелена Шерфбек (1862–1946) Автопортрет с красной точкой 1944. Холст, масло. 45x37

Это полотно относится к позднему периоду творчества Хелены Шерфбек. Оно написано в стиле позднего экспрессионизма, когда выразительность художественных приемов предельно обостряется и превращается в символ страдания. Манера соответствует «смыслу» произведения. Послание автора ясно читается, если знать дату создания автопортрета, кровавые события Второй мировой войны коснулись и Финляндии. В этот год мастер вынуждена была оставить родину и переселиться в соседнюю Швецию.

На зрителя смотрит престарелая женщина, почти скелет. Ее лицо написано резкими мазками-пятнами: вместо глаз — пустые глазницы, рот искривлен в крике отчаяния. Тяготы жизни становятся более очевидны, если сравнить работу с «Автопортретом на черном фоне», выполненным Шерфбек в 1915.

А. В. Галлен-Каллела. Великий черный дятел. 1893. Фрагмент

Следующий том

В Художественном музее Уолтерса, расположенном в Балтиморе, представлено всемирно известное собрание произведений искусства, его коллекция насчитывает около 35 000 объектов от древнеегипетских мумий до полотен французского импрессионизма конца XIX столетия. В числе сокровищ экспозиции — произведения греческой и римской скульптуры, редкие средневековые предметы, выполненные из слоновой кости, шедевры кисти старых мастеров, изделия лучших ювелиров XIX века и многое другое.

Оглавление

Искусство XVII-первой половины XIX века

Искусство второй половины XIX-начала XX века

Произведения Альберта Эдельфельта

Произведения Аксели Вальде Мара Галлен-Каллелы

Произведения Хелены Шерфбек Fueled by Johannes Gensfleisch zur Laden zum Gutenberg