«Галерея Бельведер Вена»

М. Силина Галерея Бельведер Вена

Официальный сайт музея:

Адрес музея: Prinz Eugen-Straβe, 27 (Верхний Бельведер), Rennweg, 6, (Нижний Бельведер), Вена.

Проезд: До Верхнего Бельведера: трамвай D, остановка «Schloss Belvedere», трамвай №0, 18, автобус №13А, 69А, остановка «Südbahnhof», метро U1, остановка «Südtirolerplatz».

До Нижнего Бельведера: трамвай N 71, остановка «Am Heumarkt», трамвай D, остановка «Guβhausstraβe».

Телефон: +43 1 795 57 0.

Часы работы: Четверг — вторник: 10:00–18:00, среда: 10:00–21:00.

Цены на билеты: Комбинированный: взрослые — 19 €, лица старше 60 лет, студенты (до 27 лет), члены групп численностью от 10 человек — 15 €.

Детям и подросткам (до 19 лет) вход свободный.

Информация для посетителей: Стоимость аудиогида по Верхнему Бельведеру — 4 €, по Нижнему — 3,50 € (на немецком, английском, французском, итальянском, испанском, японском и русском языках), также в музее можно заказать экскурсию.

«Bistro Menagerie» в Верхнем Бельведере предлагает большой выбор классических венских десертов, пирогов и закусок. В Нижнем Бельведере к услугам посетителей уютное кафе «B-Lounge».

В книжном магазине музея представлен широкий ассортимент литературы, подарочных товаров и открыток.

Здание музея

Бельведер — это не только музей, обладающий великолепной коллекцией шедевров европейского искусства, но и ценнейший исторический ансамбль, возникший во времена расцвета Австрийской империи.

Фонтан перед музеем

Замки Бельведер были построены в начале XVIII века знаменитым архитектором эпохи барокко Иоганном Лукасом фон Гильдебрандтом в качестве летней резиденции принца Евгения Савойского. Комплекс состоит из Верхнего и Нижнего Бельведера, Оранжереи, здания Королевских конюшен, а также грандиозного сада и считается одним из самых изысканных и впечатляющих барочных сооружений Европы. Он по праву причислен к объектам всемирного наследия ЮНЕСКО.

Историческую ценность, безусловно, представляют Верхний и Нижний Бельведер. Первоначально они были построены для приема гостей и проживания принца. Помещения Верхнего Бельведера уже с 1770-х отданы под королевскую картинную галерею. В богато украшенном Мраморном зале зритель сможет полюбоваться фресками и орнаментально-декоративными композициями североитальянского художника Карло Инноченцо Карлоне. Двухэтажный Мраморный зал Нижнего Бельведера украшен потолочными фресками на античные сюжеты мастером Мартино Альтомонте. Здесь посетитель насладится скульптурами барокко авторства Доменико Пароди; сохранившимися с первой трети XVIII века декоративными и фресковыми композициями Садового павильона; сценами с изображениями времен года в Зале гротесков Нижнего Бельведера и многими другими шедеврами искусства XVIII века.

Деталь архитектурного убранства здания музея

Бельведер обладает наиболее полной и представительной коллекцией австрийского искусства с эпохи Средних веков до современности. Здесь также располагается самое крупное собрание работ Густава Климта, включающее такие всемирно известные шедевры, как «Поцелуй» и «Юдифь I». Музей по праву гордится произведениями Эгона Шиле и Оскара Кокошки. Изюминка экспозиции — картины французских импрессионистов. Национальную славу составляют богатейшая коллекция работ эпохи бидермейер, реалистического направления первой половины XIX века, и шедевры Венского сецессиона, одного из влиятельных художественных объединений эпохи модерна рубежа XIX–XX веков.

Собрание делится на несколько разделов. Средневековое искусство представлено великолепными живописными и скульптурными алтарными композициями XV–XVI веков. Лишь небольшая часть из них помещена в Верхнем Бельведере: это шедевры Конрада Лайба, Руэланда Фрюауфа, Махаэля Пахера, а также уникальный Цнаймский алтарь (1440-е). Около 220 работ экспонируются в Сокровищнице Средних веков в здании Королевских конюшен.

Ворота Бельведера

Эпоха барокко показана в музее во всем блеске, и в первую очередь самим архитектурным комплексом Бельведер и декорациями эпохи Габсбургов. Они — настоящая энциклопедия барокко. Важное место занимают скульптуры Франца Ксавера Мессершмидта, а также работы плеяды иностранных мастеров XVII–XVIII веков, основателей, преподавателей и первых учеников венской Академии художеств. Среди них — Фридрих Генрих Фюгер, Иоганн Баптист Лампи и, безусловно, Франц Антон Маульберч.

Классицизм и романтизм, основные направления первой половины XIX века, представлены произведениями Жака Луи Давида, Франсуа Жерара, Фридриха Генриха Фюгера и знаменитой Ангелики Кауфманн. Символическое понимание природы нашло отражение в творчестве художников романтизма. Среди них выделяются Каспар Давид Фридрих и группа «Назарейцы», которые черпали вдохновение в шедеврах Альбрехта Дюрера и Рафаэля.

Эпоха бидермейер (1815-1848) блестяще представлена коллекцией работ виднейшего австрийского художника Фердинанда Георга Вальдмюллера.

Творчество австрийского художника Антона Ромаско олицетворяет переход от исторической живописи к психологическим характеристикам сцен в духе импрессионизма и экспрессионизма. Французская классика импрессионизма — работы Поля Сезанна, Эдгара Дега, Винсента Ван Гога, Клода Моне, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Пьера Огюста Ренуара.

Творческий метод Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, а также Поля Гогена представляет интерес как сам по себе, так и в контексте влияния на передовых австрийских мастеров первых десятилетий XX века — Оскара Кокошки, группы «Мост» в составе Эрнста Людвига Кирхнера, Макса Пехштейна, Эмиля Нольде, а также Василия Кандинского, Франца Марса, Габриэля Мюнтера и Пауля Клее из группы «Синий всадник». Заслуживает отдельного упоминания творчество выдающегося художника венского модерна Эгона Шиле, создавшего свой незабываемый, моментально узнаваемый стиль.

Бельведер по праву гордится коллекцией произведений австрийского искусства рубежа XIX–XX веков, которую музей собирает с 1903. В нее входят полотна Жана Франсуа Милле, Огюста Родена, Эдварда Мунка и многих других знаменитых европейских мастеров. Вершиной этой коллекции является самое полное в мире собрание картин Густава Климта. Его работы, а также шедевры Коломана Мозера, Йозефа Хоффмана и Отто Вагнера, составили славу Венского сецессиона.

Музей предлагает целый ряд образовательных программ для детей и взрослых, благодаря которым можно не только познакомиться с коллекцией, но и узнать об истории искусства, получить первые понятия об искусствоведческих терминах, принципах анализа картин. Галерея Бельведер дает довольно необычную возможность научиться создавать декоративные произведения с золотым покрытием по методу великого Густава Климта. Сотрудники музея разработали также целую серию обучающих, познавательных и развлекательных программ для детей от младшего до школьного возраста. Особо нужно отметить культурно-развлекательные вечера барочной музыки.

Искусство XV–XVIII веков

Даниель Гран. Обучение Марии. Около 1750

Михаэль Пахер (1435–1498) Бичевание Христа Около 1495–1498

Тирольский художник и скульптор Михаэль Пахер — один из самых знаменитых мастеров на всей немецкоязычной территории Альп. В эпоху Северного Возрождения на территории современных Германии, Австрии и Швейцарии под влиянием великих достижений мастеров итальянского Ренессанса произошли важные изменения в области религиозной живописи. Именно Михаэль Пахер стал одним из первых художников Севера, перенявшим принципы прямой перспективы, которые в итоге стали основой классической европейской живописи. Использование прямой перспективы давало возможность разнообразить ракурсы поз и декораций и выписывать архитектурные элементы без оптических искажений.

Пахер, как и другие художники, стал вводить в произведения множество бытовых деталей, которые, не будучи важными для религиозного сюжета, очень интересовали зрителей — любителей искусства. Мастер предпочитал смелые сочетания цветов, а особое внимание уделял таким характеристикам тела, которые бы подчеркивали физическую немощность человека, ибо тело бренно, а в духе вся сила. Пахер славился виртуозными инсценировками сюжетов. Он испытал влияние итальянских художников, особенно Андреа Мантеньи, что проявляется в пропорциях фигур на его (Пахера) полотнах, в их четком, пластичном контуре, смелых ракурсах. Бичевание Христа — один из популярных сюжетов живописи Северного Возрождения из-за содержащейся в нем идеи мучений Христа, страданий тела и победы духа. В отличие от средневековых алтарных образов здесь изображена не только основная сцена, но и дополнительные персонажи в одежде той эпохи, с достоверными деталями и точно выписанные архитектурные элементы.

Изначально строго религиозная живопись в эпоху Северного Возрождения стала двигаться в сторону реалистических картин на самые разнообразные темы. Живопись той эпохи, блестяще представленная Михаэлем Пахером, привлекает внимание любителей искусства именно соединением глубоких духовных переживаний, атмосферы религиозного почитания и очень тепло написанных повседневных деталей, что превращает полотна в почти сказочный мир.

Эваристо Баскенис (приписывается) (1617–1677) Натюрморт с музыкальными инструментами и нотной тетрадью. Около 1650. Холст, масло

Эта работа предположительно принадлежит Эваристо Баскенису — итальянскому художнику XVII века из Бергамо, самому известному представителю династии живописцев, которая вела свою родословную с начала XV века. В мировую историю искусства он вошел своими натюрмортами с музыкальными инструментами.

Подобная тематика была очень нетипична для итальянского искусства, интерес художника к ней объясняется тесной дружбой со знаменитой семьей изготовителей виолончелей. Очевидно также влияние нидерландского искусства, голландских натюрмортов, в которых музыкальные инструменты изображались как часть жизни человека, его быта. Художник видел их привлекательность в совершенстве геометрической формы, они — шедевры человеческого мастерства. По общему признанию искусствоведов, натюрморты Баскениса не являются аллегориями с нравоучительным подтекстом, как, например, у голландцев. Больше всего его интересовали благородство линий и красота фактур. Работы этого живописца выделяются своим утонченным эстетизмом и особой атмосферой, образованной при помощи орнаментальной геометрии линий изысканных, тщательно выделанных деревянных корпусов.

Франц Ксавер Мессершмидт (1736–1783) Герард ван Свитен. Врач императрицы Марии Терезии 1769. Сплав свинца и олова, позолота. Высота — 66

Франц Ксавер Мессершмидт — известнейший скульптор Австрии эпохи барокко, самый любимый творец при дворе императрицы Марии Терезии. Мессершмидт выполнил целый ряд портретов императорской семьи и ее приближенных. Его работы отличаются большим мастерством, разнообразными экспериментами в области формы, материалов и способов исполнения скульптур. В творчестве ваятеля обращает на себя внимание переход от пластики барокко к более строгой манере классицизма: благодаря сплаву олова и свинца скульптор добивается интересного эффекта складок — одновременно пластичных и фактурно сложных, сдержанных. Эта работа ярко свидетельствует о большом мастерстве и таланте самого неоднозначного ваятеля эпохи Просвещения.

Франц Ксавер Мессершмидт (1736–1783) Хитрый шут. После 1770. Гипсовый алебастр. Высота — 42

Франц Ксавер Мессершмидт представляет искусство эпохи барокко в неожиданном ракурсе. Он известен своими «характерными головами» — портретными бюстами с бурной, экспрессивной мимикой. Отталкивающее выражение лиц, близкое, скорее, изучению человека как биологического вида, чем исполнению портрета определенной личности, имеет несколько источников происхождения. Скульптор заинтересовался острореалистичными римскими портретами, которые славились точной передачей эмоций. Существует версия, что многочисленные головы были сделаны мастером под влиянием психического расстройства. Необходимо также отметить, что именно в это время новым словом в медицине стала физиогномика — изучение и систематизация данных о человеческой мимике и возможных интерпретациях характера и здоровья человека.

Генрих фон Фюгер (1751–1818) Императрица Мария Терезия, королева Венгрии и Богемии, с семьей (Альберт Саксонский-Тешенский и Мария Кристина, показывающая картины, привезенные из Италии, за ней — Максимилиан, Мария Анна, Мария Елизавета, Иосиф II, прислонившийся к стулу) 1776. Холст, масло

Генрих фон Фюгер — один из самых знаменитых немецких художников эпохи классицизма, автор многочисленных портретов императорской семьи, а также создатель больших исторических полотен.

Помимо эстетической функции наслаждения красотой произведения должны были служить целям политическим. Живописец классицизма играл почти такую же важную роль, как дипломат того времени. Картины дарили для демонстрации политических пристрастий, а кроме того, по присутствию на полотнах тех или иных членов правящего дома можно было судить о состоянии дел и действующих силах в государстве.

На холсте представлен императорский дом Габсбургов. Мария Терезия являлась правительницей большой части Европы: Австрии, Венгрии, Хорватии, Богемии, Мантуи, Милана, австрийских Нидерландов, Пармы и некоторых других городов. У императрицы было 16 детей.

Эта работа дает хорошее представление о традиционном портрете европейских монархов. Большое влияние на творчество мастера оказала живопись барокко, что в данном случае проявляется в бравурных и пышных декорациях: гигантская колонна в драпировке, живость цветов, легкие, дымчатые ткани. Данная картина — одновременно и официальное парадное изображение императорской фамилии, и тепло написанный семейный портрет.

Франц Ксавер Мессершмидт (1736–1783) Тощий старик с больными глазами. После 1770. Гипсовый алебастр. Высота — 44,5

Произведения Франца Ксавера Мессершмидта выбиваются из ряда традиционных парадных портретов того времени, они запоминаются своей необычной экспрессией. С 1770-х в творчестве ваятеля наступил перелом. Он выполнил целую серию «характерных голов», исследователи до сих пор не могут объяснить назначение этих работ, их смысл. При жизни Мессершмидта высокие заказчики отвернулись от него, творец был вынужден жить у родственников и умер достаточно рано. В наше время мастер приобрел всемирную славу именно благодаря этой серии голов, его произведения оцениваются в миллионы долларов. Скульптурные портреты поражают ценителей виртуозностью исполнения и психологической достоверностью изображенного.

Искусство первой половины XIX века

Камиль Коро. Озеро Неми. 1843

Жак-Луи Давид (1748–1825) Наполеон на перевале Сен-Бернар 1801. Холст, масло. 275x232

Жак-Луи Давид — самый знаменитый французский художник эпохи неоклассицизма. Наибольшую популярность приобрели его работы на историко-мифологические темы и изображающие события и героев национальной истории. Он был страстным почитателем Наполеона Бонапарта, создал целый ряд парадных портретов императора.

Эта работа — одна из самых известных, великий полководец изображен на перевале Сен-Бернар. Перейдя Альпы, он разгромил австрийскую армию. Художник написал политика идеализированно, в очень благородной сдержанной гамме цветов. По традиции мастер изобразил императора на коне, хотя он переходил Альпы на муле.

Существует пять авторских версий этой картины, у каждой из которых своя интересная история. Например, первая до середины XX века находилась в Америке в коллекции потомков Бонапарта. Представленное полотно было конфисковано австрийцами в Милане в 1816.

Франсуа-Паскаль-Симон Жерар (1779–1837) Рейхсграф Мориц Кристиан Фриз с семьей. Около 1804. Холст, масло. 223x163,5

Франсуа-Паскаль-Симон Жерар — один из самых блестящих портретистов наполеоновской эпохи. Он был учеником знаменитого Давида. К числу его наиболее значительных и до сих пор не потерявших своего обаяния работ принадлежат изображения некоторых знатных лиц.

Представленная картина — из их числа. Это семейный портрет графа Морица Кристиана Фриза с женой и ребенком. Граф был большим ценителем и знатоком искусства. Он владел богатейшей коллекцией шедевров живописи, дружил с великими Гете, Бетховеном, Шубертом. Супругой Фриза являлась принцесса Вальденбургская Мария Терезия. В их семейном портрете обращает на себя внимание гармоничное сочетание идеализированного, с одной стороны, и индивидуалистичного — с другой, изображения персонажей. Художник пишет лица с нежным румянцем, муж и жена буквально пышут юностью, здоровьем. Возникает впечатление полного благополучия аристократов.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Скалистый пейзаж в Эльбских Песчаниковых горах 1822–1823. Холст, масло. 94x74

Немецкий художник Каспар Давид Фридрих по праву считается одним из самых влиятельных живописцев романтического направления в Германии, он — знаменитый мастер аллегорического пейзажа. Романтики через изображение природы символически выражали свое настроение. Образы бури, неприступных гор, суровой природы были излюбленными мотивами мастера. Ведь мятежность, порыв были желаемым образом для художников-романтиков по всей Европе. Работа отличается высокой степенью реалистичности в передаче пейзажа, однако смысл картины превосходит простое стремление к подражанию природы. Сдержанная гамма черного, темно-зеленого, сизого цветов олицетворяет темные силы природы, которые словно роднят душу художника с неприступным пейзажем знаменитых гор Саксонской Швейцарии.

Петер Фенди (1796–1842) Девушка перед стендом с лото 1829. Холст, масло. 63x50

Художник Петер Фенди считается одним из самых ярких представителей австрийского бидермейера. Он работал в большом количестве техник и жанров. Фенди был прекрасным рисовальщиком, живописцем, гравером, литографом, акварелистом, стал знаменит благодаря своей портретной и жанровой живописи.

Картина представляет жанровую сцену с неприхотливым сюжетом. Небогатая девушка стоит в задумчивости перед стендом с лото. Вокруг нее — манящий мир разнообразных товаров. Об этом зрителю намекает изображение восточного шаха на стене и витрина с диковинками. Такие полотна, гармоничные по колориту, с крайне простым, ни к чему не обязывающим сюжетом, с удовольствием покупали горожане для украшения гостиных.

Фридрих Лоос (1797–1890) Рамзау у Берхтесгадена 1836. Холст, масло. 58x73,5

Фридрих Лоос работал в области живописи, граверного дела и литографии, он известен ценителям искусства как один из талантливых пейзажистов Австрии XIX века. Выпускник Венской академии художеств, мастер еще при жизни прославился своими полотнами в этом жанре. До середины XIX века картины Лооса были востребованы среди австрийских коллекционеров. Они отличаются высоким живописным мастерством, пристальным вниманием к задачам изображения света, гармоничным сочетанием красок.

Лоос запечатлел местечко Рамзау у Берхтесгадена. В XIX веке эта местность в Верхней Баварии у Берхтесгаденского озера стала популярна среди живописцев из Венской и Мюнхенской академий художеств, известно большое количество пейзажей с ней. Среди работавших здесь были такие известные мастера, как Вильгельм Буш, Карл Ротман, Людвиг Рихтер, Карл Шух, и многие другие. Их привлекали природная красота Рамзау, великолепная возможность изобразить широкую перспективу и, конечно, знаменитые Баварские Альпы.

Представленная картина — традиционный для второй четверти XIX века пейзаж. Живописец с большим вниманием и высокой точностью запечатлевает вид местности. В композицию он поместил фигуры крестьян, занимающихся своими повседневными делами, таким образом совместив изображение ландшафта и жанровую сценку для придания сюжету полноты. С 1850-х знатоки искусства теряют интерес к работам мастера, пристрастия публики меняются в сторону большего реализма и динамики полотен. К концу своей долгой жизни (Лоос прожил 93 года) он считался старомодным художником, картины которого отражают идеалы безвозвратно ушедшей эпохи. В настоящее время произведения мастера вновь ценятся как образцы классической европейской пейзажной живописи первой половины XIX века.

Фридрих фон Амерлинг (1803–1887) Рудольф фон Артхабер со своими детьми Рудольфом, Эмилией и Густавом рассматривают портрет умершей матери Иоганны Георгины Каролины, в девичестве Шайдлин 1837. Холст, масло. 221x155

Фридрих фон Амерлинг — известный живописец при дворе императора Франца-Иосифа, прославившийся как один из величайших австрийских художников-портретистов XIX столетия.

Название представленной в галерее Бельведер картины говорит само за себя: здесь изображена история семьи Артхабер. Глава семейства, вдовец, заказал художнику портрет, который был призван украсить дом и служить постоянным напоминанием об умершей супруге и матери. Работа отображает дух эпохи бидермейер, когда основной ценностью считались добропорядочность и незыблемость семейных отношений. Характер заказчика подчеркивает и сдержанный благородный колорит полотна.

Людвиг Фердинанд Шнорр фон Карольсфельд (1788–1853) Широкая сосна в Брюле у Мёдлинга 1838. Холст, масло. 66x122

Живописец, график, литограф Людвиг Фердинанд Шнорр фон Карольсфельд — один из прославленных членов целого семейства австрийских художников, яркий представитель романтического направления в живописи немецкоязычных стран XIX века. Он получил классическое живописное образование в венской Академии художеств, но был неудовлетворен сухой манерой неоклассицизма. Студенты объединились в Союз святого Луки для того, чтобы обновить бездушную академическую живопись. Новшество заключалось в предпочтении тем с сильным романтизированным оттенком, сюжеты диктовались требованиями обновленного религиозного чувства. Они стали подражать технике и стилю живописи великих мастеров немецкого Возрождения Альбрехту Дюреру, Гансу Гольбейну Младшему и других художников, которые не признавались идеологами классицизма. При этом новаторы сохранили четкость академической выучки, идеализированный рисунок фигур, выверенную геометрию композиции. Эта группа художников-романтиков, работавших в Вене и Риме, позже названная искусствоведами «Назарейцы», дала фон Карольсфельду импульс к новым творческим поискам. Хотя формально он не принадлежал к братству Луки, а возглавил противостоящую ему Академию художеств, мастера можно назвать назарейцем по духу и методу работы.

Мягкие теплые оттенки цветов, строгий колорит этого полотна создают стилизованную атмосферу средневековых изображений. В пейзаже проступают черты идеализации романтического затерянного мира, где герои наслаждаются отдыхом. Большое дерево расположено строго по центру картины, что свидетельствует о влиянии классицизма, который царил в Академии художеств, с другой стороны, дерево может трактоваться в романтической традиции как символ мудрой природы, знак растворенности человека в пантеистическом мире.

Иоганн Баптист Рейтер (1813–1890) Спящая женщина 1849. Холст, масло. 55x68

Иоганн Баптист Рейтер — известный австрийский художник, прославившийся своими работами в области портретной и жанровой живописи. После неудачных попыток писать картины на религиозные темы он стал создавать достаточно традиционные для того времени портреты детей, рабочих, а также сюжеты из жизни бюргеров.

На данном полотне изображена чувственная обнаженная женщина. Этот холст необычен для наследия художника, он выбивается из его творчества тематически и качественно. Все говорит о том, что «Спящая женщина» предназначалась для семьи и автор не собирался продавать работу. Мастер изобразил свою первую жену Марию, через год она оставила его. Всего они были женаты десять лет, и художник любил супругу. Рейтер создал уникальный для того времени чувственный портрет. Примечательна манера исполнения: варьируя коричневые тона от темного до охристого, он добивается торжественной простоты полотна, роднящей с голландскими мастерами. Автор делает форму крупной, лаконичной, без назойливой детализации.

В этой работе во всем блеске проявился талант живописца, который, к сожалению, не смог развиться дальше. Художник тяжело переживал расставание с любимой, он женился второй раз только через шестнадцать лет, но новая супруга оказалась очень требовательна к нему. Рейтер был вынужден постоянно зарабатывать деньги, делая конъюнктурные работы на продажу и изготовляя копии старых мастеров.

Франц Эйбл (1806–1880) Читающая девушка 1850. Холст, масло. 53x41

Франц Эйбл — видный австрийский художник XIX века, автор живописных портретов, жанровых сцен, исторических картин в академическом стиле и более 400 портретных литографий. На его творчество повлияли художественные принципы знаменитого Фердинанда Георга Вальдмюллера, особенно в области светотеневых моделировок.

Люди на полотнах Эйбла представлены в идеализированном виде. Эта картина — одна из самых известных работ художника. Автор позволил себе сделать портрет девушки несколько откровенным, сильно обнажив грудь. Тем не менее образ получился довольно скромным и целомудренным. Живописец сочетал портретные характеристики персонажей с желанием создать тип человека из определенной среды, возрастной и культурной группы.

Фердинанд Георг Вальдмюллер

Фердинанд Георг Вальдмюллер. Автопортрет.

Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793–1865) Семья Керцманн 1835. Холст, масло. 205x158

Фердинанд Георг Вальдмюллер — наиболее известный художник Австрии, главный представитель эпохи бидер-мейер. Творческое наследие Вальдмюллера впечатляет своей широтой. Он писал портреты, стал самым успешным мастером жанровых картин, проявил блестящий талант в пейзажной живописи, изображал жизнь как простых людей, так и уважаемых горожан.

Представленное полотно демонстрирует талант Вальдмюллера-портретиста и служит образцом стиля бидер-мейер. Семейство в парадных нарядах изображено на фоне живописного горного пейзажа. Пышная зелень, розы, изысканная скульптурная ваза, богато орнаментированная дорогая драпировка в руках женщины — все эти детали должны были удовлетворить вкус заказчика и стать украшением гостиной. Портретные черты идеализированы для отображения моральных качеств героев: умудренный опытом отец семейства, нежная миловидная дочь и любящая красавица-мать с прической по тогдашней моде.

Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793–1865) Руины Лихтенштейна в Медлинге 1848. Холст, масло. 55,5x68

Имя Фердинанда Георга Вальдмюллера прочно связано с эпохой бидермейера. Его прославили произведения, показывающие жизнь добропорядочных горожан, идиллические сцены семейных прогулок, пикников. Но важное место в творчестве живописца, как уже отмечалось, занимают пейзажные работы. Они ценились любителями искусства, которые предпочитали украшать свои гостиные скромными изображениями местных видов природы.

Данный небольшой пейзаж очень гармоничен и прост. Большую часть холста занимает проезжая ухабистая дорога. Сразу видно, что места заброшенные, сюда редко заглядывают люди. Название картины подсказывает причину — дорога ведет к руинам старой крепости. Интересно, что замок Лихтенштейн действительно принадлежал тому самому роду Лихтенштейнов, которые основали одноименное карликовое государство. Он построен еще в 1135, во времена Вальдмюллера находился в разрушенном состоянии, а ныне восстановлен. Выбор темы неслучаен: руины были популярным сюжетом уже у художников-романтиков, которые развивали темы отверженности, заброшенности, трагического одиночества. Этот, казалось бы, незатейливый пейзаж очень интересен для восприятия: залитая солнцем дорога, виднеющийся вдали замок, старое дерево и хмурое небо — взгляд зрителя переходит от одного объекта к другому. Все говорит о том, что работа мастерски скомпонована. Вальдмюллер любил эти места, именно здесь он провел последние годы своей плодотворной творческой жизни.

Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793–1865) Ранняя весна в Венском лесу 1861. Дерево, масло. 52x65,5

Фердинанд Георг Вальдмюллер — один из немногих австрийских художников, слава которых выходит далеко за пределы родины. Особенно ему удавались небольшие жанровые сценки, в которых важную смысловую роль играют пейзажи родной Австрии. Мастер может считаться певцом знаменитого Венского леса: в богатейшем наследии художника есть целая серия картин, посвященная ему. Вальдмюллер писал лес в разные времена года, но большей поэтической силой обладают полотна с изображением ранней весны, когда снег еще только начинает таять.

Будучи профессором в венской Академии художеств, Вальдмюллер разработал целую учебную систему, сделав центральным пунктом обучение искусству пейзажа. Очень важное место в ней занимала живопись с натуры, фиксация малейших изменений в освещении. В представленной картине художник виртуозно передал состояние воздуха, погоду в лесу. Зритель словно ощущает сырость, исходящую от земли; плотные облака затянули небо, однако солнце уже начинает прогревать землю. Художественное направление бидермейер (к нему следует относить данную работу) имеет отличительную черту, характерную и для «Ранней весны в Венском лесу». Речь идет о попытках изображать простых людей хоть и несколько идеализированно, но все более реалистично. Деревенские дети, как «дети природы», предаются незатейливым радостям жизни — и в этом главная идея произведения. Такие сюжеты пользовались большой популярностью у городских жителей.

Искусство второй половины XIX века

Вильгельм Лейбл. Портрет крестьянской девушки. Около 1880

Мориц фон Швинд (1804–1871) Кайзер Максимилиан I в горах Мартинсванд 1860. Холст, масло. 60x43

Мориц фон Швинд — видный австрийский живописец и график второй половины XIX века, один из самых ярких представителей позднего романтизма. Его картины и фрески полны символов и сложных аллегорий, которые были понятны зрителям того времени. Стилистически мастер развивал неоклассическую монументальность манеры, работы художника композиционно строги и колористически сдержанны.

«Кайзер Максимилиан I в горах Мартинсванд» — историко-аллегорическая картина. Идеализированно изображенный пастух встречает в суровых горах молящегося Максимилиана I, одного из самых выдающихся правителей Австрии. Кайзер просит у Бога помощи в преодолении неприступной скалы. Пастух символизирует почти что горное божество, которое стало свидетелем этой сцены. Благородный колорит пейзажа и сдержанное достоинство правителя должны были нести морально-нравственный смысл.

Густав Курбе (1819–1877) Раненый 1866. Холст, масло. 79x99,5

Густав Курбе составил славу реалистической живописи французской школы XIX века. Мастер создал собственный портрет под названием «Раненый» (музей д'Орсе, 1844-1854). Данная картина — вариант выставленной в Париже работы. Художник повторил произведение спустя более десяти лет, что говорит о его значимости. Мастер написал целую галерею автопортретов, по ним можно проследить этапы его творчества, занимавшие в тот или иной период жизни идеи. К примеру, в одной из самых знаменитых картин «Здравствуйте, господин Курбе» (1854, музей Фабра, Монпелье) он с помощью живописи пытался рассказать о своих политических воззрениях.

Французский реализм — понятие очень растяжимое, а иногда и трудноопределимое. Реализмом обозначали и критику условий жизни крестьян и простых рабочих, и доходящие до натурализма морализаторские картинки из жизни низов общества. Однако всех французских реалистов роднит то, что они добились виртуозности техники, любая тема, даже самая социально жестокая, могла быть преподнесена живописными приемами. Курбе занимал по жизни бескомпромиссную позицию новатора, творца, постоянно находящегося в поиске себя и своей манеры исполнения.

Все детали этой работы — идеализированный, почти сказочный пейзаж на заднем плане, шпага как указатель причины ранения на переднем, сам сюжет — ранение и даже опасность смерти для молодого человека — выдают сильное влияние романтизма на мировоззрение автора.

Карл Каргер (1848–1913) Прибытие поезда на венский вокзал 1875. Холст, масло. 91x171

Карл Каргер — знаменитый художник, всю жизнь проживший в Вене и ставший бытописателем жизни австрийского общества. Во время путешествия по Италии в 1871 Каргер был покорен венецианской жанровой живописью, главными героями которой являлись простые люди. После возвращения на родину художник взялся создавать картины со сценами будней венских вокзалов. Эта картина — одна из целой череды полотен, раскрывающих быт и нравы жителей Вены того времени.

В своих работах Каргер умело сочетал типизацию представителей венского общества с индивидуализированными портретными характеристиками. Мастер не просто «переносит» на холст людей, а заставляет их жить. Архитектура вокзала будто вторит строгой скромности, сдержанности и деловитости пассажиров. Ничто в сцене не диссонирует, автор весьма профессионально располагает публику в декорациях. Огромный вокзал, высокие потолки доминируют на холсте, но люди не теряются в обширном пространстве, каждого можно разглядеть. В этом проявляется большое мастерство Каргера — способность не сбить людей в серую массу и создать правильный пространственный эффект от вместительного вокзального павильона. Интересно то, что другой, совершенно противоположной стороной творчества художника стала работа для членов императорской семьи. Его произведения очень полюбились высшей знати, многие аристократы приглашали живописца для запечатления особых торжественных мероприятий.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) После ванной 1876. Холст, масло. 92,4x73,2

Пьер Огюст Ренуар является одним из самых известных и сложных по творческой манере художников Европы рубежа XIX–XX веков. Эта простая по сюжету работа демонстрирует характерные особенности таланта Ренуара. В своих лучших вещах мастер органично объединял импрессионистическую манеру наложения краски с неоклассической идеализирующей вневременной атмосферой полотен и какой-то особой реалистической осязаемостью тела. Именно эти парадоксально соединенные черты создают в работах Ренуара манящую зыбкость и неоднозначность настроения. Обнаженные женщины — одна из любимых тем художника, в изображении которой он не только блестяще проявлял дар колориста, но и создавал очень интимные и типические портреты знакомых ему дам.

Эдуард Мане (1832–1883) Дама в мехах 1880. Холст, пастель. 55,8x45,8

Эдуард Мане — знаковый художник, определивший пути развития европейского искусства конца XIX — начала XX века. Авторская манера Мане шла от классического французского реализма XIX века до импрессионизма. Произведения мастера отличаются виртуозной техникой исполнения. При кажущейся простоте его работы требуют вдумчивого анализа. В этой картине, например, Мане создает очень эффектный задний фон, который словно вырастает из фигуры позирующей дамы, или же, наоборот, она словно рождается из орнаментальных линий задника. В работе отчетливо видно влияние на автора японской гравюры: плоскостность как будто ломается об трехмерный объект. Таким образом, перед зрителем не только достаточно фривольный по своему характеру портрет дамы явно не высшего света, но и остроумное конструирование художественного пространства.

Антон Ромако (1832–1889) Адмирал Тегетгофф в битве при Лиссе I 1878–1880. Дерево, масло. 87x48

Антон Ромако — один из самых талантливых австрийских художников второй половины XIX века. Его свободная живописная манера и глубокое чувство цвета оказали влияние на такого художника-новатора, как Оскар Кокошка. Ромако на этой картине очень экспрессивно пользуется цветом, пытаясь воссоздать накаленную атмосферу сражения. Выдающийся адмирал предстает перед зрителем в центре как герой или божество, он выделяется на фоне мощных водяных брызг. Спокойствие и решимость адмирала контрастируют, но при этом удивительным образом дополняются эмоциональностью моряков у штурвала. Автор делает всех персонажей произведения во главе с Тегетгоффом очень похожими друг на друга, почти сводит на нет портретные черты, тем самым подчеркивая настроение и характер боя, во время которого все участники становятся как будто единым организмом.

Клод Моне (1840–1926) Повар (Месье Поль) 1882. Холст, масло. 65x52

Французский художник Клод Моне знаменит своими работами в стиле импрессионизм. Большую часть жизни он провел в Нормандии, в Живерни, со своей большой семьей. К моменту переезда туда Моне был признанным художником, поэтому мог позволить себе жить в свое удовольствие. Одной из его страстей была хорошая кухня, обеды с живописцем стали частью местной культурной жизни того времени, поэтому неудивительно, что мастер запечатлел одного из своих поваров. Портрет написан очень легко, в классической импрессионистической манере. На картине изображен «добрый малый», месье Поль, который, судя по благостному выражению его лица, также смыслил в жизни, полной удовольствий.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Равнина в Овер 1890. Холст, масло. 50x101

Голландец Винсент Ван Гог навсегда прославил французскую живопись постимпрессионизма, ставшую вершиной колористических достижений и глубоких эмоциональных переживаний. Последнее лето, в 1890, он провел в местечке Овер-сюр-Уаз, недалеко от Парижа, где написал около восьмидесяти полотен.

Манера Ван Гога безошибочно узнаваема в представленной картине. Каждая создавалась мастером как откровение, моментальное, свежее впечатление. Он рисовал пастозно, то есть очень густо, скульптурно нанося краску на холст. В этом проявлялась его особая страстность живописца. По мнению специалистов, работа «Равнина в Овер» свидетельствует о готовности художника перейти к принципам абстрактной живописи. Настолько сильно было его желание выразить себя через искусство, что интенсивность накладывания красок, сила и страстность мазков значат для него больше, чем стремление нарисовать вид «похоже». Не пейзаж и не состояние природы интересуют Ван Гога — он материализует силу своего чувства, своих мыслей. Этой неиссякаемой и трагической энергией творчества отмечены все картины гениального художника.

По-особенному начинает звучать это произведение, если принимать во внимание тот факт, что буквально через месяц после его написания Ван Гог не выдержал длительного нервного напряжения и, выйдя в поле, выстрелил себе в грудь. Спустя сутки он умер.

Леопольд Карл Мюллер (1834–1892) Нафуса 1885–1886. Холст, масло. 80x60

Леопольда Карла Мюллера современники называли Египетским или Восточным Мюллером. Он являлся самым значительным и успешным художником-ориенталистом Австрии. Живописец много путешествовал по Востоку, написав большое количество картин на темы жизни, быта и природы загадочных и малоизученных европейцами восточных стран. На холсте изображена женщина из берберского племени — Нафуса. Несмотря на то что произведение является этнографическим портретом представительницы экзотического племени, оно абсолютно европеизировано и написано по правилам европейской академической живописи второй половины XIX века. Художник следует традиции изображать восточных женщин одалисками — чувственными прислужницами шейхов.

Карл Молль (1861–1945) Сумерки. До 1900. Холст, масло. 80x94,5

Карл Молль является одним из основателей знаменитого Венского Сецессиона в 1903. Это общество ориентировалось на искусство постимпрессионизма, европейского модерна, предпочитало плоскостность линий, декоративное изящество богатых, утонченных, изысканных орнаментов. Однако уже к 1905 Молль вышел из группы и занялся поддержкой и популяризацией искусства Густава Климта, также он стал одним из первых ценителей творчества Винсента Ван Гога в Австрии. Собственный стиль художника сложился в русле модерна конца XIX века. Молль предпочитал плоскостную трактовку полотна, в котором цветовые пятна были наделены особым символизмом, и выбирал ограниченную гамму цветов: зеленый, коричневый, голубой. «Сумерки» — замкнутый на себе пейзаж, будто погруженный в сон, все находится словно вне времени, природа наделена повышенным эстетическим качеством. Перед зрителем не фрагмент живой природы, а знак мистического настроения автора. Работа манит своей таинственностью, кажется, что все изображенное имеет какой-то особый смысл. Молль отказывается от традиционного введения светотени, его не интересует жизнь света, все предметы, как на иконах, одинаково освещены.

Жизнь мастера сложилась трагически, его талант не развился до предела возможностей, и Молль не стал знаменитостью мирового масштаба. Во время насильственного присоединения Австрии к гитлеровской Германии живописец активно и деятельно поддержал фашистский режим. Когда в 1945 советские войска вошли в Вену, художник и его дочь покончили с собой.

Джованни Сегантини (1858–1899) Злые матери 1894. Холст, масло. 105x200

Джованни Сегантини — итальянский художник, в разное время пробовавший себя в пуантилизме, реализме и символизме. Его пейзажи поражают своим настроением, автор словно растворяется в них. Особенно мастер прославился почти панорамными видами Альп, в швейцарской части которых провел почти всю жизнь.

Сейчас об этом живописце знают лишь специалисты, но в конце XIX века он был весьма популярным в Европе.

Представленная в музее картина относится к символистскому периоду творчества Сегантини. Злая матерь — женщина, будто выходящая из дерева. Для художника злая мать — и реалия его собственной жизни, и метафора бед, которые окружают человека в жизни. Необходимо знать биографию живописца, чтобы понять специфику его полотен.

Сегантини вырос в очень бедной семье, раздавленной невзгодами и горем. Его мать страдала от тяжелейшей депрессии после смерти старшего сына, погибшего в год рождения Джованни. Она не занималась мальчиком, и тот не умел ни читать, ни писать (художник научился писать только к 30 годам, уже став известным мастером). Отец, неудачливый торговец, постоянно находился в разъездах, фактически ничем не помогая семье. Когда ребенку исполнилось семь лет, мать умерла, а отец передал его на воспитание дочери от предыдущего брака. Жизнь была невыносимо бедна и трудна, в поисках лучшей доли они перебрались в Австрию, желая получить там гражданство. В итоге брат с сестрой лишились родного итальянского подданства и уже были вынуждены жить в Швейцарии без каких-либо прав. Несмотря на лишения и скитания, яркий талант и стремление творить сделали Сегантини видным художником европейского сцены конца XIX века.

Может быть, именно из-за особенностей жизни мастера его пейзажи будто смотрят на зрителя, наполненные такой странной атмосферой пустоты. Складывается ощущение, что автор наделяет изображение человеческими эмоциями, природа словно отстраняется от жизни людей.

Людвиг фон Хофманн (1861–1945) Идиллия 1896. Холст, масло. 206x324

Людвиг фон Хофманн — один из самых знаменитых немецких живописцев конца XIX — начала XX века. Он прожил долгую, богатую на творческие находки жизнь. Диапазон художественных интересов мастера широк: он работал во многих стилях эпохи модерна, например, таких, как символизм и историцизм. Все эти направления так или иначе были связаны с ощущением утраты стабильности европейской цивилизации и, соответственно, попытками найти или заново создать символы новой или укорененной в культуре жизни.

С 1894 до начала нового века Хофманн много времени проводил в путешествиях по Италии, часто бывал на своей вилле во Фьезоле. Именно поэтому большая часть работ живописца того периода проникнута духом античной культуры. В особенности его пленяла буколическая поэзия, в которой воспевалась идиллическая жизнь простых пастухов. Буколики прославляли простоту и естественность, то, чего, по ощущениям Людвига фон Хофманна, не хватало его веку.

Эта картина дает хорошее представление об авторской интеграции античной идиллии в стиль конца XX века. Все — и фигуры, и пейзаж, и краски очень условно, отстраненно. Неслучайно название произведения — «Идиллия». Выцветшие краски, золотой свет уходящего солнца, обобщенный пейзаж говорят о далекой идеальной стране, которую трудно найти. Привлекает внимание взгляд юноши: неясно, смотрит ли он на зрителя с полным доверием и даже какой-то детской незащищенностью или же задумался о своем, и это «невидящий», заколдованный взор. Рядом с ним прекрасная полуобнаженная девушка. У безымянных героев, новых Адама и Евы, почти скульптурные тела. Пейзаж написан также корпусно, скульптурно, обобщенно. Для автора нет разницы между ландшафтом и людьми, которые погружены в окружающий мир и никак не выделяются из него.

Аксели Вальдемар Галлен-Каллела (1865–1931) Весна в Каллеле Около 1900. Холст, масло. 133x80

Аксели Галлен-Каллела — один из самых значимых художников в истории Финляндии. Его творчество характеризуется интересом к символизму. Будучи патриотом, главными темами своего творчества мастер сделал историю и культуру Финляндии. Свою жизнь он посвятил выполнению иллюстраций к знаменитому национальному эпосу «Калевала», кроме того, выполнил фрески для финского павильона на Международной выставке в Париже в 1900, а также создал целую серию пейзажей родных мест.

«Весна в Каллеле» изображает фрагмент финского леса. Автор выписывает стволы сосен, показывая небо лишь в просветах между деревьями. Такой прием ограничения говорит о том, что этот фрагмент, по мнению автора, является самоценным для художественного показа, каждое дерево, каждый кусок родной земли способен быть символом родины. Сильные световые контрасты, изображения солнечного весеннего дня служат метафорой надежды. Этот пейзаж может служить отличным примером искусства символизма.

Искусство первой половины XX века

Густав Климт. Фермерский сад с цветами (Сад пивоваренного завода города Литцлъберг на Аттерзее). Около 1906

Фердинанд Ходлер (1853–1918) Волнение 1900. Холст, масло. 115x70,5

Швейцарский художник Фердинанд Ходлер — виднейший представитель символизма. Еще при жизни он приобрел славу одного из самых успешных выразителей эстетики эпохи модерн. Стиль Ходлера узнаваем: он создавал работы монументальной простоты, декоративной многозначности, в которых одну из главных ролей играет символическая природа цвета и композиции.

Обращают на себя внимание пространственные характеристики и колорит картины. Ходлер любил изображать изолированные фигуры людей как будто вне времени и пространства. Его герои не портреты, а типы, они ценны не сами по себе, а как характеристики определенных состояний или занятий. Условность пространства и особый колорит объясняются глубоким интересом художника к средневековой религиозной живописи. Запечатленный момент очень прост и не поддается интерпретации, обладая при этом удивительной притягательностью и трудноуловимой многозначностью. Важную роль в этом ощущении значительности играет монументальность изображенной фигуры.

Юлиус Виктор Бергер (1850–1902) Интерьер мастерской 1902. Холст, масло. 100x72

Юлиус Виктор Бергер — известный австрийский художник второй половины XIX века, который прославился своими работами в области жанровой и портретной живописи. Для его палитры свойственны представленные в данной картине оттенки синего и золотисто-охристого, сдержанная гамма цветов, сочетание теплых и холодных тонов, создающее почти неоклассическую отстраненность изображенного. Бергера интересовала историческая живопись, он был продолжателем великих академических традиций первой половины XIX века. Тяга к монументальности, классицизму и ретроспективизму проявилась даже в этом неприхотливом изображении мастерской художника. Бергер не просто перечисляет вещи в своем рабочем помещении, предметы в интерьере словно дышат достоинством, все указывает на то, что здесь пристанище живописца высоких академических жанров. Это неудивительно, ведь до сих пор наиболее известной работой мастера является монументально-декоративная роспись одного из залов знаменитого художественно-исторического музея в Вене.

Франц фон Матч (1861–1942) Хильда и Франци Матч 1901. Холст, масло. 120x105

Австрийский художник и скульптор Франц фон Матч — яркий представитель венского югендстиля. Югендстиль — одно из названий искусства модерна вообще, художественного направления рубежа XIX–XX веков, которое характеризуется широчайшим диапазоном признаков. Общими чертами являются пересмотр сухих академических правил живописи, интерес к самовыражению или определенной художественной концепции (историзм, ориентализм), эксперименты с композицией, самоценность символических или орнаментальных трактовок темы. Франц фон Матч попробовал себя во многих жанрах и техниках. Он был автором надгробий и фонтанов, придумывал костюмы для актрис, вместе с Густавом Климтом разрабатывал и выполнял монументальные фрески для Венского университета. Одна из достопримечательностей Вены — созданные им знаменитые часы «Анкер-Ур».

Данная картина является групповым портретом, художник изобразил своих маленьких дочерей. Особенно сильно заметно влияние символизма, приверженцы которого уделяли большое внимание цвету. Белый цвет платья и волос одной из дочерей автор делает серебряным, он светится каким-то потусторонним блеском. Свет в картине условный, фигуры и предметы освещены не естественно, с тенями, а равномерно. Кажется, что любящий отец стремится не просто запечатлеть детей, а создать для них целый мир, далекий от треволнений современности. Обращает на себя внимание использование излюбленного приема художников-новаторов рубежа XIX–XX веков: фигура слева обрезана по краю, так же как и фигурка игрушечной лошадки, что означает отказ от условных правил изображения, намерение выхватить момент из потока жизни. Однако при этом девочки смотрят прямо на зрителя, очевидно, что они позируют намеренно. Подобное соединение намеренного и случайного характерно для живописи того периода.

Клод Моне (1840–1926) Дорога в саду Моне в Живерни 1902. Холст, масло. 89,5x92,3

Основной целью импрессионистов было рисовать природу «как она есть», а не «как она должна быть» согласно академическим канонам. Именно поэтому в их творчестве большую роль играют моментальные впечатления, взаимодействие света и цветовых волн, зыбкие состояния воздуха.

На представленной картине изображен знаменитый сад Клода Моне. С ним связан период 43-летней творческой жизни мастера — почти все пейзажи были написаны именно здесь. Густая зеленая аллея, пышные заросли кустарников и цветов заполняют холст мириадами красочных пятен, все сливается в теплое движение воздуха, он как будто оживает в сказочном сне.

Тина Блау (1845–1916) Крио в Пратере 1902. Холст, масло. 75,5x105

Тина Блау — одна из самых талантливых и знаменитых австрийских художниц XIX — начала XX века. Наряду с такими мастерами, как Карл Молль, Якоб Шиндлер и Мари Эгнер, она считается представительницей импрессионизма. Блау прославили пейзажные работы, а также натюрморты и портреты венских коллег-живописцев, которые она создавала в конце своего творческого пути.

Пейзажи художницы отличаются сдержанным колоритом, они очень цельные, почти неоклассические по композиции. Блау соединяет интерес к импрессионистической трактовке окружающей воздушной среды и светотеневым моделировкам с четкой, почти геометрически строгой структурой построения ландшафтного вида. Необходимо отметить главную черту авторской манеры — характер письма художницы очень плоскостей по фактуре, он отличается от классического французского импрессионизма, мастера которого предпочитали накладывать краску очень густо, пастозно. Всю свою жизнь Блау посвятила пейзажной живописи, она разработала специальный курс обучения для студентов и долгие годы успешно занималась преподавательской деятельностью. Десять лет художница провела в творческих путешествиях по Италии, посетила многие европейские города, после создав большое количество полотен.

Целая серия картин, которая принесла Блау успех у публики, посвящена самому знаменитому городскому парку Вены — Пратеру. Художница долгое время жила около него. На этом холсте изображен вид на первый австрийский ипподром Крио. Работа, как и все произведения Блау, отличается сдержанным колоритом, великолепной техникой живописи, тонким лирическим настроением, которое создается импрессионистически точными мазками.

Рихард Герстль (1883–1908) Сестры Фей 1905. Холст, масло. 175x150

У посетителей галереи Бельведер есть уникальная возможность познакомиться с работами австрийского художника Рихарда Герстля, творчество которого развивалось под знаком экспрессионизма. Заслуживает внимания его трагическая судьба. Однажды он познакомился с семьей великого композитора Арнольда Шенберга, и это событие изменило жизнь живописца. Он был покорен Матильдой Шенберг, женой маэстро, даже провел с ней лето 1908. Но роман продлился недолго, женщина вскоре вернулась к мужу. Ошеломленный разрывом, Герстль заперся в своей студии, сжег часть любовной переписки, возможно, также некоторые полотна и покончил собой. Ему было всего 25 лет. Родственники собрали оставшиеся 66 картин и сложили их на складе магазина старшего брата художника. Только спустя двадцать лет, в начале 1930-х, он показал полотна арт-дилеру. Тот был потрясен их экспрессивной силой и талантом неизвестного автора.

Однако судьба была неблагосклонна к Герстлю и после смерти. Через некоторое время после открытия первой выставки его произведений Австрия была насильно присоединена к гитлеровской Германии. Работы живописца оказались под запретом с ярлыком «дегенеративное искусство». Только после свержения фашистского режима картины этого незаслуженно забытого мастера стали возвращаться к публике.

Герстль был прекрасным портретистом, о чем свидетельствует данное полотно. Он создал образы сестер, которые покоряют зрителя своей незащищенностью, ранимостью, особым наивным взглядом на мир. Женщины смотрят доверчиво, с улыбкой. Художник рисует очень свободно, выбирает условный коричневый плоскостный фон. Условность усиливается намеренно детской манерой рисунка и как будто случайными мазками-бликами.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Девушка со светлыми волосами 1904–1906. Холст, масло. 92x73

«Обнаженные» представляют собой целый цикл картин Ренуара. Эта работа позднего периода творчества, в ней во всем блеске проявились основные качества живописи художника: скульптурность и крепость построения фигур, любовь к сложным сочетаниям цветов, отливающих тусклым, загадочным блеском. Портрет полон чувственности, все внимание мастера направлено на молодость, статность девушки, живописец буквально упивается телесностью модели. В свои последние десятилетия Ренуар страдал от артрита, недуг сильно затруднял работу, к концу жизни художник был обездвижен.

Карл Молль (1861–1945) Березовый лес. Без даты. Холст, масло. 80x80

Карл Молль писал картины, полные символистского, мистического звучания. Отличительная черта творчества мастера в том, что он создавал таинственный мир своих полотен не с помощью знаков, аллегорий или литературных сюжетов, а особым образом отображая фрагменты природы.

Этот пейзаж написан условно (что характерно для художника). Зеленая трава с золотым отсветом, серебристо-золотое небо привлекают внимание своей необычностью. Искусство Молля было напрямую связано с творческой практикой великого Густава Климта, который еще больше углубил условную многозначность цветового решения картин. Кроме того, манера наносить краску и особое видение природы говорят о сильном влиянии на автора творчества Винсента Ван Гога (Молль любил и активно продвигал его искусство в Австрии). Обращает на себя внимание то, как живописец работает с фактурой: черной и белой краской он лепит стволы берез, делает их шероховатыми, что создает очень эффектный контраст с условностью всего пейзажа. Полотно, характерное для искусства символизма в целом, является портретом состояния природы и самого автора. Такие портретные пейзажи являлись продолжением тенденции, которая появилась еще у романтиков в первые десятилетия XIX века. К новому XX веку традиция обогатилась новыми колористическими и композиционными решениями. Художники перестали слепо следовать за природой, а компоновали природные явления в метафорически-символистском ключе.

Эдвард Мунк (1863–1944) Парк в Кёзене 1906. Холст, масло. 70x80

Норвежец Эдвард Мунк — художник XX века, прославившийся в живописи, графике, он работал для театра, создавал теоретические работы по искусству. Стиль Мунка сформировался непосредственно под влиянием парижской школы живописи, в частности таких ее мастеров, как Поль Гоген, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог. Мунк развивал широкую, свободную манеру нанесения локальных красок, которые часто, как в этой работе, смешиваются непосредственно на холсте, а не на палитре. Мастер предпочитал темы, связанные с философией символизма. Он разрабатывал художественные метафоры одиночества, угасания, смерти.

В начале 1900-х художник постоянно страдал от нервного перенапряжения, поэтому друзья пригласили его отдохнуть в тихом немецком городке Бад-Кёзен. Там он гостил у доктора Макса Линде, ценителя и знатока искусств. На картине изображен его парк, где была установлена копия знаменитой статуи «Мыслитель», выполненная самим Роденом. Мунк изобразил ее здесь справа вверху, а позже отдельно. Пейзаж отличается очень живой, свежей палитрой, автор, словно играя, свободно накладывает краски.

Отдых, к сожалению, не помог великому автору шедевра «Крик» (1893–1910, музей Мунка, Осло): вскоре Мунк был помещен в больницу для продолжительного лечения.

Бронция Коллер-Пинель (1863–1934) Уборка хлеба 1908. Холст, масло. 110x130

Бронция Коллер-Пинель — талантливая австрийская художница первых десятилетий XX века, испытавшая воздействие всех основных веяний модерна. Ее манера эволюционировала от импрессионизма в начале творческого пути, югендстиля до экспрессионизма и «Новой вещественности» в последние годы жизни. Наиболее значимо на Коллер-Пинель повлияли мастера французского постимпрессионизма, такие как Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Очевиден след неопримитивизма: ее работы отличаются непосредственностью взгляда на окружающий мир.

В 1902 художница попала в круг Густава Климта и мастеров Венского сецессиона. Ее дом оформляли такие звезды Сецессиона, как Йозеф Хофманн и Коломан Мозер. В нем Коллер-Пинель устраивала светские вечера, на которых присутствовали философы, музыканты, живописцы, среди них был знаменитый Эгон Шиле.

На этой картине художница воплотила одну из любимых тем постимпрессионистов, сюжет уборки урожая прославил еще Ван Гог. Он традиционно означает желание творца с помощью живописи символически прикоснуться к простой человеческой жизни. Мастера того времени искали в недрах крестьянского быта источник очищения от городской суетности. Зрителю не видны лица персонажей, только их сгорбленные фигуры. Безымянные герои сосредоточены на своей работе, они слишком незначительны на фоне уходящей за горизонт земли. Снопы выполнены почти наивно и своей монотонностью образуют своеобразный орнамент.

Коллер-Пинель — одна из немногих женщин того времени, которая смогла добиться успеха и признания на живописном поприще. Может быть, именно поэтому, несмотря на великолепное качество работ и высокий профессионализм, ее творчество часто вызывало нападки критиков. В наше время имя Коллер-Пинель прочно вошло в историю европейского искусства.

Ловис Коринт (1858–1925) Дама у аквариума с золотыми рыбками 1911. Холст, масло

Ловис Коринт — один из ярких представителей немецкого импрессионизма. Художник попробовал себя в разных темах: был мастером портрета, плодотворно работал над сюжетами античной мифологии. С 1891 Коринт присоединился к Берлинскому сецессиону. Наряду с другим знаменитым немецким импрессионистом Максом Либерманом живописец считался самым популярным и востребованным художником этого блистательного берлинского объединения.

1909 он провел на мекленбургском курорте. Картины этого периода отличаются особым спокойствием, теплотой домашней атмосферы. На представленном полотне изображена супруга автора. Работа выполнена в лучших традициях импрессионизма. Мастерски создано пространство: на холсте практически нет пустого, незаполненного места. Зритель оказывается в уютной, любовно обставленной квартире, где все утопает в зелени. Привлекает внимание поза женщины: кажется, что она только присела на диван. Складывается впечатление, что в этом движении, в ее сосредоточенном и спокойном взгляде в книгу отражена суть семейного уюта, которым действительно был окружен художник благодаря заботе своей жены. Известно еще несколько превосходных семейных портретов мастера.

Коломан Мозер (1868–1918) Женский портрет в профиль. Около 1912. Холст, масло. 50x50

Коломан Мозер — один из самых заметных художников Венского сецессиона, основатель объединения «Венские мастерские». Его творческие принципы, особенно в графике и дизайне, имели принципиальное значение для развития этих областей в XX веке. За свою напряженную творческую жизнь он создал книги, графические работы — от открыток до журнальных виньеток, работал с модной одеждой, создавал витражи, столовую утварь, ювелирные украшения и мебель. Художник любил рисовать простые мужские и женские фигуры, которые своей монументальностью и безыскусностью напоминают произведения другого знаменитого деятеля модерна — Фердинанда Ходлера. Мозер предпочитал голубые и розовые оттенки — типичные для символистов цвета, обозначавшие мистический мир рождения, одиночества и смерти.

Женщина, изображенная в профиль, словно выбелена светом, но его происхождение неясно. Кажется, что это не солнечный, а лунный свет или даже отсветы каких-то невидимых зрителю костров. Так чисто живописными средствами мастер создал загадочную, неоднозначную атмосферу своего лаконичного произведения. Изображение персонажа в профиль, когда взгляд модели уводит зрителя куда-то за край картины, также типично для художников последнего десятилетия XIX — начала XX века, символистов, прерафаэлитов.

Оскар Кокошка (1886–1980) Портрет художника Карла Молля 1913. Холст, масло. 128x95,5

Оскар Кокошка — один из самых знаменитых и самобытных художников Австрии, известный благодаря своей запоминающейся экспрессионистической манере живописи.

Наибольшую славу мастеру принесли портреты. Здесь представлен портрет художника Карла Молля. Впечатляет фигура изображенного и его большие руки. Крупные руки — один из традиционных приемов, который означает, что перед зрителем человек труда. Художник, по мнению Кокошки, прежде всего — труженик, а не праздный представитель богемы. Портрет написан в традиционной для автора манере: он густо кладет краску, активно преломляет пространство, кажется, что оно изгибается вместе с фигурой Молля.

Оскар Ласке (1874–1951) Корабль дураков 1923

Австриец Оскар Ласке известен своими живописными и архитектурными работами. Большая часть наследия художника состоит из зарисовок его путешествий по Европе и Северной Африке. Ласке творил в жанре пейзажа и городской живописи, его полотна отличаются ярким, пронзительным колоритом. Мастер участвовал в боях Первой мировой войны, и этот опыт сильно повлиял на его мировоззрение, найдя отражение в большом числе картин на военные темы и сюжеты нравственного характера.

«Корабль дураков» — работа, обличающая пороки, горькая критика человеческих грехов. Это аллегорическая картина со сложным, многомерным и разветвленным сюжетом. Тема ее не нова в искусстве: известно одноименное произведение (1495–1500, Лувр, Париж) великого нидерландца Иеронима Босха. Полотно можно рассматривать очень долго и находить все новые и новые метафоры и поучительные сюжеты. Например, сцена Распятия призвана показать, что Христос зря отдал свою жизнь за грехи человечества. Справа, почти в середине, изображена большая очередь на биржу труда, свидетельствующая об экономическом кризисе, в котором находились немецкоговорящие страны в конце 1910 — начале 1920-х. Оскар Ласке, вслед за своими средневековыми предшественниками, обличает грехи сладострастия, прелюбодеяния, лжесвидетельства, алчности. Художник вводит изображения представителей богемы, праздной публики, а рядом — сцены прелюбодеяния, средневековые образы смерти в виде скелета с косой, дьявола во фраке, чревоугодников в виде пузатых чудовищ и многое другое.

Подобные полотна, наследующие и актуализирующие морализаторские тенденции средневековой культуры, были очень востребованы после Первой мировой войны. Художники пытались осмыслить цель и жертвы самой крупной и беспощадной бойни того времени.

Густав Климт

Густав Климт. Водяные змеи I. 1904–1907

Густав Климт (1862–1918) Портрет Сони Книпс 1898. Холст, масло. 145x145

Густав Климт — один из самых популярных художников современности. Его работы отличаются высочайшим мастерством и виртуозностью исполнения.

«Портрет Сони Книпс» — образец раннего творчества живописца. Несколько слов необходимо сказать о модели. Соня Книпс, урожденная баронесса Пуатье, была женщиной с тонкой душевной организацией, состояла в браке с обеспеченным мужчиной. Делом ее жизни стала поддержка прославленных «Венских мастерских». Согласившись позировать Климту, она совершила смелый поступок — поддержала скандального художника: дело в том, что ранее Климт создал фрески для оформления Венского университета, которые заказчик признал порнографическими. В этой картине автор рифмует нежный отлив белых цветов и платья героини. Перед зрителем классический портрет, отвечающий идеалам модерна. Художник любуется чертами лица Сони, ее сосредоточенным, «месмерическим» взглядом. Обращает на себя внимание поза девушки: она как будто только присела и на секунду замерла. Особую утонченность портрету придает «налет старины»: платье похоже на средневековые наряды английских королев, цветы как будто вышли с голландских натюрмортов, а черный фон пользовался большой популярностью в европейских портретах знатных особ XV–XVIII веков. На нем еще ярче проступают бледные с отсветом черты лица и одежда Сони. Вокруг женщины возникает особая таинственная аура, как будто художник запечатлел ее душевное состояние, полное спокойного достоинства. Портрет, безусловно, должен был польстить заказчице.

Густав Климт(1862–1918) Юдифь I 1901. Холст, масло. 84x42

«Юдифь I» — одна из самых известных картин Густава Климта. Работа выполнена в так называемый золотой период, ставший вершиной его творчества. Тип роковой женщины больше всего привлекал мастера. Моделью полотна стала Адель Блох-Бауэр — жена мецената, богатого индустриального промышленника, который спонсировал мастера. Адель позировала для нескольких известных работ Климта («Портрет Адель Блох-Бауэр I», «Юдифь II»), все они отличаются чувственностью. Эротизированный образ Юдифи был востребован еще со времен Возрождения. Здесь художник изображает Юдифь с головой Олоферна. Героиня является символом орудия победы в руках Господа. Полотно очень богато по фактуре: автор интенсивно использует позолоту, играет на сопоставлении густого черного цвета волос и полупрозрачной ткани накидки.

Густав Климт Поцелуй 1907–1908. Холст, масло. 180x180

Картина «Поцелуй» — одна из изюминок коллекции галереи Бельведер, шедевр, до сих пор не потерявший своей пленительной силы. Работа отмечена утонченной декоративностью, изысканной эротичностью и многомерной метафоричностью. Это произведение представляет самый известный этап в творчестве мастера, совершенно закономерно названный «золотым периодом». Позолота появилась в работах Климта после путешествия по Италии, в частности Венеции и Равенне, где он был покорен золотом византийских мозаик и убедился, что лаконизм, плоскостность и условность пространства обладают уникальной силой воздействия. Плоскостные и орнаментальные свойства монументальной живописи модерна позволили художнику гармонично интегрировать спиритуализм древнего религиозного искусства. Мастер создал незабываемый авторский стиль, сплавив воедино органицизм и пронзительную декоративность модерна, символизм цвета и настроение эпохи декаданса.

Производит впечатление совмещение условного золотого фона и покровов героев с реалистической и очень чувственной трактовкой лиц. Золотой фон с мерцающими точками, откровенно орнаментальный рисунок цветов, поляна, похожая на дорожку из самоцветов, и буквально притягивающая взгляд томная чувственность, открытость взгляда женщины сделали картину «Поцелуй» одним из самых узнаваемых в мировой истории искусств произведений. Это аллегорическое по сюжету полотно также является символистским благодаря смысловой нагруженности цвета. Работы «золотого периода» мастера повлияли на принципы искусства и общественный вкус культурной публики первых десятилетий XX века.

Густав Климт (1862–1918) Портрет Иоганны Штауде 1917–1918. Холст, масло, не завершена. 70x50

Густав Климт знаменит серией женских портретов. Ему заказывали свои изображения самые известные, богатые и влиятельные европейцы начала XX века. На представленном полотне запечатлена Иоганна Штауде (1883-1967), данная работа — одна из последних работ мастера. Обращает на себя внимание благородная простота композиции, героиня смотрит прямо перед собой. Иоганна не раз позировала Климту (кстати, она также была моделью Эгона Шиле). Светлое лицо-маску обрамляют иссиня-черные волосы и меховое боа. Климт использует эстетскую и пронзительную по своему сочетанию гамму ярко-голубого, насыщенного красного и черного цветов. В ряде поздних работ этот портрет выделяется своей простотой, которая подчеркивает красоту женщины. Модель одета в наряд от знаменитых «Венских мастерских».

Густав Климт (1862–1918) Портрет женщины в белом. Около 1917–1918. Холст, масло, не завершена, 70x70

Галерея Бельведер обладает самой крупной коллекцией работ Густава Климта. Австрийский живописец был соучредителем знаменитого Венского сецессиона и организатором выставок 1908–1909, которые познакомили художественные круги Австрии с достижениями мирового авангарда. Еще при жизни Климт добился оглушительного успеха у публики и заказчиков, иметь картину его кисти желали самые богатые и влиятельные семьи Европы. В возрасте 56 лет мастер неожиданно умер от пневмонии, оставив большое количество незаконченных произведений, «Портрет женщины в белом» — одно из них.

Стоит обратить внимание на квадратный формат полотна — Климт часто использовал его. Квадрат означает математическую гармонию, равенство горизонтали (мирского) и вертикали (божественного). Эстетская чистота равных линий фигуры, ее уравновешенность как нельзя лучше соответствовали лаконичным, изысканным интерьерам заказчиков Климта, ценителей стиля модерн. Гармония видна и в почти что орнаментальной композиции холста. Автор делит картину пополам по диагонали на черное и белое. Лицо неизвестной дамы он вписывает ровно посередине. Таким образом у зрителя появляется возможность проследить процесс создания художественного произведения. Мастер шел от симметрии и чистых геометрических линий к изящному декоративизму в финальной отделке. У женщины, как и у многих других героинь, очень светлое лицо-маска. Это и художественное преувеличение, и следование моде того времени. Хотя полотно не закончено, оно обладает притягательностью, свойственной работам Климта.

Эгон Шиле

Эгон Шиле. Мать с двумя детьми. 1915–1917

Эгон Шиле (1890–1918) Маленький Рейнер (Герберт Рейнер в возрасте около шести лет) 1910. Холст, масло. 101x102

Наряду с Оскаром Кокошкой и Густавом Климтом Эгон Шиле является одним из лидеров венского модерна. Прижизненные выставки молодого живописца проходили в крупнейших художественных центрах Европы, в таких городах, как Вена, Прага, Цюрих, Берлин и Париж. Шиле выработал узнаваемую авторскую манеру, в которой сочетались орнаментальная плоскостность модерна, нервные, экспрессивные линии контура, почти натуралистическая детализация мускулатуры тела. Все персонажи его работ похожи на скелеты и более или менее вторят физиологическим характеристикам самого мастера. В этом специалисты также видят его настойчивый интерес к внутренним, духовным силам человека, символику, восходящую еще к спиритуальному искусству Северного Возрождения. Шиле волнуют человеческие чувства, эмоциональность, они отображены в буквально отталкивающих телесных характеристиках.

Маленького Рейнера художник писал не единожды, один рисунок хранится в музее Метрополитен. Портрет из Бельведера очень остроумный и богатый по отделке. Мальчик представлен в стилизованной восточной одежде и позе. На нем дорогой, хорошей выделки шелковый халат. Доминантой полотна служит насыщенный багряный цвет. Зрителя впечатляет контраст спокойного, расслабленного, буквально медитативного, но монолитного, собранного положения героя и озорного веселья на его лице. Шиле подчеркивает крупные кисти рук ребенка. Удлиненные нервные пальцы — знак душевной тонкости человека и его принадлежности к богеме.

Эгон Шиле (1890–1918) Подсолнухи 1911. Холст, масло. 90x81

Австрийский художник Эгон Шиле стал одним из самых значимых выразителей эпохи модерн. Выбор темы для работы «Подсолнухи» неслучаен: она написана по следам знаменитых «Подсолнухов» Винсента Ван Гога. Картина мастера была чрезвычайно популярна среди австрийских художников, потому что ее несколько раз выставляли в крупных галереях Вены. Шиле так же, как и Ван Гог, переосмысляет метафору бренности всего сущего, внося в свое произведение мотив становления и угасания. Цветы традиционно служили символом жизни и красоты, обреченных на смерть. Под влиянием Ван Гога подсолнухи писал и другой мастер, Густав Климт, близкий Шиле. Полотно обладает характером почти абстрактной композиции. Яркие пятна цветков вплетены в темные листья. Этот полунатюрморт-полупейзаж олицетворяет круг человеческой жизни.

Эгон Шиле (1890–1918) Объятия 1917. Холст, масло. 98x169

Работы Эгона Шиле в жанре пейзажа, портрета, ню проникнуты драматическим контрастом сопоставления жизни и смерти, любви и чувства одиночества, статики и динамики. Магистральной линией, основной темой, которая давала импульс творческому вдохновению художника, была тема эротики, секса, телесной любви. Искусствоведы видят в работах мастера творческое преломление идей Зигмунда Фрейда о решающем значении либидо в жизни человека. Наследие Шиле насчитывает сотни графических и живописных работ, изображающих откровенные сцены любви, эротические образы женщин, эскизы сексуальных актов.

Второе название представленной картины — «Любовная пара II, мужчина и женщина». Данная тема роднит Шиле с другим знаменитым представителем австрийского модерна Густавом Климтом, но творчество первого более физиологично, оно экспрессивно в своем натурализме. Художник изображает буквально обтянутые кожей тела, где виден каждый напряженный мускул. Обращает на себя внимание их цветовая характеристика: светлый тон кожного покрова героини и темный — мужчины. Мужчины традиционно изображались с более темным цветом тела еще со времен древнейшего искусства Египта. Значима и общая гамма картины. Шиле работает в палитре постимпрессионистов и авангардистов, такое сочетание оливкового, охристого, бежевого, темно-коричневого и белого, подведенного черным, встречается, например, у Пикассо в период 1907–1914.

Эгон Шиле (1890–1918) Четыре дерева 1917. Холст, масло. 111x140

Эгон Шиле знаменит своим узнаваемым авторским стилем, который сформировался на стыке модерна и экспрессионизма. От модерна художник взял изящество линии, тонкость орнаментальной детализации, эстетские сочетания изящных цветовых оттенков. Стиль экспрессионизма выразился в манере изображать человеческие тела, которые буквально наэлектризованы эротизмом. В творческом наследии Шиле почетное место занимают пейзажи, хотя они и не так известны широкой публике, как его эротические рисунки.

Работу «Четыре дерева» автор строит на прорисовывании слоев: каждая горизонталь отделяется от предыдущей толстым цветным контуром. Такой прием производит двойной эффект: делает пейзаж орнаментальным, а благодаря окрашенности слоев пронзительными розовыми и голубыми цветами приобретает экзистенциальный характер. Колорит картины рождает тревожное, даже грозное впечатление, ведь розовый и голубой цвета являлись для художников модерна символами жизни и смерти. Как говорил сам Шиле, движения облаков, рисунок деревьев, воды, гор напоминают ему движения человеческих тел. Мастер считал исходящие от природы импульсы родственными эмоциям, ощущениям и состояниям человека. Четыре дерева действительно выглядят как четыре человека с разными характерами, манерой поведения и внешностью.

Эгон Шиле (1890–1918) Семья 1918. Холст, масло. 150x160

Великий австрийский художник Эгон Шиле прожил короткую, но очень яркую, наполненную творческими открытиями жизнь, познал славу в молодом возрасте. Бельведер хранит одну из самых интересных и представительных коллекций его произведений. Наряду с Густавом Климтом живописец считается самым блестящим выразителем эстетики и культуры европейского модерна.

Чтобы понять данное произведение мастера, нужно знать его биографию. В 1918, когда Шиле было всего 28 лет, в Европе началась сильнейшая эпидемия гриппа, знаменитая «испанка», унесшая жизни более 20 миллионов человек. Картину «Семья» художник начал, когда еще ничего не подозревал о скором конце: он погиб через три дня после смерти беременной жены. Заболев, живописец начал переделывать полотно. Интересно, что изображенная женщина — не его жена, а неизвестная модель, автопортретными характеристиками обладает фигура мужчины. Работа осталась незаконченной. Взгляды героев поражают пронзительностью. Они, смирившись с судьбой, смотрят куда-то вдаль. Впечатляет жест мужчины — он прикасается к сердцу, словно приносит обет верности своей семье. На холсте властвуют коричневые земельные цвета, как будто герои уже находятся в лоне земли. В этом произведении меняется стиль Шиле, он становится более реалистичным, настроение картины очень мягкое, покорное, даже просветленное. От экспрессионизма осталась лишь драматическая символика цвета.

Эрнст Климт. «До свадьбы». 1890. Фрагмент

Следующий том

Музей Леопольда был создан на основе частного художественного собрания. Здесь хранится крупнейшая коллекция картин Эгона Шиле, прекрасно раскрывающая творчество этого великого художника и одного из виднейших графиков австрийского экспрессионизма. В музее представлены знаменитые произведения выдающегося живописца Густава Климта, а также работы Оскара Кокошки, Антона Колига, Альфреда Кубина, Коло Мозера, Фердинанда Георга Вальдмюллера, Йозефа Гофмана, Рихарда Герстля и многих других мастеров.

Оглавление