«Кунстхалле Гамбург»

Кунстхалле Гамбург (fb2) - Кунстхалле Гамбург 6812K скачать: (fb2) - (epub) - (mobi) - Екатерина Васильевна Гришина

Е. Гришина Кунстхалле Гамбург

Официальный сайт музея: -kunsthalle.de

Адрес музея: GlockengieBerwall, 20095, Гамбург.

Проезд: На пригородном скором поезде, на метро: U1, U2, U3, на автобусе № 112 до Главной станции. На S1, S2, S3, S11, S21, S31 до станции «Hauptbahnhof» (главная).

Телефон: 49 (0) 40 428 131 300.

Часы работы: Вторник — воскресенье: 10:00–18:00, четверг: 10:00–21:00.

По понедельникам музей закрыт.

Цены на билеты: Полный — 12 €, льготный — 5 €.

Детям до 18 лет вход бесплатный.

Информация для посетителей: Посетителям предлагаются аудиогиды. Стоимость — 4 €.

На территории музея работают два уютных кафе («Café George Economou» и «Café Liebermann»), а также стильный ресторан «Café-Restaurant The Cube».

Книжные магазины при музее располагают широким ассортиментом литературы, плакатов, открыток и подарков.

Здание музея

«Это была картина такого рода, которую только аэронавт мог наблюдать, когда он поднимался на своем воздушном корабле над облаками… туда, где… безмятежная синь небес видна между клочьями тумана» — так немецкий философ Готтхильф Генрих фон Шуберт в XIX веке высказал свое мнение о картине Каспара Давида Фридриха «Странник над морем тумана». Произведение обладает манящей притягательностью нераскрытой тайны, прикоснуться к которой могут и люди XXI века.

Интерьер музея

Интерьер музея

Данное величественное полотно, а также еще более десятка других работ, пожалуй, самого известного немецкого художника-романтика находятся в собрании музея Кунстхалле в Гамбурге и являются неотъемлемой частью мирового искусства. Шедевры Кунстхалле представляют впечатляющий экскурс в историю не только европейской живописи, но и становления музея.

А у него интересная и длинная история. Она началась в 1817, когда жителями Гамбурга был образован Союз любителей искусства, члены которого впоследствии выступили с инициативой основания в городе художественного музея. В здании биржи в 1850 появилась первая открытая городская картинная галерея. Интерес к ней был огромен, и сама экспозиция, состоявшая из подаренных или пожертвованных картин, постепенно разрасталась. Первая галерея уже с трудом вмещала все представленные к показу экспонаты. Вскоре городские власти распорядились выделить для строительства нового выставочного пространства земельный участок. Молодые берлинские архитекторы Герман фон дер Худе и Георг Теодор Ширрмахер составили проект будущего кирпичного здания, и уже в 1869 новый Кунстхалле открыл свои двери для посетителей.

Первые выставочные фонды формировались бессистемно и состояли в основном из частных пожертвований. В 1912–1921, когда музей дополнился новым корпусом — флигелем из ракушечного известняка, появилась возможность выстроить четкую структуру периодизации произведений искусства.

Назначение в 1886 на должность директора Альфреда Лихтварка, учителя по профессии, стало решающим моментом в истории Кунстхалле. Лихтварк не только систематизировал уже имеющуюся коллекцию, но и внес большой вклад в ее расширение. Особое внимание он уделял современной живописи, именно под его руководством были приобретены и показаны широкой общественности картины Каспара Давида Фридриха и Отто Рунге. Лихтварк разработал также несколько новых концепций развития выставки, посвященных картинам родного города. В Кунстхалле хранятся произведения Макса Либермана, с которым дружил директор, Ловиса Коринта, Пьера Боннара и других художников, писавших виды Гамбурга. За период руководства Лихтварка Кунстхалле было приобретено более 1000 полотен, огромное количество скульптур, монет и книг.

В 1995 музейный комплекс пополнился «Галереей современности», представляющей собой выстроенное по проекту Освальда Матиаса Унгерса прямоугольное здание из песчаника. В ней выставлены работы Ричарда Серра, Янниса Кунеллиса, Гамильтона Финлея и других известных современных художников, созданные специально для галереи.

В золе музея

Ныне общая площадь музея Кунстхалле составляет 20 000 м2, что позволяет гамбургскому собранию считаться одним из крупнейших в Германии. В его экспозициях представлены живописные произведения разных европейских художественных стилей и школ (от романских до современных произведений), скульптурные творения XIX–XX столетий. Кроме того, музей экспонирует обширные коллекции рисунков, графики, акварелей, древних монет и медалей разных веков. Но центральное место в экспозиционной деятельности Кунстхалле отведено все же немецкой живописи.

Галерея живописи XIX века расположена в старом здании и входит в основную часть экспозиции. Жемчужиной этой коллекции и является знаменитое произведение Каспара Давида Фридриха, которое ждет зрителей, желающих в него вглядеться и увидеть то, что лежит по ту сторону изображения и является его символическим смыслом.

Немецкая живопись XIV–XVI веков

Мастер Франке. Алтарь Святого Фомы из церкви Святого Иоанна в Гамбурге.

Мастер Бертрам из Миндена (около 1340–1345 — до 1415) Алтарь апостола Петра из Грабова (Алтарь из Грабова) 1379–1383. Дерево, темпера. 180x720

Коллекция немецкой живописи XV столетия дополнена произведениями позднего Средневековья, чтобы показать путь развития искусства Нового времени с момента его зарождения. В живописи господствовали принципы позднеготического искусства. Станковая живопись предназначалась для культовых целей. В разных художественных центрах создавались алтарные произведения, в их образно-пластических структурах сохранялось единообразие живописных створок и расписной полихромной скульптуры. Разбогатевшие католические ордена, накопившие богатства монастыри окружали себя всевозможной роскошью. Появление грандиозных створчатых алтарей было связано с возросшей пышностью обрядов богослужения.

Один из подлинных шедевров Кунстхалле — так называемый Алтарь из Грабова, созданный Мастером Бертрамом. Его имя упоминается в переписях архивов Гамбурга в 1367–1387, а в 1390 живописец планировал паломничество в Рим и составил свое первое завещание, а затем второе, где назвал себя Бертрамом, городским художником из Гамбурга.

Этот алтарь был создан для церкви Святого Петра в Гамбурге (установлен в 1383). Гигантский по размерам, украшенный множеством скульптурных фигур и серией из 24 картин, он является ярким примером живописных панно в Германии. Алтарь состоит из двух пар створок, открывавшихся только в праздничные дни, поэтому его внутренние части отличались особенной красотой и нарядностью. Когда внешние створки распахнуты, можно видеть в двух рядах (по 12 картин в каждом) 18 сцен «Бытия» (от первых дней Творения до истории Исаака) и шесть сцен «Детства Христа» (от «Благовещения» до «Бегства в Египет»); когда открыты внутренние створки, появляется скульптурный алтарь: в центре возвышается «Распятие», а по сторонам, в двух рядах ниш — фигуры пророков, апостолов и святых. Это один из самых богатых скульптурных ансамблей Северной Европы, включающий 79 резных фигур.

Мастер Бертрам из Миндена (около 1340–1345 — до 1415) Алтарь апостола Петра из Грабова (Алтарь из Грабова) 1379–1383. Дерево, темпера. 180x720

К сожалению, картины на внешней стороне алтаря не сохранились, и нельзя представить его в закрытом, повседневном виде. Серии работ поражают монументальной простотой. Композиция каждого клейма предельно упрощена. Бертрам стремился придать фигурам объемность, выделяя их на золотом фоне и разграничивая четким рисунком.

Мастер Бертрам из Миндена (около 1340-1345-до 1415) Алтарь апостола Петра из Грабова (Алтарь из Грабова) 1379–1383. Дерево, темпера

Наиболее отчетливо своеобразие стиля мастера выступает в клеймах, рассказывающих о создании мира. Семь раз изображает художник Бога Отца, его монументальная фигура заполняет почти все поле картины, четко выступая на золотом фоне. С наивной повествовательностью мастер Бертрам изображает Творца, создающего мир, отделяющего сушу от воды. При этом Бог стоит, упираясь большими ступнями в кафельный пол. В трактовке Бертрама Он превращается в простоватого мужичка.

В другой композиции Бог создает животных и птиц, которых художник старательно пишет, отмечая их характерные особенности и проявляя большой интерес ко всему живому. Пейзажи на заднем плане отсутствуют, а золотой фон, заполняющий каждое клеймо, лишает работу перспективы. Цвет алтарных клейм локальный, но он помогает передать форму, объем и особенности предметов.

Скульптура и живопись Грабовского алтаря очень близки стилистически, но документальные источники называют Бертрама живописцем, поэтому, наверное, нет причины считать его автором резных частей. Возможно, резчики работали в мастерской художника. Интерес мастера Бертрама к окружающему миру, человеку, точному изображению предметов, животных и птиц открывает его последователям красоту окружающего мира. Бертрам великолепно умел использовать ограниченное пространство створки алтаря, выписывая библейские эпизоды максимально подробно. Главная его забота — не столько реалистическое изображение предметов, сколько сам способ их представления. Так, хлев в сцене «Рождества» выглядит ветхим и убогим. Иосиф наклоняется, протягивая Младенца Христа Богоматери, рядом с которой лежат миниатюрные вол и осел. В сцене «Сотворение животных» рыбы плывут вверх, поднимаясь из воды. Над ними (снизу вверх) изображены лебедь, петух, павлин и щегол, послушно окружающие своего Творца. Мастер старается реально изобразить человеческую фигуру, снабжает картины множеством реалистических, хотя и наивно трактованных подробностей.

Мастер Франке (около 1380-активен до 1436) Алтарь Святого Фомы из церкви Святого Иоанна в Гамбурге. Воскресение Христово. Около 1424. Дерево, темпера, масло. 99x89

Именно в манере интернациональной готики работал Мастер Франке, уроженец Нидерландов и преемник Бертрама в Гамбурге. О его жизни и творчестве сохранились лишь немногие документы. Мастер был доминиканским монахом (поэтому его имя не упомянуто ни в одном муниципальном списке), выходцем из Цутфена в Гелдре.

В Кунстхалле находится «Алтарь Святого Фомы», созданный для общества купцов, имевших торговые отношения с Англией. Налицо характерные черты интернациональной готики: красочные цвета, имитирующие блеск ювелирных изделий, золотой фон, вычурность деталей, жеманность застывших поз, вытянутые пропорции в изображении человеческих тел, тщательно проработанная «текучая» драпировка.

В средней картине на золотом фоне представлено «Распятие», от которого, к сожалению, дошел до нас только фрагмент. На сохранившихся внутренних створках, изнутри, на золотом фоне — «Бичевание», «Распятие», «Положение во гроб» и «Воскресение», а с наружной стороны и на внутренних сторонах наружных створок на красном фоне, усеянном золотыми звездами, в верхнем ряду — четыре события из жизни Девы Марии, а в нижнем — четыре сцены из жизни и кончины святого Фомы Кентерберийского, которому был посвящен алтарь.

В композиции «Воскресение Христово» (на правой внутренней створке, сцена вверху) Иисус со знаменем Воскресения выводит из ада души Адама, Евы и ветхозаветных праведников через сокрушенные им врата. Как и другие живописцы того времени, Мастер Франке изображает крышку саркофага в момент Воскресения сдвинутой. В этой композиции он выделяет размерами главное действующее лицо — Христа, пренебрегая перспективой. Худое бледное тело Спасителя окутано плащом. Воины, сраженные сном, сидят и лежат в неудобных позах, «нервный» контур их тел придает композиции напряженное движение, цвет еще более усиливает это впечатление. Кроваво-красный плащ Спасителя, вспышки золотого фона, противопоставленные темно-коричневым скалам, — все это создает впечатление взволнованности, доходящей до экзальтации.

Мастер Франке (около 1380-активен до 1436) Алтарь Святого Фомы из церкви Святого Иоанна в Гамбурге. Поклонение волхвов 1424. Дерево, темпера, масло. 99x89

Правдиво и величаво изображено «Поклонение волхвов», хотя в этой евангельской сцене Мастер Франке придерживается традиционной схемы. Представлена Дева Мария с Младенцем Христом на коленях и пришедшие к Нему волхвы в нарядных одеждах. Поклонение волхвов считается заключительным сюжетом в рождественском цикле, поэтому, интерпретируя его, художники, как и Мастер Франке, включали в композицию рождественские ясли. Существует традиция изображать волхвов похожими на царей, ибо в Псалтыре написано: «Цари Фарсиса и островов поднесут Ему дань… и поклонятся Ему все цари» (Псалт. 71:10-11). Действие концентрируется вокруг главной группы — Младенца и Богоматери, которая закутана в голубой плащ, ее лицо, написанное в холодных тонах, контрастирует с окружением, решенным в теплых, и декоративным красным фоном, равномерно усыпанным золотыми звездами, поэтому оно притягивает к себе внимание зрителя.

Часть фона вверху затянута темным облаком, в разрыве которого ярко светит звезда Вифлеема, на нее указывает один из волхвов. Интенсивный цветовой строй с преобладанием больших пятен красного повышает эмоциональный строй картины, усиливая впечатление некоей сказочности изображенного.

Лукас Кранах Старший (1472–1553) Портрет трех курфюрстов. Около 1532. Дерево, масло. 68,7x131,6

К шедеврам Кунстхалле относятся произведения, созданные Лукасом Кранахом Старшим — немецким живописцем и графиком эпохи Возрождения. Мастерству он учился у отца, работал в Вене, в Виттенберге при дворе саксонских курфюрстов (князья духовные и светские, за которыми было закреплено право избрания императора), избирался членом городского совета и бургомистром. В 1520 сблизился с реформатором церкви Мартином Лютером (лидер движения Реформации, основатель лютеранства, отвергавший догмы католицизма, идеолог консервативной части немецкого бюргерства). Круг художественных обязанностей Кранаха был чрезвычайно широк: алтарная живопись, картины на мифологические и аллегорические темы, гравюры, также мастер исполнял многочисленные портреты по заказам, украшал залы для приемов и празднеств. Недаром на его могиле высечен девиз «Pictor celerrimus» («Художник — самый быстрый») как намек на чрезвычайную продуктивность Кранаха и скорость в выполнении заказов. Он имел большую мастерскую и учеников, писавших в его манере. Сегодня из более тысячи работ лишь о нескольких сотнях можно с большой долей уверенности утверждать, что они принадлежат кисти Лукаса Кранаха Старшего. Еще несколько приписывают его сыновьям, Гансу и Лукасу Кранаху Младшему.

Фридрих Мудрый, а также его ближайшие родственники Иоганн Твердый и Иоганн Фридрих Великодушный были главными заказчиками Кранаха, так как он был придворным художником, на портреты этих правителей в силу их многочисленности распространялась шаблонность, пример — данный портрет трех курфюрстов. Живые лица соотносятся со слегка уплощенными, условными аксессуарами. Одежда, драгоценности изображены тщательно, человек окружен в этих работах предметами-знаками, символами богатства и власти. В правом нижнем углу дан щит со скрещенными мечами — герб Фридриха III. Рисунок максимально упрощен до основных линий, достаточных для того, чтобы портретируемые были узнаваемы.

Фоном художник выбрал изображение родного пейзажа в оттенках зеленого, желтого и голубого. В его трактовке кисть мастера более свободна. Кранах благодаря колористическому чутью, избегая резких контрастов, умел создавать изысканные сочетания тонов. В раме, нижний профиль которой делался похожим на подоконник, такой равномерный фон, наполненный воздухом, казался окошком в комнате, где нет никого, кроме изображенной персоны.

Лукас Кранах Старший (1472–1553) Святой Георгий Дерево, масло. 60,5x40,5

Лукас Кранах Старший создал много изображений со святым Георгием и драконом, этот сюжет был очень популярен среди европейских художников периода Позднего Средневековья и Возрождения. Примером может служить «Святой Георгий» из Кунстхалле. Фоновая часть картины представляется декорацией, в окружении которой разворачивается некое театральное действо — святой изображен закованным в доспехи рыцарем на вздыбленном белом коне и сражающимся со страшным драконом. На земле повсюду разбросаны останки жертв, замученных чудовищем. При этом на фоне очаровательного горного пейзажа в молитвенной позе показана принцесса в красивом платье. Яркие краски, светлый ветреный пейзаж рождают настроение, не соответствующее трагическому событию. Крутые холмы, увенчанные замками, часто были украшением пейзажных фонов и в портретах, и в мифологических, и в религиозных композициях Кранаха.

Немецкая живопись XV–XVI веков органически включается в эволюцию европейского искусства. Коллекция Старых мастеров Кунстхалле славится большим количеством произведений немецких художников и дает точное представление о том, каких высот смогло достичь национальное искусство в один из успешных периодов своего развития.

Голландская живопись XVII века

Гербранд ван ден Экхоут. Двенадцатилетний Христос в храме. XVII век

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Анна и Симеон в храме. Около 1627–1628. Холст, масло. 55,5x44

Коллекция Старых мастеров музея Кунстхалле раскрывает разнообразные пути развития голландской живописи, это и исторические картины, и жанровые портреты, и пейзажи, и натюрморты и, конечно, работы Рембрандта — величайшего художника, творчество которого оказало влияние на все мировое изобразительное искусство.

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в семье зажиточного мельника в Лейдене. По окончании латинской школы он поступил в городской университет, где пробыл недолго, решив стать художником. Рембрандт оказался в мастерской местного посредственного живописца Якопа ван Сваненбурга, через три года переехал в Амстердам, там проучился полгода у Питера Ластмана, самого популярного в то время голландского исторического художника. В 1625, вернувшись в Лейден, он организовал с Яном Ливенсом (тоже учеником Ластмана) собственную мастерскую.

Одной из жемчужин собрания и гордостью Кунстхалле является картина Рембрандта «Анна и Симеон в храме», относящаяся к его раннему творчеству. На ней изображены Богоматерь с Младенцем, Иосиф, Симеон и пророчица Анна, которая, согласно распространенной легенде, являлась наставницей Девы Марии, когда та пребывала в храме. Старцу Симеону было предсказано, что он «не увидит смерти, доколе не увидит Христа Господня». И Симеон наконец повстречался с Ним, когда Мария с Иосифом принесли Иисуса в храм. Сцена помещена внутрь здания. На переднем плане Иосиф и Богоматерь, которая только что передала Младенца на руки старцу. Ее вид и сочувственная реакция Анны говорят о том, что для Девы Марии этот миг не радостный, а скорбный.

В данном произведении, как и в других своих ранних картинах, художник поражает новой трактовкой библейских сюжетов, главное внимание устремлено на внутреннюю жизнь героев, их духовную взаимосвязь, очевидно глубокое переживание события.

Рембрандт использует прием, который станет основным орудием его образного языка, — сильных контрастов света и тени, прием света во мгле. Его внезапными ударами живописец достигает впечатления исторической значительности происходящего. Свет выступает носителем этического начала, выразителем больших чувств и событий. Подчеркивая напряженное внимание Марии, выделяя светом фигуру старца Симеона с Младенцем, Рембрандт тем самым объединяет всех участников. Позднее мастер будет прибегать к методу сосредоточения света в решающем пункте события, погружая остальное в сумрак. Эта напряженная концентрация выразительных средств позволяла ему опустить многие второстепенные детали. Палитра Рембрандта в работе еще достаточно красочна и светла, наиболее освещенные части композиции выписаны более тщательно, чем остальные, трактованные широко и сочно. Персонажи выступают из локального фона, на котором отдельные архитектурные детали даны лишь намеком, обобщенно. Световые рефлексы от главной группы постепенно распространяются на остальные части картины и тонут в прозрачном, глубоком полумраке, полном воздушности.

В дальнейшем повествовательно-живописный язык Рембрандта развился до языка чисто живописного, который нес в себе и бездну эмоций, и универсум идей. Поворот к раскрытию внутренней сущности человека и составлял основу творчества полотен мастера как нового этапа в эволюции национального искусства.

Виллем Клас Хеда (1594-между 1680 и 1682) Роскошный натюрморт 1638. Холст, масло. 118,4x97,5

Голландские художники, пользуясь светотенью Рембрандта, находили путь к совершенно новой передаче вещей. Так, своего рода экспериментальным полем для решения чисто живописных задач стал натюрморт, впервые получивший широкое распространение в искусстве Голландии и Фландрии. В коллекции Кунстхалле представлены произведения ведущих голландских мастеров этого жанра, особенности которого определяются тем, что предметы, выхваченные из жизни, волей художника намеренно приводятся в ту или иную связь.

Главные черты натюрморта выработаны в харлемских «завтраках». Обилие яств и посуды в ранних работах живописцев напоминает о происхождении данного жанра от торжественно накрытых столов, изображавшихся на групповых корпоративных портретах. От показа этого обилия, способного удовлетворить аппетит многих, жанр эволюционировал в сторону скромного завтрака или закуски на одну персону, от праздничности и порядка еще не нарушенного следами пиршества — к интимности и «живописному» беспорядку, связанному с присутствием человека.

Ясно выраженный тип голландского натюрморта сложился в Харлеме, в творчестве Виллема Класа Хеды. Художник был членом гильдии Святого Луки, затем ее комиссаром и председателем. Скромным натюрмортам — «завтракам» Хеды, изображавшим, как правило, небольшой набор предметов домашней утвари и трапезы, присущи тонкое мастерство в передаче фактуры вещей, сдержанный серебристо-зеленый или серебристо-коричневый колорит.

Для «Роскошного натюрморта» художник выбрал блестящие сосуды. Он расставил емкости так, чтобы они не закрывали друг друга, отодвинул композицию вглубь с расчетом на впечатление от каждой вещи. Мастер любуется тонкой прозрачностью стекла, игрой стальных рефлексов на сферических поверхностях и яркими бликами, вспыхивающими на серебре. Почти весь стол вырисовывается на светло-сером фоне, предметы искусно моделированы легкими тенями. Автор удивительно передал ощущение присутствия хозяина этой еды.

Флорис Герритс ван Схутен (1590–1655) Завтрак с ветчиной. Первая половина XVII века. Дерево, масло. 51,8x83,2

Флорис Герритс ван Схутен родился в Амстердаме в семье, переселившейся в Харлем в 1612, был членом гильдии Святого Луки, известен многочисленными интерьерами кухни и натюрмортами.

На картине «Завтрак с ветчиной» изображен накрытый стол с тарелками, скомпонованными вокруг бледно-розового окорока, на переднем плане — серебряный с узором стакан, нож и небольшая тарелочка с подрумяненной булочкой. Композиция, построенная в ширину с преобладанием коричневых тонов, гармонична и целостна. Кушанья написаны столь живо, что могут пробудить аппетит у проголодавшегося зрителя. Художник мастерски располагает тени на изгибах скатерти, прекрасно передает блеск металлической посуды и рефлексы на ней.

Ян Давидс де Хем (1606–1683/1684) Натюрморт с опрокинутым кубком XVII век. Холст, масло. 72,4x61,3

Главным представителем натюрморта с цветами и плодами является мастер Ян Давиде де Хем, в его живописи на первый план были выдвинуты декоративные стороны, как, например, в «Натюрморте с опрокинутым кубком».

Композиция картины состоит из опрокинутого кубка (символа суетных удовольствий, которые конечны), двух бокалов на высокой ножке, металлической тарелки, с нее тонкой спиралью спускается кожура лимона, и положенной на стол свежесрезанной ветки с листьями, образующими причудливый узор. Все предметы мягко моделирует оранжевая золотистая дымка, художник увлечен тонкостью неуловимых красочных рефлексов, но безупречно построенным произведениям де Хема, в том числе этому натюрморту, не хватает воздуха.

Сочетание декоративной пышности и суховатого рационализма отличает прославившие живописца цветочные натюрморты, соединяющие в сложной, искусно построенной композиции различные растения, цветущие в разное время года, с тщательно изображенными мельчайшими деталями, в том числе всякого рода насекомыми — мухами, бабочками, гусеницами, стрекозами. Наделенные тонким колоритом роскошные букеты этого мастера и его последователей не только дарили эстетическое наслаждение, но и погружали зрителя в мир многозначных символических образов, связанный с идеей бренности, скоротечности всего земного, цветения и увядания, жизни и смерти.

Якоб Марелл (1613/1614-1681) Натюрморт с цветами на столешнице. Середина XVII века. Дерево, масло. 24x34

Именно в XVII веке в Голландии стали популярны луковичные сорта цветов — тюльпаны, гиацинты, крокусы, анемоны, а продажа луковиц стала прибыльным делом. Пестрые тюльпаны и мелкие полевые цветы, собранные в букеты, становились предметом изображения для Якоба Марелла, который писал в манере Яна Давидса де Хема.

Реалистическое отображение предметного мира художник наполнял смыслом за счет символики. В центре «Натюрморта с цветами» помещен причудливо изогнутый увядающий тюльпан, который в то время воспринимался как указание на возможность спасения через добродетель, а бабочка, написанная в верхнем углу картины, считалась символом человеческой души. Гибель красоты, краткосрочность цветения, зыбкость земного существования оставались излюбленной темой Марелла. Удачно скомпонованные цветы дополнены острыми листьями и яркими ягодами. Наклон и изгиб трав на темном фоне переданы с поразительным знанием жизни растений, чувствительной нежности их ткани. Краски каждого цветка достигают изумительной точности и интенсивности.

Корнелис де Хем (1631–1695) Натюрморт с плодами и устрицами XVII век. Холст, масло. 51,2x51

Ян Давиде создал огромную школу учеников и последователей, среди них были его сыновья — Корнелис и Давид. В Кунстхалле хранится картина Корнелиса де Хема «Натюрморт с плодами и устрицами».

Ветка с персиками, кисть светлого винограда, лимон, красные вишни, сероватые моллюски, на которых повисли капли прозрачной влаги, выписаны с исключительной виртуозностью. Изысканное кулинарное блюдо — устрицы — часто фигурировало в живописных композициях, обозначая наслаждение, одно из пяти чувств, торжество изобилия и плодородия.

Ян Вэникс (1642–1719) Охотничий натюрморт с убитым зайцем XVII век. Холст, масло. 85,5x68

Во второй половине XVII века в Голландии был распространен натюрморт с битой дичью. Желание запечатлеть свои охотничьи подвиги и собственное хозяйство вытекало из жизни знати, сложившихся новых привычек и развлечений. Чаще всего подобные натюрморты заказывали разбогатевшие бюргеры, стремившиеся украсить дом и приблизиться к традиции досуга аристократии — охоте.

Мотив повешенного вниз головой зайца или птицы стал одним из любимых у художников. Их увлекала задача изобразить беспомощно вытянутое тело и опрокинутую назад голову, мягкую шерсть или распластанные крылья.

Ян Вэникс — один из самых известных мастеров подобных картин, сын и ученик голландского живописца Яна Бабтиста Вэникса. В данном натюрморте мертвый заяц в резких контрастах света и тени декоративно положен с битой птицей на фоне аллеи парка и буйной растительности. Передана тяжесть животного, изгиб тела подчеркивает вертикальность композиции. Краски полотна гармоничны, рисунок точен и выразителен. Будучи прекрасным пейзажистом, художник очень часто показывал дичь на фоне парков. Благодаря сопоставлению зелени деревьев и теплых оттенков шерсти животных и оперения птиц изображение становилось необыкновенно красочным.

Иоганн Георг (1630–1688) Натюрморт со стаканом пива и булочкой 1665. Холст, масло. 47,8x54,8

Кухонные натюрморты не требовали гладкого письма, как завтраки. Композиции были просты и составлялись из предметов повседневного обихода: деревянный стол, ножи, доски, глиняные кувшины и дополнялись овощами, зеленью. В подобной стилистике выполнен «Натюрморт со стаканом пива и булочкой» Иоганна Георга.

На первый план выдвинут деревянный стол, сочно и рельефно на темном фоне выступает стакан с пивом, являющийся центром композиции. Слева и справа от него лежат кусочки булочки. Место для каждого предмета тщательно выбрано, учтены композиционные, ритмические и световые моменты. Этот незатейливый мотив привлек внимание художника. Глубокие краски придают вещам большую выразительность, а яркие светящиеся блики — убедительность. Прелесть картины кроется в живоподобии всего изображенного мастером.

Европейская живопись XVIII века

А. Видебант. Натюрморт с цветами. 1775

Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770) Христос в Гефсиманском саду. Около 1745–1750. Холст, масло. 79,4x88,5

Джованни Баттиста Тьеполо — крупнейший живописец Италии XVIII века и последний великий мастер европейского барокко, в первую очередь монументалист и декоратор, автор больших фресковых ансамблей. Он писал станковые картины, портреты, делал рисунки и офорты.

Данная картина написана на евангельский сюжет, повествующий о последней молитве Иисуса в Гефсиманском саду, где, преданный Иудой, Он был взят под стражу. Во время молитвы Спаситель произнес: «Отче Мой! Если возможно, да минует Меня чаша сия; впрочем не как Я хочу, но как Ты» (Мф. 26:39). На картине Тьеполо воины застают Христа врасплох, он еще полулежит в молитве, а над Ним видение — ангел, протягивающий чашу. На переднем плане — трое учеников Христа, объятых сном, — Петр, Иаков и Иоанн. Справа факелами озарены входящие в Гефсиманский сад стражники, готовые схватить Иисуса.

Композиция построена на необычайно смелом контрасте сверхъестественного света, падающего с неба на Христа и ангела, и земного, скупого света факелов, принесенных стражниками. Яркий свет — одна из главных сил, действующих в живописи Тьеполо. Сияние, исходящее от ангела, наполняет черную ночь голубым мерцанием, а сам ангел с золотистыми крыльями превращается в цветок, распускающийся над головой Иисуса.

В картине великолепно передано пространство. Тьеполо не стремился к точности деталей и достоверному изображению события, ему важно создание самой атмосферы действия, жизненность образа. Ликующая гармония светлых красок подчеркивается введением насыщенных алых, оранжевых, иссиня-черных тонов. Этот прием противопоставления легких нежных оттенков густым темным характерен для многих станковых произведений художника. Свободной, широкой, исполненной силы и темперамента живописной манерой автора сложные группы персонажей приведены в энергичное движение, контрасты форм и цвета создают впечатление неиссякающей динамики.

Даниил Ходовецкий (1726–1801) Общество за столом. Около 1760. Холст, масло. 23,8x18,8

Даниил Ходовецкий, поляк по происхождению, родился в Гданьске (Данциге) в семье хлеботорговца. После смерти отца в 1743 он переехал в Берлин. Этот мастер был самоучкой, хотя его творчество сыграло важную роль в дальнейшем развитии реалистической традиции в немецком искусстве. В первую очередь Ходовецкий являлся талантливым и плодовитым графиком, одним из лучших мастеров книги XVIII века. Во многих гравюрах он запечатлевал повседневный быт жителей Берлина, где с 1797 длительное время был директором Академии художеств.

В жанровой картине «Общество за столом» с долей сентиментальности показана сцена мещанского быта — семья, собравшаяся у круглого стола в уютной комнате. С большой теплотой переданы мирная атмосфера, дружеские связи, объединяющие всех героев. Сцена написана не без некоторой манерности, нарушены пропорции — слишком маленькие головы у персонажей, но есть попытка выявить индивидуальные черты каждого. Ходовецкий следовал природе и жизни, воплощая их остро и правдиво. В изображении простого повседневного бытия ему удавалось передать чувствительность и сентиментальность настроений, преобладавших в искусстве того времени.

Иоганн Генрих Фюсли (1741–1825) Сотворение Евы 1793. Холст, масло. 307x207

Иоганн Генрих Фюсли — швейцарский и английский художник, график, писатель, историк и теоретик искусства. Он родился в семье живописца, историка искусства, автора пятитомной «Истории лучших художников Швейцарии». С ранних лет Фюсли занимался рисованием, не пройдя, однако, систематической школы и не думая стать живописцем. Его внимание привлекла коллекция графики швейцарских маньеристов XVI века, собранная отцом в процессе работы над книгой о национальном искусстве. Фантастические сюжеты, страстное напряжение, доходящее до гротеска, эротика и сатира маньеристов перешли в создаваемые им картины, навеянные произведениями Шекспира, Данте, Гомера, литературой немецкого романтизма и воспевавшие порывы человека и трагические коллизии его страстей.

Произведения Фюсли сочетают идеализацию в духе классицизма с безудержной мрачной фантастикой и изощренным гротеском, пример — «Сотворение Евы». Еще в 1770 живописец отправился в Рим изучать античность. Классика произвела на него неизгладимое впечатление, а из всех мастеров Возрождения больше всех повлиял на Фюсли Микеланджело. Художник изображает момент после Сотворения. Образ микеланжеловского величественного Бога-Создателя переработан — Творец напоминает скульптуру с неестественными, огромными невидящими глазами, которые сияют напряженным светом и поглощены созерцанием видений мира иного. Напряженно вытянутое тело Евы и фигура лежащего Адама являются из глубины мрака, Фюсли намеренно создал сильный контраст между светом и тенью. Оставаясь в рамках академической живописной системы, мастер прибегал к экспрессивной деформации фигур, световым эффектам, усиливая до предела эмоциональную остроту самого сюжета. Рождалось пространство аскетичное, сумрачное по краскам, лишенное занимательных подробностей жизни, построенное из отношений темно-коричневой тьмы и серебристого света, похожее на мир снов.

Европейская живопись первой половины XIX века

Христиан Эрнст Бернгард Моргенштерн. Хаугфосс в Норвегии. 1827

Филипп Отто Рунге (1777–1810) Дети Хюльсенбек 1805–1806. Холст, масло. 131x141

Филипп Отто Рунге — немецкий художник и теоретик, один из самых ярких представителей романтизма в немецкой живописи первой половины XIX столетия. Он родился в Вольгасте (Мекленбург) в семье купца-судовладельца, учился торговому делу, но затем получил профессиональное образование в копенгагенской, а затем и в дрезденской Академиях художеств.

Данная картина относится к раннему творчеству Рунге. На фоне живописного вида изображены трое резвящихся детей. Они добросовестно позируют мастеру, настороженно вглядываются в зрителя. Пейзаж свидетельствует не только о колористическом даре художника, восхищении натурой, но и о намерении передать пространственные отношения и цвета предметов на открытом воздухе. Живописец-романтик, желая слить свое «Я» с безграничной Вселенной, стремится запечатлеть чувственно-осязаемую природу.

Темные и светлые участки холста мягко выделяются на золотисто-коричневом фоне. Несколько архаичная, «наивная» застылость поз и жестов усиливает поэтическое обаяние этого детского портрета. Произведение подкупает, прежде всего, необычайной живописной проникновенностью и правдивостью авторского взгляда. Искренняя непосредственность Рунге в воспроизведении натуры предвосхищает работы мастеров раннего реализма — бидермейера.

Филипп Отто Рунге (1777–1810) Отдых на пути в Египет 1805–1806. Холст, масло. 96,5x1 29,5

В картине «Отдых на пути в Египет» библейская тема трактована в духе лирической камерной сцены на фоне пейзажа. Сюжет взят из Евангелия от Матфея: «Се, Ангел Господень является во сне Иосифу и говорит: встань, возьми Младенца и Матерь Его и беги в Египет, и будь там, доколе не скажу тебе, ибо Ирод хочет искать Младенца, чтобы погубить Его» (Мф. 2:13). Полотно предназначалось для церковного интерьера. Главные персонажи здесь — погруженная в молитву Дева Мария, Младенец, лежащий на земле, и Иосиф, разжигающий костер.

В плавном абрисе фигур, воспроизведении деталей яркого пейзажного фона, глубокой духовной сосредоточенности героев ощущается влияние мастеров Северного Возрождения и очевидно изучение произведений Дюрера.

Проникнутую символическим смыслом сцену художник трактует тепло и человечно. Фантастические растения подчеркивают идею рая, где природа раскрывает всю свою красоту. Тема гармонии со скрытой ссылкой на музыку связана с ангелом, играющим на арфе. Индивидуальная манера живописца выражена максимально акцентирующей форму цветовой гаммой, строящейся на смелых сочетаниях, слегка приглушенных патиной времени.

Филипп Отто Рунге (1777-1 810) Амариллис пышнейший 1808. Холст, масло. 56x29,6

Еще одно полотно Отто Руге, хранящееся в Кунстхалле, — «Амариллис пышнейший». Художник запечатлел все особенности растения с фотографической точностью, показав и раскрывшийся цветок, и луковицу. Подобное изображение тесно связано с темой красоты природы и ее внутренней гармонии. Объектом интереса является не только цветок, но и луковица, из которой он получает питание. Ее представление подчеркивает, таким образом, что не только форма имеет значение, но и как она вырастает, возникая из темных глубин. Это удивительное произведение — яркое выражение темы человеческого бытия, включенного в жизнь природы, понятого как возрастание и развитие.

Филипп Отто Рунге (1777–1810) Утро 1808. Холст, масло. 152x11 3

Несколько лет Рунге работал над аллегорической композицией «Времена дня». Суммой мистических настроений мастера, навеянных, с одной стороны, учением Я. Бёме — философа-мистика, а с другой — связанных с поисками эстетического абсолюта, свойственными романтизму в целом, должен был стать этот четырехчастный цикл, символизирующий слияние человека с природой. Его предполагалось демонстрировать при специальном освещении под музыку и чтение стихов. В законченном виде сохранился лишь первый вариант холста «Утро».

Утро, день, вечер и ночь, сменяющие друг друга, были для романтиков символом и человеческой жизни, и земной истории; они воплощали вечный закон, по которому все в мире рождается, растет, стареет и уходит в небытие, чтобы возродиться вновь. В картине «Утро» живописец изображает младенца, лежащего на желто-зеленом лугу, олицетворяющего зарождающийся день; женская фигура на фоне золотого неба и сиреневых далей — древнеримская богиня утренней зари Аврора, тихое сияние которой поднимается к звездам.

Рунге увлекался символикой цвета. В этом произведении голубые, розовые, белые цвета спектра соотносятся с пробуждением природы. Парящие женские фигуры в окружении путти и весенних цветов под предполагаемое при демонстрации музыкальное сопровождение создают иллюзию танцевальных движений. В многообразии красок, сложных соотношениях цвета, света и тени художник видел ключ к тайнам Вселенной, откровение Мирового Духа — так некоторые романтики называли Бога, который представлялся им растворенным в природе.

Герхард фон Кюгельген (1772–1820) Художник Каспар Давид Фридрих 1806–1809. Холст, масло. 53,5x41,5

Герхард фон Кюгельген — немецкий живописец конца XVIII — начала XIX века, известный работами в портретном жанре и произведениями на историческую тематику. Он был профессором в дрезденской, а также членом прусской и русской Академий художеств.

Мастер создал романтический портрет своего друга — художника-романтика Каспара Давида Фридриха. На холсте изображен юноша с пронзительным взглядом голубых глаз и светлыми бакенбардами. Волевой, подчеркнутый светом подбородок, тронутая белилами и кажущаяся выпяченной нижняя губа, разметавшиеся завитки волос и бакенбард, рождающиеся на переносице резкие складки говорят о натуре сильной, живущей насыщенной интеллектуальной жизнью и одновременно импульсивной, мечущейся. Изысканность и вкус, присущие Кюгельгену, проявляются в красоте сочетаний коричнево-серых и зеленых тонов. Главной задаче воплощения внутреннего мира портретируемого подчинен и колористический строй портрета с его смелыми контрастами света и тени и напряженным горением цвета. Озаренное лицо является и самым ярким по цвету пятном в картине, это лицо человека непокорного, обуреваемого противоречивыми мыслями. Романтическая приподнятость и взволнованная патетика служат важной характеристикой образа.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Странник над морем тумана. Около 1818. Холст, масло. 98,4x74,8

Каспар Давид Фридрих родился в Грейфсвальде, маленьком портовом городке на побережье Балтики. Его отец, Адольф Фридрих, владел мастерской, изготовлявшей мыло и свечи, но семья жила очень скромно. Родители Каспара были ортодоксальными протестантами, и их десятеро детей выросли в атмосфере религиозного аскетизма.

В юности живописец сначала потерял мать, а затем двух сестер и брата. В контексте эстетики предромантизма, к которой он тяготел, особенно актуализируются «кладбищенские» мотивы, философские размышления о жизни и смерти.

В 1794 Фридрих поступил в копенгагенскую Академию художеств, считавшуюся одним из лучших учебных заведений во всей Северной Европе, в 1801 познакомился с Филиппом Отто Рунге, чьи идеи оказали решающее влияние на формирование его живописной манеры.

Природа стала ключевым понятием философии немецкого романтизма. Фридрих пропускал ее образы через свое восприятие и преображал в картины. «Странник над морем тумана» — одно из самых знаменитых полотен мастера. На переднем плане, на вершине темного выступа крутой скалы, спиной к зрителю стоит мужчина в старонемецкой одежде с тростью, его волосы развевает ветер. Путник смотрит на горный пейзаж, покрытый туманом. Всепроникающий туман тянется бесконечно, в конце концов сливается с горизонтом и становится неотличим от облаков. Представленная фигура как бы аккумулирует ощущения зрителя. Каменистый путь, преодоленный персонажем, трактуется как дорога жизни. Взгляд мужчины направлен в пустынную бесконечную Вселенную. Перед ним открывается головокружительный вид, воспевающий величие природы. Как художник-романтик с пантеистическими воззрениями, Фридрих смотрел на природу как на нечто одухотворенное, несущее на себе печать замыслов Творца, распознать ее сакральный смысл и выразить его живописными средствами — такой была его главная задача.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Гибель «Надежды» во льдах. Около 1823–1824. Холст, масло

Программное произведение Каспара Давида Фридриха, суммирующее его идеи, — «Гибель „Надежды“ во льдах». Эта картина была приобретена гамбургским Кунстхалле из имущества наследников коллеги и друга живописца Юхана Даля. На ней изображен парусный корабль, раздавленный льдами. Источником вдохновения для мастера послужила полярная экспедиция 1819–1820, организованная английским контр-адмиралом Уильямом Эдвардом Перри.

Выбранный художником колорит передает и холод, и отчаяние, и пустоту, и неотвратимый натиск вздыбленных льдин, из-под которых едва видна корма тонущего корабля. В этом произведении в аллегорической форме показано одиночество человека, который старается противостоять враждебным силам окружающей его действительности, а наполненное светом небо становится символом спасения. Кажущийся невесомым и прозрачным задний план в противовес глыбам льда на переднем полон торжественного покоя. Через образ арктической природы художник передал катастрофичность хода истории. Смыкаясь с вечным, все земное гибнет, но так обновляется и преображается. Рождается новая реальность, наполненная тревожными ожиданиями. Это ощущение и передает Фридрих не только в данном, но и во многих других своих пейзажах.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Осень (Гора) 1826. Бумага, сепия, карандаш. 19,2x27,6

После 1800 одной из любимых техник мастера была сепия. Пейзаж «Осень» («Гора») выполнен коричневой сепией по сделанному карандашом рисунку. Штриховка поражает изысканностью, переходы от света к тени отличаются особой тонкостью. Как и во многих произведениях немецкого мастера, в этом источники вдохновения романтика — вершина горы в утреннем тумане и массив разбросанных елей и сосен (символов надежды на спасение). Море тумана, поднимающегося из невидимой долины, окутывает каменные ступени скал. Гора кажется лишенной материальной сущности, она символизирует высоты познания и духовной жизни.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Сосновый лес с водопадом 1828. Холст, масло. 44,5x35

Художественный стиль Каспара Давида Фридриха после 1820 начал трансформироваться, монохромная палитра стала приобретать яркость и многоцветность. В пейзаже «Сосновый лес с водопадом» кажущаяся верность природе обнаруживает несколько фантастический характер в неестественных соотношениях масштаба и водопада, гигантских валунов, зеленых деревьев и скал. Смелое оперирование большими цветовыми плоскостями, диссонансная световая партитура, путающие зрительный эффект отношения дальних и ближних планов — это художественный арсенал мастера. Величественные деревья вносят ноты таинственности. В темных, густых романтических лесах Фридриха всегда был духовный или почти религиозный подтекст. Так, вечнозеленое дерево, устремленное в небо, означало веру в Бога, водопад — символ встречи Неба и Земли. Образы художника многозначительны и величественны, они полны мистицизма. Прием сопоставления обозримого и безграничного, малого и большого служит вовлечению зрителя в пространство пейзажа.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Холмы и пашня близ Дрездена 1820–1830. Холст, масло. 22,2x30,4

Картина «Холмы и пашня близ Дрездена» может казаться результатом одного только натурного впечатления, но созданная художником реальность искусственна. Склон холма заслоняет от зрителя панораму величественного и торжественного города. Живописец сосредоточил свое внимание на куске вспаханной земли и нескольких деревцах. Мягкие, просветленные краски, щедро передающие цвет развороченной плугом почвы, зелень первой травы, золото вечернего неба, еще не зацветшие яблони — все это создает ощущение ожидания чего-то чудесного. Фридрих видел вечность и бесконечность в мгновениях, в которых запечатлелась короткая пауза между цветением и увяданием, страданием и действием.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Вспаханное поле 1830. Холст, масло. 35x47,7

Картиной «Вспаханное поле» Фридрих обнаруживает умение замечать красоту в обыденном мире. На фоне холодной синевы в свете опускающихся сумерек на первом плане изображено поле. Символический язык произведений живописца основан на наблюдении природы и медативном понимании собственных переживаний. Все подчинено идее устремления вверх, в манящее небо, захватывающую бесконечную даль.

Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793–1865) Юноша с фонарем 1824. Дубовая доска, масло. 54,1x45,4

Для художников бидермейера характерно тонкое, тщательное написание интерьера, природы и бытовых деталей, то есть изображение частной жизни в ее разных проявлениях. Данное стилевое направление является завершением романтизма, от которого и унаследовало интерес к отечественной истории и фольклору, в особенности к сказкам. Живопись стремится найти черты идиллической привлекательности в мире маленького человека. Эта тенденция уходит корнями в особенности национального немецкого быта, в первую очередь бюргерства. Для многих произведений характерны сентиментальность и сюжетная занимательность.

Фердинанд Георг Вальдмюллер — один из наиболее известных австрийских художников первой половины XIX века. Он относится к мастерам, сознательно ставившим целью своего искусства правдивое изображение действительности. Портретное наследие живописца обширно, в нем можно проследить некоторую эволюцию в сторону все большего углубления психологической характеристики. Вальдмюллер с искренней доброжелательностью к простым людям, привычным моментам каждодневной жизни, неприметной в своей обыденности, создавал произведения, наполненные смыслом и совсем несентиментальной радостью бытия. Такой является представленная картина «Юноша с фонарем».

Этот портрет лишен официальной парадности и имеет жанровую завязку. Молодой человек изображен на темном фоне в привычной одежде, которая мягко облегает тело, не сковывая движений, и выявляет его пластику. Герой как будто не позирует художнику, а словно случайно остановлен его пристальным взглядом в момент, когда зажигает фонарь. Такое решение придает портрету непосредственную жизненность, хотя в нем существует и излишняя фотографичность, присущая академизму. Лицо и одежда модели написаны легко и обобщенно. Изысканный колорит построен на сочетании золотисто-коричневатых тонов. Ясный и радостный душевный мир персонажа легко читается на его лице, юношеским задором светится лукавый взгляд.

Виктор Эмиль Янссен (1807–1845) Автопортрет перед мольбертом. Около 1827–1830. Бумага на холсте, масло. 56,6x32,7

Виктор Эмиль Янссен — немецкий живописец, ученик Питера Корнелиуса, одного из ведущих художников-назарейцев. Избрав образцом для подражания искусство Дюрера, Перуджино, раннего Рафаэля, члены этого Союза Святого Луки стремились возродить духовность искусства, утерянную, по их мнению, в культуре Нового времени.

На «Автопортрете перед мольбертом» Янссен показывает себя с обнаженным торсом в комнате, на фоне кровати. На фигуру художника, как и на создаваемую им картину, стоящую на мольберте, падает свет из невидимого зрителю открытого окна. Прием изображения модели в интерьере обретает у Янссена характер стилизации, но в трактовке внутреннего мира портретируемого ощутимы романтические черты. Он пристально рассматривает себя и видит темноволосого, темноглазого, вдумчивого человека. Четкий рисунок, подчеркивающий суховатую строгость форм, отсутствие интереса к тональной разработке цвета свидетельствуют о близости к традиционной академической манере.

Лоуис Гурлитт (1812–1897) Датский пейзаж 1833. Холст на картоне, масло. 31,5x46

Датско-немецкий пейзажист Лоуис Гурлитт родился в Дании, учился в ее столице, совершал многочисленные поездки по странам Европы. Живописец жил в разных городах Дании и Германии, имел мастерскую недалеко от Берлина. На волне патриотизма многие датские художники увлеченно изображали родную природу. Гурлитт работал в основном в пригородах Копенгагена, находя сюжеты для своих картин поблизости от дома, с любовью запечатлевая «незначительное» и «повседневное».

Сочетание непосредственного наблюдения за природой с зарисовкой ее состояний в определенный момент времени и последующей обязательной доработкой картины в мастерской, соединение искусной передачи световоздушных эффектов с точностью рисунка определили особенность художественного подхода Гурлитта.

Данное произведение свидетельствует о желании мастера запечатлеть характер местности со всеми приметами, выявить типические мотивы национального пейзажа. Удивительно переданы летняя атмосфера, влажный воздух и пространство. Стаффажная женская фигура оживляет композицию. Тональная живопись способствует подчинению всех компонентов картины единому тону.

Лоуис Гурлитт (1812–1897) Ферма в Швеции 1834. Холст, масло. 23,5x30,9

«Ферма в Швеции» — небольшое полотно, отличающееся удивительной цельностью построения. Здесь изображен незатейливый мотив: типичный крестьянский дом, хозяйственные постройки, деревянный мостик, нескольких деревьев, скотный двор с разбросанным сеном и двумя лошадками. Манерой письма работа напоминает натурный этюд, но строго выверенная, уравновешенная композиция придает ей картинный характер. Пейзаж не статичен, а построен на плавном перетекании пространственных планов от близкого к дальнему, живописной массе деревьев на фоне неба. Неяркий солнечный свет мягко озаряет этот простой, безыскусный вид. Художником воссоздана атмосфера неторопливого повседневного быта.

Гурлитта привлекала поэзия крестьянской жизни и ее естественная связь с природой. Ощущается в картине и особая тишина, лиричность. Мастер создал целостную картину, в которой люди и окружающий их мир слиты в единый художественный образ.

Лоуис Гурлитт (1812–1897) Итальянская горная деревушка 1845. Бумага на холсте, масло. 27,9x39,2

Гурлитт много путешествовал и в своих этюдах старался передать своеобразие увиденных мест. Как и многие художники, он бывал в Италии, но мастера не влекло изображение величественной мощи античных руин.

Пейзаж «Итальянская горная деревушка» демонстрирует интерес автора к поиску в природе интимного поэтического начала, отвечающего его собственной художественной индивидуальности. Он изобразил деревушку, затерянную в горах, воплотил красочность южной природы, игру солнечного света и прохладных теней. Теплое солнце заливает могучие скалы и бескрайние холмы. Гурлитт сумел едва уловимыми переходами тонов передать прозрачность воздушных далей этого ландшафта.

Адриан Людвиг Рихтер (1803–1884) Геновева в уединении в лесу 1841. Холст, масло. 117x101

Немецкий живописец, пейзажист и график Адриан Людвиг Рихтер, работавший над иллюстрациями и гравюрами, является представителем позднего романтизма. Он родился в семье гравера Карла А. Рихтера, от которого и получил первые познания в искусстве, готовился пойти по стопам отца, но вскоре увлекся живописным пейзажем. Благодаря сентиментальным ландшафтам с элементами народного быта его причисляют к представителям бидермейера. Для своих картин мастер брал сюжеты из природы и жизни Италии и Германии.

«Геновева в уединении в лесу» — романтический символический пейзаж. В основе сюжета — героиня средневековой легенды, она стала символом мученицы, покорной своей судьбе, безропотно встречающей любые испытания. Ложно обвиненная в запретной связи со смотрителем замка, Геновева, жена пфальцграфа Зигфрида, была приговорена к казни, но по воле провидения осталась жива, скрывалась в лесу, родив сына. Смирение молодой женщины привлекло к ней все живое, ей помогали и звери, и птицы.

Момент слияния с жизнью природы в этой легенде привлек внимание художника. Перед зрителем — уголок леса, девушка со светлыми длинными волосами с покорно сложенными руками на груди любуется, как уже повзрослевший сын забавляется со зверушками. Сгущающийся сумрак придает пространству таинственность и многозначительность. Деревья образуют сень над матерью и ребенком, уводят глаз в глубину фантастического леса. Пейзажный образ доминирует в названной работе. Живописец добивался того, чтобы символически возвышенному изображению соответствовало внутреннее содержание. Рихтер, как и другие художники-романтики, старался выразить чувства человека, оставшегося с глазу на глаз с непознанной природой, пронизанной мистическими тайнами бытия.

Европейская живопись второй половины XIX века

Михай Мункачи. В Барбизонском лесу. 1875

Адольф фон Менцель (1815–1905) Спящая сестра художника. Около 1848. Бумага, масло (переведено на холст). 46,8x60

Немецкое искусство во второй половине XIX века развивалось в одном направлении с другими европейскими школами: обогатившись в середине столетия новыми изобразительными средствами, художники, испытавшие разочарование как в реализме, так и в подражании старым мастерам, вели поиск иных тем и путей их воплощения.

Крупнейшим творцом середины XIX столетия является берлинский живописец и график Адольф фон Менцель. Первой школой для него стала литографическая мастерская отца, позже юноша недолго обучался в рисовальных классах берлинской Академии. С шестнадцати лет, после смерти родителя, Менцель профессионально работал в области прикладной графики: создавал этикетки, пригласительные билеты, афиши, картинки для художественных сборников. На протяжении 1830-х он неустанно упражнялся в рисовании с натуры. К концу 1840-х Менцель зарекомендовал себя как жанрист и мастер исторической картины. Историческая живопись останется главной в его творчестве, но пейзажи, интерьеры и жанровые сцены с пристальным вниманием к натуре, интересом к свету и воздуху всегда особенно привлекали зрителя.

«Спящая сестра художника» — небольшое жанровое произведение, наполненное интимной интонацией. Молодая женщина, уснувшая на диване, изображена в повседневном платье. Верно пойманное выразительное движение тела охарактеризовано точным и крепким рисунком. Смешанные оттенки теплого коричневого цвета в контрасте с желтоватыми и розовыми светлыми акцентами передают атмосферу слегка затемненной комнаты.

Эжен Делакруа (1798–1863) Тигр и змея 1854. Дерево, масло. 32,4x40,3

В XIX веке Париж стал настоящей художественной столицей Европы. Каждое новое направление искусства рождалось именно во Франции и распространялось по всему миру.

С новаторским искусством Эжена Делакруа связана история романтизма во французской живописи XIX века. Сын бывшего члена революционного Конвента, политического деятеля времен Директории, родился в Шарантоне, недалеко от Парижа. После того как семья в 1805 перебралась в Париж, Делакруа поступил в Императорский лицей, где и получил первые уроки рисования. После его окончания молодой человек оказался в мастерской классициста Герена, бывшего ученика Давида, где работал и Теодор Жерико — один из первых художников-романтиков. Именно тогда у Делакруа формируется представление о новом искусстве, говорящем языком ярким и взволнованным. Весь образный строй его произведений, особенно композиция и цвет, будет преследовать одну цель — потрясти воображение зрителя, вызвать в нем сильные эмоции.

В 1832 Делакруа совершил поездку в Алжир и Марокко в качестве живописца при дипломатической миссии. Красочная природа Африки обогатила его палитру. Дневники марокканского периода сплошь покрыты рисунками, которые в течение всей жизни будут вдохновлять художника. В этих поэтичных произведениях колористический дар мастера проявился в полную силу.

Большинство полотен на тему Востока были созданы по воспоминаниям, как и данная картина «Тигр и змея». Делакруа любил писать и рисовать животных. Тигры, львы, пумы и лошади являлись для художника-романтика символом страсти, вольности и неповиновения. В этой небольшой работе все беспокойно и напряженно, о чем говорят не только позы тигра и змеи, но и цвет — сочный желтый, тающий в отдалении, изумрудно-зеленая зелень, синее небо. Яркие краски, стремительный и пластичный мазок придают произведению повышенную живописность.

Густав Курбе (1819–1877) Натюрморт с цветами 1855. Холст, масло. 84x109

Как могучее художественное движение реализм складывался в середине XIX столетия. Во Франции он связывается, прежде всего, с именем Густава Курбе — жанриста, пейзажиста, портретиста. Родившись на юго-западе в зажиточной крестьянской семье, в 1840 он перебрался в Париж, где работал самостоятельно, копировал старых мастеров в Лувре и овладевал ремеслом живописи.

Пренебрегая формальной композицией и не обращаясь к далеким от действительности сюжетам, принятым в искусстве романтизма и классицизма, Курбе хотел писать окружающий мир таким, каков он есть на самом деле. На его картинах, хранящихся в различных коллекциях и музеях, в реалистической манере изображены представители различных слоев общества, занятые повседневными делами.

«Натюрморт с цветами» — прекрасное по своей пластической выразительности произведение. Цветов много, они стоят в тяжелой коричневой вазе, почти полностью ее закрывая. Жесткие темно-зеленые и светлооливковые листья разнообразной формы топорщатся во все стороны, а среди них — множество соцветий. Художника не интересует отдельный цветок, важна именно масса. Букет занимает все пространство полотна, четко выделяясь на светлом фоне.

Главные средства выражения Курбе — свет и цвет, которые лепят форму. Колористическая гамма очень строга, почти монохромна, построена на богатстве полутонов. Художник уделяет огромное внимание передаче реального ощущения пространства, проблеме освещения.

Реалистическая живопись Курбе во многом определила дальнейшие этапы развития европейского искусства.

Данте Габриэль Россетти (1828–1882) Елена Троянская 1863. Дерево, масло. 32,8x27,2

Данте Габриэль Россетти был сыном итальянского эмигранта и специалиста по итальянскому поэту Данте (этим страстным увлечением объясняется имя живописца). В 1848 на выставке Королевской академии художеств он познакомился с Уильямом Холменом Хантом и Джоном Эвереттом Миллесом. Вместе они основали «Братство прерафаэлитов», создали свой манифест и опубликовали его в собственном издании «Росток». Живописцев объединяло, прежде всего, преклонение перед искусством мастеров раннего итальянского Возрождения: Беноццо Гоццоли, Филиппо Липпи, Фра Беато Анджелико, Сандро Боттичелли, эпохе до Рафаэля (отсюда и название). Многое их роднило и с романтиками: любовь к старине, легендам, сказаниям. В произведениях они стремились к натурализму с употреблением сложной религиозной, литературной и поэтической символики.

Сюжет «Елены Троянской» взят из классической мифологии. Согласно легенде Елена считалась прекраснейшей из смертных женщин. Она была замужем за царем Менелаем, но Парис при соучастии Афродиты уговорил ее бежать в Трою. Началась легендарная Троянская война, описанная Гомером в «Илиаде». Для образа героини позировала Фанни Корнфорт, экономка и любовница Россетти. На обратной стороне полотна Россетти записал цитату Эсхила: «Разрушительница кораблей, городов и убийца мужчин».

У изображенной бледное лицо с томным взглядом, длинная шея, тяжелые золотые волосы. Мастер придает своей Елене Троянской скульптурную плотность. Внешне она статична, углублена в собственные мысли, однако внутренне исполнена напряженного чувства, что обнаруживается во взгляде и жесте. Чистые и ясные, освобожденные от темных тонов краски создают прекрасный мир, озаренный ярким солнечным светом. Минимальна светотень, цвета локальны, независимы от освещения. Главным средством выразительности в этом произведении Россетти, как и во многих других, является линия. Экспрессия и утонченность образа создаются с помощью контуров, то нервно изломанных, то плавно струящихся.

Камиль Коро (1796–1875) Пруд в Виль д'Авре. Около 1865. Холст, масло. 25,5x34

Камиль Коро — один из самых тонких мастеров французского реалистического пейзажа. Он получил образование в мастерской пейзажистов Ахилла Мишаллона и Жана Виктора Бертена. Позднее художник совершил несколько поездок в Италию, побывал в Голландии, Бельгии, Англии, объездил Францию. Путешествуя по своей стране, он, подобно английскому современнику Джону Констеблю, впервые открыл для французского искусства родную природу, стал создателем интимного пейзажа, «пейзажа настроения». Коро, какой бы мотив ни писал, следовал непосредственному впечатлению и всегда оставался предельно искренним.

В картине «Пруд в Виль д'Авре» очертания предметов нечетки, мастер преднамеренно изображает сумерки, пруд окутан легкой дымкой. Стремление показать переходные состояния связано с желанием художника, чтобы зритель, созерцая пейзаж, испытал то же самое впечатление от вечно меняющейся природы.

Прозрачные лессировки обволакивают формы, усиливают серебристую воздушность. Изображение пронизано личным отношением Коро, его настроением. Неповторимую гармонию колорита картины определяют градации серебристо-жемчужных и лазурно-перламутровых тонов. Изменчивость оттенков передает непостоянство настроения самого пейзажа, это подчеркивается и свободной живописной манерой мастера. Он концентрируется не столько на деталях, сколько на передаче общего впечатления, единой тональности и формы изображаемого мотива.

Коро не был прямым предшественником импрессионизма, но его способ передавать световую среду, отношение к непосредственному впечатлению от природы имели большое значение для утверждения живописи импрессионистов и во многом созвучны ей.

Лоуренс Альма-Тадема (1836–1912) Древний фестиваль (Праздник сбора винограда) 1870. Холст, масло. 77x177

В среде художников многих стран зрело чувство разочарования в задачах и методах искусства, они мечтали о новом подходе к замыслу и возможностям материалов. Продолжали существовать различные направления, но появлялись и кардинально новые, которые стали фундаментом в формировании искусства XX века.

Лоуренс Альма-Тадема — английский живописец голландского происхождения. Он обучался в антверпенской Академии художеств у Йозефа Дикманса, Густава Вапперса и Яна Лейса. В 1860-е мастер совершил путешествие в Италию, и эта поездка изменила его жизнь. Он посетил руины древних римских городов — Помпей и Геркуланума. Очарованный утраченной цивилизацией, а особенно деталями повседневной жизни, художник начал плодотворное изучение древнего Рима. В 1870-х он переехал в Англию. Римская и в меньшей мере греческая археология, живопись и культура стали для него страстным увлечением на всю жизнь. В экзотическом доме Альма-Тадемы в Лондоне можно было воочию увидеть знаменитые бассейны с мраморными скамейками и колоннами, утварь и одеяния, известные по его картинам. Изображая бани, амфитеатры, атриумы домов, мастер писал с натуры то, что действительно находилось в его собственном «древнеримском» доме. Он был фанатически увлечен археологически точным изображением той или иной среды. Живописной работе у него предшествовало научнодокументальное исследование.

Безмятежная красота таких картин, как «Древний фестиваль» (Праздник сбора винограда), создает у зрителя неповторимую атмосферу незримого присутствия. Изображено торжественное шествие, которое устраивалось во время праздника, посвященного Бахусу — богу, покровителю виноградников, виноделия и вина, и его жене — богине Либере, помогавшей виноградарям. Нарядную процессию возглавляет молодая женщина с факелом, за ней — музыканты с низкотонными флейтами и медными бубнами. В центре композиции художник помещает мраморный алтарь, украшенный рельефом, на нем — курящийся жертвенник. Далекий мир древних цивилизаций доскональным знанием истории художника-эрудита виртуозной кистью облечен в отточенную художественную форму. Все элементы архитектуры в картине вычерчены с математической точностью, а ряд деталей — цветочные гирлянды, венки из роз на головах девушек, огонь — написан в манере «а-ля прима» (живопись в один прием). Тонкой кистью, уточняя рисунок, очерчены контуры фигур, сообщающие им объем и скульптурность.

Завораживает мастерство Альма-Тадемы в компоновке сложной многофигурной композиции, точности масштабных соотношений. Колорит полотна, построенный на аккордах лиловых, изумрудно-зеленых тонов в сочетании с алым пурпуром и золотом, кажется драгоценной россыпью красок и рождает впечатление рафинированной роскоши.

Лоуренс Альма-Тадема (1836–1912) Рыбалка 1873. Дерево, масло. 19x40,6

Естественная жизнь на лоне природы, малозначительное действие, мгновение бытия — вот сюжет картины Альма-Тадемы «Рыбалка». На ней представлена сцена повседневности на фоне пейзажа: молодая девушка в античных одеждах с опахалом в одной руке стоит на мраморных ступенях, прислонившись к колонне, и поглядывает на удочку. За ее спиной — фрагмент удивительной по красоте настенной живописи с мифологическими персонажами и орнаментальными украшениями.

Альма-Тадема убедительно передал мерцание мрамора, блеск воды, изменчивые контуры цветов, с потрясающим вниманием выписал каждую складку и узор одежды, каждую деталь стены. Точность и деликатность миниатюриста художник соединил с естественностью в передаче световоздушной среды. Рельефы с античными сюжетами на постаментах колонн демонстрируют мастерство в изображении рефлексов и солнечных бликов на поверхности белого мрамора, которым в совершенстве владел художник. В этом произведении живописец дал выход лирическим настроениям и поэтическим сторонам своей натуры.

Лоуренс Альма-Тадема (1836–1912) Посвящение Бахусу 1889. Холст, масло. 77,5x177,5

Сюжет произведения «Посвящение Бахусу» — древнеримский ритуал. Тема картины, как и предполагает название, — обряд отправления культа языческого бога виноделия Диониса (Вакха), которого римляне называли Бахус. Главным персонажем является маленький ребенок с золотыми волосами, его посвящают в тайны Вакха. Он стоит в левой части полотна перед группой музыкантов с флейтами, литаврами и бубнами. Рядом с ними пара изящных девушек, танцующих под музыку — вакханки или менады, спутницы и почитательницы бога. В центре композиции выделяется женская фигура в тигриной шкуре, голова которой увенчана плющом или виноградными лозами. Она держит в руке тирс — палку, обвитую хмелем. Парная ей — фигура другой вакханки в шкуре леопарда, которая спокойно стоит в левой части холста. Динамичная, полная шумного веселья, эта картина художника отмечена чертами театральной зрелищности.

Многочисленные археологические подробности добавляют убедительности происходящему. Лоуренс Альма-Тадема включил в изображаемую сцену «ссылку» на классическое искусство: мраморный фриз с «Кентавромахией» (мифологическая битва между лапифами и кентаврами) из храма Аполлона в Бассах.

Солнечный свет моделирует форму предметов и создает единую объемно-пространственную среду. Золотистая тональность, мягкость светотеневых переходов наполняют картину тонкой лирикой.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Всадники в Булонском лесу 1873. Холст, масло. 261x226

Способности к изобразительному искусству знаменитый французский живописец Пьер Огюст Ренуар проявлял с самого детства. В возрасте 21 года он выдержал экзамены в школу при парижской Академии художеств. В мастерской Глейра Ренуар познакомился с другими учениками — Клодом Моне, Фредериком Базилем и Альфредом Сислеем, чьи работы впоследствии составили славу импрессионизма и вошли в золотой фонд европейской живописи. Переход на пленэр, отказ от локальных цветов и стремление уловить изменчивую игру света позволили художнику органически включать предметы и человеческие фигуры в световоздушную среду.

Ренуар бесконечно восхищался жизнью, находил очарование и поэзию в самых обычных на первый взгляд мотивах. «Всадники в Булонском лесу» — полотно, показательное для его творчества, кажется написанным на одном дыхании. На нем изображены элегантные наездники на длинноногих лошадях в оливково-зеленом прозрачном пространстве. В великолепно построенную композицию мастер вносит эффект случайно выхваченного из потока впечатлений типично импрессионистического «стоп-кадра»: чуть срезанная перспектива, струящийся контур, соединяющий силуэты персонажей, мгновенность увиденных движений, сопоставление ярких пятен и разных масштабов. Всадники словно растворены в окружающем пейзаже благодаря насыщенным цветам и упрощенным ритмизированным формам, а зритель начинает ощущать в волнообразной линии — гибком контуре лошадиных тел — ритм бега.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Весенние цветы в зимнем саду Холст, масло. 130x98,4

Пейзажи и натюрморты не были главными темами в творчестве Ренуара, но они также великолепны по колориту и композиции. В натюрморте «Весенние цветы в зимнем саду» сумрак фона ласковой воздушной волной окутывает и как бы пронизывает легкую трепетную массу каждого цветка. Мастер легко и свободно лепит пластику растений, передает глубину пространства точными и немногими ударами кисти и мазками чистого цвета, а светоносную среду — выверенной градацией и смелыми контрастами тончайших оттенков белого и зеленого. Белые гроздья цветов, наполненные солнечным светом, выступают из воздушно-зеленых сумерек заднего фона картины. Ренуар очень тонко выписывает не только различные оттенки горшочных растений, но и выявляет их своеобразную красоту. Каждый цветок настолько естественен и неповторим, словно художник проник взглядом в его сущность.

Арнольд Бёклин (1827–1901) Автопортрет 1873. Холст, масло. 61x48,9

Известный швейцарский живописец Арнольд Бёклин, стремясь уйти от изображения действительности, создавал в картинах вымышленный мир, часто нарочито таинственный. Он писал романтические пейзажи с мифологическими героями, фантастические сцены с нимфами, кентаврами, тритонами, олицетворяющими стихийную игру природных сил. Мастер искал синтез возвышенного идеала и натурных наблюдений, воскрешая классическую традицию.

Хотя сам художник не считал себя портретистом, к названному жанру обращался часто. Он создал серию автопортретов, данный — один из лучших. Полуфигурное изображение включено в пейзаж, детали окружающей среды придают модели импозантную декоративность. Это полотно напоминает портреты мастеров романтической эпохи, в которых образы природы способствовали раскрытию внутреннего мира человека. Устремленный вдаль взгляд мужчины выражает состояние лирической задумчивости, но в жесте сложенных на груди рук ощущаются тревога, ожидание жизненных перемен. Портрет исполнен в благородной темной гамме, выразительной в цветовых сочетаниях.

Эдуард Мане (1832–1883) Нана 1 877. Холст, масло. 150x116

Эдуард Мане — французский живописец и график, один из ярчайших художников, положивших начало импрессионизму. Характер его творчества во многом определялся опытом предшественников — великих испанцев Веласкеса и Гойи, знаменитого голландца Халса, французов Домье и Курбе, а также стремлением перешагнуть за существующие традиции и создать новое, современное, отражающее окружающий мир искусство.

Картина «Нана» вызвала скандал и была отвергнута жюри Салона в 1877. Сюжет прост: полураздетая кокотка в корсете из голубого атласа и белой муслиновой сорочке, выгибая талию, подкрашивает личико, справа, в некотором отдалении, ее ожидает, сидя на канапе, некий господин в вечернем костюме, цилиндре, с тростью в руке. Все еще работая над этим холстом (он будет закончен только к январю 1877), Мане прочитал в печатающемся «с продолжением» произведении Эмиля Золя «Западня» историю девицы легкого поведения по имени Нана. Действие романа начинается в 1867, когда героиня готовится к театральному дебюту. Раньше чем это сделал писатель, Мане показал Нану взрослой. Для картины позировала актриса Генриетта Озер. В устремленном прямо на зрителя взгляде женщины есть и дерзкая непосредственность, и мечтательность. Модель прекрасна во всей неповторимости облика и манере поведения. Пошлая обстановка интерьера, вульгарная одежда контрастируют с ее свежим и милым лицом.

Фигура в человеческий рост запечатлена быстрыми решительными мазками, она поражает совершенной гармонией линий. Матовые жемчужные, сизые, пепельные и золотистые оттенки составляют основу колорита Мане. В картине виртуозно сочетаются свобода кисти и сила общего впечатления.

Клод Моне (1840–1926) Груши и виноград 1880. Холст, масло. 65x81

Все особенности импрессионизма нашли наиболее полное выражение в творчестве Клода Моне. Он был вождем этого течения, первым сформулировавшим его принципы и разработавшим характерную живописную технику и программу пленэра.

Натюрморт «Груши и виноград» приобретен Кунстхалле в 1897. Это была первая из работ французского художника в коллекции музея. В ней нашли идеальное выражение характерные особенности импрессионизма, его пластика и декоративность.

На картине изображен простой мотив — фрукты на столе. Светлая скатерть играет всеми оттенками голубого. Поблескивают гладкие упругие бока сочных груш и налитые соком гроздья винограда. Чувствуется, что натюрморт существует не в пустоте, пространство вокруг него наполнено воздухом и светом. Вся композиция кажется воздушным видением, сгустком невесомой среды, вещественные, четко оформленные красочные массы изнутри пронизаны воздухом, светом. Это вносит в натюрморт ощутимую динамику, внутреннее напряжение.

Вильгельм Мария Хубертус Лейбль (1844–1900) Три женщины в церкви 1878–1881. Дерево, масло. 113x77

Вильгельм Мария Хубертус Лейбль — выдающийся представитель немецкого реализма. Он учился в Мюнхенской академии художеств у Карла Теодора фон Пилоти, затем жил в Париже, где испытал сильное влияние живописи Густава Курбе. Лейбль начинал как портретист, в его произведениях данного жанра чувствуется внимание к творчеству старых мастеров и веяниям импрессионизма. Вернувшись из французской столицы в 1870-х, художник работал в деревнях Верхней Баварии, писал бытовые сцены в интерьерах и пейзаже, портреты. Герои Лейбля — баварцы — изображены в домах, церкви, трактире.

Интерес к жизни обычных людей, проблеме световоздушной среды и пространства привел мастера к созданию картин, подобных представленной. Художник без социальной заостренности, правдиво написал баварских женщин. Он показал три возраста: слева на фоне стены — резкий профиль пожилой женщины, мастер отметил обострившиеся от тяжелого труда черты лица. Старуха в центре склонилась над Библией, Лейбль тщательно выписал скорбные носогубные морщины на ее лице. Образы решаются крупными тональными обобщенными пятнами с углубленно прочувствованной моделировкой старых, сморщенных рук и лиц. В контрасте к этим двум коленопреклоненным персонажам в черных платках дан третий — сидящая справа молодая женщина в традиционном баварском наряде — красиво вышитой накидке, клетчатом платье и белом крестьянском переднике. Величественные, спокойные фигуры монументальны и статичны, художник старался зафиксировать самое характерное в облике моделей. Серебристая тональная живопись напоминает произведения старых мастеров.

Анри Фантен-Латур (1836–1904) Композиция к первой картине оперы Р. Вагнера «Золото Рейна» 1 888. Холст, масло. 115x77

Анри Фантен-Латур сначала получил художественное образование у своего отца Жана-Теодора Фантен-Латура, а с 1854 учился в Школе изящных искусств в Париже. В 1859 он познакомился с Гюставом Курбе, в мастерской которого работал последующие два года. В творчестве живописца сказываются уход от действительности в область фантастики, обостренный интерес к своему внутреннему миру, подчас мистические переживания. Он часто использовал в работах литературные темы, аллегории и музыкальные образы Вагнера, Берлиоза, Шумана, Брамса.

В композиции к первой картине оперы Вагнера «Золото Рейна» художник дал волю своей фантазии. Созданные его воображением фигуры дочерей Рейна — Воглинды, Вельгунды и Флосхильды тают в синем тумане, а их отражения мерцают, волшебный золотой блеск разливается повсюду. Все трое весело играют и плещутся, хотя им надлежит охранять гору золота, которое дало название произведению. В левом нижнем углу темным силуэтом Латур показывает нибелунга Альбериха, вылезающего из омута и привлеченного блеском драгоценного металла.

Живописец обращается к миру аллегорий, фантастических идей и образов. Картина отмечена печатью романтического пафоса, с оттенком сентиментальности рококо. Изящная манера письма, изысканное цветовое звучание и легкость кисти художника поднимают эти образы над уровнем традиционного аллегорического изображения.

Поль Гоген (1848–1903) Купающиеся бретонские мальчики 1888. Холст, масло. 92x73

Поль Гоген — французский художник, скульптор-керамист и график, наряду с Сезанном и Ван Гогом — крупнейший представитель постимпрессионизма. В начале 1870-х Гоген начал заниматься живописью как любитель. Ранний период его творчества (под влиянием Писсарро) связан с импрессионизмом. С 1880 мастер участвовал в выставках импрессионистов. В 1888 он жил в Понт-Авене (Бретань), где сблизился с группой художников, объединившихся в рамках так называемого цветного синтетизма, или клуазонизма (понтавенская школа), характерными чертами которого были обобщенные и упрощенные формы. Новые принципы живописи Гоген, придававший особое эмоциональное значение цвету, линии и другим элементам формы, пытался приложить к изображению природы и людей французской провинции. В эти годы он стал лидером данного направления. В своих произведениях художник старался по-новому использовать цвет и форму, смело очерчивая объекты, упрощая образы, сопоставляя большие участки чистого цвета для достижения эмоционального эффекта.

Стиль, в котором написана картина «Купающиеся бретонские мальчики», отчасти напоминает манеру импрессионистов. Очевидно особое внимание к солнечному свету, растворяющему все краски и объединяющему их в единую цветовую гармонию. Гоген использует раздельный мазок, дополнительные цвета, утонченные колористические нюансы, передающие вибрацию воздуха, но фигуры юношей исполнены в обобщенной, скупой манере, с чувством необычайной простоты и безыскусственности. Сложное композиционное построение работы, разделение ее на две части диагональной линией, противопоставление холодных красок на первом плане общему теплому тону заднего плана, особое внимание к рисунку, выделяющему контуры, взаимосвязь цвета и рисунка, цвета и линии — все говорит о появлении нового в творчестве художника.

Фриц фон Уде (1848–1911) Утро 1889–1890. Холст, масло. 91x110

Фриц Уде — немецкий художник, в своем творчестве сочетавший черты реализма и французского импрессионизма. В возрасте 18 лет он был принят в Высшую школу изобразительных искусств в Дрездене, но уже на следующий год пошел в армию. Завершив военную карьеру в 1877, Уде переехал в Мюнхен, где обучался в Академии художеств. Осенью 1879 он принял решение перебраться в Париж. Переосмыслив наследие старых мастеров и веяния импрессионизма, Уде создавал произведения, героями которых становились простые бедные люди.

На картине «Утро» мастер изобразил идущих под открытым небом крестьян — женщину и мужчину, занятых разговором, увиденных как будто случайно. Фигуры помещены в открытое пространство, пронизанное солнечным светом. Светлая колористическая гамма свидетельствует о влиянии импрессионизма, очень тонко передана световоздушная среда. Композиция написана правдиво, просто, с чувством и любовью к изображенным.

Мэри Варбург (1866–1934) Дама в шляпе на траве 1899. Бумага, пастель. 19,3x29,1

Мэри Варбург была женой известного немецкого историка искусства Аби Варбурга, с которым прожила во Флоренции до 1902. Она прославилась небольшими солнечными пейзажами в духе Моне, выполненными пастелью.

В картине «Дама в шляпе на траве» использован типичный импрессионистический мотив. В густой тени дерева на зеленой траве расположилась молодая девушка. Чистое звучное пятно ее нежно-розовой кофточки воспринимается на темном фоне, словно пышный цветок. Светлое голубое небо вдали сочетается с пронизанной солнцем тенью от дерева. Все это вызывает ощущение мгновенной динамики увиденного, радостной красочности бытия, пленэрный характер изображения несомненен.

Франц фон Ленбах (1836–1904) Красный зонтик 1860. Картон, масло. 26,9x34,6

Франц фон Ленбах — немецкий живописец, центральная фигура художественной жизни Мюнхена конца XIX века. В 1878-1879 по заказу Национальной галереи в Берлине он написал портрет рейхсканцлера Германии Отто фон Бисмарка и с этого времени стал «художником Бисмарка». Ленбах копировал картины старых мастеров и подражал их технической тщательности и колористическим приемам, имел славу одного из лучших портретистов современности. В начале карьеры живописец создавал пейзажи родной природы.

В картине «Красный зонтик» Ленбах сосредотачивается на живописном исполнении темы сбора урожая. Показана обычная крестьянская жизнь на фоне сельского ландшафта. Все тихо и спокойно кругом — ясное небо, сон утомившейся работницы, неспешный труд ее односельчан. Мастер не ищет какого-либо литературно-сюжетного соответствия увиденному. Смысловой и колористический узел произведения, отмеченный напряженным красным цветом, — большой зонт, в тени которого и прилегла женщина. В основе многогранной игры света и красок лежит строго продуманная композиция. Свободное нанесение краски и как бы случайно выбранный ракурс свидетельствуют о впечатлениях, которые художник получил от французского импрессионизма.

Макс Либерман (1847–1935) Двенадцатилетний Иисус в храме 1879. Холст, масло. 150,5x132

Макс Либерман родился в Берлине, и его по праву можно назвать первым немецким импрессионистом. Именно он убедил директора музея Кунстхалле Альфреда Лихтварка начать собирать коллекцию французских импрессионистов. В 1899 живописец стал одним из основателей Берлинского сецессиона — организации художников, противопоставивших себя академическому официальному искусству. Он коллекционировал полотна Э. Мане и Э. Дега, написал ряд брошюр в защиту импрессионизма и по различным вопросам искусства. В последние годы Либерман являлся президентом берлинской Академии художеств.

Сегодня музей имеет внушительную коллекцию работ живописца, среди них — знаменитая картина «Двенадцатилетний Иисус в храме». Впервые она была представлена на Международной художественной выставке в Мюнхене и принесла 32-летнему художнику шумную, но весьма скандальную славу. Либерман изобразил известный библейский сюжет: юный Спаситель в храме отвечает на вопросы священников и старцев, поражая их своими знаниями и мудрым толкованием Священного Писания. Мастер представил Христа не в привычном каноническом образе, а в виде босоногого и лохматого уличного мальчишки, одетого несуразно. Работа вызвала невероятную волну возмущения по всей стране, и художник был вынужден переписать фигуру Иисуса. На этом полотне юный Спаситель — в сандалиях, аккуратной одежде, с длинными золотистыми волосами. Либерман стремился реалистично и без лишней сентиментальности показать библейское событие.

После скандала мастер отказался от мысли о карьере исторического живописца и увлекся пейзажами.

Одилон Редон (1840–1916) Лодка 1900. Холст, масло. 65x50,5

Одилон Редон почти всегда работал в черно-белой гамме, создавая запоминающиеся фантастические видения. Он был признан поэтами-символистами, а сюрреалисты считали его одним из предвестников их направления в искусстве. Приблизительно около 1890 творец начал работать в цвете, создавая портреты, декоративные ширмы, цветочные натюрморты. Его излюбленной техникой была пастель, дающая мягкий живой цвет.

Странные произведения Редона навеяны стихами друга Стефана Малларме и произведениями Эдгара Аллана По. Мастер оставляет зрителю простор для толкования своих туманных, неопределенных сюжетов. Он многократно варьирует одни и те же образы, в частности вазы с цветами, человеческие головы, маленькие лодки в море, мифологические фигуры, меняя эмоциональную окраску.

Смысловое содержание данного полотна остается загадкой. Изображен туманный пейзаж с приближающейся к берегу лодкой, в которой находятся две закутанные в белое фигуры. Композиция строго продумана: вертикаль дерева на первом плане контрастно противопоставлена горизонтали лодки. Пространство, в котором находится суденышко, лишено глубины. Персонажи сдвинуты клевому краю картины, и они возникают из размытых, неясных красочных пятен. Лодка, излюбленный мотив романтической живописи, в христианстве — символ человеческой души, а также жизненного пути. Окрашивающие ее, воду, небо и фигуры золотистые тона и свет, наполнивший зыбкий воздух, — все подчеркивает мысль о духовном просветлении и устремленности к неведомым далям горизонта.

Возможно, это воспоминание об античности или размышление об историческом ходе времени, его скоротечности и одиночестве человека в мире, воплощенное художником — предвестником символизма.

Европейская живопись начала XX века

Анита Рее. Терезсина. 1925

Клод Моне (1840–1926) Мост Ватерлоо 1902. Холст, масло. 65x100

Картина «Мост Ватерлоо» является одной из многочисленных версий данного мотива, так как Моне экспериментировал с изображением природы одной и той же местности в разных погодных условиях.

Произведение относится к его наиболее значительному циклу работ, посвященному британской столице. В зимние месяцы 1899–1901 Моне регулярно выезжал в Лондон. С балкона его комнаты в гостинице «Савой» открывался вид на Темзу с мостом Ватерлоо. Над этими картинами мастер продолжал работать во Франции, в своей мастерской в Живерни. Беря за основу одни и те же мотивы, художник все свое внимание концентрировал на свободной разработке красочных отношений.

На полотне изображен зачаровывающий, необычайно мягкий, воздушно-легкий и умиротворяющий вид на Темзу. Очень плотный объем достигнут путем создания огромного количества тональных переходов, оттенки которых порой едва различимы, диапазон включает в себя цвета от темно-синего до ярко-пурпурного. Перед зрителем предстает дымчатый пейзаж с известным арочным мостом Ватерлоо, проплывающими под ним баржами и дымящимися трубами промышленного района на заднем плане.

Макс Либерман (1847–1935) Терраса в ресторане «Якоб» в Нинштедтене на Эльбе 1902–1903. Холст, масло. 70x100

Картина «Терраса в ресторане „Якоб“ в Нинштедтене на Эльбе» была создана по заказу Альфреда Лихтварка — директора Кунстхалле. Это произведение — результат работы на пленэре, внимания к свету и движению, общему живописному впечатлению.

Обыденная сцена, тяготеющая к жанровой интерпретации, кистью художника наполнена поэзией. Он изображает людей, которые развлекаются и наслаждаются городской жизнью, пребывая в излюбленном месте встреч и прогулок представителей буржуазного общества. За столиком на первом плане — молодая женщина с двумя девочками. Живописец будто зафиксировал свое мгновенное впечатление от пестрой подвижной массы людей. На расстоянии трудно рассмотреть каждый предмет и лица персонажей в деталях, поэтому Либерман дает их лишь в самых общих чертах, словно глядя издали. Он отказался от тщательного выписывания формы, сосредоточив внимание на ее передаче в трепетных бликах и солнечных рефлексах.

Карл Шмидт-Ротлуф (1884–1976) Ветреный день 1907. Холст, масло. 70x91

Экспрессионизм — одно из ярких и оригинальных художественных направлений начала XX века. Наиболее последовательно его идеи в живописи воплощали немецкие художники объединений «Мост» и «Синий всадник». Их творчество было призвано выражать чувства, раскрывая сущность вещей.

Карл Шмидт-Ротлуф — живописец, гравер, скульптор. В 1905 он поступил в Дрезденский технический университет, чтобы изучать архитектуру. Вскоре оставил его и решил стать художником.

Совместно с Эрихом Хеккелем, Эрнстом Людвигом Кирхнером и Фрицем Блейлем мастер основал художественную группу «Мост» и в то же время добавил к своей фамилии название местности, где родился, став Шмидтом-Ротлуфом. В произведениях живописцы старались полностью использовать выразительную силу чистых красок, отказывались от деталей, упрощали формы, цветовые плоскости делили черными линиями.

Художники «Моста» обычно предпочитали изображать сцены из городской жизни, но Шмидт-Ротлуф особенно известен своими сельскими пейзажами. В работе «Ветреный день» он раскрывается как тонкий колорист. Зеленые, коричневые, лиловые оттенки земли и деревьев выполнены плотными пастообразными мазками. Голубизна неба «взламывает» эти тона высоким звучанием цвета. Динамичная картина ветреного дня возникает благодаря контрастному противопоставлению цвета, а не напряженности композиции. В импульсивной манере Шмидт-Ротлуфа объединены художественное изображение и субъективность восприятия мастера.

Франц Марк (1880–1916) Пастушок с овцами 1908–1909. Бумага, акварель, белила. 21,2x29,5

Франц Марк родился в семье профессора мюнхенской Академии художеств. В 1899 он поступил на философский факультет Мюнхенского университета, но уже в 1900 учился в Академии художеств, где познакомился с Василием Кандинским, оказавшим влияние на его дальнейшую жизнь и творчество. После поездки в Париж в 1903, где Марк увидел картины Ван Гога и Гогена, взгляды юноши на изобразительное искусство переменились.

Марк прославился, в первую очередь, картинами с изображением животных. Он увлекался анатомией, создавая свои первые зарисовки, а впоследствии пытался разгадать душу зверя авангардистскими средствами.

В работе «Пастушок с овцами» мастер достигает эффекта, при котором зритель не ощущает дистанции с произведением, он вовлекается в него. Изображен холмистый пейзаж со спокойно пасущимися животными, в нем встречаются все цвета спектра: желтый, зеленый, синий, красный, лиловый, оранжевый. Картина написана широкими, мощными мазками, главное средство художественной выразительности — цвет. Изображение овечек Марк сводит к их основным чертам, отказываясь от натуралистической передачи, делает акцент на характерных движениях животных. Женская фигура привносит покой и гармонию в общую композицию. Мир природы предстает цельным и бесконфликтным.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938) Автопортрет с моделью 1910. Холст, масло. 150,4x100

Немецкий живописец и гравер Эрнст Людвиг Кирхнер был одним из лидеров группы художников-экспрессионистов «Мост». Он покончил с собой вскоре после того, как нацистское правительство объявило его творчество «дегенеративным» и конфисковало 639 работ мастера.

В 1898 Кирхнер был под впечатлением от графики немецких художников, особенно Альбрехта Дюрера. Но вскоре он стал упрощать формы, увлекшись примитивным африканским и полинезийским искусством. Между 1901 и 1905 мастер изучал архитектуру в Дрездене, но, тем не менее, был одержим живописью и в 1905 вместе с Эриком Хеккелем и Карлом Шмидт-Ротлуфом основал группу «Мост». Впоследствии к ним присоединился Эмиль Нольде. Повышенное внимание к цвету наряду с кубофутуристическими экспериментами характеризует творчество Кирхнера, как и многих других членов объединения. В каждом произведении художник бросает зрителю вызов при помощи цвета и формы.

«Автопортрет с моделью» имеет поверхностное сходство с картинами Анри Матисса и французских фовистов. Живописец во весь рост и сидящая женская фигура за ним занимают все пространство холста. Мастер трансформирует натуру в плоскостный узор. Работа строится на зрительной взаимосвязи реальных объектов с рисунком одежды изображенного мужчины и ковра на заднем плане. Изломанные очертания форм и утрированная мимика персонажей придают сюжету драматизм, это качество отсутствовало в произведения фовистов. Выразительная композиция представляет художника как экспрессиониста, использующего свои жизненные наблюдения.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938) Славный Стаберхоф на Фемарне 1913. Холст, масло. 121x151

Четыре лета, 1908 и 1912–1914, Кирхнер работал на острове Фемарн, считал его «земным раем». Время, проведенное в этом месте, было самым плодотворным для художника, первозданная природа, полная противоположность столичной жизни, являлась сильным стимулом к творчеству. Живописец создал бесчисленные рисунки, фотографии, акварели, картины маслом, изображающие окрестности острова в различных ракурсах и в любую погоду.

В данном пейзаже автор, используя импульсивную манеру письма, пришел к преувеличенно экспрессивным, свободным формам выражения. Вдоль извилистых улочек, которые ведут на центральную площадь с возвышающейся средневековой постройкой, теснятся низкие домики, крытые красной черепицей. Часть пространства будто случайно выхвачен глазом, но этот прием — способ достижения особой выразительности. Художник отказывается от иллюзорного пространства, стремится к плоскостной трактовке предметов, деформируя их очертания, формируя цветовые пятна — так он хотел показать сущность явления, очистить восприятие от суетных впечатлений.

Лоуренс Альма-Тадема. Римлянки в бане. 1876. Фрагмент

Следующий том

Коллекция Старой национальной галереи Берлина поражает своим разнообразием и богатством. Здесь представлена живопись неоклассицизма и романтизма, французского и немецкого импрессионизма, жанровая живопись XIX века, скульптура. Любители искусства увидят в музее полотна Каспара Давида Фридриха, Карла Фридриха Шинкеля, Карла Блехена, Эдуарда Мане, Клода Моне, Поля Сезанна, Макса Либермана, Ловиса Коринта, Арнольда Бёклина, богатую коллекцию произведений Адольфа Менцеля и многих других художников.

Оглавление

Немецкая живопись XIV–XVI веков

Голландская живопись XVII века

Европейская живопись XVIII века

Европейская живопись первой половины XIX века

Европейская живопись второй половины XIX века

Европейская живопись начала XX века Fueled by Johannes Gensfleisch zur Laden zum Gutenberg