«Свой почерк в режиссуре»

Свой почерк в режиссуре (fb2) - Свой почерк в режиссуре (Открытые мастер-классы) 26906K скачать: (fb2) - (epub) - (mobi) - Владимир Михайлович Алеников

Владимир Алеников Свой почерк в режиссуре

В оформлении обложки использованы материалы по лицензии агентства © shutterstock.com

© Алеников В., 2015

© Издание. Оформление. ООО Группа Компаний «РИПОЛ классик», 2015

Предисловие

Дорогие друзья!

В России давно назрела необходимость в появлении на русском книжном рынке дельных, полезных с практической точки зрения книг, посвященных режиссерской профессии. Поэтому мне очень приятно представить вам второе, дополненное издание замечательной книги известного российского режиссера Владимира Михайловича Аленикова, которая впервые вышла в свет по моей инициативе в 2011 году.

Знакомство с автором книги произошло необычно. Его брат, доктор технических наук Федор Шутов, постоянный посетитель созданного мною кинотеатра классического кино «Мир искусства», предложил пригласить Владимира Аленикова на мастер-класс. Фамилия режиссера была на слуху, сразу в сознании всплывали образы культовых фильмов о приключениях Петрова и Васечкина. Поскольку тогда мы больше ориентировались на авторское кино в духе Тарковского, то я засомневался в целесообразности для моих студентов встречи с детским режиссером (каюсь, плохо был знаком с творческой биографией мастера), но все же решил попробовать. Дело в том, что с 2007 года в рамках киношколы «Арт-кино» мы организовали проект «Мастер-класс», суть которого — передача профессиональных знаний от старшего поколения кинематографистов к младшему на регулярной основе (мастер-классы проводятся еженедельно, и на сегодняшний день их уже прошло 265!). Встреча с мастером оказалась крайне полезной и увлекательной. В частности, меня очень заинтересовал рассказ Владимира Михайловича о его опыте фильмопроизводства в США и преподавания кинорежиссуры в Голливуде, куда он был приглашен после международного успеха его киномюзикла «Биндюжник и Король».

В Лос-Анджелесе существует целый университет интенсивных курсов (UCLA — Extension). Интенсивы проходят раз в неделю по вечерам, что дает возможность посещать их и работающим людям. Каждый курс посвящен довольно узкой части той или иной кинопрофессии. Мне показалось интересным перенести этот опыт в Россию. Я попросил Владимира Аленикова провести аналогичный интенсивный курс в рамках нашей киношколы. Владимир Михайлович согласился и начиная с 2010 года по настоящее время сотрудничает с нашей киношколой и поддерживает ее в различных педагогических начинаниях.

Сегодня в киношколе «Артерия кино» мы развиваем и применяем оригинальные методики освоения режиссерской профессии на основе отечественных традиций (начиная с Кулешова, Эйзенштейна и Пудовкина) и педагогических инноваций. Занятия проходят на основе разработанной в нашей школе треугольной теории режиссуры. Базовый учебный курс рассчитан на 9 месяцев и состоит из 3 разделов: режиссура изображения, режиссура повествования и режиссура времени. В основе оригинальной методики лежит практическое освоение 36 элементов киноязыка. Каждый участник курса, осваивая тот или иной элемент, снимает киноэтюды. Пройдя с помощью кинотренинга школу практической режиссуры, студенты переходят к съемкам короткометражных работ. Сняв дипломный фильм, многие студенты хотят учиться и дальше. И тут на помощь им приходит новая форма обучения — «Спецкурсы», которая появилась у нас благодаря Владимиру Михайловичу Аленикову.

Получая режиссерское образование на Высших курсах сценаристов и режиссеров у Алексея Юрьевича Германа и Светланы Игоревны Кармалиты, я два раза в неделю виделся со своими мастерами — один раз с мастером по режиссуре, другой — по драматургии. Эти занятия назывались «мастерство». Вот на такие занятия больше всего и похожи спецкурсы Аленикова. На них структурно и четко даются полезные практические знания, которые сразу же можно применить при съемке учебных работ. Спецкурс, как правило, рассчитан на 3 месяца (12 занятий по 4 академических часа). За время прохождения курса студенты должны снять две-три киноработы, что помогает им проверить теорию практикой и сразу получить отзыв мастера-педагога.

Сегодня появление такой формы обучения крайне актуально. В нашей стране почти совершенно отсутствует система повышения квалификации творческих работников кино. Человек, закончивший киновуз, считает, что он уже все знает, и ему не нужно больше учиться. На Западе подход совершенно другой. Там все творческие профессионалы, даже знаменитые кинозвезды, постоянно посещают различные курсы повышения квалификации. Они учатся всю жизнь и именно поэтому побеждают в конкурентной борьбе на мировом кинорынке. Мне в этом пришлось убедиться, посетив Лос-Анджелес, где я осмотрел основные киностудии Голливуда и лучшие образовательные заведения города: Американский институт кино (AFI) и Лос-Анджелесский университет (UCLA), в котором в качестве профессора кинорежиссуры несколько лет трудился Владимир Михайлович Алеников.

В киношколе «Артерия кино» Владимир Михайлович проводит четыре различных спецкурса. Все они по-своему уникальны. Первый курс «Свой почерк в режиссуре», который лег в основу этой книги, является почти зеркальным аналогом американского спецкурса Аленикова. За время учебы студенты должны снять две киноработы, одну — документальную, другую — игровую. По мнению мастера, режиссер должен быть способен работать во всех видах кинематографа. Спецкурс посвящен взаимоотношению кинорежиссера с другими творческими кинопрофессиями и дает возможность начинающему режиссеру определить свою территорию в кино (найти свой жанр и стиль). Курс дал удивительные результаты. Для нас стало совершенно ясно, что он полезен не только для нашей киношколы, но и для киноиндустрии в целом. И мы приняли решение, расшифровав фонограммы занятий, сделать на их материалах учебник по режиссуре. Книга впервые вышла в издательстве «Мир искусства» и мгновенно была распродана, что подтвердило ее ценность и практическую полезность для режиссеров и представителей других творческих профессий. И это легко понять. Ведь в книге сконцентрирован и обобщен практический опыт одного из лучших режиссеров отечественного кино, великолепно знающего систему кинопроизводства на обоих полушариях планеты.

Второй спецкурс «Работа режиссера с актерами» посвящен теме, которой американские киношколы уделяют 90 процентов времени. Учащиеся снимают одну игровую работу на свободную тему, а вторую — на заданную. Студентам первого набора нужно было экранизировать одну из сцен пьесы У. Гибсона «Двое на качелях». Вот уж когда можно было воочию увидеть, что такое свой почерк в режиссуре — 29 режиссеров, 29 кастингов на одни и те же роли, 29 разных мест действия! Каждый взял один кусок из большой пьесы на двоих артистов, и в финале курса получился полнометражный фильм продолжительностью 4 часа! Если вы помните картину Луиса Бунюэля «Этот смутный объект желания», где одну героиню играли две разные актрисы, то наше зрелище было куда разнообразнее — одну героиню (то же касается и героя) играли 29 актрис! Такое мог придумать только Алеников.

Третий спецкурс называется «Особенности жанрового кино». Студенты должны снять одну и ту же историю в трех разных жанрах. Аленикова часто называют режиссером авторского кино для широкого зрителя. В своем творчестве он сумел соединить, по мнению некоторых, несоединимое: авторское и жанровое кино. Недаром мастер обладает столь разными почетными наградами — такими, как приз за вклад в комедию, приз за вклад в детское кино, международная премия «Капля» за вклад в хоррор. И его курс также демонстрирует, что это возможно. А в 2014 году, развивая идею этого спецкурса, Владимир Алеников набрал мастерскую «Режиссура жанрового кино» во ВГИКе.

Но самым необычным является четвертый спецкурс. Увидев, как Алеников блестяще показывает студентам технологию работы с актерами, я упросил его продемонстрировать на личном примере не только эту часть работы режиссера, но и все остальные. Так родился курс, который мы назвали «Пошаговая инструкция начинающего режиссера».

Уникальность его заключается в том, что короткометражный фильм снимает сам мастер, а студенты становятся участниками его съемочной группы. Таким образом, был создан короткометражный фильм «Полет бабочки» продолжительностью 10 минут. В 2014 году мы повторили этот спецкурс. Результат: за 12 занятий родился новый 15-минутный короткометражный фильм мастера «Кино как попытка сближения», премьера которого состоялась 27 сентября 2014 года на VII Всероссийском кинофестивале авторского короткометражного кино «Арткино». Если фильм «Полет бабочки» состоял всего из трех кадров с изысканным внутрикадровым монтажом, то новый фильм по замыслу режиссера был гораздо сложнее. Фильм снимался в реальном интерьере кинотеатра «Мир искусства», где проходят основные занятия в киношколе «Артерия кино», и на натуре — в его окрестностях. Алеников написал, с учетом места действия, специальный сценарий, были сделаны раскадровки, проведен тщательный анализ драматургии, осуществлены все этапы производства: кастинг, репетиции с актерами и камерой, съемка (с использованием стедикама), работа с композитором (была написана оригинальная музыка), монтаж, озвучание, создание титров и цветокоррекция. И все это — на глазах у студентов и с их участием. Уверен, что подобных спецкурсов в России (да, думаю, что и в Америке!) никогда не проводилось.

* * *

А сейчас пришло время представить автора и этих фильмов, и этой книги. Владимир Алеников начал свой творческий путь в юности как поэт и поэт-переводчик. Даже став студентом режиссерского факультета Ленинградского института театра, музыки и кинематографии, он продолжал переводить стихи классиков и современников с французского, испанского и эстонского языков.

Переехав в Москву, Владимир Алеников стал учителем русского языка и литературы в известной Московской физико-математической школе № 2. Одновременно начал писать пьесы, ставить их в театре, любовь к которому сохранил навсегда, периодически возвращаясь к театральным постановкам в разных странах. Его постановка советско-американского мюзикла «Дитя мира» в 1985 году (пьеса была написана им совместно с Д. Уилкомбом) объехала множество стран, положив начало целому международному движению с одноименным названием.

Кинематографистом Владимир Алеников стал не совсем обычным образом. Первые свои фильмы («Сад», «Комитас», «Комната смеха») в семидесятых годах он снимал вне советской государственной киномонополии на собственные, полученные от публикаций и изданий поэтических переводов, средства, работая при этом с такими звездами, как Иннокентий Смоктуновский, Владислав Дворжецкий, Евгений Жариков, Елена Соловей, Алла Евдокимова и др. Знаменитые актеры охотно откликались на приглашения молодого режиссера, видя, что им предлагается совершенно другое, отличное от соцреализма кино. Снимая свои фильмы на остатках пленки от чужих картин, монтируя их по ночам на пустой киностудии, Алеников и прошел свои киноуниверситеты.

Официальным кинематографистом его сделало предложение Александра Хмелика, главного редактора и создателя киножурнала «Ералаш». Алеников стал одним из ведущих авторов и режиссеров журнала, сняв десятки популярных сюжетов. Именно там, в «Ералаше», родились его персонажи, принесшие ему впоследствии истинно народную любовь и славу — Петров и Васечкин. С этими героями он прожил несколько лет, сочиняя про них сценарии для мультфильмов, снимая ералашные сюжеты и в конце концов создав на Одесской киностудии целую серию знаменитых музыкальных фильмов об их приключениях.

Сделав ряд телевизионных картин («Жил-был настройщик», «Нужные люди», «Непохожая»), Алеников снял фильм, который в корне изменил его судьбу, — мюзикл «Биндюжник и Король» по мотивам пьесы И. Бабеля «Закат» и его же «Одесских рассказов». После шумного успеха этого драматического мюзикла на международном кинофестивале в Лос-Анджелесе в 1990 году, режиссер был приглашен в Голливуд. Его первым американским фильмом стал фильм «Время тьмы» с Джорджем Сигалом и Тамарой Тана в главных ролях (в российском прокате — «Феофания, рисующая смерть», в европейском прокате — «Очищение»).

Режиссер работает и в России, и в США, пробует себя в разных жанрах, снимая то документальные фильмы («Спасти человека»), то телесериалы («Короли российского сыска», «Любовь Великих»), то делая театральные постановки («Белый Мерседес» /США/, «Поиски любви» /Россия/).

Особое место в его фильмографии занимает документальный фильм «Пробуждение», снятый Владимиром Алениковым в Москве во время августовского путча 1991 года. В первые же сутки путча Алеников оказался чуть ли не единственным кинематографистом с камерой в руках у стен Белого дома и сумел необыкновенно эмоционально рассказать в своем фильме об этом перевернувшим весь мир событии. Фильм, который он назвал «Пробуждение», с годами приобретает все большую ценность.

Американский художественный фильм Владимира Аленикова «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)», снятый в реальном времени, стал новой вехой в творчестве режиссера, получил ряд призов на крупных международных кинофестивалях, в том числе представлял США в главном конкурсе Монреальского всемирного кинофестиваля в 2003 году.

Предпоследняя большая работа режиссера в России — лирическая комедия «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» — заслужила восторженный зрительский прием и престижные награды на многочисленных кинофестивалях.

Совсем недавно Алеников закончил полнометражную картину «Война Принцессы», щемящую драматическую историю, своеобразный современный вариант «Ромео и Джульетты», снятый с детьми (кавказцы и русские) и поднявший крайне актуальную сегодня тему межнациональных отношений. На сегодняшний день в копилке фильма уже полтора десятка фестивальных наград.

Параллельно с кинодеятельностью Владимир Алеников постоянно работает как прозаик, публикуя то серию очерков об американской жизни, то книгу сказок для детей («Чучело-мяучело»), то сказочные повести («Приключения Тик-Так», «Богатырская история», «Эргония, или Новые приключения Петрова и Васечкина»), то романы для взрослого читателя.

Алеников работает в разных жанрах, пишет авантюрные мелодрамы («Поиски любви», «Происки любви»), детективы («Очень тихий городок»), триллеры («Спальный район», «Сумерки в спальном районе», «Зеленая зона», «Странники терпенья»). Его триллер «Моника», вышедший в Москве в 1997 году, моментально стал библиографической редкостью. Столь же быстро разошлась и книга «Ублюдки», написанная в жанре хоррор и выпущенная в 2005 году издательством «Лимбус-Пресс».

В 2010 году в издательстве АСТ вышел его пронзительный роман о войне «Звезда упала». Книга для детей «Приключения Петрова и Васечкина», многократно переизданная, вошла в Золотую серию — «Сто лучших мировых книг для детей».

Владимир Алеников находится в прекрасной творческой форме, работает много и плодотворно. Каждое его новое произведение, будь то фильм или книга, становится радостной неожиданностью для его многочисленных поклонников.

Что касается данной книги, то в основу ее легли лекции, прочитанные мастером на первом спецкурсе в «Арткино», которому автор придумал замечательное название «Свой почерк в режиссуре».

Первое издание книги завоевало высокий авторитет среди профессионалов киноиндустрии и педагогического сообщества, стало использоваться в качестве учебного пособия во многих киновузах страны. Надеюсь, она понравится и вам. Сегодня, когда только ленивый не говорит о проблемах в российском кинообразовании, книга Аленикова поможет восполнить тот вакуум, который образовался в отечественной литературе, посвященной профессии кинорежиссера.

Руководитель киношколы «Артерия кино», кинорежиссер Сергей Тютин

Авторское предисловие

Эта книга родилась совершенно неожиданно для меня. Я, признаться, никогда не думал о подобном издании и, если бы не настойчивое предложение издательства, я вряд ли бы на это осмелился. При всей моей фанатичной преданности профессии, я не занимался глубоко ее теорией — так уж сложилось, что я, главным образом практик, всему учился сам и моя преподавательская деятельность в первую очередь основана на моем личном опыте. В этом, наверное, и плюс, и минус данной книжки. Плюс, потому что то, о чем я пытаюсь рассказать, имеет под собой живую, реальную основу, все это мною прожито, нигде не прочитано. А минус в том, что я не выстраиваю никакой определенной системы, я просто делюсь теми выводами, к каковым методом проб и ошибок пришел за четыре десятилетия моей работы в кино.

Когда-то замечательный режиссер Григорий Михайлович Козинцев, с которым мне посчастливилось общаться и благословение которого на занятие профессией я получил, сказал мне, что преподавание кинорежиссуры, растянутое на годы, как это принято во ВГИКе, где у него была мастерская, вещь довольно бессмысленная. По его словам, всему, что необходимо знать режиссеру, то есть, всем важным азам нашего ремесла можно научить любого человека средних способностей за два месяца, больше не надо. Я тогда не поверил выдающемуся мастеру — со временем же понял, что он был абсолютно прав.

В киношколе Лос-Анджелесского университета, в которой я преподавал в течение ряда лет, мне не раз доводилось вести трехмесячные курсы, программу которых я с одобрения декана выстраивал сам. Должен сказать, что немало моих учеников после такого краткого курса дальше двигались самостоятельно и вполне успешно. По сей день я получаю и из Соединенных Штатов, и из многих других стран письма с благодарностями и рассказами о новых, снятых моими учениками фильмах.

Это вовсе не означает, что за три месяца, а точнее, за двенадцать занятий они овладели всеми таинствами кинорежиссуры. Такой цели ни я, ни они не преследовали. Моя задача была другая — дать им основу, от которой они смогут отталкиваться в своем дальнейшем совершенствовании. В этом один из парадоксов нашей профессии — научиться ремеслу можно довольно быстро, но при этом учиться профессии можно и нужно бесконечно, всю жизнь.

О других парадоксах — в этой книге, которая, надеюсь, поможет всем тем, кто мечтает стать кинорежиссером. Удачи вам!

Владимир Алеников

1. Парадокс режиссера

Зачем нужен режиссер-постановщик. Первые шаги. Что такое режиссура. Как найти замечательную историю и написать классный сценарий. Как снять хорошее недорогое кино

Кинорежиссура

По моему глубокому убеждению, режиссер — это человек, который должен уметь все. Я не особо разделяю игровое кино, документальное, детское, музыкальное и так далее. С моей точки зрения, профессионал должен уметь все, пробовать себя в разных жанрах, и ему это должно быть интересно, и делать все это он должен хорошо. Так я в идеале вижу кинорежиссера.

Знаю по своему преподавательскому опыту в обеих странах, что в сухом остатке от курса, скажем, в двадцать человек режиссерами становятся один-два — остальные куда-то исчезают или занимаются какими-то, может быть, смежными профессиями. Почему это происходит?

Не потому, что люди разочаровываются или не хотят. Просто на самом деле кинорежиссура — это безумно тяжелая и трудная работа, если к ней относиться всерьез. Есть три-четыре профессии, которые считаются самыми тяжелыми на свете: летчик-испытатель, шахтер, космонавт и режиссер во время съемочного периода. Это — по статистике инфарктов.

Потому что напряжение, которое испытывает режиссер, оно невероятно. Во время съемочного периода мозги у тебя просто кипят, ты должен быть предельно внимательным, учитывать массу факторов, ничего не упустить, ведь от этого в конечном счете зависят успех или неуспех картины. Это лихорадочная, страшно напряженная работа. Режиссер должен уметь сконцентрироваться, сосредоточиться в любых обстоятельствах — толпа вокруг, ор, крик, а ты должен делать свое дело. И главная задача режиссера — это думать. Ведь каждую секунду он принимает какое-то решение, и это уже необратимо. Кино — это не театр, где можно прийти на следующий день и все переделать. Как правило, то, что уже снято, — это снято! Возврата к этому нет.

Поэтому на плечах постановщика лежит огромная ответственность. Он как дирижер, который руководит большим симфоническим оркестром, должен слышать любую фальшивую ноту и вовремя уметь это исправить. Обычно, когда показывают режиссера, он что-то там кричит, стоит с мегафоном — это полная чепуха. Потому что основное, что должен уметь режиссер, — он, повторяю, должен сидеть и думать.

На Западе режиссеры очень часто вообще не встают с места — бегают по площадке, что-то там показывают и даже порой работают с артистами их ассистенты, помощники. А режиссер сидит и думает, потому что от того, что он сейчас решит, зависит результат, а решения он должен принимать каждую секунду по всякому поводу. Плюс там обычно за спиной у режиссера стоит полдюжины человек, которые следят за тем, как идет работа: продюсер, представитель страховой компании, агенты и так далее, — то есть все они контролируют, как работает режиссер. И он ощущает огромную ответственность, и это, конечно, очень тяжело.

Профессия парадоксальная, потому что с одной стороны — и вы в этом быстро убедитесь, — ремесло у нас очень простое, я не преувеличиваю, это действительно простейшее ремесло. Любой человек обычных способностей в состоянии стать кинорежиссером, ничего особенного для этого не нужно — просто выучить какие-то элементарные вещи: как делается то, как делается это. Но парадокс состоит в том, что снять по-настоящему хорошее кино — это невероятно трудная задача, очень мало у кого получающаяся, хотя, казалось бы, да, все очень просто.

Я обычно задаю такой вопрос: представим себе — вот у нас есть профессиональная группа, очень хорошо написан сценарий, и оператор прекрасный, и композитор, и монтажер, и актеры замечательные. То есть отличная профессиональная съемочная группа! Могут ли они снять фильм без режиссера-постановщика?

Ответ: да, фильм будет снят, и тому масса примеров, когда с картины убирали режиссера по разным причинам, и кто-то «доводил» это кино, либо продюсер, либо второй режиссер, либо оператор. Такова сегодняшняя технология кинопроизводства, что если фильм запущен и деньги уже выделены и частично потрачены, значит, он будет непременно доделан, есть режиссер или нет режиссера.

К тому же если вы имеете дело с профессионалами, то актеры знают, куда им пойти, как сыграть, второй режиссер скомандует «Мотор!» и «Стоп!», монтажер смонтирует, а оператор снимет — очень даже может быть, что получится и вполне пристойное кино. Другое дело, что никогда не получится яркого, оригинального, настоящего фильма, который будет чем-то отличаться от других, никогда не получится подлинного произведения искусства, вот этого точно не будет. А средненькая картина очень даже может быть, что и «слепится».

Как, например, снимаются наши сериалы: там бывает, что на одном сериале десять режиссеров меняется, и никто этого не замечает. Первые три серии снимет один, следующие три серии — другой. Вы увидите хоть какую-то разницу? Никогда в жизни.

Значит, для того чтобы просто снять кино, режиссер-постановщик, как мне кажется, не нужен, не обязателен. А нужен он только для того, чтобы снять собственное кино. Собственное — значит отличное от всего остального, не похожее ни на что другое. Поэтому этот курс называется «Свой почерк в режиссуре», и мы попробуем с вами понять и разобраться, что такое снять свое кино, которое, повторяю, отличается от того, что делают другие, потому что оно только ваше и ничье другое.

Фильм — это огромная мозаика, каждый фрагмент которой должен быть правильно огранен и окрашен, чтобы в результате родилась безупречная картина. Режиссер, который задумал свое кино, накладывает на каждый фрагмент этой мозаики свой собственный отпечаток, и фильм в результате становится абсолютно индивидуальным, совершенно неповторимым.

Мы с вами живем в очень непростом и странном времени. Я имею в виду время для нашей работы, для становления режиссера. По сравнению, скажем, с моей юностью, когда я только начинал.

Тогда тоже было очень сложно, но сложности были совсем другие. В огромной стране существовало всего два места, где готовили кинорежиссеров. И кинорежиссер не мог стать таковым, не получив специальный профессиональный диплом, который давался либо во ВГИКе, либо на Высших режиссерских курсах. А без такого диплома запуститься с картиной он просто не мог, его никто не подпустил бы никогда к киностудии. Снять что-либо самому, вне государственной монополии, вообще не было никакой возможности, ведь никакого видео не было, никаких компьютеров, никаких цифровых камер, ничего этого не было, профессиональная аппаратура и кинопленка вообще в магазинах не продавалась. А ведь снимать можно было только на пленку и только кинокамерой. Но попробуй, купи! В магазинах, повторяю, ни профессиональной камеры, ни 35-миллиметровой пленки вы бы не нашли. Только узкую, любительскую. То есть никакой возможности человеку начать снимать настоящее кино не существовало, если он на то не получал специального государственного разрешения.

Сегодня этой проблемы нет: каждый из вас может снимать. Почти у каждого есть камера. А если нет, то уже и фотоаппараты, и телефоны выпускаются такие, что кино можно снимать и на них. И если у вас еще и деньги есть, то кто вас остановит?!.

Никто. Можете пойти и начать снимать кино. И с этой точки зрения это время — замечательное. Беда состоит в том, что наша киноиндустрия находится в ужасном положении, с моей точки зрения. Я не знаю, сколько еще должно пройти времени, чтобы она вырулила на нормальное кинопроизводство и нормальный кинобизнес. Так что путь, который вы выбираете, будет очень тернистым. Впрочем, мы к этому еще вернемся.

Почему я пытаюсь вас отговорить от занятий режиссурой? Потому что это профессия штучная и, повторюсь, крайне тяжелая, даже в определенном смысле опасная. Я считаю, что если нет необходимости снимать кино, то лучше заняться чем-то другим. Жить будет гораздо проще.

Авторское кино для широкого зрителя

Теперь я объясню, чему я хочу вас научить, хотя, может быть, это не совпадет с какими-то вашими устремлениями. Многие из вас интересуются артхаусом. В нашем сегодняшнем понимании артхаус — это некоммерческое кино, то есть то кино, где люди в первую очередь выражают себя, и оно, как правило, не ориентировано на широкую аудиторию. Говорю сразу, этому я учить не буду. Я сам — жанровый режиссер и писатель, и меня в первую очередь интересуют чистые жанры: мелодрамы, комедии, триллеры, детективы и так далее. Я вижу, что проблема в нашем кино в том, что отсутствуют хорошие фильмы именно такого плана, а артхаусного кино сегодня полно. Если вы побываете на российских кинофестивалях, а их нынче очень много расплодилось, вы увидите там в основном артхаусное кино. Причем кино, как правило, весьма депрессивное, к тому же, к сожалению, оно стало похоже одно на другое, и мне это мало интересно. Так что этим мы с вами заниматься не будем. Не то чтобы я был активным противником артхаусного кино, просто это не то, к чему я стремлюсь в своей жизни, и не то, к чему я готовлю своих студентов.

Другое дело, кино авторское, или арткино. То есть фильм с ярко выраженным режиссерским почерком. В этом смысле любая выдающаяся картина — это безусловно авторское кино. И лично я занимаюсь тем, что снимаю авторское кино для широкого зрителя. Это первое.

Второе. Я был как-то на семинаре, который проводил Александр Митта в Доме кино, он назывался «Идея. Как с ней работать в сценарии и фильме». Он проводил этот семинар в рамках студенческого фестиваля «Святая Анна», как раз для молодежи. Два с половиной часа Митта разъяснял слушателям, что такое идея и как с ней работать. С огромным уважением отношусь к Митте, он замечательный режиссер, его картина «Гори, гори моя звезда» — один из моих любимейших фильмов, и педагог он блестящий, знающий, и лекция эта была, безусловно, очень интересна и полезна. Кстати, книга Александра Митты «Кино между адом и раем» — это лучшее, по-моему, что есть на русском языке вообще о кино, но в первую очередь она все-таки ориентирована на сценаристов, потому что огромная часть этой книги посвящена драматургии. Я всем ее всячески рекомендую.

Так вот, я, к сожалению, потратить столько времени только на разговор об идее никак не смогу. У нас интенсивный курс режиссуры, построенный во многом на практических упражнениях. К тому же я теорией не занимаюсь, я не теоретик — мало того, у меня даже нет серьезного кинематографического образования, поскольку я самоучка, и образование у меня театральное. Поэтому единственное, что я смогу для вас сделать, — это поделиться собственным опытом. Опыта у меня достаточно — я снимал работы в разных жанрах: и мюзиклы, и триллеры, и комедии. И с детьми работал, и с крупными кинозвездами. И я с радостью поделюсь с вами теми выводами и размышлениями, которые в результате у меня возникли. То есть я практик, а теоретик я плохой, и от меня вы можете услышать только какие-то практические советы. А если вы хотите какой-то более серьезной, фундаментальной теоретической подготовки, вам нужен другой мастер.

Кино для всех

Ну а теперь вернемся к теме, почему в нашей киноиндустрии сейчас все так непросто. Потому что — как работает обычно киноиндустрия?

Допустим, вот ручка, которой я пишу. Ручка в производстве, скажем, стоит один доллар, значит, когда ее продаешь, надо продать за доллар и десять центов. Тогда у человека, который ее придумал, сделал именно этот дизайн, будет возможность начать выпускать еще какие-то другие ручки и продавать их дальше. Вот точно так же и в кино: фильм, на который потрачен, условно говоря, миллион, должен принести людям, которые вложили этот миллион, хотя бы миллион сто тысяч. Западный продюсер, когда закладывает прибыль, всегда рассчитывает минимум на десять процентов прибыли. Если удастся заработать больше — слава богу, замечательно, но закладывается именно десять процентов. Так работает нормальная киноиндустрия. Бывает, фильм приносит и сто процентов прибыли, и двести, и триста. А бывает, как с «Аватаром», — вообще фантастика! В этом смысле кино — уникальный бизнес. Никакой газ, никакая нефть такой прибыли не приносят.

А у нас все не так — у нас кино на сегодняшний день это крайне убыточное предприятие. С 1991 года, с тех пор как существует российское государство, произведено более двух с половиной тысяч фильмов, а окупило себя лишь несколько десятков. Окупило! Я не говорю «заработало». Заработков тут почти нет.

Тем не менее российское кино как-то существует. Почему же оно существует? Потому что есть доброе государство, которое выделяет на него деньги, и кроме этого периодически появляются какие-то частные инвесторы. Почему инвесторы инвестируют в наше кино — загадка. То есть какие-то причины бывают понятны. У одного, скажем, дочка снимается, у другого — любовница, у третьего еще какой-то интерес. Но в целом — все равно загадка, потому что с точки зрения нормального бизнеса, бизнеса-то здесь как раз и нет.

Отчего это происходит?

Оттого, что бюджеты все раздуты. Ведь чтобы фильм окупил себя в прокате, он должен стоить очень мало, максимум тысяч шестьсот-семьсот, а когда он стоит больше миллиона, это уже проблема, и с каждой новой сотней тысяч долларов, потраченных на него, эти проблемы добавляются. Российских фильмов, которые стоили больше миллиона, но тем не менее деньги эти вернули, можно пересчитать по пальцам.

Значит, это одна сложность. Другая состоит в том, что, повторяю, сейчас почему-то огромный уклон в артхаусное кино, которое вообще никто не смотрит, разве что только на фестивалях. Раздали друг другу награды, пожали руки, и все довольны — все, больше этот фильм никто не увидит: в прокат его, естественно, не берут, на телевидение — тоже; в крайнем случае покажут когда-нибудь на каком-нибудь канале глубокой ночью, когда все спят, под рубрикой «Кино не для всех». Я же считаю, что кино должно быть для всех.

Идти и снимать

Вот вы все жаждете снимать кино, и что вы будете делать?

Куда пойдете?

Кто вас ждет?

Кому вы нужны?

Непонятно. Ситуация сложная — откровенно говорю, очень сложная — и не только для вас, но и для меня, и для любого режиссера, стремящегося работать в кино. Государство выделяет деньги на поддержку кинематографа, но крайне избирательно и совсем немного. Вы знаете, был создан Фонд кино, и фонд этот должен распределять деньги, выделенные государством, между восьмью ведущими кинокомпаниями, то есть между крупнейшими кинопродюсерами. То есть идея состоит в том, чтобы создать киномагнатов, так называемых мэйджорс.

Я совсем не убежден, что это правильный путь, потому что, мне кажется, эта идея наносит сильный удар по среднему и малому кинобизнесу. Представим себе, что государство выделило государственную помощь полудюжине олигархов. А что делать в таком случае мелким бизнесменам, которых просто проглотят монополисты?

Что делать огромному количеству молодых кинокомпаний, которые только недавно возникли и надеялись на помощь государства?

Они все оказались вне игры. То есть тем самым, я думаю, уничтожается главное достижение нашей киноиндустрии за два десятка лет — создание конкуренции. А по моему убеждению, без настоящей конкуренции весомого результата в искусстве не возникает. Я знаю, что многие кинематографисты протестовали против этой новой системы, обращались к министру. Насколько это возымеет действие, не знаю. Честно говоря, сомневаюсь, поскольку решение уже было принято.

И тем не менее, несмотря на все проблемы, о которых я говорю, вы все равно конечно же хотите чего-то добиться, вы хотите снимать кино. Мне это желание абсолютно понятно, я точно так же когда-то хотел этого и сейчас хочу не меньше.

Что же вам делать?

Что делать для того, чтобы снимать кино?

Ответ очень простой — идти и снимать, то есть начать работать, ничего не ждать.

Вы спросите: «А как?»

«А где взять деньги?»

«А что за кино снимать?»

«А как — мы ж ничего не умеем?!»

Немножко я вам помогу, но, на самом деле, все полностью зависит от вас. Мое глубокое убеждение — человек, который хочет снимать кино, имеет сегодня для этого все возможности, и он идет и его снимает.

Что такое снимать кино?

Что главное в кино?

Давайте для начала разберемся в терминологии: есть тема и есть идея — это разные вещи. Тема — это более широкое понятие. Темой может быть что хотите: война, любовь, счастье — все что угодно. А идея — это то, что вы хотите сказать своим фильмом. Главное в фильме — это идея. И идея уже вплотную примыкает к истории.

Великий французский актер Жан Габен, когда его спрашивали: «Что вы думаете о кино? Что главное?», отвечал, что есть три вещи, которые необычайно важны для кино: первое — это хорошая история, второе — это хорошая история, и третье — это хорошая история. Я обеими руками за этот ответ. Если история слабовата, ничего не поможет.

Ни-че-го!

Я когда-то сам на этом споткнулся. Был в моей биографии один фильм — «Нужные люди». Это был фильм по чужому сценарию — единственный раз, когда я делал картину по чужому сценарию. Я тогда изнывал от желания работать и снимать. И мне на студии сказали: «Берите вот этот сценарий, он принят, стоит в плане, другого шанса придется ждать очень долго, неизвестно сколько». И я согласился. Я видел все слабости сценария, но был настолько самоуверен, что решил, что это не важно. Я решил, что все эти слабости преодолею. Я туда песен понаписал, музыкальных номеров всяких вставных понаделал, столько виньеток вокруг накрутил, чего только не придумал — а история-то по-прежнему слабая, и в какую красочную обертку эту конфетку ни заворачивай, внутри она все равно невкусная. Это картина, за которую мне больно до сих пор. К тому же в результате того, что я много разного и по тем временам почти крамольного и сатирического напридумывал в этой картине, ее потом здорово порезали и покромсали. Но дело не в этом. Повторяю, ничего не спасло — ни блестящие артисты, ни все мои ухищрения, ни гэги, ни музыкальные номера. Это был для меня урок на всю жизнь. И вас хочу сразу предостеречь, история — это самое главное.

Я хочу, чтобы вы начали думать об истории для своего первого фильма, начали искать ее, если у вас ее еще нет, прямо сегодня. Потому что к концу нашего курса у вас должны быть за плечами минимум два учебных фильма: один документальный и один игровой. И одновременно у вас должен быть подготовлен проект большого кино. Вот такую я ставлю задачу перед собой и перед вами.

Фильм — это война

Что такое хорошая история?

Что необходимо учитывать, когда вы ищете для себя историю?

Когда вы начинаете думать, какой фильм будете делать, вы прежде всего должны понять две вещи. Первая — что лично вас мучает, есть ли что-то, что вас возмущает, что не дает вам покоя. И вторая — что вам близко, какой жанр вам нравится, от чего вы получаете максимум удовольствия. Потому что, хотя я и сказал, что кино — это тяжелейшая работа, но это одновременно и колоссальное удовольствие, это тот труд, который должен приносить огромную радость.

Потому что, по большому счету, это вообще не работа, это образ жизни, и те из вас, кто определится окончательно с этой профессией, скоро поймут, что у вас началась абсолютно другая жизнь. Я знаком с очень многими кинорежиссерами и знаю — у них нет хобби, не бывает. Хобби могут быть у людей другой профессии, но не у кинорежиссеров — им некогда, у них не бывает свободного времени, они заняты все двадцать четыре часа в сутки, если они серьезные режиссеры.

Вообще, что такое фильм?

Я бы сказал так: фильм — это война. Война — это ведь максимальная концентрация человеческих сил и эмоций. Люди, пережившие хотя бы несколько дней войны, помнят это всю оставшуюся жизнь, как самое яркое, что в ней было. Так вот, когда вы начинаете картину, вы идете на войну, и, каким вы оттуда вернетесь, никто не знает. Но уж точно не таким, каким вы туда пошли. Фильм вас меняет. Если вы отдаете ему всю душу, то он вас меняет. И кто знает, победите ли вы на этой войне или потерпите поражение.

Большинство терпит поражение, возвращаются израненные и немощные. Победить очень тяжело.

Выбор жанра

Итак, надо определиться, что вас берет за душу, что вы хотите, какой жанр вам близок.

Вы человек с чувством юмора, который хочет получать максимум удовольствия от всего? Человек, для которого стакан всегда наполовину полный? Тогда ваш жанр — это комедия.

Или вы человек скептический, ироничный, критически настроенный? Тогда, может быть, ваш жанр совсем другой — триллер, драма, хоррор.

Вы сами должны для себя это определить. Как это сделать?

Только путем проб и ошибок и путем изучения самого себя, заглядывания в себя.

Где вам комфортнее всего?

Где вы себя чувствуете наиболее уверенно?

Это очень важно. Потому что никогда не надо браться за то, в чем вы не уверены. Вот вы уверенно чувствуете себя именно в этом жанре, в этом направлении — значит, надо и заниматься этим, и только этим.

Это может быть очень трудно. Но в кино, я уже говорил, все тяжело. Особенно сложно работать в жанре комедии, это просто высший класс, на мой взгляд. На свете полно книг по режиссуре, но нет ни одного учебника, где было бы написано, как сделать так, чтобы было смешно. А ведь если не смешно, то стыдно. Но зато, если смешно, вы победитель, потому что комедиографов в любой стране — раз-два и обчелся, а по-настоящему хороших почти нигде нет. Это очень редкий дар.

Или, скажем, мюзикл. Это тоже очень трудный и сложный жанр. Вы много знаете удачных мюзиклов?

Нет. Это очень тяжелый и мучительный жанр. Тем не менее периодически появляются какие-то поразительные удачи, обнаруживаются люди, которые ничего кроме мюзиклов не хотят делать.

Вы должны для себя понять, что вам близко, чего вы хотите. То есть ответить на два вопроса — что и как.

История

Итак, хорошая история. Что это вообще такое?

Где же ее взять?

Есть несколько способов. Вы все читаете книги, газеты, смотрите телевизор — вот вдруг что-то вас задело, что-то зацепило, а может быть и не раз, может, и два, и три. Начинайте об этом задумываться. Как я уже вам сказал, главная задача режиссера — это думать, все время думать. Поэтому начинайте думать.

Фильм, если это серьезный фильм, не может возникнуть случайно. Скажем, моя последняя картина «Война Принцессы» началась с того, что я, будучи в США, увидел по телевизору мальчика, которого интервьюировал журналист: он спрашивал, сколько тот народу убил. А мальчик ответил: «А мы не считаем!» Реальный мальчик! Меня так это поразило, что я стал узнавать все подробности этого интервью и в конце концов написал сценарий на эту тему, а потом снял фильм.

Другой мой фильм, «Комитас», начался с того, что я случайно увидел картину армянского художника Григоряна, он еще подписывался «Джиотто». Это был портрет такого странного лысого человека с безумным взглядом, одетого в сутану. И там была подпись «Комитас». Меня этот портрет поразил, я стал выяснять подробности и наткнулся на невероятную биографию этого великого композитора, на совершенно потрясающую историю.

Я хочу сказать, что не важно, с чего начинается ваш интерес, он может начаться с газетного заголовка, с рассказа вашего приятеля или соседа, с прочитанного рассказа, с чего угодно, но он должен начаться, если вы хотите снимать кино. Вы не можете ждать, что наступит замечательный день, вы закончите курс Аленикова, затем еще чей-то курс, а потом придете на студию или в кинокомпанию, и там вам дадут сценарий и отправят снимать. Никто не даст, никто не отправит. Потому что для этого уж так звезды должны сойтись, как почти никогда не бывает. А скорее всего, если это и будет происходить, то вы придете и скажете: «Вот у меня проект, вот у меня сценарий. И это потрясающий сценарий.

Если хотите, берите этот сценарий вместе со мной, я его буду снимать». Вот тогда это деловой разговор.

А иначе вы приходите, говорите: «Вот, я снял дебют». Ну, хорошо, что снял. Но очень мало надежды, что вам тут же дадут сценарий: идите и снимайте! Может быть, дадут попробовать работать в сериале. Сериалы — тут нет проблем. Вообще, как снимать сериалы, я вас тоже учить не буду. Я и телевизор-то толком не смотрю. Честно, я не бравирую этим, просто не в состоянии это смотреть. Это такая жвачка, такая макулатура, которую я, простите, не могу выдержать больше двух минут.

Знаете, как снимаются в большинстве своем наши сериалы? И кто их снимает?

Продюсеры звонят друг другу: «У тебя нет кого-нибудь? Вот мне срочно нужны три режиссера. Кто? Коля? А Коля что-нибудь снимал? Да? Вот и хорошо, тогда давай присылай его быстрее, нам уже завтра нужно снимать». Вот так примерно это происходит. И меняются эти режиссеры постоянно, и кто эти фамилии помнит?!

Ради этого не стоит ломать свою жизнь. Потому что стать режиссером значит именно сломать свою жизнь, полностью ее изменить.

Возвращаюсь к истории, потому что это основа основ. Где ее искать?

Это могут быть экранизации, какие-то современные реальные события. Это могут быть исторические события, которые вас почему-либо затронули, или какие-то заголовки, которые вас навели на историю, и, наконец, это может быть какой-то личный опыт. Почему я сейчас об этом говорю?

Потому что от замысла до его воплощения обычно проходит очень длинный путь, даже в сценарном варианте. Бывает, даже годы проходят. Го д ы, пока родится настоящий сценарий.

Вот недавно у меня был молодой режиссер — привез сценарий, посоветоваться. Я его прочел. Спрашиваю: «Ну, а вам самому нравится?» Он: «Я вижу слабости». Я говорю: «Тогда почему вы за него держитесь?» «Ну, я же вот здесь написал, что вот это надо исправить, то исправить». Я говорю: «Скажите честно, вы думаете, что это шедевр?» «Нет, я понимаю, что это далеко не шедевр». «Ну, хорошо, шедевров мало, но вы считаете, что это блестящая сценарная работа?» «Ну, нет, я вижу проблемы, но я…» И так далее…

Категорически не согласен с такой постановкой вопроса. Этот молодой режиссер заведомо — а это будет его первый фильм — ставит крест на всем своем будущем. Нельзя браться за сценарий, когда вы не влюблены в него по уши, когда не чувствуете, что это действительно блестящая история.

И еще один весомый момент — эта история обязательно должна иметь с вами какую-то внутреннюю связь, и не важно, что это, — к примеру, историческое событие, произошедшее, скажем, в 1538 году. Это не важно. У вас все равно должна быть какая-то связь с этой историей, как-то лично она должна вас трогать. Может, в вашей жизни что-то такое случилось, что как-то отражено в этой истории, вы увидели какие-то совпадения. Но ни в коем случае нельзя браться за историю с холодным носом, просто понимая, что да, вот это, наверное, хорошо, может быть, получится что-то коммерческое.

Уверяю вас, максимум что получится — это средненькое кино. Средненькое кино получается всегда, это мы уже обсудили с вами. А кино замечательное, удивительное, ни на что не похожее, то кино, которое сделает вам имя, заставит вас гордиться собой, не получится никогда, если вы беретесь за тот материал, который вас внутренне никак не волнует. Он обязательно должен иметь отражение в вашей личной судьбе, в вашей душе — вот это непременное условие, я по-другому этого не понимаю.

Рассказчики историй

Вот вы наткнулись на какой-то заголовок или на что-то еще, что вас заинтересовало. Что делать дальше?

Вы выбрали историю — вам кажется, что это может быть классно, что это потрясающая история. Идея вас очень греет. У идеи, кстати, очень простая формула: герой — конфликт — итог. То есть ради чего бьется герой, какой у него конфликт и что получается в итоге. Формула очень изящная и правильная. Я еще немного по-другому ее трактую — против чего вы?

Что вас не устраивает?

Что вы хотите доказать этим фильмом, этой историей?

Это все очень важные вопросы.

Итак, предположим, вы натолкнулись на историю. Что делать дальше?

Вы же не сценарист, и я и не требую, чтобы вы были сценаристом. В редчайших случаях совпадает, что режиссер еще и классный сценарист. Но это очень редкие случаи, совершенно не обязательные. Режиссура — на самом деле, это другая профессия, и суть этой профессии в двух словах — рассказать историю.

Мы — рассказчики историй, по-английски storytellers. Наша задача — рассказать историю так, чтобы люди заволновались. В основном люди ходят в кино, чтобы испытать одну из трех главных человеческих эмоций — они хотят либо плакать, либо смеяться, либо пугаться. Это три главные эмоции, которые хочет ощутить рядовой зритель, придя в кинотеатр. Есть еще зрители, которые идут в кино совершенно с другой целью: они хотят, чтобы фильм заставил их задуматься, размышлять, но таких — крошечный процент.

Как же получить в руки хорошую историю, хороший сценарий, то есть надежду на то, что потом, когда-нибудь, а может быть, и очень скоро, вы сможете его реализовывать?

Мы не рассматриваем ситуацию, когда вы сами инвестор или ваш ближайший друг инвестор, который говорит: «Не важно, ты только вот со сценарием разберись, а я все профинансирую, будешь снимать». Думаю, что в той ситуации, в которой находится большинство из вас, вы — по крайней мере на первых порах — должны сами быть продюсерами.

Продюсер

Кто такой продюсер?

Продюсер — это человек, который сам придумывает проект и доводит его до конца. Почему продюсер получает главный «Оскар»?

Не режиссер, а именно продюсер?

Потому что это он придумал кино, он придумал этот проект, и он его осуществил. Он нашел автора, нашел режиссера, он профинансировал, все соединил вместе, — и он заслуженно получает главный «Оскар».

В нашей стране вообще непонятно, что такое продюсер — это пока такое размытое понятие в России. У нас, как правило, продюсером называют человека, который достает деньги, а это совсем другая профессия! В наших условиях вы — по крайней мере пока не встали как следует на ноги и не стали профессионалами — сами должны быть продюсерами, то есть вы сами должны искать себе проект и найти его. И начинать его искать надо сегодня, потому что время бежит очень быстро.

Итак, допустим, вас что-то зацепило, и зацепило очень серьезно. Теперь надо, чтобы это появилось на бумаге и вообще стало бы реальностью. Я категорически не согласен с тем, что наше кино — я немного отвлекусь — должно стоить так дорого, сколько оно стоит. Средний российский фильм на сегодняшний день стоит полтора-два миллиона долларов. Это абсолютно неправильно. На мой взгляд, это очень завышенная цена. И на самом деле, почему в Голливуде каждый год появляется энное количество картин, бюджеты которых в десять раз меньше?!.

Вот недавно я продюсировал фильм в Голливуде — «Голливудский мусор» («Garbage»), который снимал дебютант, мой сын и мой ученик Филипп Волкен. Картина эта получила энное количество всяких наград, в том числе Гран-при на Голливудском кинофестивале, Приз за лучшую комедию на Международном кинофестивале в Хьюстоне и так далее. Филиппу этот фильм открыл путь к следующей картине с куда большим бюджетом. А у этой полнометражной комедии, в которой принимали участие такие звезды, как Майкл Мэдсен, Дэрил Ханна, Уильям Болдуин и другие, бюджет был триста с небольшим тысяч долларов. Нормальная, хорошая комедия с кучей объектов и персонажей. То же самое может быть и здесь. И с тем же бюджетом — он достаточно большой. Ведь кино можно сделать очень недорого. Я абсолютно в этом убежден, я это видел много раз, и я сам это делал.

Когда вы задумываете свой первый фильм, конечно, надо думать еще и о том, сколько он будет стоить. Вообще вам надо уже учиться считать деньги. Никто за вас их считать не будет. Поскольку вам самим придется быть продюсерами, по крайней мере, на первых порах, значит, вы должны уметь считать — и сколько вы потратите, и сколько вернете, и куда какие деньги пойдут.

Дешевое кино

Это маленькое отвлечение. Сейчас мы вернемся к истории, но вас все равно будет волновать этот вопрос — как снять дешевое кино?

Как это сделать?

Секрет несложен — я вам подскажу. Во-первых, история должна быть простой.

Что такое «простая история»?

Простая история происходит, как правило, в одном месте. Это единство времени и места, такой театральный прием. Она должна быть проста для продюсирования, то есть — повторюсь, происходить в одном месте.

На что вообще идут самые большие деньги в кино во время съемочного периода?

Это количество объектов. Как только случается переезд — сегодня мы снимаем в одном месте, а завтра в другом, — это сразу дополнительные деньги.

И второй фактор — это количество персонажей. Количество объектов и количество персонажей — вот два главных фактора, на которые тратятся деньги в кино. Как только вы сокращаете и то, и другое, вы экономите большие средства. Поэтому, если ваша история происходит в одном месте — one location, как говорят по-английски, — это идеально.

Я знаю прекрасные картины, где всего два или три персонажа и одно место действия. А сколько мы знаем фильмов, где в одном доме собирается куча молодежи, и всех их потом крошат на кусочки. Таких картин десятки, если не сотни, хотя среди них бывали и замечательные. Первый фильм Квентина Тарантино, который сделал ему имя, — «Reservoir dogs». Так вот там, если вы помните, все действие происходит в гараже при участии нескольких персонажей.

То есть главное, как можно сделать дешевое кино, это one location movie, весь фильм — в одном месте. Вы скажете: «Не может быть!», «Нельзя!», «Это не так!».

Именно так!

И второй важный фактор, повторяю, это количество персонажей: чем больше персонажей, тем больше кадров, тем больше надо тратить съемочного времени на какие-то дополнительные детали, ракурсы и прочее и тем самым больше тратится денег. Но если все происходит в одном месте с минимумом персонажей, то бюджет резко сокращается. Периодически такие фильмы возникают везде, по всему миру. А некоторые из них становятся шедеврами. Некоторые приносят огромные деньги их создателям. Значит, это возможно.

Если возможно на Западе, почему невозможно здесь, у нас?

Что мы, хуже, что ли?

Ничего не хуже, просто мозги не туда направлены.

Где взять такую историю, которую можно снять в одном месте с небольшим количеством персонажей?

У драматургов. Драматурги, которые пишут для театра, часто сочиняют истории, которые происходят в одном месте и с минимальным количеством персонажей. Очень часто.

Вообще, я бы всячески советовал обратить внимание на драматургов, которых наше кино обходит совершенно незаслуженным образом. Потому что это люди, которые учатся и умеют работать с диалогами, а это огромная беда нашего кино — у нас диалоги ужасные: я когда слушаю, у меня просто уши вянут. Жуткие диалоги. Даже если сама история более или менее сносная, диалоги настолько плохи, что сразу снижают уровень фильма. А у драматургов, которые работают в театре, где каждое слово и каждая реплика очень важны, совершенно другой подход к тексту, и оттуда можно выжать много интересного.

Простая история

Еще одна очень важная вещь — когда я сказал, что история должна быть проста, она к тому же не должна быть длинной.

Что такое длинная история?

Сейчас у нас уже пишут сценарии в профессиональном формате — не так давно это стали делать, но уже делается. Если это профессиональная, серьезная студия, кинокомпания, то у нее сценарий будет непременно написан в профессиональном формате. А если сценарий записан в профессиональном формате — Final Draf, то одна страница сценария соответствует одной минуте экранного времени, это совершенно идентично. Значит, если в сценарии девяносто страниц, то сколько будет идти фильм?

Полтора часа ровно. Если в сценарии сто двадцать страниц, значит, фильм будет идти два часа. И так далее.

Вопрос: если у вас есть два сценария — 90 и 120 страниц — какой вы возьмете?

Ответ на него прост. Мой совет — опять же для людей, которые только начинают, — конечно, 90. На полчаса меньше всех мучений. А полчаса экранного времени — это дополнительные 10 или 15 съемочных дней.

Но ведь соревноваться фильмы будут на больших кинофестивалях одинаковым образом, никто там на время не смотрит: этот фильм длиннее, значит, он лучше, — ничего подобного. Оценивают не длину, а режиссуру картины, ее значимость.

Значит, надо брать короткую историю. Даже 85 минут — это тоже нормальный формат, но меньше уже не стоит для полнометражной картины. Но не больше 90. Ну, 95 минут, это максимум. Потому что с каждой дополнительной страницей возникают новые проблемы, дополнительные расходы, и вы тратите огромные силы. Для первой картины — очень сложно, очень тяжело. Когда-нибудь вы это сами увидите и поймете.

Сценарист

Итак, возвращаясь к хорошей истории. Вот есть история, что-то в ней всерьез вас зацепило. Как найти сценариста или драматурга?

Вообще, для того чтобы понять, что хорошо, а что плохо, вы обязаны начать читать сценарии. Просто обязаны, если вы на самом деле собираетесь стать кинорежиссером.

Где их взять, сценарии?

Сейчас уже открылась Библиотека киноискусства на Садовом кольце, есть библиотека ВГИКа, есть Театральная библиотека СТД с большим разделом о кино. Я считаю, очень важно для режиссера читать сценарии.

Какие сценарии читать?

Любимых фильмов, известных вам фильмов.

Почему?

Потому что вы знаете картину, вы любите эту картину, а теперь взяли сценарий и читаете, как все это было написано. Вы сопоставляете сценарий с этим фильмом и понимаете, как это было на бумаге и как воплотилось на экране, в чем заключалась работа сценариста и в чем режиссера. Это для вас не просто чтение, это очень серьезная профессиональная учеба. Я считаю, что вы должны прочесть 50 сценариев. Не 2, не 3, а 50, и тогда вы начнете очень четко понимать, что хорошо, а что плохо, какой сценарий хороший, а какой не очень — потому что у вас будет от чего отталкиваться, у вас появится опыт, которого сейчас нет.

Теперь еще важный вопрос. Где найти сценариста? А его опять же надо начинать искать сегодня же.

Да где угодно. Вплоть до того, что вы можете прийти во ВГИК на первый курс сценарного факультета, или на второй — не важно, и сказать педагогу: «Вот, я ищу сценариста для своего будущего проекта. Можете ли вы дать задание вашим студентам на такую-то тему написать две странички?» Я думаю, что любой педагог с удовольствием пойдет вам навстречу. И вот вы получаете эти странички, они все написаны на заданную вами тему. Там будут какие-то диалоги, двадцать человек их написали. Я вас уверяю, из этих двадцати не больше двух-трех, а может быть, и вообще только один диалог вам покажется настоящим и живым, только один. Это означает, что у этого человека есть дар.

Потому что сценарист — это не просто человек, который придумал историю, это еще и человек с особым музыкальным слухом, он слышит, как люди разговаривают, и умеет это записать. Это особый дар — диалоги. Недаром на Западе очень часто для кино, помимо классных сценаристов, еще нанимают специальных людей на диалоги. У нас теперь это тоже начинают делать. Диалог — это очень важно.

И вот когда вы наталкиваетесь на такой живой диалог, вы его сразу узнаете. Вы видите — из двадцати только один звучит так, как никакой другой, вот это звучит здорово, вот это тот диалог, который сразу заиграл. Значит, это и есть ваш сценарист, это тот человек, с которым нужно работать. Вы к нему приходите и говорите: «Вот, у меня есть замысел. Давайте попробуем его осуществить». Дальше от вас зависит, убедите вы его с вами работать или нет. Но дело в том, что вам надо приучать себя убеждать людей, потому что, пока за вами не стоят деньги и продюсер, убедить кого-то можете только вы сами.

Жанр сценария

Когда я убеждал людей помочь мне сделать мою первую картину «Сад», у меня тоже не было никакого опыта, я делал все интуитивно. Но я знал, что, если я не заставлю этого человека делать то, что мне нужно, значит, этого никогда не случится, а это смертельно для моего замысла.

В этом, кстати, суть нашей профессии — заставить посторонних людей добровольно выполнить то, что вы задумали. И выполнить наилучшим образом.

Если вы нашли сценариста, если вы нашли историю, то любым способом обязаны убедить этого сценариста с вами работать. И вот наконец вы начинаете работать над выбранной вами историей. Вы уже знаете, в каком жанре хотите ее делать, потому что вы уже заглянули в себя, почувствовали, что вам близка, допустим, комедия. Не обязательно, что вы пишете ее с нуля, — может, она уже почти готова, может, вы прочли какой-то рассказ или сценарий, который попал к вам в руки.

Как понять, хорош ли он?

Очень просто. Если это комедия и вы читаете сценарий, где написано «комедия», то вы смеетесь в голос, когда читаете. Если же вы ни разу не засмеялись, прочитав сценарий комедии, значит, это дерьмо — сразу в мусор. Комедия должна быть смешной.

Или, если вы читаете сценарий мелодрамы, — вот вы такой человек, мечтаете снять мелодраму, вы хотите заставить людей сопереживать, сочувствовать героям, испытать какой-то катаклизм, чтобы люди вышли из зала со слезами на глазах, понимая, что что-то с ними произошло, — абсолютно, кстати, достойная художественная задача; и вот вы ищете такой материал. И наконец вам попадается сценарий, где написано «мелодрама». Вы читаете — и нигде не всплакнули, вам не грустно, нигде ничего не ёкнуло, не затрепетало… В корзину!

Компания

Вам интересно, как я работаю?

Я пишу все свои сценарии сам. Но я — исключение. Объясню почему. Потому что я сначала стал писателем и профессиональным драматургом, а потом уже режиссером. И когда я работаю над текстом — я давно уже выработал эту методику, — я никогда не думаю о том, как я его буду потом реализовывать. Потому что иначе меня это сразу ограничивает. Я пишу так, будто у меня есть все деньги на свете, все на свете условия, и я пишу так, как пишется. Потом, когда сценарий уже написан, я беру его в руки уже как режиссер. И тут я начинаю все менять. Теперь я работаю с этим текстом, как с чужим материалом, который попал мне в руки как режиссеру. Так что, в данном случае, я не очень правильный пример.

Многие режиссеры пытаются писать сами сценарии, и это очень плохо. Потому что это другая профессия, для этого люди рождаются, специально долго учатся, чтобы стать классным сценаристом. В редчайших случаях я видел режиссеров, которые одновременно были еще и замечательными сценаристами, но это надо, чтобы вот так все совпало в одном человеке. А это бывает крайне редко.

Приведу вам пример. Я как-то работал над сценарием, который хотел снимать. Я уже говорил об этом фильме, он о подростках — это мой последний фильм, «Война Принцессы», над которым я очень долго работал. Я подумал, что не напишу диалоги, которые мне нужны. Не напишу, потому что мои дети уже выросли, и вообще они немножко в другой среде росли, а дети, о которых я хочу рассказать в этом фильме, — это дети улиц, я с ними никогда толком не общался. Что мне делать?

Я поехал во ВГИК и спросил, кто у вас тут самый талантливый из студентов-сценаристов. Мне порекомендовали. Я поговорил с этим парнем и пригласил его стать моим соавтором. Это был Денис Родимин, который теперь известный сценарист и режиссер, сам преподает сценарное мастерство во ВГИКе и в свое время написал сценарий нашумевшей картины «Бумер». Денис тогда выглядел как мальчишка, и я его просто засылал в какие-то подростковые компании — мы с ним целый словарь подросткового сленга составили, потому что это было очень важно, чтобы эти диалоги были подлинные, настоящие. И в этом плане я в своих силах не был уверен. Без Дениса я этот сценарий так хорошо никогда бы не написал.

Поэтому я и вам советую — с самого начала искать себе сценариста. Это совершенно неправильная установка: вот я так вижу, и никто так больше не увидит. Это означает, что вы никому не можете объяснить свое видение, а тогда не надо быть режиссером, потому что задача режиссера в том, чтобы заставить всех увидеть то, что видите вы. Любым способом, каким — не важно. И в первую очередь, чтобы это увидели те люди, с которыми вы работаете, потому что работаете вы с целой группой людей. Беда наша в том, что одни мы ничего не можем сделать. Не можем — какие бы мы ни были талантливые и замечательные. Мы не можем сами снять кино, нам нужна компания.

И от того, какую компанию вокруг себя вы соберете и как вы их всех сможете убедить и рассказать, что вы хотите и как вы это видите, зависит успех вашей картины. Именно от компании. В первую очередь от сценариста, во вторую — от оператора, в третью — от артистов и так далее. Вся эта компания — это люди, которые должны с вами все видеть в одном ракурсе. И начинать, конечно же, надо со сценариста. Это первый человек, с которым вам необходимо сблизиться, а потом также — с оператором, ну а потом уже — со своим главным исполнителем.

Это часть профессии — искать других людей, которые бы вместе с вами осуществляли ваш замысел в том направлении, в каком нужно. И не просто людей, не лишь бы кого-то, а людей ярких, талантливых. А талантливый человек, он все видит по-своему. Значит, задача состоит в том, чтобы найти талантливого человека и убедить его в том, что вы правы, что видеть надо именно так, если, конечно, вы сами в этом убеждены.

Это совсем непросто. Мы будем в дальнейшем говорить о том, как это сделать.

Еще об истории

Итак, вы нашли сценариста и определились с жанром. Вы ведь уже поняли, как выяснить, хорош или плох сценарий?

Напоминаю, если комедия — смеетесь, если мелодрама — плачете, если триллер — не можете оторваться от этой истории, она захватывает вас, потому что там самое главное — это саспенс, напряжение, которое растет от сцены к сцене, от кадра к кадру.

А если этого нет, что это за триллер?

В мусор!

Беда еще в том, что очень много пишут макулатуры. Вы не представляете, какое количество. Ведь у всех ощущение, что написать сценарий ничего не стоит. Кажется, действительно, что тут такого — сел и написал. Если я завтра объявлю конкурс, то нас просто завалят сценариями. Я как-то уже это делал: у меня в начале девяностых была одна из первых в России частных кинокомпаний — «Аквилон», и я по наивности решил, что объявлю конкурс и получу хорошие сценарии. Это был кошмар — пришли сотни и сотни слабых сценариев. Причем даже от людей, которые вроде бы являлись профессионалами, тоже приходило очень мало толкового. Пишут все кому не лень. А ведь очень непросто написать хорошую историю. Зато, если история действительно хорошая, это сразу видно.

Не может получиться классной, выдающейся картины по плохой истории. Потому что все равно, как бы вы ее ни украшали, если история слабая, она таковой и останется. Зритель, может, и получит какое-то удовольствие, но забудет о картине мгновенно. А если, наоборот, история замечательная, то даже при слабой режиссуре получается хорошее кино. А уж если и режиссура хороша, то тогда все складывается просто отлично, тогда получается шедевр. То есть это все-таки самое важное.

Альтернативный фактор

Далее, что такое история?

Как определить, о чем история?

Очень просто. История — это то, чего хочет главный герой, то, к чему он стремится. Про это и будет кино. Другое дело, достиг он этого или нет и как он этого добивается. То есть, на самом деле, история именно об этом: чего хочет главный герой и что не дает ему этого добиться.

Ведь что-то ему мешает, какой-то антагонист ему противодействует, какие-то препятствия возникают на его пути. Тут крайне важен альтернативный фактор, то есть что будет с героем, если он не справится с драматической ситуацией, в которую попал. И чем серьезней альтернативный фактор, тем лучше история.

Я объясню, что имею в виду. Допустим, человек хочет разбогатеть — простая идея, я думаю, что большая часть человечества относится к ней с энтузиазмом. Но это непросто, на его пути возникают всякие препятствия. Что будет, если он не достигнет своей цели, если он не разбогатеет?

Это очень важный вопрос, вопрос альтернативного фактора.

Что будет, если этого не случится?

Если он не разбогател, значит, к сожалению, не получилось — будет жить, как жил. Это один вариант.

Или упал еще ниже.

А куда ниже?

Скажем, не разбогател, а потратился, совсем разорился. Это уже лучше. Не разбогател — попал в тюрьму. Это сильный альтернативный фактор. Заболел на этой почве — тоже неплохо. И, наконец, умер — это самый сильный альтернативный фактор, сильнее ничего быть не может.

Человек поставил перед собой цель, и если он ее не добьется, то он умрет, — ничего сильнее в драматургии и в замысле режиссера быть не может. Это один из самых сильных альтернативных факторов, какие только бывают, потому что речь идет уже о жизни и смерти: если он не добился цели, значит, он умер. Сильнее может быть только гибель возлюбленной, или гибель популяции, или — самое сильное — гибель планеты, человечества, всего живого.

Повторю, потому что это очень важно: чем сильнее альтернативный фактор, тем интереснее история.

Если же альтернативного фактора нет вообще, то история, как правило, очень плоская, она не задевает. Значит, такой фактор должен быть всегда — весь вопрос в его уровне.

Человек полюбил девушку, он хочет добиться этой девушки, потому что без нее не может жить. Что будет, если он ее не добьется?

Он женится на другой.

Насколько это сильный альтернативный фактор?

Не очень.

А если он не добился ее и в результате сошел с ума, заболел. Это сильно?

Да, сильно. Он не добился ее и погиб из-за этого. Это уже трагедия. Это «Ромео и Джульетта». На мой взгляд, «Ромео и Джульетта» — одна из двух самых великих историй. Вторая — это «Золушка».

Принцип «Ромео и Джульетты»: вы берете двух персонажей, которые стремятся друг к другу, и думаете, почему и что им мешает. Чем больше препятствий вы между ними воздвигнете и чем труднее их преодолеть, тем интересней история.

Еще раз повторю, потому что мне кажется, что это очень важная мысль: история должна быть про то, чего добивается главный герой, и история эта тем интересней, чем сильнее альтернативный фактор. Это вам — инструмент в руки, чтобы вы понимали, насколько хороша история.

Мы также говорили о том, что она должна быть личностной, то есть она непременно должна перекликаться либо с каким-то вашим личным опытом, либо с вашими размышлениями, либо с вашими мечтами и устремлениями.

Она обязательно должна иметь личностную связь с вами для того, чтобы вы ею всерьез занимались и посвятили ей огромные силы, энергию, месяцы, годы — не знаю, сколько уйдет на подготовку вашего проекта. Но если вы хотите добиться успеха в кино, я вижу только такой путь. Бывают разные пути, но этот, с моей точки зрения, единственно правильный.

Сценарное мастерство

Я вам рекомендую поучиться сценарному мастерству, это не так трудно, зато для режиссера очень полезно знать законы, по которым выстраивается сценарий. Я вам уже назвал замечательную книгу Александра Митты. Есть также книга Александра Червинского «Как написать хороший сценарий», это тоже прекрасная выжимка из американских учебников.

В Америке все расписано как по нотам, там эти механизмы досконально изучены. Там точно известно, что должно происходить на первой странице, что на пятой, что на десятой, что на тридцатой, где должен быть поворотный пункт, где и какие должны быть перипетии. Там все это подробнейшим образом давным-давно расписано, и любой профессиональный американский сценарист все это знает наизусть, он точно понимает, как выстраивать историю.

А на самом деле, все это идет, конечно, от Аристотеля — трехактная структура пьесы. Американский сценарий, который теперь принят в мире, он тоже трехактный: первая часть, включающая в себя экспозицию и завязку, а также поворотный пункт, потом основная часть, заканчивающаяся вторым поворотным событием, и, наконец, кульминация и развязка в конце.

Это не значит, что вы должны стать сценаристами, — я уже говорил, что это совсем другая профессия. Но знать, как работает кинодраматург, — крайне полезно, потому что потом это облегчит вам общение со сценаристами, вы сумеете с ними разговаривать на профессиональном языке. Это очень полезно и очень важно.

Парадокс

Еще один парадокс, о котором я хочу сказать. Когда вы натолкнулись на историю, вы должны испытать противоречивое ощущение. С одной стороны, что это здорово, я такого не ожидал, а с другой — о, это прямо как в кино! Вот такое двойственное чувство.

Почему это прямо как в кино?

Да потому что, к сожалению, а вернее, к счастью, кино существует уже более ста лет, за это время сняты тысячи и тысячи картин, и, по моему убеждению, практически невозможно рассказать что-то принципиально новое, все уже было рассказано и пересказано. Фокус в том, как вы это расскажете. Потому что так, как вы это расскажете, еще никто не рассказывал.

Но, когда вы набрели на историю, очень полезно вспомнить все фильмы, схожие с той историей, которая у вас сейчас в руках, вспомнить и сопоставить, чем она будет отличаться, что в ней можно рассказать нового, как по-другому вы выразите то, что в этой или в той картине уже было сказано.

В общем, очень полезно вспомнить, что было в кино до вас.

Наблюдения

Итак, мы решили, с чего стартовать. Мы начинаем думать, какое кино мы хотим снимать. Это задача максимум. А задача минимум состоит в том, чтобы теперь снять маленькую работу. Она должна быть на три минуты. Три минуты — это очень хороший хронометраж, он заставляет вас внутри этих рамок работать очень сконцентрированно. Я считаю, что мне когда-то очень повезло, что после моих первых андеграундных картин судьба свела меня с замечательным человеком — сценаристом Александром Хмеликом, который создал и возглавлял киножурнал «Ералаш», и я несколько лет проработал с ним, снимая всевозможные короткие истории для «Ералаша». Я их сам придумывал и сам снимал, перепробовав разные жанры, — и мюзикл, и хоррор, — ну, в комедийном ключе, конечно. Это было крайне полезно, настоящая школа. И я понял, что эти три минуты, в которые надо было уложить историю, найти для нее форму, да еще комедийную, да к тому же неожиданную, — это очень хороший формат и очень помогает, когда ты учишься, когда пробуешь что-нибудь.

Начинать думать о первом фильме надо опять же сегодня. Времени мало, оно будет идти очень быстро.

Из чего возникает желание что-то сделать?

Нужно открыть глаза, научиться внимательно смотреть вокруг и все запоминать.

Вообще, это очень важно для режиссера. Я это просто ставлю во главе угла. Наблюдение. Надо мной всегда мои друзья смеются, — что ты там встал, что ты там застрял, что ты там читаешь? А я зевака — я могу в любом месте остановиться и смотреть, мне интересно.

Когда-то я вел дневники и вам всячески рекомендую, это ваша копилка: вы идете по улице, едете в метро или на машине — и вот вы что-то увидели, что-то необычное, странное. Что-то приковало ваш взгляд. Вот идет какой-то необычный человек со странным взглядом, в странной одежде. Или какая-то ситуация: два человека жутко кричат друг на друга, и вы удивились, потому что так никто никогда не кричал на вашей памяти. Или кого-то сшибло машиной, и что-то происходит. И все в таком роде.

Откройте ваши глаза. С сегодняшнего дня откройте глаза и смотрите на жизнь, подмечайте, что происходит вокруг яркого, необычного. И записывайте. Носите с собой диктофон, носите блокноты, потому что все это мгновенно забывается. Дальше появится еще что-то, через час вы опять что-то увидели, а на следующий день вы уже ничего не помните. А то, что вы записали и тем самым зафиксировали, это ваша копилка.

Я вам честно скажу — в течение очень долгих лет, каждый раз перед тем как начинать новую картину, я залезал в свои старые записные книжки и брал оттуда то, что когда-то туда записывал, то есть я пользовался этими своими домашними заготовками и из них извлекал для своих фильмов кучу деталей. У меня есть тетради, куда я записывал свои наблюдения и мысли, они хранятся десятилетиями, и я до сих пор иногда их перелистываю. И вам всячески советую это делать.

Характер

Вообще, каковы особенности профессии «режиссер»?

Это крайне жестокая профессия. Известно ведь, что режиссер и в жизни все фиксирует: любимый человек умирает, а он отмечает, как и что происходит. Смотрит на себя как бы со стороны и думает: «Вот я сейчас похоронил маму. А как интересно при этом выгляжу я и все вокруг?» Некое двоемыслие вырабатывается. Это ужасно на самом деле, потому что убивает человечность. Но ничего не поделаешь.

Профессия очень жесткая. Это профессия, в которой вам придется предавать любимых, предавать разных людей, потому что рано или поздно обязательно возникает ситуация, когда вам приходится делать выбор. Начиная от примитивной: влюбился в актрису или в актера, что очень часто происходит с режиссерами — они должны любить своих артистов, — но дальше у вас снимается следующий фильм, а там совершенно другой персонаж, для которого эта актриса или этот актер не подходят. Как вы можете отказать любимому, любимой?

Это примитивный пример, но он, на самом деле, очень наглядный. Это, повторяю, очень жесткая профессия, и, если вы человек внутренне мягкий, значит, вы не готовы к ней и просто теряете время.

Основное в режиссере — это даже не талант, а характер. Неважно, разговариваете вы тихим голосом или орете, но характер очень важен, это самое главное. Если внутри нет этого стержня, если вы его не чувствуете, значит, вы зря тратите силы, время и деньги.

Задание

Итак, у вас будет три задания. Первое — тема документального фильма, второе — три наблюдения и третье — тема будущей большой картины.

Есть несколько важнейших человеческих эмоций, вокруг которых, собственно, и крутится все искусство — это любовь, страх, ненависть, алчность, месть и так далее. Я бы хотел, чтобы вы придумали историю, в основе которой будет одна из этих главных человеческих эмоций. Учитесь излагать свою историю коротко и внятно, это очень важно — в нескольких фразах изложить, о чем идет речь.

И напоследок. Важнейшее правило для режиссера — никогда не опаздывать. Почему?

По очень простой причине — потому что, если вы позволяете себе опоздать, значит, и группа, и актеры подсознательно понимают — этот человек опоздал, значит, мы тоже можем опоздать, можно немного расслабиться. На вас смотрят, каждое ваше движение, каждое ваше слово считывается, поэтому, по моему убеждению, режиссер не имеет права опаздывать.

2. Искусство компромиссов

Как работать со сценарием. Разные жанры. Как подготовиться к встрече с актерами. Как анализировать историю. Что такое репетиция. Начало и финал картины

Low budget

Мы с вами в прошлой главе остановились, в частности, на вопросе, что такое дешевая картина, так называемый low budget, как ее сделать. Я просто хочу привести вам несколько примеров, чтобы было яснее, о чем мы говорили. Скажем, несколько лет назад в Америке был снят фильм — он вышел у нас на DVD — под названием «Паранормальное явление». Весь первоначальный бюджет этого художественного фильма составлял одиннадцать тысяч долларов, потом создатели добавили еще несколько тысяч на спецэффекты, так что окончательный бюджет был всего пятнадцать тысяч долларов. Это полнометражный художественный фильм, он заработал где-то восемьдесят пять или восемьдесят шесть миллионов долларов, что сделало этих молодых ребят знаменитыми. Естественно, они получили возможность снимать свои новые проекты.

Снят этот фильм на маленькую видеокамеру, все действие происходит в одном доме, и основные деньги на производство, насколько я знаю, ушли на покупку мебели в этот дом. И это не единичный случай. Я могу вам привести много таких примеров, подобные картины возникают каждый год. Не все они выстреливают — для этого надо обладать помимо свежих идей и таланта еще и определенным везением, но тем не менее периодически такое случается, и эти фильмы делают большую кассу.

Я говорю это не голословно. Приведу вам собственный пример: производство моей американской картины «Пистолет (от 6 до 7.30 вечера)» обошлось в сто двадцать тысяч долларов. Это полнометражный художественный фильм, получивший энное количество разных призов, конкурировавший в главном конкурсе Монреальского всемирного кинофестиваля, на котором он представлял США, с картинами бюджетом в сто пятьдесят миллионов. Снята была эта картина за восемь дней, и потом был еще девятый, дополнительный день досъемок. Все это возможно. Так что если кто-то смог это сделать, то почему вы не сможете?

Сможете, только надо начать правильно.

А что такое «начать правильно»?

Давайте разберемся.

Проверка истории

Как работать со сценарием?

Вот, допустим, сценарий попал к вам в руки и вы определились, что да, это та история, над которой вы хотите работать, это та история, которая вас глубоко волнует, она, безусловно, имеет к вам какое-то личное отношение. Что теперь делать дальше?

Ее надо проверить, с моей точки зрения. Проверить на «выносливость», проверить на качество, убедиться, насколько действительно к вам попало в руки то, что сделает вас потом знаменитым, богатым и счастливым. Для такой проверки есть энное количество разных инструментов. Опять же, мы не изучаем здесь сценарное мастерство, но какие-то элементы работы над сценарием нам знать важно.

Я, когда работал в Америке, прочитал пару учебников сценарного мастерства и выписал оттуда несколько вопросов, которые мне показались очень важными. Вот главные из них:

Представьте себе трейлер вашего будущего фильма — идея конкурентоспособна с вашей точки зрения?

Идея интригует сама по себе или требует превосходного воплощения?

Кто составляет целевую аудиторию?

Ваши родители пошли бы на этот фильм?

Рассказывает ли история о самых важных событиях в жизни ваших персонажей?

Последний, кстати, очень существенный вопрос. Напомню, что такое история. Это то, чего хочет добиться главный герой. Значит, очень важно, чтобы это были не проходные события в его жизни — какие-то мелкие события, которых можно навертеть бесконечное количество, — а важнейшие для его судьбы, для его истории. Тогда история сразу становится более значимой. Идем дальше:

Есть ли цель у героя?

Хорошо, цель прояснили. Теперь ритм.

Он нарастает?

А ведь это крайне важно. Когда вы читаете сценарий, важно, чтобы вы чувствовали, что ритм в нем нарастает, что нет сбоя. Вы все опытные читатели, и вы знаете, что это такое, когда книга захватывает, — вот так же должен захватывать сценарий, независимо от жанра.

Сценарий смешит?

Пугает?

Возбуждает?

Помните, я уже говорил, что есть три главные человеческие эмоции, которые испытывает зритель: он хочет либо смеяться, либо плакать, либо пугаться. Если все это в одном сценарии, то тут есть и плюсы и минусы — я о них скажу позже, но что-то из этих главных эмоций непременно в нем должно быть. И на этот вопрос себе обязательно надо ответить.

Вот, кстати, полезный и хороший вопрос:

Что в этой истории такого, чего зрители не получают в реальной жизни?

Мне очень нравится этот вопрос. Я не так давно был на обсуждении телесериала «Школа» на Пятом канале, его вел очень талантливый писатель и журналист Дмитрий Быков. Я повторю то, что я там сказал, когда меня спросили, какое у меня ощущение от этого сериала. Мне не нравится эта работа по одной причине — не потому, что она не талантлива, не потому, что она не профессиональна, а потому, что она делает вид, что это реальная жизнь, то есть она как бы мимикрирует под такое чисто документальное кино. Но если уж это документальное кино — поставьте скрытые камеры и снимайте документальное кино.

А если это художественное кино, которое, собственно, меня и интересует, если это произведение искусства, то я хочу видеть то, чего я в реальной жизни не вижу, что для меня является каким-то событием. Понимаете, можно просто сфотографировать какой-то пейзаж, а подойдет художник и нарисует, изобразит его по-своему — может быть, не так точно все передаст, но именно эта его картина станет произведением искусства, а вовсе не фотография, если она просто копирует то, что вы видите. Поэтому мне кажется очень хорошим вопрос: Что в вашей истории такого, чего зрители не получают в реальной жизни?

И еще несколько важных вопросов:

Какие имеются препятствия?

Насколько они сложны?

Что пытается сказать сценарий?

Достаточно ли ценно это высказывание?

Предсказуем ли сценарий?

В истории должны быть неожиданные повороты — это, надеюсь, вам понятно.

Теперь один крайне важный вопрос. Я давно о нем думал, только по-другому формулировал. Я писал:

«От чего можно избавиться безболезненно?»

А американцы пишут:

«Все ли сцены нужны?»

Это очень правильный вопрос. Когда вы берете в руки сценарий, проверьте, без чего можно обойтись. Что, если вот тут отрезали, и ничего по сути не изменилось?

Чем отличается, скажем, комедия с музыкой — музыкальная комедия, как она у нас называлась, — от мюзикла?

В музыкальной комедии все музыкальные номера вставные, и, когда ты их вынимаешь, ничего в истории не меняется: есть номер или нет номера, история все равно та же самая. А в мюзикле ничего вынуть нельзя, потому что там каждый номер продолжает историю.

Вот точно так же и в вашем сценарии — если он попал к вам в руки, значит, там все должно быть абсолютно на месте, нельзя изъять ничего, сразу что-то рушится. А если что-то можно изъять, тогда спокойно изымайте. Если конструкция точно сохранится без этого элемента, ничего в ней принципиально не нарушится, значит, он не обязателен, не нужен, и вы сэкономите себе и силы, и время, и деньги.

И еще важный момент — не бойтесь акцентировать тему фильма, одного упоминания о ней в проходной сцене недостаточно.

Действия героя

Как бы банально это ни звучало, но это непреложная истина — герои обязаны действовать!

В одном из американских учебников, которые я листал, настоятельно советуют сразу определить, какие роли в фильме захотят играть звезды. Но это к нам не относится. Я думаю, что в ролях важно, чтобы экшн и юмор органично вытекали из характеров ваших персонажей.

Но самое важное все-таки — чего герой хочет и чего ему на самом деле не хватает для того, чтобы он получил то, чего он хочет.

Я уже говорил об этом, и специально повторяю, потому что это самое главное. Это стержень всей вашей истории, и на этот вопрос необходимо ответить ясно и понятно.

Какая цепь событий — не только внешняя, но и внутренняя — приводит героя к цели?

Какова его внутренняя мотивировка, меняется ли он внутренне, когда все это происходит?

Это все очень важно, важно и для вас, и для зрителей. Зритель должен совершенно четко понимать, что происходит с главным героем. Герои обязаны действовать. Поступки определяют человека в гораздо большей степени, чем слова.

Банальности

Еще хочу дать вам несколько советов. Бывает, в сценарии есть какие-то сцены, где дается очень много всякой информации, так как сценарист считает, что она необходима зрителю. Относитесь очень осторожно к таким сценам, потому что, как только эта информация оказывается не очень понятна, не очень известна, зрителю становится предельно скучно, и в восприятии фильма сразу начинает что-то проваливаться, образуются этакие дырки. Специально обращайте внимание на такие сцены, где автор просто хочет донести какую-то информацию. Вообще, когда персонаж действует на основе неизвестной зрителю информации, такие сцены тоже очень быстро становятся скучными.

Очень помогает следующее: у вас в истории действуют разные персонажи, и надо, чтобы все они были не похожи друг на друга, чтобы у каждого была своя точка зрения. Чтобы, когда они разговаривают, они разговаривали бы не одинаковым языком, а у них были бы разные речевые характеристики. Чтобы, даже если мы не видим, кто говорит, сразу было понятно, что это другой человек, он по-другому изъясняется, здесь другая манера речи, другие поговорки, шутки и так далее. Чем больше отличаются друг от друга ваши персонажи, чем ярче их речевые характеристики, тем интереснее становится история. Она только выиграет от этого — если, конечно, не стоит специальная цель сделать персонажи одинаковыми.

Еще несколько общих советов.

Первый из них — надо стараться всячески избегать каких-то банальностей.

Что я имею в виду?

Совершенно не обязательно для того, чтобы показать богатого человека, шикарно одевать его, надевать ему на руку часы Rolex. Даже наоборот, если вы его оденете, скажем, невзрачно, а он окажется богачом, это гораздо интереснее. Вообще, всегда лучше идти от противного, чем пытаться по первому плану сделать то, что напрашивается.

Также всегда интереснее найти внутри каждого персонажа, помимо его основной линии, что-то еще, какое-то противоречие. Потому что, если это чистый, лишенный каких-либо проблем и противоречий герой, он довольно быстро становится плоским. В нас ведь столько всего наворочено и плохого, и хорошего — мы, с одной стороны, замечательные, порядочные люди, а с другой — сплошь и рядом делаем какие-то пакости: и врем на каждом шагу, и что только вообще не творим. Персонажи ваши также должны быть живыми людьми. То есть чем больше вы найдете у них каких-то противоречий, тем ваш главный герой будет интереснее и объемнее. Об этом тоже нужно думать.

Диалоги

Еще один важный момент: бойтесь избыточных диалогов в сценарии. Когда в сценарии слишком много говорят, то и фильм понемножечку превращается в этакое радиошоу. Не забывайте, что это кино, а кино, конечно, в первую очередь — это изображение, то есть пластика, движение.

Когда вам в руки попадает сцена, старайтесь взвесить ее и понять, можно ли ее рассказать, уменьшив этот диалог. Потому что гораздо интереснее для кино, если вы рассказываете картинками, а не словами. Вообще, всегда на первом месте должна быть картинка, потом уже действие, а потом слово.

Это такие общие советы, но я думаю, что они вам пригодятся. Чем больше вы будете читать сценариев и сравнивать их с известными вам фильмами, тем яснее вам будет становиться то, о чем я сейчас говорю.

Чистый жанр

Мы в прошлый раз немного затронули тему жанров, говорили о том, как выбрать свой жанр. Тут очень важная вещь, мне кажется, на которой я настаиваю, — это чистый жанр, что бы вы ни выбрали. Вы можете выбрать мелодраму, можете комедию, хотите, выберите просто драму, но по крайней мере на первой картине, а я даже думаю, что и на второй тоже, — не мешайте эти жанры. Я еще ни разу не видел успеха у режиссера, который смешивает жанры. Это очень опасно! Такие вещи, наверное, может делать только какой-то совершенно выдающийся мастер, обладающий либо невероятным дарованием и интуицией, либо огромным опытом. В противном случае это чревато неудачей, это крайне опасная дорога.

Объясню почему: вот вы задали кино. Что значит «задали» кино?

В течение первых пяти минут (ну, максимум десяти, но обычно пяти!) зритель понимает, на каком языке вы с ним разговариваете, что вы ему хотите рассказать, то есть он понимает правила игры, которые вы задаете. Он понял — это будет комедия, и уже, значит, расслабился, ноги вытянул, готов смеяться. Или, судя по той трагической музыке, которая звучит, и по тому, что уже кому-то успели проломить голову и бросили ее в мусорный ящик, он понял — это какая-то серьезная драма, триллер. Значит, он напрягся.

То есть в течение первых минут зритель точно усваивает правила игры и ужасно раздражается, если вы вдруг эти правила начинаете нарушать — у него внутри, подсознательно, возникает дикое раздражение. Почему?

Да потому, что он настроился смотреть одно кино, а ему вдруг берут и меняют по ходу дела правила игры — значит, это будет теперь другое кино. И один зритель в таком случае просто встает и уходит, а другой говорит всем знакомым: «Не ходите на это дерьмо! Я попал — теперь вы, главное, не попадите!»

Подобных провалов от смешения жанров полно, причем проваливаются даже голливудские картины, где сидят фокус-группы на студиях, где, казалось бы, уже всё проверяют. Там они столько тратят денег и сил, чтобы быть уверенными, что это будет верный успех, они звезд берут, суперзвезд, — и ничего не помогает! Как только смешиваются жанры, наступает катастрофический провал.

Например, недавно по телевизору показывали большую голливудскую картину «Hudson Hawk» — «Гудзонский ястреб» с Брюсом Уиллисом. Она начинается как миленькая мелодрамка, потом перетекает в комедию, а потом персонажи вообще начинают петь, и все это превращается в мюзикл. Так вот, от полного провала эту картину не спас ни Брюс Уиллис, ни опытные режиссеры, ни огромный многомиллионный бюджет. Или, скажем, был фильм «Last Action Hero» — «Последний киногерой» с Арнольдом Шварценеггером — уж, казалось бы, всеобщий любимец, гарантированный успех! — но та же самая история: путаница жанров — провал. Можно найти еще много примеров, а сейчас просто поверьте мне на слово — это крайне опасный путь. Если вы выбрали какой-то жанр, следуйте ему, не сходите с этих рельс — в противном случае вас будут поджидать очень серьезные неудачи.

Я призываю вас к этому, поскольку вы еще только в начале своего пути. Я хочу, чтобы на первых порах, выбирая для себя историю, задумывая первую картину, вы избежали бы возможных подводных камней. Я пытаюсь вам облегчить жизнь, только и всего.

Теоретически, можно делать все, что хочешь. Можно на определенном уровне, безусловно, вносить элементы одного жанра в другой, можно снимать все что угодно, начинать фильм с конца или с середины, — одним словом, никаких ограничений нет. Но, повторяю, я пытаюсь упростить ваш путь, поэтому стараюсь вам объяснить, как снять фильм просто и как попробовать в этом «просто» найти свой почерк и добиться определенного успеха.

Никто не запрещает вам вносить любые элементы — ради бога! Просто сейчас, когда вы делаете первые шаги, я вам этого не советую. Можно привести массу примеров, когда в одном жанре были какие-то элементы другого, как удачных, так и неудачных. Я говорю о том, что, как правило, происходит в этих случаях. А как правило, происходит беда. Но, конечно же, бывают и исключения.

Оператор

Итак, вы получили в руки сценарий, вы его «взвесили», проверили и убедились, что вы на абсолютно правильном пути, у вас есть замечательная история. Еще раз повторю, потому что это очень важно, — не просто история, а замечательная история. У вас в руках блистательный сценарий — только с таким ощущением вы можете начинать над ним работать. Если же у вас нет этого ощущения, тогда шанс, что из этого получится действительно потрясающее кино, минимален.

Я считаю, что непременное условие успеха — это ваша убежденность, стопроцентная убежденность. Когда я в очередной раз переживал, что время бежит, а фильм все не запускается, мой французский продюсер Ив Паскье, с которым мы сейчас работаем над одним проектом, сказал мне: «Ну что ты волнуешься, ты же знаешь, что у нас в руках бриллиант!» Вот и вы должны чувствовать, что у вас в руках бриллиант.

Так вот, он у вас в руках. Что делать дальше?

А дальше вы начинаете думать о том, с кем вы пуститесь в это плавание. Мы сейчас отставляем в сторону продюсирование, финансирование — это отдельные темы, мы до них дойдем. Есть два главных человека, с которыми вы пойдете в эту историю, и в первую очередь это оператор. Это безумно важно. Оператор — главный ваш человек, и найти оператора крайне тяжело.

Что значит «найти» — их полно! Но найти такого оператора, который будет вас чувствовать, понимать с полуслова, и при этом станет с вами спорить и отстаивать свою точку зрения, то есть окажется сам по себе человеком талантливым, и вы будете испытывать к нему уважение, он не будет раздражать вас — это очень непросто. Это все равно как удачно жениться или выйти замуж, это очень серьезный выбор, серьезное решение. Оно жизненно важное, это решение, потому что вы выбираете ваши глаза и руки. Это человек, через которого все будет реализовываться.

Встреча с актером

Следующий самый важный для вас человек — это актер. Об операторе мы поговорим позже, а сейчас поговорим об актере, потому что с актером вам придется встречаться всю вашу жизнь, а они все разные, и о них мы будем говорить очень много; это вообще отдельная тема — работа с актерами, отношения с ними. Сегодня я хочу чуть-чуть коснуться этой темы. Я сформулировал ее так — как подготовиться к первой встрече с актером. Это очень важно и для вас, и для артиста.

Повторяю, артисты все разные. Конечно, они стремятся получить роль, и при этом очень часто хотят показать, кто они такие. Им нередко нравится поставить режиссера на место, особенно если эти актеры еще не мастера, но уже что-то из себя представляют. Взлетели быстро и нередко случайно. Конечно, они находятся в зависимости от вас, поэтому будут смотреть на вас немножко снизу вверх, но с удовольствием могут задать и какой-нибудь каверзный вопрос. Это все не так просто, и от того, как выстроятся ваши отношения с артистом с самого начала, очень сильно будет зависеть, как пойдет дальше ваша с ним работа.

Какое оружие я могу дать вам в руки при встрече с артистами?

Есть один секрет. Он очень прост, и, кто бы ни был артист, знание этого секрета вам поможет. Допустим, пришел великий актер, звезда — вы уже робеете, потому что знаете, что у него за спиной шестьдесят знаменитых фильмов и шлейф потрясающих ролей в кино. И вот он пришел с вами разговаривать. Что вы можете ему противопоставить? Предположим, вы знаете, чего вы от него хотите, но у него-то опыта в сто раз больше.

Так вот, две важные вещи — помимо того, что вы хорошо знаете историю, которую собираетесь снимать, вы должны абсолютно все знать про этого персонажа.

Что такое «знать абсолютно все»?

Допустим, ваш персонаж, Бонни из «Бонни и Клайда» или Клайд — не важно, лучше начнем с мужчины. Ваш сценарий начинается с того, что Клайд видит Бонни в окне, забирает ее, грабит банк, и они уезжают. Это первая замечательная сцена. Так вот, вы должны знать все про Клайда: где он родился, как он рос, кто его родители, религиозен ли он, и если религиозен, то что за религия, которой он следует, что он любит, что ненавидит, что с ним было, когда ему было 13 лет, что с ним было, когда ему было 20 лет, и так далее. Это я вам называю главные вопросы, а их может быть гораздо больше.

Вы должны написать по каждому основному персонажу некое исследование. Так же, как следователь, когда приступает к своей работе: вот перед ним картина преступления, и он начинает на каждого участника преступления создавать целое досье. Вот такое досье вы должны создать на каждого вашего персонажа, если хотите всерьез подготовиться к встрече с артистами. Тогда вы неуязвимы, тогда любая, самая крупная звезда в мире перед вами все равно спасует, потому что артист очень быстро разберется, что вы знаете про персонажа гораздо больше, чем он. В разговоре это мгновенно проявится.

Серьезный артист тоже готовится, у него будет своя легенда, он придумает что-то свое, и тем интереснее ему будет с вами беседовать, потому что у вас уже все давно продумано и готово. Это та домашняя заготовка, которую вы обязаны сделать, — досье на каждого вашего персонажа. Не обязательно на второстепенных, проходных, это вы можете сделать коротенько, но на основных — на героя, антигероя, на полудюжину значимых персонажей нужно обязательно составить подробнейшие досье: где родился, как рос, кого любил, кого ненавидел (последнее — очень важный вопрос!), за что, почему и так далее. Вот это очень серьезное оружие вам в руки. Тогда, повторяю, вы неуязвимы.

Репетиции

Итак, вы поговорили с артистами и вроде нашли с ними общий язык. Договорились, прошел кастинг, актеров утвердили. Что происходит дальше?

Репетиции.

Что такое репетиция, и нужна ли она вообще?

У вас полно дел, вам нужно найти места съемок, нужно поработать с художником, все раскадровать с оператором — миллион дел, пока вы готовитесь. При этом у вас наступит съемочное время, и актеры придут на площадку. И не где-то они будут находиться, а именно там, на площадке, где у вас съемка. Так что там и репетируйте себе на здоровье, перед тем как снимать. Нормально?

Нет.

Почему?

Сейчас объясню. Если, скажем, вы знаменитый на всю страну режиссер и у вас огромный бюджет, то нет нужды, — можете снимать фильм год, два, три, никто вам и слова не скажет. Репетируйте себе во время съемок, сколько хотите, а артистов ваших вообще поселите где-нибудь в отдельном месте, вне дома, чтобы было удобней с ними работать. Но если вы находитесь в тех рамках, в каких, я думаю, вы и окажетесь, то рамки эти очень жесткие. Вам надо будет снять картину, и не просто картину, а очень хорошую картину, потому что от нее будет зависеть ваша дальнейшая судьба. Снять в самые кратчайшие сроки. Вам никто не даст возможности снимать ее столько, сколько вам бы хотелось.

Как я уже писал выше, молодой режиссер, мой сын Филипп, снял в Штатах фильм, который я продюсировал, — комедию «Голливудский мусор». Там у него был 21 съемочный день, и он не получил ни дня больше, хотя это полнометражная прокатная комедия. 21 день — это, с одной стороны, много, с другой же — очень мало при наличии большого количества объектов, переездов, при обилии персонажей. Времени на серьезные репетиции нет, потому что надо снимать: если вы не сняли сегодня то, что запланировали, значит, вы начинаете выбиваться из графика, из плана — начинаются тяжелейшие проблемы и кончается все очень скверно.

На Западе каждый день в конце съемочного дня продюсер (не главный продюсер, а line producer, по-нашему — директор фильма, то есть тот, кто обязан посылать рапортичку главному продюсеру о том, как прошел день, сколько снято, что снято, и выполнен ли план) посылает отчет, и, если план не выполнен, у главного продюсера возникает вопрос, почему это случилось. Если и на второй день план не выполнен — это уже не вопрос, это уже очень серьезно. А на третий день такого отстающего от плана режиссера обычно снимают с картины и заменяют. Почему?

По очень простой причине — съемочный день стоит очень дорого. Даже на самой недорогой — low budget — картине съемочный день обходится минимум в 30–35 тысяч долларов. А когда уже бюджет сформирован, то никто ниоткуда дополнительные деньги достать не может, и продюсера это начинает бить по карману очень серьезно — получается, что он должен выложить собственные деньги. Но он этого делать не будет, он предпочтет убрать режиссера. Поэтому там во время съемок нет времени на репетиции.

В наших же условиях пока все еще немного по-другому, хотя потихонечку мы уже приближаемся к западной манере. Но у нас другая беда, которую я наблюдал много раз: я видел энное количество молодых режиссеров, которые принципиально не репетировали. Даже если у них есть возможность, они все равно не репетируют. Потому что боятся репетиций.

Еще раз — что такое репетиция?

Репетиция, это когда ты — один на один с артистом, и если что-то ты не продумал, что-то внутри тебя колеблется, артист очень быстро это улавливает. А режиссеру совершенно не хочется терять свой авторитет в глазах группы, в глазах актеров. Когда идет съемка, то тут все в порядке, знай кричи: «Мотор!», «Встань туда!», «Встань сюда!». А когда съемки нет и мы сидим в зале и можем спокойно репетировать — это уже совсем другая история, здесь уже человек должен себя раскрыть полностью. И многие кинорежиссеры, у которых нет театральной практики работы с артистами, потому что это другая школа, боятся этого и избегают репетиций. Что, конечно же, потом сказывается на результате.

В чем смысл репетиций?

Почему они так важны?

Потому что это ваша подготовка. Вы проверяете во время репетиций все ваши замыслы: на правильном ли вы пути, получится ли то или это. И тогда на съемку вы приходите уже совершенно в другом настроении. Вы готовы, вы не будете пробовать на съемках. У вас была возможность попробовать до съемки, получается ли эта сцена нужным вам образом.

Поэтому я очень советую: если вы доберетесь до запуска картины, любым способом выбивать у продюсера и у артистов время на репетиции до съемок. Это очень важно. Я, когда работаю с детьми, начинаю с ними репетировать за два месяца до начала съемок. Два месяца — это минимум, потому что дети ничего не умеют, они не готовы. Со взрослыми актерами, конечно, два месяца вам никто не даст, такого времени ни у кого нет, все заняты. Но постарайтесь получить хотя бы неделю, хотя бы несколько дней до начала съемок, чтобы все как следует уточнить. Проверить, от чего можно избавиться, что нужно добавить, где сделать акцент и как все-таки снять эту сцену наилучшим образом, чтобы она заиграла. Вот это самое замечательное время, которое у вас будет, потому что на съемках — не до этого, там надо решать огромное количество проблем каждую секунду.

Компромиссы

Кино, к несчастью, — это искусство постоянных компромиссов. Компромиссов между всеми задумками для вашей прекрасной картины, которые вы держите в своей голове, и тем, что реально сейчас можно сделать, конкретно на этой съемке, — где пьяный декоратор не так что-то приколотил, где актер опоздал и дал вам меньше времени, чем вы рассчитывали, потому что он бежит дальше сниматься на телевидении, и так далее. Это постоянные компромиссы, которые вам приходится преодолевать, это такая работа, такая профессия. Весь вопрос в том, как далеко вы можете пойти, идя на эти компромиссы. В какой-то момент вы должны сказать: «Стоп! Здесь я уступил, ладно, черт с ним, пусть декорация будет такая, но вот это я уступить не могу. Снимать артиста, когда у него глаза явно с бодуна, я не буду, потому что потом это останется на экране навсегда».

Вообще, имейте в виду, это очень важная вещь — внутри вас должен работать какой-то такой измеритель, надо в себе вырабатывать это качество: вы должны понимать, на что вы можете пойти, где вы можете уступить, потому что уступать все равно придется постоянно, а где нет, вы не уступите ни в коем случае. Вот в какой-то момент этот механизм у вас должен срабатывать, что-то внутри должно сказать: «Нет, дальше ни шагу, дальше не могу». И запомните — там, где вы уступили, это останется так навсегда. Выйдет фильм, и даст бог, он будет замечательный, будет идти много лет, но каждый раз, когда вы будете его смотреть, в этом месте у вас ёкнет сердце, и вы подумаете: «Я здесь уступил, я это не дожал. Я мог, но не сделал». Поэтому это очень важно.

Здесь очень трудно давать советы, потому что, как правило, ты всегда находишься в состоянии какой-то дилеммы, выбираешь, что делать: или закрыть на это сейчас глаза, потому что надо идти дальше, нужно продолжать снимать, ведь есть план, и если сейчас ты зациклишься на этом кадре и потратишь еще километры пленки, то не снимешь следующий, который планировал в этот день. Или все-таки дожать этот кадр, потому что ты с ним бьешься уже битый час, и он тебе безумно дорог. То есть все время — перед тобой дилемма.

Кто может решить эту дилемму?

Только вы, только тот маленький человечек, который будет сидеть внутри вас и говорить: «Это нельзя отдавать. Вот, что хочешь делай, но отдать нельзя, это надо обязательно дожать. Пусть тебя распнут, делают с тобой, что хотят, но здесь я не отступлюсь». Это очень важно, чтобы внутри был такой измеритель, определяющий, что можно и чего нельзя.

Еще о репетициях

Первый раз я репетирую только с актерами, больше никого нет. Но на вторую и третью репетиции я приглашаю оператора. На вторую репетицию я его приглашаю просто для того, чтобы он сидел и смотрел, что получается. На третью — я уже, как правило, прошу, чтобы он пришел с камерой и походил вместе со мной. То есть, с одной стороны, я артистов начинаю приучать к камере, а с другой — оператор тоже готовится, он тоже вовлечен в этот репетиционный процесс, он соучастник.

То, что я видел вообще на российских киноплощадках, я больше нигде в мире не видел. Только здесь, у нас, я много раз наблюдал, как приезжают на площадку режиссер с оператором и начинают чесать репу и думать, как же мы это снимем, — сюда, что ли, поставить камеру, а может, туда лучше. Вот так они ходят, думают, и вся группа ждет с благоговением, когда наконец эти светлые умы осенит, когда наконец они определятся, что они делают и как они это делают. Это паноптикум, с моей точки зрения. Подобное абсолютно нельзя себе представить на Западе или в той же Америке — чтобы люди приезжали неготовые, чтобы они начинали думать о том, как и с чего начать, уже будучи на площадке.

Чем лучше вы подготовлены, тем, естественно, интереснее и качественнее идет процесс. Как я уже говорил, главное, чем должен заниматься режиссер, — он должен думать. Сидите и думайте, пишите, описывайте героев, описывайте сцену, рисуйте — делайте, что хотите, готовьтесь. Потому что хуже всего, когда вы приезжаете на площадку неготовым.

Кстати, одна интересная вещь. Когда вы репетируете — место, где идет репетиция, никогда не будет похоже на ту реальную площадку, на которой вы будете снимать кино, будь это готовый павильон или какая-то натурная площадка. Это просто счастье, если вам удастся прорепетировать на реальном месте съемок. В принципе, место репетиции — это какая-то комната, какой-то зал — как правило, не имеет ничего общего с тем местом, где вы будете реально снимать. Тем не менее тут вы можете выстроить отношения персонажей, продумать, как и что будет на съемке, все проверить, прикинуть, максимально отработать сцену.

Но когда вы приедете на съемочную площадку, уверяю вас, она сама подскажет вам что-то новое. Вы приедете, и окажется, что этот домик в вашем воображении стоял слева внизу, а там он будет стоять справа на холме, то есть все сразу поменяется, и вообще все будет по-другому. Но, по крайней мере, вы не будете там стоять и чесать в голове — у вас уже есть готовая сцена, она отрепетирована, вы знаете персонажей, поэтому вы довольно быстро сориентируетесь, что нужно изменить и как именно снимать. Но для этого должна быть проделана большая домашняя работа, и репетиция как раз и относится к этой работе. Если же домашняя работа не выполнена, если режиссер приходит на площадку, не сделав ее, не подготовившись как следует, это мгновенно сказывается на съемках.

Интересно еще следующее. Часто бывало, что первые картины становились лучшими, потому что к первой картине режиссер готовится особенно тщательно, выкладывается в ней полностью, выплескивает все, что он накопил, весь свой жизненный опыт. Кроме того, он готов выворачиваться как угодно из тех сложных ситуаций, которые возникают. Как говорится — голь на выдумки хитра!

Возьмем, к примеру, замечательный фильм Клода Лелуша «Мужчина и женщина», который, в принципе, определил всю его карьеру и по сей день, мне кажется, остается лучшей его картиной, хотя снял он их уже десятки. Мы еще не раз будем говорить об этом фильме, он того стоит. По тем временам этот фильм был типичным low budget, малобюджетное кино, к чему я вас, собственно, и призываю. А стал он великой картиной. Такое случается, и я вам всячески этого желаю.

Чаплин

Вот те несколько общих соображений, которые я хотел изложить. А теперь я хочу показать вам некоторые фрагменты из фильмов, которые, по моему убеждению, необходимо знать. Начнем мы эту нашу историю кино с самой, на мой взгляд, значительной фигуры мирового кинематографа — Чарльза Спенсера Чаплина. Это мой любимый режиссер, и он — единственный человек во всей истории мирового кино, сочетавший в себе абсолютно гениальные качества, и к тому же совершенно разные. Чаплин — родоначальник авторского кино, причем не просто авторского, а авторского кино, адресованного сотням миллионов людей. Это человек, который ухитрялся и открывать жанры, и смешивать их, и все это делать поразительно мастерски. Гениальный режиссер, гениальный артист, великий композитор, потрясающий сценарист, художник — чего он только не умел! Единственное, чего не делал Чаплин, — он не был оператором. Все остальное он делал сам.

К слову говоря, я и вам всячески рекомендую не становиться операторами. Объясню почему. Бывают, конечно, режиссеры-операторы, но если вы взяли в руки камеру — однажды я проверил это на себе, на своей первой картине, — у вас руки уже заняты, вы скованны. Это вас очень ограничивает, не дает возможности работать с артистами и со всей группой так, как вы могли бы, если бы не держали камеру и, соответственно, руки у вас были бы свободны.

Кроме того, сторонний операторский взгляд тоже очень важен, он может очень вам помочь. Поэтому моя настоятельная рекомендация — вы сейчас будете приступать к первым своим работам — ни в коем случае не снимать самим, даже если вы умеете это делать. Только обязательно с оператором.

Так вот, единственный случай в мировой истории, когда человек сочетал в себе абсолютно гениальные качества совершенно разных профессий: актера, композитора, режиссера, сценариста, — это Чаплин. Англичане сделали безумно интересный фильм, он называется «Неизвестный Чаплин» — это большая картина, по-моему, она идет три часа, если не больше, и состоит из нескольких серий. Им удалось собрать массу материала и показать, как Чаплин работал. Давайте сейчас посмотрим фрагмент этого документального фильма.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вы посмотрели фрагмент и увидели, сколько было затрачено труда, сняты сотни дублей, ушли бесчисленные километры пленки, пока Чаплин добился того, чего хотел. Но я показал вам этот фрагмент еще и ради последней закадровой фразы о том, что после всех усилий этот эпизод Чаплин никому не показал и вырезал. Поэтому Чаплин, как мне кажется, и стал столь великим кинематографистом. Одна из причин, помимо таланта и энергии, — он был абсолютно безжалостен и к себе, и к тому, что он делал. Вот это очень важная вещь — я хочу, чтобы вы это запомнили. Когда ты снимаешь кино, и особенно когда ты снимаешь его впервые, тебе жалко всего, жалко каждого кадра, который ты снял, потому что ты потратил на него массу сил, времени, энергии и так далее. Выигрывают только те, кто не жалеет.

И вторая вещь. Чаплин был феноменально работоспособен, совершенно не зависимо от того, на какой вершине славы он находился. И каким бы богатым он ни был (а он являлся владельцем собственной киностудии и в ту пору мог позволить себе все что угодно и тратил бешеные деньги на свое кино!), он работал с невероятной отдачей. Вы сейчас увидите, как он работал. Вот это тоже очень важное качество для нашей профессии. Я видел за свою жизнь разных режиссеров: глупых, умных, хамов, интеллигентных, толстых, худых — всяких, не видел только ленивых. Вот ленивых режиссеров не бывает, этого не может быть, потому что это такая профессия. Если ленивый, то тогда это не режиссер, а просто человек, изображающий из себя режиссера. Вы должны быть готовы к огромному и постоянному труду, и только в этом случае что-то получится — это непременное условие. Сейчас посмотрим, как шла работа над великим фильмом «Огни большого города».

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вы поняли, как он это делал, Чаплин?

На самом деле, он делал то, о чем я вам говорю. Только я вам говорю: «Готовьтесь! Репетируйте! Пишите! Думайте!» — а он все это делал прямо на съемочной площадке, потому что он владел студией, он платил артистам и не жалел на это денег. Он приходил, и работал, и переделывал, и переснимал-переснимал-переснимал, и пленка для него вообще ничего не стоила. Он считал, что самое дешевое, что есть в кинопроизводстве, — это пленка.

И еще Чаплин на ходу все придумывал и писал. А на самом деле, он таким образом готовился — вот что он делал. И в конечном счете он добивался результата. Вы не хозяева студии, у вас нет возможности тратить километры пленки на бесчисленные дубли, значит, у вас есть единственный путь готовиться — это писать, рисовать кадры, репетировать.

Чаплин снимал картины годами и снова переснимал их. Он снимал «Огни большого города» три года, но сделал шедевр. На «Золотой лихорадке» он увез всю группу в горы, снимал там эту великую картину в тяжелейших условиях, а потом вернулся, посмотрел материал и все выкинул. Построил всю декорацию на студии и стал снимать все заново. Пять лет он снимал «Золотую лихорадку». И сделал шедевр.

С этим эпизодом, с этой последней сценой в «Огнях большого города» он тоже мучился очень долго и в конце концов взял другую актрису и переснял сцену с ней. И не просто актрису, а ту самую, из «Золотой лихорадки», — совершенно замечательную Джорджию Хейл. А потом убедился, что нет, та, прежняя, была лучше. И опять вернул ту, Вирджинию Черрилл, и опять переснял, и в конечном счете добился того, чего хотел. К чему я так подробно?

Так человек работал и в результате создавал шедевр, не щадя ни себя, ни кого другого. Это единственный путь.

Вы сейчас увидите, как репетировалась финальная сцена «Огней большого города». Всего Чаплин сделал, по-моему, полторы тысячи дублей этой сцены, и в результате получилось гениально. На этой сцене в течение многих лет рыдал весь мир. Десятки и сотни миллионов людей выходили зареванные из кинотеатров, хотя перед этим буквально надрывали животы от смеха, потому что там масса очень смешных сцен. Но Чаплин хотел, чтобы они рыдали, и он этого добился.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Есть еще две интересные вещи в том, как работал Чаплин, и я хочу, чтобы вы обратили на них внимание.

Первая — посмотрите, как работает второй план. Там ездят машины, ходят люди — абсолютно естественная, обыденная обстановка. Это, в частности, показывает класс режиссера — второй план. На это тоже всегда надо обращать внимание. Понятно, что вам не до этого — вы заняты первым планом, вам важно, как артисты ведут себя на первом плане. Но класс режиссера показывают именно эти две вещи — второй план и детали. У Чаплина все детали замечательно хороши.

И вторая вещь — он делает то, что сейчас почти никто не умеет: он многие сцены снимает одним кадром, он его не режет. То есть он так тщательно репетирует всю сцену, что может себе позволить снять ее одним кадром, без монтажа — то есть без обычного монтажа в нашем понимании, а на самом деле на внутрикадровом монтаже. Это очень ценно, потому что, когда пленка не режется, сразу возникает подспудное доверие к тому, что происходит на экране: ты понимаешь, тебя не обманывают, в зале прошло ровно столько времени, сколько на экране, — и Чаплин очень часто это делает.

«Малыш» — первая драматическая комедия в истории кино, это изумительная работа с ребенком. Джеки Куган, который играл малыша, стал всемирной звездой после этого фильма.

Вы просто обязаны знать все большие, великие фильмы Чаплина — лучшей школы я вам просто не могу посоветовать. Это единственный человек, который умел заставлять людей и плакать, и смеяться в одной и той же картине — тогда, когда он этого хотел. Вы должны знать и «Огни большого города», и «Новые времена», и «Золотую лихорадку», и «Великого диктатора». Чем больше Чаплина, тем лучше. Особенно интересно смотреть его короткометражные, маленькие бесчисленные работы. Потому что потом ты видишь, как он эти свои заготовки использует в больших картинах, как вот здесь он что-то такое наметил, проверил, а потом в большой картине это выстрелило уже в каком-то совершенно потрясающем эпизоде.

Начало фильма

Еще один существенный момент — что, по-вашему, самое важное в фильме?

Ответ очень простой. Самое важное — это две вещи: начало и конец.

Потому что, повторяю, за первые пять минут зритель понимает, хочет он смотреть этот фильм или нет. И кстати, не только зритель. Я присутствовал на многих международных кинорынках и видел прокатчиков, которые ровно через пять минут вставали и уходили, потому что им все уже было понятно, хотят они это кино или не хотят. Поэтому первые пять минут безумно важны — они определяют, усидит ли ваш будущий прокатчик на месте, будет ли он смотреть картину дальше или нет.

Давайте посмотрим начало картины «Огни большого города».

(Идет демонстрация фрагмента.)

Как видите, здесь замечательная динамика, что поддерживается гениальной музыкой, написанной Чаплином, и тем, как построена сцена. Это идеальное представление героя зрителю, потому что все базируется на противоречиях: пафосная большая сцена, и вдруг вот этот маленький бродяжка. Раздается торжественный гимн, а он болтается на статуе.

Вы обратите внимание — Чаплин это делает изумительно, — его персонаж, его главный герой, все время идет по кривой от счастья к несчастью, и опять от несчастья к счастью — в этом плане это всегда идеально выстроенная линия в его фильмах. Если герой в вашей картине будет идти от счастья к несчастью, то зритель будет смотреть, наблюдать за ним с огромным интересом, это крайне важно.

С точки зрения жанра Чаплин делает комедию с элементами мелодрамы. Но эта формула — «от счастья к несчастью» — работает в любом жанре, абсолютно в любом; драма ли это или комедия — совершенно не важно. Главное — как двигается ваш персонаж внутри истории, и если вы используете эту формулу, то тогда это не плоское однообразное движение, а настоящие перипетии, которые заставляют зрителя следить за героем очень внимательно.

Финал

Не менее, чем начало, важен финал фильма. Многие театральные режиссеры хорошо это понимают, поэтому, к примеру, идет какой-то посредственный спектакль, а под финал непременно звучит какая-нибудь отличная бравурная музыка, под которую хочется сразу аплодировать, и тогда вроде все кончилось хорошо, и зритель выходит в хорошем настроении.

Финал безумно важен, потому что последние минуты — это то, с чем зритель выходит из зала, что у него остается в душе, самые последние мгновения картины. Финал может угробить фильм, а может вдруг поднять его очень высоко — если хорошо придуман.

Посмотрим финал чаплиновской картины «Новые времена».

(Идет демонстрация фрагмента.)

Великий финал великой картины. Люди, которые во время просмотра ленты и плакали, и смеялись, выходили совершенно счастливыми, потому что в конце он все равно дарил им надежду. Поразительная финальная улыбка героини — этот прием потом подхватил другой гениальный режиссер, Феллини, в своей потрясающей картине «Ночи Кабирии», которую он тоже заканчивает улыбкой героини. А научил его Чаплин, я не сомневаюсь — это он заставил свою героиню здесь, в финале, улыбаться, и Феллини потом то же самое сделал со своей Кабирией, с Джульеттой Мазиной.

Характер героя

По поводу начала и финала, надеюсь, все понятно. Теперь вернемся к характеру героя. Вот еще несколько вопросов, которые тоже помогают раскрывать характер главного персонажа. Это вопросы, которые мне всегда помогали, надеюсь, помогут и вам.

Первый вопрос — что его мучает?

Что значит «что мучает»?

То есть какая внутренняя проблема у героя?

Понятно, что Ромео хочет получить Джульетту, но что еще его мучает, какая у него проблема внутри?

Если вы ответите на этот вопрос, характер сразу становится объемным и интересным.

Еще интереснее, если вы ответите на второй вопрос — какая у персонажа травма?

То есть какая душевная рана у него есть, что у него болит, грубо говоря.

Итак «что мучает?» — это первый вопрос.

Если углубляться, то второй вопрос — «что болит? Какая травма?»

Третий вопрос, который тоже, мне кажется, достаточно важен — какая маска?

Что это значит?

Это значит, что очень часто мы все в жизни стараемся носить какую-то маску. Крайне редко люди остаются самими собой. Как правило, на людях все надевают какую-то маску, и если вы на этот вопрос отвечаете, то ваш герой, ваш персонаж сразу же опять-таки становится объемней и интересней.

И, наконец, мой четвертый вопрос — как эта травма лечится?

То есть что по ходу вашей истории происходит с персонажем, как эта проблема решается, залечивается ли эта рана, или она остается.

Если она залечивается к финалу, то зритель будет очень доволен и благодарен вам.

Вот эти вопросы могут помочь вам в работе с актерами.

А теперь разберем еще несколько вопросов, касающихся истории.

Анализ истории

Историю я делю на следующие аспекты: первый — это мир истории.

Что такое «мир истории»?

Это значит, достаточно ли в этой истории эмоций, напряжения. Это очень важно. Чувствуете ли вы это эмоциональное напряжение постоянно?

Второй аспект — это проблема истории.

То есть — как герой задевает других?

Чем он задевает других?

Как именно он их задевает?

Ранит ли он других персонажей?

Как он с ними соприкасается?

И еще один вопрос, примыкающий к этому.

Как он сам себя задевает?

Дальше — цель истории.

За что вообще герой борется?

За что он сражается?

Очень важно также, чтобы вы определили главный вопрос в истории. Я встречал режиссеров, которые никогда не могли объяснить, в чем главный вопрос их истории. И в результате и на экране была полная невнятица.

Так что на это вы обязаны ответить — в чем главный вопрос вашей истории?

Против чего ваша история?

За что она?

План.

Это отдельный пункт.

Какой план у героя?

Чем яснее вам будет план героя, тем понятнее, как эта история будет разворачиваться. Очень хорошо, если есть дилемма. Но есть ли она?

Если есть дилемма в истории, история сразу укрупняется, становится интереснее.

Понятно, что очень важно, кто оппонент, то есть кто антагонист героя и какой у него план, у этого антагониста.

Есть ли какие-то секреты в истории?

Это тоже очень помогает.

Интересный вопрос — как меняется ваш герой?

То есть какова арка героя? Полезно даже ее нарисовать.

И последнее, — если есть какая-то дилемма, если герой меняется, то какое моральное решение он принимает?

Надеюсь, все это поможет вам в работе над вашим будущим фильмом, поможет сделать его персонажей по-настоящему интересными.

Задания

А теперь несколько домашних заданий. Во-первых, я прошу вас найти три фильма на сходную с выбранной вами темой и определить, то есть четко сформулировать, чем ваш фильм будет отличаться от уже снятых. Я также попрошу вас продумать драматургию этого вашего будущего фильма.

И еще одно важное задание.

Посмотрите посредственный фильм, то есть откровенно слабый, и попробуйте определить, что в нем можно изменить, чтобы сделать его лучше.

Что же касается вашего учебного первого фильма, то вам пора задуматься об операторе. Удачи!

3. Выразительные средства режиссера

Кинопроизводство. Раскадровка. Ритм фильма. Композиция фильма. Мизансцена. Репетиции

Еще о персонаже

Мы с вами уже говорили о персонаже, обсуждали, что такое «персонаж», каковы функции главного героя. Так вот, к этой же теме я хочу добавить еще пару существенных вопросов, которые вам помогут в работе над сценарием, в раздумьях о том, кто такой главный герой и что он делает.

Надеюсь, вы уже хорошо запомнили нашу формулу «о чем фильм?». Фильм, напоминаю, — это то, чего добивается главный герой. Так вот, важно понять, что он делает в процессе картины, важно понять его характеристики. В частности, необходимо ответить на следующий вопрос:

Что герой говорит сам о себе?

Что это значит?

Это значит, что в процессе сценария герой сам себя каким-то образом выражает. Не обязательно, что он скажет: «Я такой замечательный», или «Я супермен», или «Я могу всех победить». Не понимайте это так буквально. Просто это означает, что герой, так или иначе, себя проявляет. И вопрос этот — что он говорит о самом себе? — надо понимать гораздо шире:

Как он себя проявляет?

Как он себя выражает?

Это, кстати, может быть также и словесная формулировка — он может о себе что-то сказать в диалогах с какими-то другими персонажами. Важно, как проявляется его характеристика, я бы даже сказал, самохарактеристика. То есть что он сам о себе думает и как он это выражает, что он о себе говорит. Обратите на это внимание, когда вы читаете сценарий.

Еще не менее важный вопрос:

Что о нем говорят другие?

Иначе говоря, как он взаимодействует с другими персонажами?

Что они о нем думают?

Что они о нем говорят?

Как они с ним взаимодействуют?

Это все существенные вопросы, которые тоже нужно держать в голове, — они вам, безусловно, помогут.

Еще о режиссуре

Наши следующие темы — мизансцена, раскадровка, ритм, композиция. Но прежде я хочу поговорить о нескольких основополагающих вещах. Напоминаю наш самый главный вопрос:

Что такое кинорежиссура?

Это вопрос, к которому мы будем постоянно возвращаться во время наших занятий. Итак, режиссура состоит из двух основных этапов. А именно: получить в руки замечательный сценарий и сделать его еще более замечательным! Вот, собственно, и все. Любым способом получить в руки, повторяю, потрясающий драматургический материал и опять же любым путем сделать его еще более потрясающим. Вот это и есть наша формула.

Как же это делается?

Для этого существуют разные способы. К сожалению, мы с вами не просто художники, мы еще и производственники. Производственники, которые должны держать это производство все время в голове: мы должны уметь считать деньги, должны уметь планировать и тому подобное.

То есть, на самом деле, режиссура, если уж говорить всерьез, состоит из двух аспектов. Один из них — это творчество, то есть работа с артистами, работа со сценаристом, с оператором и так далее. Причем работа с артистами, если мы говорим об игровом кино, — это, наверное, наиважнейшая часть творчества. По крайней мере, в мировых киношколах этому уделяется наибольшее внимание — 99 % учебного времени там тратят на работу с артистами. Это один аспект режиссуры. А второй — и не менее, на мой взгляд, важный — это производство, производственная часть. Мы, конечно же, не можем это обойти и должны об этом поговорить.

Бюджет фильма

Что же такое производственная часть?

Вот вы получаете в руки сценарий, там девяносто страниц. Если сценарий написан в профессиональном формате, это означает, что фильм будет идти девяносто минут. Большой это фильм или маленький?

Это нормальный, стандартный фильм, вполне удобоваримая длина. Такой фильм вполне годится для кинотеатрального проката, для фестиваля — это хорошее время, будем от него отталкиваться. Итак, девяносто минут. Если это сценарий на девяносто минут и у нас с вами очень небольшой бюджет… Давайте для начала разберемся.

Что такое небольшой бюджет?

Из чего складывается бюджет?

Бюджет в первую очередь складывается из количества страниц. Потому что это количество экранного времени, а количество экранного времени мы с вами умножаем на количество дублей. Объясняю, что это такое: вот девяносто минут, то есть девяносто страниц, и у вас, допустим, есть восемнадцать дней для того, чтобы снять эти девяносто страниц. Восемнадцать дней — это, на самом деле, по американским параметрам для low budget, то есть для малобюджетной картины, не так уж и мало, как вам кажется. Я полагаю, что ваши первые фильмы, так или иначе, будут малобюджетными. Я мало верю, что вам сразу доверят многомиллионные фильмы, но, если вы снимете удачный малобюджетный фильм, у вас появятся шансы. Так обычно и приходят к большим бюджетам: сначала снимают маленький фильм, потом еще один, и еще, а потом получают большой, — так это происходит, как правило, и за рубежом, и теперь у нас, в России. Поэтому мы все-таки будем ориентироваться на малобюджетные картины. Так вот, для девяноста минут восемнадцать съемочных дней — это не такой уж плохой срок.

Что это означает в производстве?

Делим девяносто на восемнадцать.

Сколько страниц в день получается?

Пять.

Значит, пять страниц в день, восемнадцать дней. Восемнадцать дней — это означает три недели и три дня, если в субботу и в воскресенье мы не работаем, по двенадцать или тринадцать часов в день. Двенадцать-тринадцать часов каждый день, пять дней в неделю. И пять страниц в день. Это очень много, колоссальная выработка. Я вас предупреждаю: пять страниц в день, то бишь пять экранных минут в день, — это серьезно, очень много и тяжело. Но другого пути нет, если вы хотите прорваться. Если вы научитесь снимать быстро и хорошо, значит вы станете профессионалом, значит, вам доверят большие деньги, у вас появятся большие возможности.

Я вам должен сказать, что мало кто из отечественных режиссеров моего поколения умеет так снимать, поэтому большинство из них лишились возможности сегодня работать, они оказались вне игры, поскольку советская власть приучила их к совсем другой манере съемки. Если вы не Никита Сергеевич Михалков, а просто некий Пупкин, который снял раньше с десяток фильмов среднего качества и хочет снимать еще, но не вписывается в жесткое расписание (а это становится очень быстро понятно, что не вписывается!), тогда у вас нет никаких шансов остаться в профессии. Вообще, сейчас происходит полная смена поколений, и вы вовремя решили заняться этим делом. Но это с одной стороны, а с другой — все не так просто. Вернемся к производству.

Значит, пять минут в день вы должны снимать — пять страниц. Что это значит, пять минут в день?

Чтобы хоть немного понять бюджет, начать в этом ориентироваться, надо, прежде всего, понимать, сколько пленки вам понадобится, чтобы снять этот фильм. Это в том случае, если фильм будет по-прежнему сниматься на пленку, а не на цифру, что, разумеется, все сильно удешевляет и упрощает. Крупные операторы, тем не менее, по-прежнему продолжают работать с пленкой. Так что давайте все же разберемся в этом.

Итак, какое количество пленки нужно, чтобы снять картину?

Раньше стандарт был 1:6, то есть предполагалось шесть дублей. Вообще, девяносто минут — это, грубо говоря, примерно 2700 полезных метров.

Что такое «полезные метры»?

Это метраж пленки, которая реально будет крутиться в кинотеатре, когда фильм будет показываться. Он называется в киношном мире «полезным метражом», все остальное якобы бесполезно. Соответственно, 2700 полезных метров — длина вашего фильма, то есть два километра семьсот метров, именно столько пленки будет крутиться в проекторе, для того чтобы зрители могли просидеть эти девяносто минут.

Но никто не может, получив в руки эти почти три километра пленки, снять на них фильм. Потому что вы наверняка где-то ошибетесь, что-то не получится, обязательно понадобится дубль, оператор также обязательно попросит дубль для страховки и так далее. Поэтому в кино и снимаются дубли. Раньше, повторяю, средний метраж был 1:6, то есть умножаем эту цифру — 2700 полезных метров — на 6 и получаем то количество пленки, которая выделялась для съемки фильма. Сейчас, поскольку все происходит в режиме экономии, это обычно 1:3 или 1:4.

Если вы получите 1:4 — знайте, что вам повезло. Пленка Kodak стоит дорого, в лучшем случае — это минимум два доллара за метр. Вот и считайте. Причем этот доллар — негатив, а еще ведь есть позитив, его тоже надо напечатать, и он тоже стоит денег, значит, уже получается гораздо дороже.

Итак, возьмем за основу расход пленки — 1:4. Умножаем. Сколько получаем?

10 800 метров. Это ваш метраж. Это та пленка, которая у вас есть для того, чтобы снять этот фильм.

Идем дальше. Вот вы приступили к съемке — вам надо снимать пять минут в день. Соответственно, сколько пленки вы должны потратить в один день?

600 метров — вот столько вы можете потратить в день. 600 метров — это, условно говоря, 20 минут. А надо 5 минут. То есть на то, чтобы снять 5 минут с дублями, у вас всего 600 метров. Это не много. Это только кажется, что много, но на самом деле совсем не много.

Способы съемки

Какая существует механика, чтобы снимать экономно?

Я вам сейчас расскажу довольно важную вещь: как лучше всего это делать. Это придумали американцы, которые очень практичные люди, которые собаку съели в кино, и в один прекрасный момент, понимая, что летят километры пленки, а пленка стоит денег, изобрели этот метод.

Чаплин, кстати, пленку не считал, я уже об этом говорил. Он полагал, что это самое дешевое, что есть в кинопроизводстве. Но Чаплин — это исключение. Чаплин был сам себе хозяин, сам себе продюсер, сам себе инвестор, владелец киностудии, которая до сих пор функционирует в Голливуде. Таких людей фактически больше не было в истории кино, все остальные вынуждены считать деньги, то есть считать пленку. И в какой-то момент американцы придумали способ наибольшей экономии, которым пользуются до сих пор. Его развил ныне здравствующий продюсер и режиссер Роджер Корман, сделавший себе имя именно на малобюджетном кино.

Итак, каков способ съемки в этом случае?

В первую очередь вам надо снять — по-английски это называется master shot, у нас это будет называться «общий план». Возьмем, к примеру, одну страницу. Это означает, что на экране действие идет одну минуту. Будем считать, что одна страница — это одна сцена. Как ее лучше всего снимать по американской методике?

Повторяю, сначала снимается общий план; термин «общий» принят в наших сценариях.

Вот, допустим, нам с вами нужно снять сцену в аудитории: профессор, студенты, идет лекция. Как нам лучше и экономичнее это сделать?

Выбирается самый оптимальный ракурс, чтобы охватить всю сцену — оператор скажет, откуда лучше снимать, — и вся сцена снимается общим планом. Вся сцена, целиком, полностью. Почему это делается?

Потому что съемочного времени мало, денег мало, и, если что-то не успеваем сделать, в любом случае сцена уже снята. То есть что бы там ни было, но она уже готова, она на пленке.

Дальше, если уже снят master shot, его начинают дробить — по-английски это называется coverage, покрытие. Покрытие это состоит из средних планов, то есть в этом случае уже отдельно снимается профессор и отдельно средние планы студентов. Понимаете, что такое «средний план»?

Средний план, или у нас его еще иногда называют «пасхальный», это вот такого размера примерно кадр, чуть ниже пояса.

Дальше, после этого обычно снимаются крупные планы героев, опять-таки если на то есть время и деньги, а деньги — это пленка. Потом, после крупных, что снимается?

Американцы обычно включают в этот coverage, в это покрытие, точку зрения — то, что у нас в сценариях обозначается как субъективная камера, то есть это чей-то индивидуальный взгляд. Камера в этом случае выражает чей-то взгляд.

И, наконец, дальше, последнее — это детали. Крупно снятые, важные и интересные для сцены детали.

Всё это вместе и есть покрытие, это всё уже разработка сцены, и делается она тогда, когда полностью снят общий план, или master shot. То есть сначала полностью все зафиксировано, и только после этого идет дробление.

Это наиболее практическое руководство к действию, потому что, повторяю, в любом случае, даже если вы не успеваете, даже если нет денег, нет пленки, но вы уже сняли общий план — все, сцена есть, она в кармане. Теперь, по крайней мере, можно двигаться дальше.

Расчеты

Что очень важно сделать после съемки?

Вот съемочный день прошел. К концу этого дня крайне важно понять и посчитать, что у вас получилось. Потому что в течение дня вам совсем не до этого, вы в таком ажиотаже, что, естественно, не можете на этом сосредотачиваться.

Но после того как съемочный день закончился, даже если смена состояла из двенадцати или тринадцати часов, вам важно все посчитать, понять, как все прошло.

Вы идете к оператору и выясняете, сколько пленки потрачено, и вы смотрите, сколько страниц вы сняли. Допустим, вы сняли не пять страниц, а три, а пленки потрачено на пять — считайте, что у вас уже возникли проблемы. Или, допустим, вы сняли пять страниц, как планировали, но пленки потратили в два раза больше, — у вас опять проблемы. Это означает только одно: к пятнадцатому или четырнадцатому дню, а вовсе не к восемнадцатому, вы останетесь без пленки. И вы придете к продюсеру и скажете: «А у меня пленка закончилась!» И станете его врагом на всю жизнь. Больше он с вами никогда работать не будет, потому что это значит, что он должен вынуть из кармана деньги, которые совершенно не планировал оттуда вынимать, так как у него бюджет давно сформирован и все бюджетные средства давным-давно пошли в производство — он забыл уже об этом и думать. А тут вы приходите и говорите: «У меня пленка кончилась!» — то есть вы его ставите перед фактом. Ни один продюсер этого не прощает. И я их могу понять, потому что в этом случае они вынуждены лезть в собственный карман.

Что же может спасти от этого?

Только одно — каждый день считайте, сколько вы потратили пленки и сколько страниц вы сняли. И только точно понимая, какова ситуация, вы можете спокойно продолжать съемки. А если чувствуете, что что-то не так, значит, срочно ищите выход — объединяйте сцены, что-то переделывайте, переписывайте, сокращайте.

У меня пару раз была такая ситуация — я выкручивался тем, что просто снимал на стедикаме огромным куском, полностью, большую сцену, хотя раньше планировал снимать ее совершенно иначе. Но я понимал, что в таком случае вылетаю из графика. Очень важно, чтобы вы это тоже понимали, ведь это и называется «бюджет».

Быть в бюджете — значит понимать, не перерасходовали ли вы пленку и укладываетесь ли вы по времени (или по страницам, если это правильный формат).

Я вам рассказал американскую методику, которую всячески рекомендую, потому что это очень практично. Когда есть весь этот полный расклад, — это, конечно, удобно, потому что вы все эти кадры ссыпаете монтажеру и он может с этим работать. У него есть общий план, и внутри этого общего плана он начинает лепить все эти средние и крупные планы, разные детальки, и сцена расцветает и становится, может быть, очень даже хорошей.

Но лично я крайне редко пользуюсь этой методикой, потому что не хочу расходовать силы и время на те кадры, которыми, я знаю, все равно не воспользуюсь во время монтажа. Потому что я свое кино всегда монтирую заранее, я его полностью монтирую на бумаге. И вот здесь мы подходим к понятию раскадровки.

Раскадровка

Я помню, Сергей Аполлинариевич Герасимов рассказывал, что однажды, когда он приехал в Париж, ему довелось встретиться с Рене Клером, замечательным режиссером. Он как раз готовился к новому фильму и на вопрос: «В какой вы сейчас стадии?» — ответил: «Фильм абсолютно готов». Герасимов спрашивает: «Как это, абсолютно готов?» — а тот отвечает: «Ну, вот так, готов. Смотрите». Клер показал ему полностью раскадрованный фильм и добавил: «Как видите, фильм абсолютно готов, осталось его только снять».

В этом есть сермяжная правда, в таком подходе. Потому что, как я вам уже объяснял, чем серьезнее вы готовитесь, тем проще вам потом работать, тем легче идет съемочный процесс.

Теперь перейду к тому, как работаю я, — при полном моем уважении к американской съемочной методике. Скажем, я знаю, что мне не нужен общий план, я не буду им пользоваться в картине. Я решил, предположим, что всю эту сцену мне хочется построить на деталях, или на «крупняках». Зачем я буду тратить свое время, и пленку, и время артистов, чтобы снимать общий план всей сцены, если я знаю уже заранее, что он мне не нужен, поскольку я вижу эту сцену совершенно иначе?

Или зачем я буду снимать, скажем, крупные планы, когда я знаю, что хочу эту сцену разыграть на средних с деталями?

Они мне не нужны. Или, предположим, я знаю, что хочу использовать только индивидуальную камеру — камеру, которая будет выражать чью-то точку зрения. Тогда тем более мне не нужно все остальное, мне нужно только это. И при этом я снова экономлю свои силы и пленку, и опять же время и деньги.

Но это возможно только в одном случае — если я точно понимаю, как я хочу снять это кино, если я все его для себя продумал, разрисовал, раскадровал, подготовил. Если же у вас нет этой ясной идеи, нет четкого понимания, тогда вот вам палочка-выручалочка — эта американская методика.

Я ею почти не пользуюсь, потому что провожу достаточно много времени за письменным столом, готовясь к картине, и всю ее разрисовываю.

Что значит раскадровка?

Что значит разрисовываю?

Вы рисуете экранчик на листе бумаги, берете сцену № 1 и начинаете ломать голову, как эту хорошую сцену вашего замечательного сценария сделать еще лучше. У вас только одна задача — сделать ее лучше, чем она написана. Это значит — добавить в нее напряжения, добавить в нее какую-то пружину. Как это сделать — зависит от вашего дарования, от вашего видения. Но, поняв это, придумав это, вы начинаете ее кадровать, то есть дробите сцену на кадры.

Вот у вас страница (если мы договорились, что одна страница — одна сцена), и вы эту страницу делите на кадры. Она может состоять из двадцати кадров, из пяти кадров, из двух, из десяти — сколько режиссеров, столько будет разных раскадровок. Один увидит эту сцену пятью кадрами, другой — пятнадцатью.

Я только хочу напомнить вам, что каждый кадр — это съемочное время. Поэтому, кадруя сцену, вы непременно должны учитывать, что это не просто ваше творческое, художественное видение, а это деньги.

Ведь каждый кадр — это перестановка. Вот оператор снимает меня из этого угла — за ним уже расставлен свет; потом он решает, что нужно снять меня вот с того, противоположного угла, — он переходит с камерой туда, и вместе с ним начинают переставлять весь свет. В среднем любая перестановка, в лучшем случае, — это час рабочего времени. В лучшем случае! Бывает два, бывает три. Ориентируйтесь на полтора. Одна перестановка света — это всегда час-полтора времени: пока оператор примерится, пока опять все выставят, пока проверят фокус.

Поэтому снимают в кино по направлениям. В идеале нам бы все снимать по порядку: вот как оно написано в сценарии — первая, вторая, третья сцена, — так и снимем, очень удобно. Но так никто не снимает, потому что тогда мы снимали бы фильмы до бесконечности. Фильмы снимаются по объектам и по направлениям.

По объектам — это что значит?

Это значит следующее. В фильме, скажем, действие происходит в зале, в парке и на берегу. И вот, к примеру, сначала выбираются все сцены в сценарии, которые надо снять на берегу, — и все они снимаются разом, в один день или в два, хотя происходят в совершенно разное время по ходу фильма. Вы не можете ездить взад-вперед со всей группой. Если уж вы приехали на какой-то объект, то, понятно, там надо снять все, что только к этому объекту относится. Это единственный практичный, разумный ход съемок, хотя и здесь бывают исключения. Бывают режиссеры, которые говорят: «Нет, я буду снимать только по порядку сценария. Мне надо, чтобы артисты постепенно входили в эти роли, чтобы они переживали все поэтапно». Боюсь, это не наш случай. Потому что это должен быть какой-то сумасшедший продюсер, который готов финансировать все, что будет делать режиссер. Таких почти не бывает — разве что вы платите за это из собственного кармана. Теоретически такое возможно.

Но это все равно крайне нерентабельно. Единственный практичный путь — это, повторяю, снимать по объектам. Когда же объект уже выбран, то внутри объекта вы снимаете по направлениям. Это значит, что, прежде чем приступить к съемке, вы определяете, сколько направлений будет сегодня: вот есть направление оттуда — сюда, есть на правление отсюда — туда, есть направление сюда и туда. Допустим, четыре. Четыре направления — это уже четыре перестановки света, значит, у вас уже пять-шесть часов вылетело впустую, потому что очень трудно репетировать во время перестановки света, когда осветители бегают со своими приборами и кабелями, кричат что-то друг другу, мешаются под ногами — в такой обстановке артистам очень трудно сосредоточиться. Поэтому обычно операторам дается время переставить свет, и только после этого мы приходим и начинаем репетировать. Причем репетировать очень быстро, так как все уже должно быть заранее готово, я вам уже это говорил. Быстро репетировать — и снимать.

Таким образом, мы понимаем, что, для того чтобы снять за один день пять страниц, нам нужно либо идти по этой американской методике, либо очень тщательно все раскадровать, точно зная, что и как мы снимаем.

Есть еще один важный момент: вот, допустим, я сажусь на стул, и вы должны это снять, — как я сел на стул. Как вы это снимете?

Миллион способов. Обычная ошибка начинающих режиссеров, которую я видел много раз, — они считают, что чем больше ракурсов они сделают, чем больше материала будет снято, тем лучше. Это грубая ошибка. Потому что, во-первых, они тратят массу времени и массу пленки, а во-вторых, когда эта гора пленки сваливается на монтажера, то в монтажной начинается просто катастрофа. Вы должны понимать, что я своей, извините, задницей могу сесть на стул только один раз. Только один раз, пони маете?

Вы не можете заставить меня сесть дважды. Значит, это должно быть снято один раз, а не два и не десять, и вы должны заранее решить, каким образом лучше всего меня снять, когда я сажусь на этот стул. Бессмысленно снимать меня четыре раза с разных углов зрения, потому что все равно в итоге вы выберете только одно мое усаживание, а все остальное полетит в корзину. Ведь смонтировать вы это не сможете. Вы не можете в одной короткой монтажной фразе соединить разные ракурсы — вот я сажусь отсюда, потом вы подхватили здесь, и наконец я плюхнулся и сел. И тут еще крупный план. Разве что вы добиваетесь какого-то специального комедийного эффекта. Но в принципе, это абсолютная глупость, бессмысленная трата ваших сил, времени и денег. Всё необходимо решить заранее, то есть вы заранее отбираете тот ракурс, тот кадр, который у вас пойдет в монтаж, и на бумаге монтируете.

Вы можете сказать: «Я не художник, я не умею рисовать». Ну и не умейте! Никто от вас и не требует становиться художником. Но что вы точно должны знать — будет ли это крупный план, средний или что-то другое. Вы можете зарисовать это любыми каракулями, но вы должны раскадровать картину, причем всю картину. Это серьезная, большая работа, но зато потом она сэкономит вам огромное количество сил, времени, денег, и в конечном счете чем тщательнее вы проделаете эту работу и подготовите съемку, тем лучше будет у вас результат.

Когда вы работаете уже на большой картине с хорошим бюджетом, там во время раскадровки у вас появляется помощник — специальный художник, который делает так называемый story board. Это специальный художник, который, в отличие от вас, прекрасно рисует, и все, что вы ему говорите, быстро изображает на бумаге. Это счастье, когда такой человек есть, — у вас сразу возникает полная ясность, как будет выглядеть ваш фильм. Если же художника нет, обходитесь своими силами.

В любом случае, на мой взгляд, раскадровка просто необходима, если вы хотите какого-то своего почерка — ведь все-таки у нас с вами курс называется «Свой почерк в режиссуре». Тогда это единственный правильный путь. В противном случае берите за основу американскую методику, которую я вам рассказал. Она крайне практична, американцы ею пользуются с полным воодушевлением и очень даже удачно. Девяносто пять процентов американских режиссеров снимают именно по этой методике.

Композиция фильма

Итак, что такое раскадровка, надеюсь, всем теперь по нятно.

А что такое композиция?

Когда вы задумали картину и когда вы держите ее в голове, у вас должна сложиться некая мозаика, общая картина — это и есть ваша композиция. То есть вы, снимая одну сцену, должны понимать, что это не отдельное кино, это маленькая часть общей картины, и эту общую картину надо всегда держать в голове. В этом и заключается основная трудность, потому что, когда начинаешь работать над сценой, она иногда получается столь замечательной и увлекательной, что сама как бы становится фильмом внутри фильма. Так что это очень важно — держать в голове всю композицию, чтобы вовремя себя остановить.

В самом начале моего профессионального пути у меня была картина «Жил-был настройщик», главную роль в которой играл замечательный артист Ролан Быков. Он, как вы знаете, сам режиссер, и очень талантливый режиссер, человек, фонтанирующий бесконечным количеством всяких идей. Это была одна из самых первых моих картин, и я работал с ним с большим воодушевлением и интересом, прислушивался к нему — естественно, он для меня был огромным авторитетом. А из него прямо-таки «прет» — он все время что-то придумывает, и маленький эпизод у нас расцветает в огромную сцену, разбухает, как тесто. И все так здорово, все интересно — и то хорошо, и это классно. Он меня и дальше уговаривает: «Давай это тоже снимем, посмотри, как я здорово это делаю». Я думаю: «Действительно, классно. Надо снять!» А пленка стремительно улетает, и ладно бы только это. Потом возникли крайне тяжелые проблемы, потому что это «тесто» надо умять обратно в кастрюлю, а оно не лезет — картина ведь была задумана иначе, композиция вся рушится.

Для меня это был очень серьезный урок на всю жизнь, и я хочу вас предостеречь в этом смысле: у вас должна быть в голове четкая композиция картины. Вы должны понимать, снимая сцену, что это всего-навсего маленький камушек в этой общей мозаике, и, если вы вдруг увеличиваете его первоначально задуманные размеры, это значит, что он потом не влезет в то гнездышко, которое для него было предназначено. А это означает, что вы меняете композицию. Делать это возможно только сознательно. Вы решаете, что да, этой сцене я сейчас уделю больше внимания, пленки, времени и денег, но тогда я сокращу ту, другую, и так будет лучше для фильма. Такое тоже может быть, но лучше, конечно, все это решать заранее на бумаге. Лучше себя обезопасить, и это единственный способ.

Мизансцена

Теперь давайте разберемся в том, что такое мизансцена.

Это французское выражение — mise en scene, то есть «поставлено на сцене». Оно идет из театра. Если попытаться сформулировать смысл этого понятия, я бы сформулировал так: мизансцена — это пластическое выражение режиссерской мысли, какой-то нашей с вами режиссерской идеи. Другого термина просто не придумали. А этот театральный термин очень удобен, и в кино им тоже пользуются.

Например, вот наша с вами мизансцена: я стою в зале перед вами, вы меня слушаете. Любому человеку, который сейчас заглянет в дверь, эта мизансцена красноречиво пояснит, что здесь происходит. Даже если я буду стоять и молчать, и вы тоже, он все равно поймет, что есть преподаватель и есть люди, которые его слушают. Это и есть мизансцена, то есть, когда можно без слов понять суть сцены. Чем она красноречивее, тем лучше, тем она выразительнее для картины.

Вообще, как мне представляется, чем меньше слов в фильме, тем более он кинематографичен. Когда ярких мизансцен много, картина обретает свой киноязык, свою пластику, становится гораздо более выразительной.

Орсон Уэллс

Сейчас я покажу вам кое-какие примеры, чтобы было понятно, о чем я говорю. Мы начнем с великого фильма замечательного режиссера Орсона Уэллса «Гражданин Кейн». Вообще, все те фильмы, которые мы с вами смотрим отрывками, необходимо смотреть полностью, потому что это то, на чем надо учиться. Когда учатся художники, они идут в музеи и смотрят картины великих мастеров, изучают их, копируют, — это единственный правильный путь, другого нет, только учиться у мастеров. То же самое и мы, кинематографисты. Поэтому, конечно, эти фильмы надо знать полностью.

Орсон Уэллс снял свою первую картину «Гражданин Кейн», когда ему было двадцать шесть лет, и стал одним из самых великих режиссеров в истории кино. Вообще, это интересно, я уже говорил, что многие выдающиеся режиссеры свои лучшие шедевры создали в совсем молодом возрасте и именно как свои первые картины. Так что у вас есть хорошие шансы. Тот же «Броненосец „Потемкин“» Сергей Эйзенштейн снял, когда ему было двадцать семь лет. «Мужчину и женщину» Клод Лелуш снял, когда ему было тридцать, и так далее — можно привести много примеров.

Орсон Уэллс много чего сделал потом в своей жизни, но на эту вершину он уже никогда не поднялся. «Гражданин Кейн» до сих пор входит в десятку лучших фильмов всех времен и народов. Сто ведущих мировых критиков создали этот список, и в первую десятку входит и «Гражданин Кейн» Орсона Уэллса, и «Броненосец „Потемкин“» Эйзенштейна.

В чем же тут фокус?

Почему этот фильм считается шедевром?

И почему до сих пор его всё пересматривают и пересматривают?

Орсон Уэллс, кстати, не только режиссер этой картины, он еще и исполнитель главной роли. Он в свои двадцать шесть лет еще и совершенно замечательно сыграл героя, который проживает целую жизнь здесь, на экране: он начинает очень юным человеком, а заканчивает свою экранную жизнь уже глубоким стариком, — и это все тот же 26-летний Орсон Уэллс. Так что он, конечно, еще и замечательный артист. Но главное в этой картине не это, главное — он сделал две принципиально новые для кинематографа вещи. Первая — он опрокинул все привычные понятия о кино, потому что привнес в него совершенно новую мизансцену. До него кино в основном использовало весьма плоские мизансцены и довольно плоские композиции кадра — Орсон Уэллс сделал эти композиции глубокими и диагональными.

В этом смысле они полностью совпадают с Эйзенштейном, — мы потом посмотрим еще эйзенштейновские кадры. И вы увидите, что и тот, и другой активно использовали диагональную композицию.

Диагональная композиция

Что такое диагональная композиция?

Надеюсь, все помнят картину «Боярыня Морозова» замечательного художника Василия Сурикова?

Это яркий пример диагональной композиции. И сани, везущие Морозову, и толпа, и бегущий мальчик — все выстроено по уходящей в глубь переулка диагонали. Такая композиция в отличие от фронтальной, при которой обычно основные линии и оси объекта расположены параллельно границам кадра, придает объемность происходящему, возникает перспектива, глубина. Многие великие худ ожники активно пользовались диагональной композицией.

Интересно, что диагональная композиция с направлением от левого нижнего угла к правому верхнему выглядит спокойнее, чем построенная на обратном движении — от правого нижнего угла к левому верхнему, такая композиция будет восприниматься как более динамичная. Это, видимо, связано с тем, что мы с детства привыкаем читать и писать слева направо. В кино эта разница не столь ярка, как в живописи, поскольку движение в кадре не застывшее, а живое, но, тем не менее, это надо иметь в виду.

Диагональную композицию как серьезный инструмент ввели в кино два этих великих режиссера — Уэллс и Эйзенштейн. До Орсона Уэллса делать такую глубокую композицию в кадре мало кто решался, мизансцены были, повторяю, довольно плоские, зачастую фронтальные.

Игра со временем

Второе, что сделал Орсон Уэллс, — он поменял освещение в кадре. Он очень активно использовал театральный свет, что тоже было новаторством. До него такой свет в кино использовали только немецкие экспрессионисты.

Посмотрим две небольшие сцены.

(Идет демонстрация фрагмента из фильма «Гражданин Кейн».)

Первая сцена — обратите внимание, как режиссер играет со временем. Две с небольшим минуты экранного времени, а у нас перед глазами практически прошла целая жизнь этих двух людей. Причем мизансцена простейшая: он посадил их друг против друга, и единственное, что он меняет, это костюмы, прически и грим. То есть у нас на глазах прошло десять лет их жизни.

При этом все начиналось с оживленного разговора, снятого на средних планах, а закончилось тем, что режиссер отъехал на общий план, уже показав героев раздельно. До этого, на средних планах, было ощущение, что эти люди очень близки, а на общем плане оказалось, что герои теперь весьма далеки друг от друга, и к тому же они уже молчат, им говорить не о чем, каждый читает газету, общая жизнь кончилась. Крайне выразительная мизансцена!

И примечательна она, в частности, замечательной игрой со временем. И поэтому я еще раз спрошу, — что такое режиссура?

Это именно игра со временем. Мы можем с вами время спрессовать, можем его растянуть. В этом смысле мы волшебники — никто другой в мире этого не может, а мы можем. И Орсон Уэллс это делает восхитительно.

А теперь посмотрите другую сцену. Прошло энное количество времени, у героя картины уже другая любовь, другая жена. В основе этого фильма — биография знаменитого мультимиллионера Херста; в его роскошном замке теперь музей, он очень посещаем. Херст был категорически против выпуска этой картины, было громкое судебное дело, не оставалось никаких надежд, что «Гражданин Кейн» выйдет на экраны. Но в конце концов это все-таки произошло, и фильм, повторяю, стал общепризнанным шедевром.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Видите, в этой сцене уже другая жизнь, опять же небольшая сценка, тоже где-то две с небольшим минуты, и опять же крайне выразительная, потому что мизансцена найдена совершенно другая. В чем фокус этой мизансцены?

Режиссер разводит героев на огромное расстояние, так что они вынуждены почти кричать друг другу — тем самым понятно, что между ними уже нет ничего общего, хотя это муж и жена. Эта сцена крайне выразительна пластически.

Что делает жена Кейна все это время?

Собирает пазл. То есть опять же режиссер находит очень выразительную деталь. Она не просто играет в карты или шьет, она пытается что-то собрать воедино, что у нее явно не получается. И обратите внимание на замечательный свет. Повторяю, впервые в истории кино Уэллс стал использовать театральный свет — так, как это делалось в театре. Когда что-то специально высвечивается, что-то затемняется, — это чисто театральные приемы, он же применил их в картине. И после него это стали делать очень многие.

Восьмерка

В первой сцене использована так называемая восьмерка, когда герои разговаривают. Что такое «восьмерка»?

Это стандартный прием: если у нас есть персонаж А и персонаж Б, то мы сначала снимаем А и потом в ответ снимаем Б, и таким образом они у нас вступают в диалог, если они разговаривают. Часто снимают А через плечо Б и наоборот. Затем мы снимаем А и Б общим планом, чтобы было понятно, где они сидят или стоят.

Опять же, я этим не пользуюсь. Поскольку вы учитесь у меня, вам нужно понимать, как я работаю: я отказался от «восьмерок» еще в молодом возрасте — мне показалось, что это очень скучно и настолько просто, что мне недостойно этим пользоваться. И вот последние сорок лет ни в одной моей картине нет ни одной «восьмерки». Каждый раз я пытаюсь найти какой-то другой пластический способ объединить персонажей, дать им возможность взаимодействовать между собой. Я ни в коем случае не навязываю вам свои вкусы, не настаиваю на них, просто рассказываю о себе.

«Восьмерка» — так же, как и тот американский способ съемки, о котором я вам говорил, — это обычный, стандартный прием, который применяется во всем в мире, в девяноста девяти случаях из ста.

Хочу вам показать, что я делал тридцать лет тому назад, когда мне надо было столкнуть в кадре двух героев, как я обходился без «восьмерки». Посмотрите сцену из моей картины «Приключения Петрова и Васечкина». Довольно простая мизансцена, но я стремился, естественно, чтобы это была выразительная сцена, мне хотелось, чтобы она была вся проникнута светом. Такая светлая, чистая сцена, поскольку это первое чувство, первая любовь, и мне было важно, чтобы эта атмосфера обязательно была выражена в кадре. Для этого мы специально нашли какую-то теплицу, вынесли из нее цветы и декорировали ее под школьный коридор. Там мы и снимали эту сцену, поскольку в школе, естественно, такого стеклянного коридора не было.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Скажите мне, в чем фокус?

Как взаимодействуют герои?

Очень просто — они все, за исключением нескольких общих планов, смотрят прямо в объектив, никакой «восьмерки» тут нет, никаких фокусов.

Я пользовался этим приемом, скажу вам честно, в разных своих картинах, хотя пользоваться им надо крайне осторожно, потому что, как только персонаж смотрит в камеру, возникает ощущение, что он смотрит на зрителя, и сразу нарушается принцип «четвертой стены». Поэтому использовать этот прием, мне думается, можно только в том случае, когда очень уж нужно подчеркнуть выразительность происходящего — в противном случае это будет мешать зрительскому восприятию.

Я вам специально это показал, для того чтобы вы понимали, что существует и другой способ. Я в этой сцене, кстати, сделал еще один фокус. Возможно, вы обратили на это внимание. На планах Маши, на ее крупных планах, заметили, что сделано?

Это рапид при полной неподвижности. Я помню, что, когда я предложил это оператору, он был очень удивлен и спросил: «А в чем тогда смысл рапида? Ведь рапид замедляет движение». А я говорю: «Нет, пусть она стоит, совершенно не двигаясь, и давай снимем это на сто пятьдесят кадров в секунду». Это очень большое замедление кадра, серьезный рапид. Почему я на этом настоял?

Потому что вроде бы кадр нормальный, но при этом сразу возникает некая странность.

Понимаете, когда вы думаете о выразительности сцены и выразительности кадра, у вас широкое поле деятельности. Тем более сегодня всяких технических прибамбасов намного больше, чем тридцать пять лет назад, когда снимался фильм про Петрова и Васечкина. И я очень рекомендую со всеми этими возможностями познакомиться: чем больше красок на вашей палитре, тем интересней будет ваша картина.

Еще о мизансцене

Посмотрим теперь сцену из другого мирового шедевра. Это уже кино отечественного производства, картина Михаила Калатозова «Летят журавли». Великая картина замечательного режиссера. Опять же, такое нередко случается в режиссерской жизни — человек делает шедевр и уже до такого уровня никогда не поднимается. Этот фильм — абсолютный шедевр, как мне представляется. Калатозов — замечательный режиссер, но кино такого уровня он больше не снял.

Это сцена проводов — героя забрали на войну, мобилизовали, и вот он уходит, а героиня его провожает. Посмотрите, как это сделано.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Видите, в начале сцены создана замечательная мизансцена: герой уже отделен, придуман этот забор (мы не знаем, был ли такой забор на самом деле в том месте, где люди уходили на фронт, я лично уверен, что он это придумал!) — это такой выразительный водораздел, он сразу отделяет героя от героини. И в этом смысле это превосходная мизансцена, то есть блестящее пластическое решение.

Посмотрите, как двигается камера, — это еще и потрясающая работа оператора, совершенно грандиозная работа. В течение всей сцены их будет разделять забор, и от этого она становится крайне выразительной. Сколько я ни видел сцен проводов, их было в мировом кино сотни, я до сих пор считаю, что эта — самая лучшая. Тут еще применен чудесный прием, который тоже всегда срабатывает очень хорошо, — когда в кадре основное действие, скажем, идет справа налево, а ваш персонаж двигается слева направо, навстречу, и это всегда создает в кадре очень серьезную динамику, в сцене сразу возникает невероятное напряжение.

Еще раз, что такое мизансцена?

Напомню, — это, как мы с вами договорились, пластическое выражение режиссерской мысли. То есть, даже если мы выключим звук, мы прекрасно поймем, что происходит и как происходит, — не нужно никаких слов, настолько все очевидно и понятно. И вот это встречное движение делает мизансцену еще более выразительной.

Видно, что это огромная работа, очень серьезно подготовленная, такие вещи так просто не происходят, не случаются. Каждой замечательной сцене и каждому замечательному фильму предшествует гигантский труд. Как я вам говорил, профессия наша парадоксальная: с одной стороны, это очень легкое ремесло, а с другой стороны, если заниматься им всерьез, то ничего более трудного, по моему ощущению, в жизни не бывает.

Еще о репетициях

Подготовка к съемкам должна занимать гораздо больше времени, чем сами съемки. Если вы будете снимать картину двадцать дней, то берите в три раза больше времени на то, чтобы серьезно к этому подготовиться. Иначе быть не может, иначе это халтура.

Репетиции, естественно, я начинаю после раскадровки, когда у меня есть полная ясность, как я хочу снять сцену. С чего начинаются репетиции?

Репетиции лучше всего начинать с общего чтения сценария: собрать артистов и всем вместе внимательнейшим образом прочесть и обсудить сценарий, прямо со всеми ремарками, заставляя артистов читать те ремарки, которые имеют к ним отношение. То есть когда в сценарии написано: «Она входит и начинает раздеваться», — а дальше текст героини, то пусть актриса и прочтет: «Она входит и начинает раздеваться», и дальше свой текст. Для того чтобы вам более или менее представлять себе, сколько будет длиться кадр, засеките время, которое уходит на чтение этого кадра вместе с ремаркой, и умножьте на два. Примерно так оно и будет.

Сначала идет «застольный» период, а потом уже вы переходите к непосредственным репетициям на какой-то условной площадке, потому что скорее всего вы сразу не попадете на реальную съемочную площадку. К этому времени желательно, чтобы у вас было ясное представление, как вы хотите снимать данную сцену. Иначе артисты очень быстро почувствуют, что вы не знаете, как ее снимать, и это скверно. Желательно, чтобы вы это знали.

Раскадровку вы начинаете делать с первого дня, с того момента, как вы понимаете, что уже получили в руки эту картину и что сценарий готов, вопрос решен. С этой минуты вы больше ничего не ждете, а всерьез погружаетесь в работу, потому что дальше время начинает работать против вас, у вас его просто не будет хватать физически. Если вы заранее не разрисовали все кино, не расписали и не продумали, то потом вам уже будет не до этого. Так что этим надо начинать заниматься как можно раньше.

И ЕЩЕ РАЗ О МИЗАНСЦЕНЕ

Я хочу показать вам еще одну сцену из фильма «Летят журавли»: сцена на войне, Баталов только что спас товарища.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Видите, маленькая по экранному времени сцена, но необычайно насыщенная — сколько в ней всего произошло! Это и смерть героя, и его мечты, которые уже никогда не реализуются, и так далее. Потрясающе придумана мизансцена! Замечательно ее снял Сергей Урусевский, — за что заслуженно получил свои награды. В Каннах эта картина когда-то получила главный приз, — впервые в истории кино закрутились в кадре деревья. После Урусевского сотни раз они крутились, во множестве других картин, но здесь это произошло впервые, то есть это был оператор невероятного дарования.

К тому же здесь не только закрутились деревья, а все закручено еще и в спиральное движение героя, который бежит по лестнице к героине. И это уже, конечно, чистая режиссура, это подлинно режиссерская находка, талант режиссера, который это спиральное движение деревьев, кружащихся в голове у героя, закрутил во всю эту невероятную мечту, что уже никогда не сбудется. И что у него здесь только ни крутится, даже вуаль вокруг головы Самойловой, она тоже развевается и плывет — все, все у него закружилось в этой невероятной спирали жизни.

Необычайно выразительная мизансцена!

Ритм

Теперь мы с вами подходим к понятию ритма картины.

Помимо композиции и мизансцены, о которых мы уже говорили, еще очень важен ритм фильма. Когда вы делаете вашу раскадровку, вы должны четко понимать, сколько этот кадр длится. В своем режиссерском сценарии вы пишете, что этот кадр длится, допустим, девяносто секунд, потому что он очень длинный. Полторы минуты — это колоссальное время на экране. А допустим, следующий кадр длится у вас пять секунд или две секунды, то есть вы не просто кадруете фильм, вы его, как мы говорим, метруете.

Раньше в режиссерских сценариях обязательно обозначалось количество полезных метров, то есть против каждого кадра в вашем сценарии вы еще проставляете метраж, сколько метров он должен длиться. Если весь фильм у вас, как мы считали, две тысячи семьсот метров, то вы точно обозначаете, какова будет длина каждого конкретного кадра — допустим, десять полезных метров. Американцы метраж не пишут, они проставляют время — секунды, минуты. Но делается это обязательно — для того чтобы и группа, и в первую очередь режиссер точно понимали ритм картины, потому что из протяженности ваших кадров создается ритм. В идеале ритм должен нарастать, и особенно в кульминационных моментах.

Ритм — это очень важная вещь, потому что он захватывает зрителя. Таким образом, то, как вы кадруете картину и сколько времени длится каждый кадр, должно быть продумано очень тщательно. Если ритм картины выстроен неправильно, фильм начинает «проседать».

Если вы, скажем, снимали полкартины короткими кадрами, а в середине вдруг начинаете снимать длинными, вы ломаете ритм. У зрителя сразу будет подсознательное ощущение, что что-то не в порядке, его начнет это раздражать. Или, если к концу картины, когда фильм уже должен вовсю нестись, всё уже должно стремительно развиваться, вы вдруг опять начинаете снимать длинными продолжительными кадрами — зритель уйдет недовольный. Я сейчас говорю достаточно примитивно, и, разумеется, здесь тоже бывают всякие исключения. Всё может быть и по-другому, но это должно быть специальное решение, художественно осмысленное. Вы вольны делать всё, что угодно, просто я вам говорю, к чему это зачастую приводит. Ритм — очень важная вещь. Давайте попробуем понять это на конкретном примере.

«Иван Грозный»

Сейчас посмотрим с вами сцену из грандиозного фильма «Иван Грозный» другого великого режиссера — Сергея Эйзенштейна, который, так же как Орсон Уэллс в Америке, стал невероятным новатором кино у нас в Советском Союзе. И до сих пор во всем мире, если спросить кого-то: «Что вы знаете о русском кино?» — весь мир в первую очередь назовет вам фамилию Эйзенштейн, потому что на его картинах действительно учатся кинематографисты во всех странах, и там есть чему учиться. Сам он — человек, пришедший в кино из цирка, из театра, и к тому же блистательный рисовальщик.

Плюс, он был не просто режиссером, он еще был и замечательным теоретиком режиссуры, написавшим энное количество статей. В том числе о монтаже, о своем знаменитом монтаже аттракционов, и, разумеется, о режиссуре. Если вы всерьез заинтересуетесь Эйзенштейном, что крайне полезно, посмотрите его книги — вы увидите, как он кадровал свои фильмы. Как раскадрован тот же «Иван Грозный»! Как изумительно нарисован каждый кадрик, как каждая сцена у него расписана!

Посмотрим самое начало картины.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Видите, какая композиция?

Практически то же самое делал Уэллс в своей картине, они пришли к одному и тому же параллельно.

Что сделал Эйзенштейн в этом фильме?

Он, в частности, решил сделать вещь невероятную — опять же до него этого никто не делал. Первый раз он применил этот прием в «Броненосце „Потемкине“». Там, в конце, когда уже броненосец победил, на нем вздымается красный флаг. И Эйзенштейн этот флаг со своими помощниками для премьеры фильма от руки разрисовал красным цветом, потому что цветного кино еще не было. И на премьере вдруг в черно-белом фильме запылал красный флаг. Это было потрясающе.

А когда он снимал «Ивана Грозного», уже вовсю делалось цветное кино, а у него этот фильм черно-белый. И тем не менее Эйзенштейн решил, что один из центральных эпизодов должен быть цветным. То есть он хотел как следует встряхнуть зрителя. Казалось бы, это ни в какие рамки не лезло — черно-белый фильм, так черно-белый, цветной, так цветной. Никто до него не комбинировал, а у него вдруг прямо посреди картины все меняется. Он резко меняет ритм и прямо-таки бьет по глазам этим появившимся цветом. Мало того, в драматической картине возникает элемент почти мюзикла.

Видите, как приковывают взгляд эти красные и черные цвета: красный — в который одеты опричники, весь этот красный антураж, и яркий контраст черного и красного. На самом деле, это совсем не реалистическая сцена, она очень экспрессионистская, но безумно выразительная по мизансцене. Что здесь происходит на самом деле?

Грозный готовит убийство, и это создает дополнительное напряжение. Плюс сам по себе цвет, неожиданно возникший в черно-белом фильме, плюс сочетание красного и черного, плюс это стремительное движение опричников, этот их бешеный танец.

Вы видите, как действует смена ритмов — только что был стремительный ритм, состоящий из коротких кадров, а следующая сцена уже вся состоит из длинных кадров, ритм резко сломлен, и от этого возникает дополнительное напряжение, саспенс. И сама мизансцена тоже чрезвычайно выразительна — она диагональная, глубокая, с перепадами света и тени, отчего напряжение и выразительность еще больше возрастают.

Композиция кадра

Чтобы подвести итог всему вышесказанному, я бы хотел в заключение показать еще одну сцену другого выдающегося режиссера, к счастью, еще живого, — великого польского режиссера Анджея Вайды. Это тоже одна из первых его картин, совершенно замечательная, — «Пепел и алмаз». Здесь играет блистательный польский артист Збигнев Цибульский, к сожалению, очень рано умерший, в 37 лет он уже закончил карьеру. Он был кумиром не только Польши, но и всей Европы.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Невероятно выразительная мизансцена, полностью передающая атмосферу не только самой сцены, но и всей картины, этого метания героя, который попал в такое странное время полнейшей разрухи. Что вам бросается в глаза, какая деталь?

Найдена необычайно точная выразительная деталь — висящий кверху ногами Христос с оторванной рукой. То есть даже религия, даже вера — и та кверху ногами, ничто не работает в это страшное время.

Здесь глубинная композиция кадра — герой где-то в глубине, а на первом плане эта фигура Христа, и найден очень точный звук — скрип от того, что она покачивается. И потом, что замечательно, в том же самом кадре камера продолжает следовать за героями. До сих пор мы были абсолютно убеждены, что они одни, а оказывается, в этом же кадре сидит человек, который их слушает, и там же стоят гробы, которые сейчас сработают в следующей сцене — будет понятно, почему они тут стоят. То есть вдруг возникает такая неожиданность в кадре, и внезапно появляется дополнительное напряжение от этих гробов.

И опять же использован театральный свет, эта светотень, которую вы уже видели и у Уэллса, и у Эйзенштейна, а теперь этим пользуется Вайда, как и многие другие, кстати, потому что это одно из необычайно выразительных средств в авторском или, я бы сказал иначе, в настоящем кино.

Задание

Я прошу вас сделать раскадровку вашего первого учебного фильма и продолжить работу над тем, как кардинально улучшить выбранный вами посредственный фильм. Вы это уже делали — теперь возьмите какой-то другой пример. Это крайне полезное упражнение.

4. Создание своего мира

Роль импровизации в режиссуре. Воображение и фантазия. Наблюдения. Воспоминания, реминисценции — как их использовать

Импровизация

Теперь мы будем много смотреть и обсуждать то, что увидим. Сказанное выше было более «лекционным», а сейчас мы будем в основном смотреть, потому что это тоже очень важно, это часть профессии. Я смотрю всё — и вам советую. Я смотрю кино постоянно, к сожалению, в ущерб чтению. Если передо мной стоит выбор — смотреть или читать, я выбираю «смотреть», что плохо. Но просто такая у меня работа. На самом деле, надо стараться успевать и то и другое — и смотреть, и читать. И ходить в музеи, и слушать музыку — надо как можно больше всего в себя впитывать.

Итак, впереди у нас большая кинопрограмма, потому что, мне кажется, очень важно, чтобы вы зримо себе представляли все, о чем мы говорим.

Начнем с импровизации.

Что такое импровизация?

Импровизация получается тогда и только тогда, когда она очень хорошо подготовлена.

Что значит подготовить импровизацию?

Это все та же наша подготовка, о которой мы уже говорили, то есть когда у вас полностью продумана и раскадрована вся история, когда вы все знаете про ваших героев.

Вы помните, какое оружие у вас в руках против великих, знающих себе цену артистов?

Знание. Максимальное знание ваших персонажей.

Так вот, когда вы все знаете, все подготовили и отрепетировали, возникает возможность для импровизации. Собственно, импровизация начинается уже во время репетиции, и это весьма тонкое дело, потому что вы начинаете работать с артистами, читаете с ними сценарий, обсуждаете, а дальше они выходят на площадку, и тут очень важно, что и как они будут делать. Опять же я сошлюсь на себя и на свой опыт, — я очень часто даю артистам полную свободу.

Эта свобода, на самом деле, лукавая, потому что, конечно, я знаю, чего хочу, у меня все расписано, раскадровано, но я им говорю: «Давайте сымпровизируем всю эту сцену!» Они: «А сценарий?» Я говорю: «Забудьте сейчас про сценарий. Вы помните отношения этих персонажей? Вы помните, что здесь происходит? Вот давайте попробуем это сыграть своими словами, не глядя в текст».

И мы начинаем разыгрывать всю историю, а я внимательно смотрю, что и как рождается прямо сейчас, на моих глазах. Очень часто бывает, что возникает что-то, о чем я раньше не подумал, и я себе говорю: «Как здорово! А ведь это очень интересно!»

Я вам даже больше скажу: очень часто бывает, что во время такой импровизации возникают какие-то новые диалоги, которых у меня в сценарии не было. Потому что я, разумеется, написал диалог, но я-то его писал, сидя за столом, я-то работал с воображаемыми персонажами, а тут у меня живые артисты воплотились в этих персонажей и действуют от их имени. И если это талантливые актеры, они даже в том, как они говорят и что говорят, уже выражают своих персонажей, а вы их немножко, как бы исподволь, поправляете. И в такой работе рождаются, бывает, замечательные реплики, которые я, ничтоже сумняшеся, беру в дело.

Вот это в моем понимании и есть импровизация: актер импровизирует, я это регулирую. И если в этой импровизации возникает что-то серьезное, если это лучше, чем я задумал, лучше, чем моя домашняя заготовка, то я не вижу ничего зазорного в том, чтобы взять это в работу, потому что в конечном счете это ведь общее наше дело, и совершенно не важно, кто что придумал. Это абсолютно не играет никакой роли — пусть артисты считают, что это они придумали, ради бога!

А еще я часто репетирую, когда члены группы сидят и смотрят — очень хорошо, пусть все смотрят, мне совершенно все равно, даже если это просто осветитель. И он может подойти потом и сказать: «Владимир Михайлович, а вот хорошо, если бы здесь…» — и я с удовольствием его выслушаю. А вдруг он предложит что-то, что никому из нас даже в голову не приходило?!

И я совершенно не собираюсь надувать щеки и говорить, что я такой замечательный и великий, а ты кто такой, чтобы мне что-то советовать. Нет, это абсолютно неправильно, поэтому я с удовольствием выслушаю любого, если это работает на мою идею. А если это еще и интересно, я возьму это в дело. Мало того, я публично поблагодарю его и при всех скажу: «Вы знаете, а вот Толя предложил замечательную вещь, и я ему очень признателен!» И мой авторитет от этого нисколько не пострадает. Ложная установка — думать: «Как же так? Я вот при всех соглашусь на это предложение — получается, я сам до этого не додумался, какой же я режиссер?!» В конечном счете хозяин все равно один, главное слово — это слово режиссера, поэтому, ради бога, пусть хоть все в группе что-то предлагают, а вы уже отбирайте.

Что еще важно понимать про импровизацию?

Вот вы все продумали, раскадровали, разрисовали, а потом приехали на реальную площадку. Поверьте, никогда в жизни, работая дома или на студии, где для вас поставили какую-то выгородку, вы не нарисуете, не распланируете все абсолютно точно. Как бы вы ни старались, все равно это не будет похоже на реальную площадку. То есть когда вы окажетесь в реальной квартире, где вам предстоит снимать, или приедете на какую-то реальную местность — поляну, скажем, — все будет выглядеть иначе. И вот здесь вы должны быть очень внимательны, чтобы не оказаться под влиянием того, что «вот я все так классно придумал, а тут какое-то дерево растет!», и вы предлагаете его спилить, потому что оно не должно у вас тут расти.

Надо, чтобы шор не было!

Вы должны быть абсолютно свободны в восприятии всего, что вы видите на площадке, и использовать это себе на благо.

Вообще, это закон, закон нашей профессии — все, что вы видите не так, как планировали раньше, должно быть обернуто на благо картине, а не во вред.

Это очень важная мысль, и я прошу, чтобы вы ее зафиксировали.

Ступор

То же самое и в отношении артистов. Я вам приведу пример. У меня на картине «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» случилось следующее. Там у меня была большая сцена, и я эту сцену решил снимать одним кадром, на сложном внутрикадровом монтаже, то есть в реальном времени. Это довольно трудно, требуется большая организованность в работе и артистов, и режиссера, и оператора — всей группы. В этой сцене к одному из моих героев, портному, которого играл мой любимый, чудный актер Роман Карцев, приходит пара — клиенты, жених с невестой — и основная часть сцены происходит между ними. Карцев, кстати, второй раз играл у меня портного. Первым был портной Боярский, персонаж из фильма «Биндюжник и Король» — Карцев считает, что это его лучшая роль в кино. В «Улыбке Бога» он опять портной, на этот раз по фамилии Перельмутер. И мы опять так же, как и в «Биндюжнике», снимаем в Одессе. И довольно много в картине снимается местных, одесских актеров.

Короче говоря, Карцев специально прилетел на этот съемочный день — мало того, на следующий день в том павильоне, где мы снимаем квартиру, уже должна строиться другая декорация, то есть у нас для этой сцены запланирован один день.

И вот я прихожу утром на съемку, а меня огорошивают — одесский артист, которого я отобрал, пробовал и утвердил, артист, который должен был играть жениха, — его не будет. Я спрашиваю: «Как это не будет?» «А так, он театральный артист, и театр отправил его куда-то в другой город, на выездной спектакль». Что поделаешь, мы с вами по-прежнему существуем в советских условиях, хотя Советский Союз уже вроде давно распался. На Западе такого в принципе не может быть, а у нас это сплошь и рядом, может быть все что угодно. И вот, нет артиста — что делать?

Надо же кого-то снимать, я не могу отказаться от этой сцены, потому что у меня вылетят огромные деньги: съемочный день этот стоит тридцать пять тысяч долларов — значит, всё это загремит к чертовой матери. Карцев второй раз не прилетит, потому что у него, во-первых, долгие гастроли, во-вторых, он утвержден на большую роль в другой картине, и там начинаются съемки. Плюс, повторяю, завтра сломают декорацию. Короче, выхода нет, надо снимать.

И вот мне приносят кучу фотографий артистов, которые могут заменить этого жениха, я выбираю одну и говорю: «Хорошо. Вот этот, внешне он годится. Давайте!» Проходит час-два, и появляется этот артист. Мы начинаем репетировать, и выясняется, что артист этот просто ничего не может играть, он вообще из самодеятельности, и, как только он открывает рот, идет такая фальшь, что все просто в ступоре. Мы пробуем и так, и эдак — ничего не получается.

Карцев, который вообще по натуре паникер, — он артист, который всегда во всем сомневается, хватается за голову: «Это никогда у нас не выйдет!» Тогда Ваня Жидков, играющий моего героя, говорит: «Вы его запугали! Давайте я с ним во время перерыва пообщаюсь, настрою его». Я же уверен, что хоть три часа перерыв делай — если человек не может играть, ничего не получится. Уже и оператор мне говорит: «Ничего не поделать, давай снимать короткими кадрами!» Но у меня-то задумана вся сцена одним кадром со сложным внутрикадровым монтажом, и это, на мой взгляд, гораздо интереснее, чем ее дробить.

Я думаю, что же делать?

В чем причина, почему ничего не получается?

Внешне он вроде годится — такой смешной, длинный, деревянный парень — но как только открывает рот, у него все фальшивит. «Черт возьми, что ж такое?! — думаю я. — Может, тогда ему вообще не надо говорить или, если говорить, то так, чтобы его почти не было слышно?!»

И я обращаюсь к своим помощникам: «А ну-ка бегом в медпункт и принесите мне как можно больше бинтов!» Приносят бинты, и я прошу как следует забинтовать ему шею. Короче, ему заматывают шею, как будто у него огромные проблемы с горлом, и я ему говорю: «Все, теперь у тебя голоса нет. Ты будешь только сипеть. Там, где я скажу, у тебя будет чуть прорываться голос, а так — сипи, как будто ты пива холодного напился и говорить совсем не можешь!»

И сцена тут же заиграла, как только я лишил его голоса. Сцена сложилась, она идет на ура, зрительный зал всегда хохочет на этой сцене.

Я к чему так длинно рассказываю, — это чистый пример импровизации. Мы перевернули ситуацию: она была катастрофической, а в результате стала выигрышной. Если бы я сидел дома и думал, как сделать эту сцену лучше, я бы такого в жизни не придумал, потому что это живое, это происходит на глазах, на площадке. И когда я увидел, что ситуация безвыходная, я сконцентрировался, и выход был найден. Более того, и сама сцена стала лучше, чем если бы эту роль сыграл тот актер, которого я выбирал на кастинге и в котором был уверен. Я точно знаю, что в этом варианте сцена только выиграла.

Это все подтверждение той же мысли: если что-то идет не так, как вы планируете — выглядит по-другому, площадка не такая, еще что-то вас не устраивает, — значит, если вы настоящий режиссер, вы обязаны обернуть это «нет» в железное «да», чтобы от того, что получится в результате, стало не хуже, а, наоборот, даже лучше. Знаменитая фраза «голь на выдумки хитра» должна стать вашим девизом в профессиональной жизни.

Представление персонажа

Значит, что такое импровизация, мы более-менее разобрались. Давайте теперь посмотрим самое начало одного фильма, это моя старая картина «Жил-был настройщик». Напомню, я вам уже говорил — очень важно, как мы начинаем картину, и очень важно, как мы ее заканчиваем.

Что же такое «начало картины»?

Тут нужно учитывать сразу несколько вещей. Первое — это, конечно, нужно взять зрителя за жабры и не отпускать. Первые пять минут очень важны!

Если в первые пять минут этого не произошло, вы не захватили внимание зрителя, дальше это сделать будет очень тяжело. Это должно произойти именно в первые пять минут, чтобы зритель сидел и никуда не рыпался. Кроме того, вам нужно обязательно представить главного героя, то есть должно быть понятно, кто, что и почему. И, наконец, вам нужно задать стилистику картины. Таким образом, в начале картины перед вами стоит сразу очень много задач.

Очень важны не только первые сцены и первые кадры, а даже титры очень важны — от того, как режиссер пишет начальные титры, зависит очень много. А титры в конечном счете, как и все в фильме, делает режиссер — кто бы ему что ни предлагал, все равно за все ответственен режиссер, и нет ни одной детали в фильме, которая может там возникнуть помимо воли режиссера. По-другому не бывает, если это настоящий режиссер.

Поэтому, когда я вижу первые титры, я уже сразу чувствую, насколько интересен режиссер, насколько он оригинально мыслит. Потому что титры — это уже подводка к картине, это уже представление будущего фильма.

Итак, я хочу показать вам первую сцену этой картины.

(Идет демонстрация фрагмента из фильма «Жил-был настройщик».)

Что я делал?

Я пытался представить зрителям моего персонажа (видите, это такой странноватый нелепый человек), успеть рассказать его историю без слов и задать одновременно и его характер, и общий настрой картины. Идея со сном была у меня придумана заранее, написана в сценарии, но внутри сцены многое рождалось импровизационно, и я очень хорошо помню, как это репетировалось. Ролан Быков, играющий настройщика, по натуре вообще прекрасный импровизатор — он много интересного предлагал прямо на площадке.

Я помню, что привез на эту съемку из дома целый сундук всякого барахла, и очень многое из этого сундука пошло в дело. Я вам вообще это советую — будьте барахольщиками. Я просто обожаю всякие барахолки, разные букинистические и антикварные лавки, вот все это старье, барахло — это моя слабость. Меня оторвать нельзя, когда я попадаю в такие места.

В Париже, например, — огромный квартал весь в этих рядах антикварных лавок, я могу там днями пропадать. В Одессе, кстати, тоже есть большая барахолка, но там — только по субботам. Короче, я когда в такие места попадаю, много всего покупаю и тащу к себе домой. Причем я очень часто даже не понимаю, для чего мне та или иная вещь, а потом выясняется, что и это где-то пригодилось, и это пошло в дело.

Вот я привез из последней поездки в Америку механических цыплят, увидел в какой-то антикварной лавке. Зачем они мне? Ей-богу, не знаю, но я их привез и спрятал, так что они будут лежать и ждать своего часа. Не знаю, мне кажется, они какие-то особые. Может, появится персонаж, где они как раз попадут в жилу, чем-то помогут. Потому что ждать, что художник все решит за вас, нельзя — собирайте сами, думайте сами, наблюдайте. Помните, мы с самых первых страниц говорим о важности наблюдений?

Сны и воспоминания

Вернемся к фильму, к этой первой сцене.

Значит, на первом этапе мы задали персонажа, задали героя, задали жанр и использовали импровизацию для того, чтобы все это разыграть. Здесь, кстати, использована еще одна важная вещь — это сон. Сон — это очень серьезное оружие в режиссерских руках, потому что сон или, скажем, мечта — это отрыв от реальности, это выход в другое измерение. Чем более контрастен сон, тем это всегда интереснее.

В сон вы можете воткнуть все, что угодно. Понимаете, это такой замечательный прием для того, чтобы рассказать о герое за короткое время то, что иначе нужно рассказывать очень подробно и долго, какими-то длинными сценами, монологами, диалогами. Если у вас есть в руках такое оружие, как сон, вы можете это сделать более сжато и гораздо выразительнее, но мы еще к этому вернемся.

Воспоминания. Тоже очень важно. Видите, в этой маленькой сцене есть и сон, и воспоминания. Там есть фотография, на которой герой изображен еще мальчиком, то есть уже понятно, что он был изначально особым мальчиком с этим его зонтиком, и с этой скрипочкой, и с этим скрипичным футляром, в котором, как потом выясняется, скрипки нет даже в помине, он там завтрак носит.

Вот его фрак, который висит, покрытый полиэтиленом. Понятно, что он его надевает чрезвычайно редко, раз он у него под чехлом — это, видимо, такая его несбыточная мечта. И вот чучело птицы — жуткая птица, с которой он завтракает, — это его единственный собеседник. За счет всех этих деталей мы рассказываем и предысторию героя, и сегодняшнюю его историю. Наверняка найдется энное количество картин, где это сделано гораздо более интересно и ярко, просто сейчас у меня под рукой собственный фильм, и я вам показываю, как это делал я.

Итак, сон, воспоминания, фантазии, — это все очень важные приемы и очень серьезное оружие в руках режиссера, когда он хочет что-то добавить в истории персонажа, сделать его более объемным, более красочным, более выразительным. Если вы этим пользуетесь, вы на правильном и выигрышном пути.

Реальное время

Я вам покажу фрагмент еще из одной своей картины, а потом мы перейдем к классикам. Это последняя моя американская картина, я вам о ней говорил, она называется «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)». Опять же, давайте сначала я вам покажу титры, а потом чуть-чуть расскажу про нее.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Я обращаю ваше внимание на титры, потому что это уже начало картины. То, как вы пишете титры, каким шрифтом вы это делаете, как они расположены — все это играет большую роль, потому что это первые секунды, во время которых зритель привыкает к фильму и понимает, на каком уровне ему собираются рассказывать историю и насколько серьезно режиссер к этому относится.

Я помню, как долго я мучился с этими титрами. У компании, с которой я работал, никак ничего не получалось, но в конце концов я добился своего. Это была простая вещь, но они долго ее не могли сделать.

И еще музыка. Конечно же, это очень важно. Здесь во вступительной музыке к титрам, своеобразной увертюре, заданы все основные темы картины. Вообще, в картине желательно, чтобы было не больше двух тем — основная и побочная. Но об этом мы поговорим, когда доберемся до разговора о работе с музыкой.

Значит, уже в титрах задано настроение, образ картины. А теперь я хочу вам рассказать, в чем фокус этого фильма. Почему фильм называется «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)»?

Потому что все действие происходит в течение этих полутора часов, и снята картина в реальном времени, по-ан глийски real time.

Что такое реальное время?

Когда не режется кадр, когда нет ни одной склейки, когда кадр идет, и идет, и идет без склеек. Это очень тяжело и очень сложно делать.

Театральные спектакли часто снимают таким образом: ставят где-нибудь камеру, выбирают общий план, и вот через три минуты это уже невозможно смотреть, потому что очень скучно: статичная камера, снимает все одним общим планом. Конечно, спектакль надо снимать совершенно по-другому. Особенно сейчас, когда мы привыкли к подвижным съемкам, короткому, динамичному монтажу, постоянной смене ракурсов. Статичная камера вообще уже не работает, разве что это какая-то специальная задумка и в кадре происходит что-то невероятное.

Стало быть, камера должна двигаться, а это очень сложная синхронизация артистов и всей группы. Потому что группа — это сама камера плюс вокруг нее три человека: один на фокусе, другой ее носит, рядом бегает ассистент, помогает — то есть получается минимум трое, а то и четверо человек. Затем звук — звукооператор с магнитофоном, его ассистент с микрофоном. Таким образом, человек шесть-семь крутятся у тебя под ногами, у артиста. Именно крутятся, мешаются, потому что нередко такая сцена еще и на 360 градусов снимается. То есть это чрезвычайно сложная вещь.

Для чего это делается? Почему все-таки кинематографисты иногда идут на то, чтобы снимать одним кадром, не резать, хотя гораздо проще поставить камеру сюда, потом переставить туда, или бесконечно переезжать с одного места на другое?

Кстати, насчет переездов скажу сразу, чтобы не забыть, — я ненавижу, когда в кино вдруг ни с того ни с сего камера начинает двигаться: вот стояла камера и вдруг поехала — с чего бы это? С какого такого рожна?

Как говорил оператор Георгий Рерберг, хочешь ехать — купи билет. Почему вдруг камера поехала? Просто потому, что это вздумалось режиссеру и оператору?

На мой взгляд, это выглядит всегда ужасно — любое движение камеры в кадре должно быть мотивировано: ты повернулся — по взгляду пошла камера, человек шагнул — вместе с ним пошло движение камеры, что-то внезапно пролетело — пожалуйста, переведи камеру вслед, — но вдруг, ни с того ни с сего поехали-отъехали, — для меня это сразу признак плохого кино, любительщины.

Возвращаясь к тому, о чем я говорил: почему, повторяю, кинематографисты идут на эти сложности?

Ведь, конечно, очень тяжело снять сцену одним кадром, чтобы она еще была и живая, чтобы внутри была вся раскадрована: где-то камера подъехала на крупный план, где-то отъехала, где-то выхватила деталь, где-то, наоборот, общий план. Это все мучительно репетируется, потому что артисты не соображают, путаются: надо выучить текст, плюс запомнить, куда в какой момент повернуться, откуда камера подлетит — они совершенно от всех этих задач обалдевают. Тем более наши артисты, которые снимаются в сериалах, вообще не готовы к такой серьезной работе.

Но почему все-таки на это идут режиссеры?

Потому что тут наблюдается удивительный эффект: когда зрители смотрят такое непрерывное действие, они на подсознательном уровне понимают, что им не врут, их не дурачат. Ведь что такое склейка?

Склейка — это игра со временем: режиссер может его растянуть, а может спрессовать, он может делать с ним все, что хочет.

А тут время на экране идет ровно столько, сколько и в зале, и зритель понимает, что его нигде не дурят — это значит, что все правда. То есть интуитивно вырабатывается особое доверие к тому, что происходит на экране. Это все на подсознательном уровне, но поверьте, это именно так. Поэтому, когда в обычной картине вдруг какая-то сцена сделана одним кадром, эта сцена сразу начинает блестеть, сразу становится ударной, потому что она воспринимается на порядок правдивее, чем все остальное вокруг.

Давайте посмотрим сцену.

(Идет демонстрация фрагмента из фильма «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)».)

Если вы обратили внимание, это все был один кадр. Он начинается с крупных часов, потому что для меня очень важен фактор времени: часы в фильме фигурируют постоянно, я все время слежу за временем и хочу, чтобы зритель тоже следил, помнил. Фильм начался ровно в 6 часов, и закончится он ровно в 7.30.

Итак, это все один-единственный кадр, опять же это начальная сцена, то есть я задаю персонажа — главного героя и вместе с ним атмосферу и тему картины: по радио говорят об оружии, мы видим персонажа — таксиста, и он явно не в порядке, потому что ему что-то мнится все время. Таким образом, задан герой, задано его странное состояние — все ему кажется не так, хотя в принципе, если убрать все эти закадровые звуки, там вообще ничего не происходит.

Как эта сцена снималась?

Она полуимпровизационная. Я сказал артисту: «Джек, вот твой путь, обойди дом, посмотри, что там происходит, по сторонам посмотри, и, когда я скомандую, эти ребята побегут, ты побежишь за ними и упадешь», — вот все, что я сказал. Это была его импровизация, как он смотрит, как он ходит, а затем я, уже получив в руки эту пленку, работал со звуком. В момент же съемки я еще точно не знал, как эта сцена будет озвучена, я только знал, что я всячески буду насыщать ее звуками. И это уже в постпродакшн в этой сцене стали плакать, ругаться, возникли крики кошек, звук спуска воды в унитазе и все остальное, что вы сейчас слышали.

Актерская свобода

Обычно я делаю раскадровки, как я вам рассказывал, но поскольку это особая картина, которая снята всего пятнадцатью кадрами, то здесь делать раскадровку чрезвычайно тяжело. Поэтому я подолгу репетировал, то есть фактически заменил раскадровку длительными репетициями: я выверял все очень подробно сначала с актерами, потом с оператором, и уже потом мы это снимали. То есть фактически часть раскадровочной подготовительной работы я делал на площадке, в отличие от всех других моих фильмов. Потому что иначе в этом случае было бы очень трудно.

Почему я показываю этот фильм, кадры из него?

Потому что он как раз попадает на нашу тему импровизации, это полуимпровизационная работа, то есть у меня в голове был точный план, как сцена должна быть выстроена, но я его менял в зависимости от того, что у нас происходило с артистом.

Сейчас я вам покажу еще одну сцену, и вы поймете, о чем я говорю.

(Идет демонстрация другого фрагмента из фильма «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)».)

Значит, давайте обсудим. Сцена начинается тихо-мирно, с любовной игры, и вот чем заканчивается, — скандалом, полным разрывом отношений между героями. Мне кажется, артисты здесь предельно естественны, хотя они поставлены в очень тяжелые условия, потому что неизвестно, что сложнее, — снимать ли в real time, когда ты на улице, и каждый прохожий, каждая машина — все должно быть рассчитано, вовремя пройти, проехать и прочее (тем более у нас там есть тяжелейшие кадры, когда камера входит за персонажами в интерьер, в магазин, потом опять выбегает на улицу и прыгает через забор, там есть и такая эквилибристика!), или же снимать вот такой кадр, где вроде бы ничто не мешает, но это крохотный интерьер, который тоже должен быть очень точно раскадрован, в нем тоже существует так называемый внутрикадровый монтаж: вы же видите, что здесь — то общий план, то крупный план, то профильный, то средний, то один герой на крупном, а второй на общем, — то есть это все кадруется, это все репетируется, сначала с артистами, потом с оператором.

На мой взгляд, в маленьком интерьере снять большую интересную сцену в реальном времени, на сложном внутрикадровом монтаже гораздо труднее.

Как шла работа?

Какая свобода была дана актерам?

После того как мы всю сцену выверили и я убедился, что они ее хорошо знают и помнят, что когда происходит, они получили право говорить что-то своими собственными словами. Поскольку я не Шекспир, то, соответственно, не держусь за каждое слово, если вижу, что актеры вжились в персонажей — причем у меня это повелось со времен «Приключений Петрова и Васечкина»: я детям, когда видел, что они уже становятся Петровым и Васечкиным, тоже давал свободу. Ну а взрослым актерам я тем более даю возможность такой импровизации.

Поэтому все дубли — их, кстати, совсем не много, потому что это огромный кадр и пленка дорогая, — так вот все дубли отличаются друг от друга. В одном так что-то сказано, в другом этак что-то сказано, но движение камеры везде одно и то же, рисунок сцены всегда один и тот же, хотя в нюансах дубли отличаются.

Бывает даже так, что в одном дубле получилась какая-то одна очень сильная деталь, а в другом — другая, и я всегда мучаюсь при выборе. Но в целом, как мне кажется, именно в этой картине такой импровизационный, или, скорее, полуимпровизационный способ (потому что, естественно, вся импровизация контролировалась очень серьезно!), он срабатывает.

По крайней мере, картина стала событием, получила всякие награды, представляла Америку на Всемирном Монреальском кинофестивале, а во Франции, на Международном кинофестивале в Страсбурге, даже получила приз «За лучший монтаж», хотя монтажа в обычном понимании практически не было, потому что, вы видите, он весь внутри кадра.

Жан Ренуар

Теперь мы переходим к великим. Я хочу начать со знаменитой картины выдающегося французского режиссера Жана Ренуара «Правила игры».

Я покажу вам одну небольшую сцену, а потом объясню, почему я ее показываю. Там главный герой приглашает большое количество гостей в свою усадьбу на охоту. Он богатый человек, усадьба большая, вечером они все расходятся по своим комнатам. И вот как Ренуар это сделал.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Обратили внимание, да?

Это все тот же real time, это кадр, который нигде не режется, хотя это огромная сложная сцена.

Я могу себе представить, сколько он мучился, пока сделал этот кадр таким живым! Сколько они репетировали, какое количество людей здесь задействовано, как они все без конца вовремя выходят и уходят в свои комнаты, и, если вы обратили внимание, сколько раз камера поворачивается то в одну сторону, то в прямо противоположную. Причем это делалось семьдесят с лишним лет назад, это фильм 1939 года.

Ренуар, конечно же, выдающийся режиссер, потому что это изумительная профессиональная режиссерская работа очень высокого класса. Все персонажи живут, все они очень органичны, здесь полное ощущение легкости и импровизации.

На самом же деле за этой легкостью и импровизацией стоит колоссальный труд — прежде всего, режиссерский. Колоссальный!

Феллини

Продолжим нашу кинопанораму.

В свое время мы много времени уделили одному гению — Чаплину. Теперь же потратим время на другого гения — Федерико Феллини. Это два совершенно невероятных человека…

Для меня они абсолютные гении. Рядом я никого не могу поставить. Выдающихся замечательных режиссеров было очень много, но это два человека, которые полностью перевернули все представление о кино и возвели его в ранг самого высокого искусства.

«Восемь с половиной» Феллини. Как я вам уже говорил, все фильмы, фрагменты которых я вам показываю, надо знать наизусть, обязательно самим смотреть их полностью.

«Восемь с половиной» — это восьмая картина Феллини, поэтому она так называется, а половина — это был фильм «Огни варьете», который он снял вместе с Альберто Латтуадой. Впервые в истории киноискусства режиссер, по сути, позволил себе снять огромную картину о самом себе. Потом это сделает Тарковский в фильме «Зеркало», и еще будут повторять многие.

Но Феллини все равно первый. Он снял фильм о режиссере, который находится в отчаянном поиске, который мучительно работает над своей картиной и никак не может совладать с самим собой, со своей жизнью, со своими воспоминаниями.

Феллини впервые начинил фильм фантазиями, сновидениями, воспоминаниями, которые перемешиваются с реальной жизнью его героя-режиссера.

И это, конечно же, абсолютно гениальная картина, которую надо просто знать назубок, потому что каждая сцена в ней совершенно потрясающая: и по тому, как она придумана, и по тому, как она снята, и как мастерски, режиссерски выстроена.

Работа Феллини с актерами

Существует замечательный документальный фильм 2002 года «Я — великий лжец!» о том, как работал Феллини. Я его видел, это безумно интересно. Например, там есть сцена — несколько актеров, и Феллини ходит вокруг них с камерой, с оператором, и командует артистами, причем довольно жестко.

Он говорит: «Так, ты посмотри наверх, а ты отвернись, а ты теперь положи ему руку на левое плечо, сейчас ты присядь и посмотри в потолок, вы обнимитесь, ты отвернись к стенке», — и так далее. И актеры у него просто как куклы, как марионетки, тупо выполняют его команды — совершенно очевидно, что они абсолютно не понимают, зачем они это делают, с какой целью и почему.

Известно по многочисленным воспоминаниям, что Феллини вообще терпеть не мог что-либо объяснять. В частности, он так обожал Мастроянни, который здесь играет главную роль, и снимал его без конца, потому что Мастроянни не задавал никаких вопросов. Если Феллини говорил ему открыть дверь, Мастроянни шел и открывал дверь, в отличие от какого-нибудь европейского или американского артиста, который пытался выяснить, а что там, за этой дверью, а зачем я ее открываю, и тому подобное. А Мастроянни просто шел и открывал.

И вот эту сцену, где Феллини командует таким образом, я потом вижу уже в фильме, в контексте, и это совершенно волшебная сцена, никакими механическими движениями актеров даже не пахнет, все это вдруг преображается.

Но для этого, конечно, надо точно понимать, что ты делаешь, для чего ты это делаешь, как ты это будешь использовать, что ты хочешь. Тогда, в конце концов, ты имеешь право ничего не объяснять, но при одном условии — должно быть абсолютно точное понимание.

Мир Феллини

Посмотрите, как Феллини начинает свою замечательную картину.

(Идет демонстрация фрагмента из фильма «Восемь с половиной».)

Представьте, как весь мир был потрясен в 1968 году, когда вышел этот фильм. Никто никогда так не начинал кино, зрители ничего подобного не видели. Если вам удастся начать свою картину кадрами, подобных которым никто никогда не видел, сценой, которую никто никогда не мог себе даже представить, — вы уже в полном порядке. А таких сцен в этом фильме полно. На мой взгляд, повторяю, этот фильм абсолютный шедевр, потому что Феллини переворачивает все представление о кинематографе, которое существовало до него, до этого фильма. И до «Восьми с половиной» у него были потрясающие картины, — все его фильмы надо смотреть, я уже говорил, — но этот фильм — что-то совершенно невероятное. Он также потрясающе выстроен ритмически.

Кроме того, Феллини изумительно обошелся с таким приемом, как сновидение. Видите, как он использовал сон: уже задан рефлексирующий персонаж, которого все пугает вокруг, который чувствует себя задыхающимся в этой жизненной пробке, которого сдергивают с небес, куда он пытается улететь, и он падает, а там уже стоит часть декораций, и мы их потом увидим. То есть уже задана тема, задан герой, история которого будет сейчас проходить на наших глазах.

О чем эта картина?

Это история взаимоотношений режиссера с его фильмом.

Давайте посмотрим еще один отрывок.

(Идет демонстрация другого фрагмента из фильма «Восемь с половиной».)

Вот видите, он замечательно использует собственные воспоминания, воспоминания о своем детстве, причем делает это с чудным юмором, и Сарагина стала просто символом феллиниевского кино, одним из самых ярких его персонажей. Я уверен, что это непрофессиональная актриса, он ее где-то нашел, потому что с такой внешностью она вряд ли могла быть профессиональной актрисой. Он вообще собирал лица, персонажей. Есть целый альбом, который называется «Персонажи Феллини», — там невероятные лица, он их коллекционировал, часто использовал. И в каждой его картине есть набор персонажей, которые идут через все его фильмы: это обязательно проститутка, обязательно священник, обязательно мальчик, — такие знаковые фигуры, которые переходят у него из картины в картину. Они для него очень важны, и все вместе они создают то, что называется «мир Феллини».

Чем отличается выдающийся режиссер от режиссера средней руки?

Тем, что он создает на экране свой мир, по которому мы сразу узнаем: «Да, это Феллини, это его мир».

Он использует собственные воспоминания, он играет с ними: то скорость увеличивается и люди начинают бегать, то, наоборот, скорость замедляется — и все это он делает иронично, с юмором. С одной стороны, это реальность, а с другой, это особая реальность — реальность, окрашенная его видением.

Финал великого фильма

Я не могу вам не показать финал этой картины, потому что он абсолютно гениален. Я имею в виду то, как он заканчивает это кино. И тоже ничего похожего в истории кино не было, никто и никогда так фильм не заканчивал.

(Идет демонстрация еще одного фрагмента из фильма «Восемь с половиной».)

Грандиозный карнавальный финал!

Режиссер велит всем персонажам своего фильма взяться за руки и сам тоже становится в общий круг. Всё наконец соединилось, и все бегут вокруг цирковой арены, потому что жизнь — это цирк, а цирк — это жизнь. Это не просто бег, это, скорее, некий ритуальный танец под потрясающую музыку Нино Рота. А на темной арене прожектор высвечивает клоунов-музыкантов и мальчика в белом — мальчика из воспоминаний героя, то есть его самого, маленького Гвидо. И мальчик сначала дирижирует клоунами, а потом уходит вслед за ними. И луч прожектора, освещающий его, постепенно сужается и исчезает, окончательно погружая все в темноту, в которой замирают последние звуки музыки.

Здесь не нужны никакие слова, все и так предельно выразительно и понятно. И мне тоже нечего добавить.

5. Артисты и дети

Кастинг. Как работать с актерами. Как выстраивать отношения. Рабочая атмосфера. Как работать с детьми. Разница между творцом и профессионалом

Кастинг

А теперь поговорим о том, как готовиться к встрече с артистами. Как мы уже выяснили, в первую очередь вы должны знать все про вашу историю, все про ее персонажей.

Что еще очень важно, так это чтобы у актера, который к вам приходит, было полное ощущение, что его здесь ждали, что его очень хотят. Вот именно его. Особенно тяжело бывает создать такое впечатление под конец кастинга, когда приходит уже двадцать пятый человек, у вас уже сил никаких нет, все лица сливаются. Но тут уж ничего не поделаешь — такая работа. Человек приходит к вам впервые, приходит к вам знакомиться, и у него, повторяю, должно быть полное ощущение, что вы всю жизнь ждали именно его, и вот наконец это произошло.

Это вообще главный закон, с моей точки зрения, взаимоотношений с артистами — артистов необходимо любить!

И не просто любить, а, я бы даже сказал, важно влюбляться в них, независимо от их пола. И они, безусловно, должны чувствовать, что вы в них влюблены. Ведь когда они чувствуют, что их любят, они совершенно расцветают, потому что актер отличается от всех остальных людей исключительной эмоциональностью и, в каком-то смысле, даже непосредственностью.

Артисты зачастую ведут себя как дети — они обижаются, как дети, они сердятся, как дети. А дети обожают, когда их хвалят, и актеры, соответственно, тоже обожают, когда их хвалят — их необходимо хвалить, просто необходимо.

И для ребенка, и для актера очень странно, если они не слышат ни одного комплимента в свой адрес. Актер сразу увядает, он мгновенно теряет стимул. Так что это очень важно.

Еще один существенный момент. Чем лучше вы знаете артиста, с которым у вас назначена встреча, чем больше вы проинформированы, тем лучше, тем вам будет легче. И наоборот, очень плохо, если вы вообще ничего не знаете о нем, — вы обязаны знать, кто к вам придет. Просто так на кастинг никто не приходит — сейчас у всех есть агенты, есть агентства, и, прежде чем увидеться с человеком, ваша обязанность подробно выяснить, кто именно к вам придет, что у него в прошлом, какой послужной список.

Необходимо подготовиться к встрече, чтобы задавать вопросы, не уткнувшись в бумажку, а смотреть человеку прямо в глаза. Тогда он почувствует, что вы именно его и ждали, он будет понимать, что это правильное место и вы правильный человек и правильный режиссер.

Отношения с артистами

Любым способом, повторяю, вы должны добиться, чтобы артист почувствовал, что его здесь ждали и любят.

Он должен это постоянно ощущать и в течение всей дальнейшей работы. Быть уверенным, что его здесь очень любят и что вы на его стороне, что бы ни происходило, потому что работа предстоит большая, тяжелая. А если даже она маленькая, то все равно тяжелая, и все равно весь груз ответственности на нем, на артисте, — играть должен он, а не вы. Просто он будет осуществлять эту работу с вашей помощью.

В отличие от театральных артистов, единственный зритель киноартиста во время работы — это вы.

Единственные глаза, которые актер будет искать на площадке после того, как что-то сыграет, — это ваши. Единственная реакция, которая ему будет невероятно важна после того, как он что-то сыграл, — это ваша. Поэтому эти отношения режиссер — актер безумно важны, об этом нельзя забывать.

Когда я говорю «влюбляться в артиста», я говорю, на самом деле, серьезно. Если не только у артистов, но и у вас лично нет ощущения, что вы влюблены в ваших актеров, то вам будет очень тяжело с ними работать. Помню, как я был разочарован в одном актере, у меня с ним сложились очень непростые отношения. В какой-то момент я его просто возненавидел и чуть не испортил картину, стараясь вырезать его отовсюду, откуда только возможно. Это непозволительно, но все же случается. Особенно часто это происходит на первых порах, когда режиссер еще не совсем уверен в себе.

Чем лучше вы понимаете этого человека, вашего актера, тем легче вам с ним работать, иначе говоря (может, это и не очень хорошо звучащее слово, но оно правильное) — манипулировать им. То есть вы должны понимать, на какую кнопку когда нажать, вы должны знать, как извлечь из этого актера нужную вам эмоцию в нужный вам момент. А это понимание зиждется только на вашем глубоком знании этого человека.

Очень рекомендую прочесть хоть какой-то учебник по психологии. Крайне рекомендую. Потому что режиссер — это психолог, а артисты — все люди разные. Одни из них очень уверены в себе, потому что за ними тянется шлейф ролей, потому что они любимцы публики, и, соответственно, к ним один подход; другие, наоборот, крайне не уверены в себе, и все, что они говорят и делают, на самом деле маскировка этой неуверенности, и им надо помогать, с ними надо выстраивать отношения особым образом.

Их довольно много, разных актерских типов, так же как вообще достаточно много психологических типов людей. Вы можете попробовать самостоятельно в этом разобраться — прочтите, повторяю, какой-нибудь учебник по психологии, узнайте, какие есть человеческие типы. Это вам поможет потом понять, что за человек перед вами и как лучше выстраивать с ним взаимоотношения.

Дистанция

Очень часто возникают романы режиссер — актриса или режиссерша — актер — что бывает реже, потому что режиссерш гораздо меньше, это все же скорее мужская профессия.

Это естественные романы, потому что режиссер по определению должен быть влюблен в свою героиню, она в ответ тоже отвечает ему доверием и уважением, восхищением, влюбленностью, и в итоге эти отношения быстро перерастают в роман. Тут есть и плюсы, и минусы. Плюс состоит в том, что да, вступая в интимные отношения с артистом или с артисткой, вы узнаете человека гораздо ближе, и это помогает вам в работе. Но в этой близости есть и минус, тут кроется большая опасность. Слишком близкое соприкосновение с актером чревато. Очень важна такая вещь, как дистанция. Как только вы сокращаете дистанцию, вы теряете возможность управлять актером.

Можно привести сотни примеров, когда актриса, которая спит с режиссером, буквально садится ему на голову. И он уже ничего не может сделать — он связан по рукам и ногам, потому что не может ее лишиться, не может лишиться ее постели и так далее. И фильмом уже командует она, а не он.

Вы ни на секунду не должны забывать, что хозяин на площадке только один — это режиссер, никакого другого нет. Какие бы знаменитые артисты ни пришли, какие бы звезды у вас ни снимались, кем бы все они ни были, повторяю, — хозяин на площадке один. Конечное слово — это ваше слово.

Дистанция очень важна — об этом надо помнить, ее необходимо соблюдать, держать в голове. Говорю на основе собственного печального опыта: на одной из самых первых своих картин я необычайно сблизился с одним актером, исполнителем главной роли, звездным, умным актером. Я считал, что мы ближайшие друзья, и в какой-то момент позволил сесть себе на голову. Картина из-за этого очень пострадала. Естественно, потом все наши отношения были разрушены.

Это был просто кровавый опыт, я этот урок запомнил на всю жизнь: с актером, как бы он вам ни нравился, как бы вы ни хотели ощущать себя с ним в близких отношениях, необходимо соблюдать дистанцию, потому что, если вы эту дистанцию не сохранили, вы теряете контроль.

А это самое главное, что нужно держать в руках, — контроль над фильмом, контроль над всем, что происходит вокруг фильма, и, соответственно, контроль над вашими артистами. Это очень важно помнить, потому что на этом прокололась масса народу. Особенно часто ломают себе шею в подобных случаях молодые режиссеры, разрушая ту незримую дистанцию, которую всегда нужно соблюдать.

В этом, собственно, и заключается искусство общения с артистом, потому что, с одной стороны, да, актер должен чувствовать, что вы его безумно любите, что вы в полном восхищении от того, что он делает, но при этом внутри должна быть четкая дистанция, и эту дистанцию он тоже должен ощущать. До поры до времени — «да-да, все, что хочешь, все замечательно!», но в какой-то момент у актера обязательно должно наступать понимание, что дальше хода нет, потому что хозяин фильма — режиссер.

И переходить эту грань нельзя.

Работа с актером

Теперь дальше. С чего начинается работа с артистом?

Она, естественно, начинается с обсуждения сценария, с обсуждения роли. Вы обсуждаете и то и другое — и роль, и сценарий. Трудность в нашем деле состоит в том, что мы не снимаем кино последовательно — мы снимаем его по кусочкам, вырванным из контекста, и снимаются эти кусочки совершенно не в той последовательности, в которой потом будут выстраиваться в фильме. Это сложность для вас, но это и сложность для артиста: сегодня снимается маленький кусочек сцены, которая будет стоять где-то в конце картины, а он еще ничего этого не прожил. Как ее ему играть?

Кино не снимается последовательно, как в театре, где репетируется спектакль, сцена за сценой проигрываются, и, наконец, актер готов — он всю роль прожил, проиграл, прочувствовал. А тут ему — раз! — надо играть кусок, который еще через черт знает сколько времени возникнет по ходу его роли, а это, допустим, еще только первый съемочный день. Как же играть эту сцену, если он ничего не переживал?

В этом и сложность. Значит, к этому нужно готовиться. У вас есть репетиции, мы с вами подробно говорили о них, и вот на этих репетициях вы готовите и себя, и артиста к любому кусочку его роли, анализируя и сценарий, и роль.

Что такое «анализируя»?

Здесь тоже важно понимать, с кем вы имеете дело, что за артист перед вами. В одних случаях это человек, который схватывает все на лету, он много читал, хорошо подготовлен, готов на интеллектуальном уровне обсуждать с вами происходящее — это один вариант. А в другом случае вы имеете дело с человеком, который мыслит совершенно иначе, вообще не привык о чем-либо задумываться и существует преимущественно на чисто эмоциональном уровне. Здесь очень важно понять, что из себя представляет актер.

Скажем, во втором случае важно не перегрузить артиста, чтобы он не вышел от вас с распухшей головой после репетиций и не сказал приятелю: «Слушай, он столько говорил! Я ни хрена не понял, но он столько мне наговорил! Кошмар какой-то!» От этого он зажмется окончательно, а он и так, может, не очень раскрепощен. Поэтому важно искать конкретный ход, конкретный ключик к каждому актеру.

Я знаю три способа работы с актером. Это объяснение, подсказка и показ. Объяснение рассчитано на профессиональных талантливых артистов. Вы все объяснили, а они сыграли. Подсказка — наиболее распространенный способ. Артисты играют, а вы подкидываете им какие-то советы по ходу дела. И наконец, показ — это крайний случай. К нему надо прибегать, лишь когда нет другого выхода. Профессиональных артистов ваш показ только раздражит.

В редчайших случаях я что-то показываю профессиональным артистам. Я могу показать рисунок: вот ты идешь сюда, садишься туда, потом подходишь к двери, — короче говоря, рисунок я, естественно, покажу. Но никогда не стоит ему показывать, как ему играть, это серьезная ошибка. Во-первых, вы все равно сыграете хуже, а во-вторых, если он будет пытаться вам подражать, это неправильно. Как играть, — это то поле, на которое лучше не заходить, это дело актера. Ваше дело — обозначить, что он делает, и поправить, если что-то не так.

Но вообще, я рекомендую говорить поменьше, не произносить длиннющие монологи — они, как правило, сбивают актера с толку. Будьте лаконичны и конкретны. И не выдавайте весь свой замысел. Не надо перегружать артистов.

Действие

Когда мы говорим про сцену, есть три ключевых вопроса, на которые каждый артист обязан ответить. Кстати, никогда не подсказывайте актеру эмоции, это частая ошибка, не спрашивайте его: «А вот что ты здесь чувствуешь?» — это ужасный вопрос. Вы должны спрашивать: «Что ты здесь делаешь?» Вот это совсем другой и необходимый вопрос. А эмоции — это вообще не ваше дело, это дело артиста. Вы туда не заходите.

Ваше дело — это действие, и поэтому ваш главный вопрос, повторяю, не «что ты чувствуешь?», а — «что ты здесь делаешь?».

Основные три вопроса, на которые с вашей помощью должен постоянно отвечать артист, — это:

Что я здесь делаю?(что я делаю сейчас в этой сцене).

Зачем я это делаю? (то есть с какой целью).

Как я это делаю?

Вот три ключевых вопроса, на которые он должен ответить себе с вашей помощью по поводу любой сцены, о которой идет речь.

Предыстория

Теперь представим себе, что вот мы подошли к какой-то конкретной сцене. Допустим, у вас первый съемочный день, а сцена будет только в конце картины. Что делать? Как над ней работать?

Необходимо ответить на целую серию вопросов, на которые актер без вашей помощи — особенно, если это не слишком опытный актер — может и не ответить. Он просто не будет знать, что их надо себе задать, а с вашей помощью он ответит, и ему будет легче работать.

Нужно понять, что было до этой сцены, что происходило.

Допустим, у вас в монтаже в этой сцене героиня говорит мужу, что она от него уходит. А до этого в монтаже в сценарии была сцена, где ее подруга встречалась с этим мужем. Значит, вам нужно перескочить через эту сцену куда-то назад и увидеть, что до этого делала эта героиня, всё вспомнить. А затем, когда вы уже подошли к данной сцене, нужно точно понять, что было за два часа до того, как эта сцена начала происходить, что произошло за пятнадцать минут до этой сцены, за пять минут… И что будет после нее. То есть нужно точно найти этой сцене место и время.

С вашей помощью артист должен это сделать. Он также должен ясно понимать, какая температура сейчас в городе или в деревне, то есть там, где происходит действие, потому что вы можете снимать в павильоне, а там температура всегда одна и та же. Он должен точно понимать, как он чувствует себя физически, хорошо ли он выспался — не он сам, разумеется, а его персонаж, — все ли с ним в порядке.

То есть должна быть полная ясность, каково его душевное и физическое самочувствие, в этом он должен полностью отдавать себе отчет в каждой сцене. Он должен точно знать, что было до этой сцены и что будет после — прежде чем вы займетесь с ним непосредственно самой этой сценой.

Читка

Теперь, когда вы наконец подошли к самой сцене и работаете с ней, вы ее, естественно, сначала прочитываете. Я вообще рекомендую, как я уже говорил, полностью прочитать весь сценарий вместе с артистами.

Но вот мы уже работаем над конкретной сценой, так что мы ее еще раз прочитываем. Причем на этот раз я рекомендую сделать это очень внимательно. Что значит «внимательно»?

Это означает, что они, ваши артисты, читают сцену, а вы за этим внимательно следите, потому что между тем, как написан сценарий, и как он в результате будет реализован на экране, есть разница. Очень часто, когда сценарист пишет диалоги — даже хороший сценарист, — они звучат литературно, это не наш живой язык, которым мы изъясняемся. Я сейчас не говорю об экранизациях, классических и исторических произведениях, о Шекспире и других великих авторах, я говорю о современных историях и современных сценариях.

Если у вас актеры с чутким слухом, они могут помочь вам, и вы можете их об этом попросить, пояснив: «Если вам что-то неудобно, если какая-то фраза не ложится на язык, скажите ее по-своему». Нередко после таких репетиций я за артистами что-то поправляю в диалогах. Это очень помогает, потому что артисты — они как хороший инструмент, настроены на правильный звук.

Далее, когда вы прочли эту сцену, еще помогает, конечно, какая-то этюдная импровизация на тему. Вы должны запомнить, что дело вовсе не в том, что говорит персонаж, а важно, как он это говорит, — он может говорить что угодно, а подразумевать совершенно другое. Он может сказать: «Как я тебя люблю!» — таким образом, что будет полное ощущение, что он этого человека ненавидит, или наоборот.

Не важно, повторяю еще раз, что говорит персонаж — важно, что он делает при этом, потому что суть роли проявляется в действии, а не в словах — вы не радиопьесу ставите, вы снимаете кино. Зритель прежде всего смотрит на действие — ему интересно, что делает персонаж, — и только во вторую очередь слушает, что он говорит.

Поэтому очень важно определить, что ваш герой делает в этой сцене.

Зажим

Бывает, артисты зажимаются — зачастую это молодые артисты, неопытные — и если вы это чувствуете, ваша задача помочь им. Тут миллион всяких способов: пусть, например, он спокойно пройдет по площадке, скажет: «Это стул, это стол, это дверь, это вот сцена». А теперь пусть точно так же, спокойно, повторит свой текст. Зажим надо убирать обязательно, от зажима артисты начинают наигрывать, а хуже нет, когда в кино актер наигрывает.

Чтобы убрать зажим, надо прежде всего понять, в чем его причина. Тогда сразу станет ясно, что нужно делать. Причины могут быть разные. Давайте разберемся.

Во-первых, это может быть отсутствие объекта внимания, то есть у артиста нет конкретности. Во-вторых, бывает просто мускульное напряжение. Это проще всего убрать — надо дать какое-то физическое задание, упражнение. В-третьих, причиной зажима может быть отсутствие необходимых оправданий. Тут, конечно, надо помочь, подсказать правильную мотивировку. Еще одна причина — отсутствие творческой пищи. То есть артисту элементарно не хватает знания жизни, ситуации. Он опирается только на свою фантазию, а этого недостаточно. Соответственно нужно его погрузить в реальную жизнь персонажа, отправить в правильное место. Ну, например, если он играет хирурга, а никогда не был в операционной, то ему необходимо туда попасть и понаблюдать. И так далее.

Следующая возможная причина зажима — это стремление актера сыграть чувство, результат. Здесь важно подсказать ему правильные действия, которые сами по себе приведут к результату.

Ну и, наконец, есть еще такая причина, как допущенная неправда. Даже маленькая фальшь или ложь — в реквизите ли, в костюме, в действии — обязательно приводит к тому, что всё в конечном счете начинает фальшивить. За этим надо строго следить.

И обязательно останавливать, если вы эту фальшь чувствуете.

Театральные артисты

Хочу вас предупредить: я всегда активно не рекомендую моим студентам и молодым режиссерам снимать: а) самодеятельных актеров и б) театральных актеров.

По поводу самодеятельных артистов всё понятно — это люди, которые ничего не умеют, никогда ничему толком не учились, школы, стало быть, никакой нет, и если только это не какое-нибудь удивительное лицо, фактура, которая вам абсолютно необходима, то лучше от таких актеров держаться подальше. Потому что вам некогда, особенно на первой-второй картине, абсолютно некогда кого-то чему-то учить — столько других сложнейших задач перед вами, что времени обучать человека, который ничему не учился и ничего не умеет, у вас нет, и силы на него тратить невозможно. Полезнее их потратить на фильм. Так что лучше людей из самодеятельности оставить в покое.

По поводу театральных артистов — тут тоже проблема. Потому что у нас по сути не подготавливают специально киноактеров — у нас, как правило, готовят исключительно театральных артистов, даже во ВГИКе. На Западе дело обстоит несколько иначе: есть киношколы и есть театральные школы. Киношкола дает совершенно другой тренинг, там актеров приучают к камере, там сбивают эту театральную манеру размахивать руками, говорить хорошо поставленным голосом так, чтобы было слышно на галерке, и так далее.

У нас, к сожалению, такого разделения нет, так что этим моим вторым советом, я боюсь, вы не сможете как следует воспользоваться — все равно придется иметь дело с театральными актерами, ничего не поделаешь. Но, по крайней мере, желательно, чтобы у актера был хоть какой-то кинематографический опыт. Вы, когда смотрите актерское резюме, обращайте на это внимание, потому что если опыта нет совсем, то это плохо. Редчайший случай, чтобы театральный артист без опыта не переигрывал, — их прямо так и тянет на это, и таких актеров довольно трудно удержать в узде.

Чем отличается актерское поведение в кино от поведения актера в театре?

Вы сами это знаете, — актер в кино неизмеримо естественней. Старайтесь удерживать актеров от лишних движений: всякая чрезмерная мимика, пожимание плечами, мотание головой, размахивание руками, — это сразу признак очень плохой игры в кино, это штампы, которые выглядят отвратительно, как дикий наигрыш. Если вы видите подобное, это явный признак того, что актер что-то делает неправильно.

Вообще, это такая тонкая вещь: вот вы репетировали, а теперь наконец пришли на съемку, начали снимать, и вдруг все изменилось. И вы видите, что на репетиции вроде бы все получалось, все складывалось, а на съемке совсем другое дело — все репетиционные находки куда-то пропали, потерялись. Почему?

Потому что здесь для актера совершенно меняется обстановка, на него уставилась камера, в глаза бьет яркий свет, он нервничает. Очень многие актеры начинают в такой ситуации сильно мандражировать, особенно начинающие. Значит, ваша задача — помочь им расслабиться.

Сложное дело — актер, и работа с ним в кино требует постоянной концентрации. Это не театр, где артист, во-первых, в полной зависимости от режиссера, а во-вторых, режиссер выпустил спектакль, посмотрел, что-то не понравилось, и он все переделал. У нас такой возможности нет.

Атмосфера

Я всячески рекомендую вам постоянно быть в хорошем настроении во время работы. А для этого настоятельно советую всем очень хорошо высыпаться, особенно во время съемок, потому что, если человек не высыпается, — это так или иначе сказывается на нем, так или иначе у него в глубине сидит какое-то раздражение. Поэтому я настойчиво рекомендую как следует высыпаться и хорошо питаться и пребывать в очень хорошем настроении, в уверенности, что вы делаете что-то замечательное и что у вас самые лучшие в мире артисты.

Когда актеры это чувствуют, они этим заражаются, и эта особая, радостная атмосфера безумно важна, потому что, как только актер чувствует атмосферу напряженную, тяжелую, он внутренне нервничает, даже если этого не показывает, — вплоть до того, что у него начинаются всякие бзики, он начинает думать, что есть что-то враждебное вокруг, и так далее. И в конечном счете это, естественно, отражается на результате.

Атмосфера — это вообще отдельный предмет для нашего разговора. Атмосфера — это безумно важно. Режиссеры все разные, и каждый по-своему создает эту атмосферу. По моему убеждению, атмосфера на съемке должна быть праздничная, вы работаете как бы шутя, играючи — тогда люди не ощущают усталости, они работают в приподнятом настроении и не чувствуют времени, как бы тяжело и сложно ни было.

Это не так просто. Очень трудно бывает не выходить из себя — иногда такой бред происходит вокруг — но тем не менее надо себя сдерживать, потому что от того, как вы настроены, от того, как вы общаетесь с артистами и с группой, и возникает эта самая атмосфера.

Повторяю, режиссеры бывают разные. Я видел режиссеров, которые без конца орали, запугивали всех, — такое тоже бывает. Я знаю, например, одного известного режиссера, который считает необходимым постоянно устраивать какието истерики во время съемок. Причем отвратительные, со швырянием вещей, а группа все это подбирает. Он визжит, кричит, его трясет. В первый раз, когда я это увидел, то спросил его: «Зачем? Что это такое?» А он спокойно мне ответил: «Это необходимо». Он действительно считает, что такие встряски — необходимое условие для нормальной работы, что это способ постоянно держать всех в тонусе. Я придерживаюсь другого мнения.

Актерский рынок

Еще один существенный момент. Если вы серьезно собираетесь заниматься профессией, то должны хорошо знать актерский рынок.

Меня, скажем, энное количество лет не было в России, поэтому я многих новых молодых актеров не знаю, и это очень плохо. Кроме того, — и это тоже мой минус, а не плюс — я терпеть не могу сериалы и телевизор не смотрю, а актеры в основном сейчас все в телевизоре — потому я многих и не знаю. Это, повторяю, плохо, буду исправляться. Но до моего отъезда я знал абсолютно всех актеров, какие только появлялись хотя бы на секунду.

Вы должны знать артистов в лицо — это тоже ваш багаж, тоже ваше оружие. Если я искал новых молодых ребят, я не ленился ходить — и вам рекомендую — на все просмотры, которые устраивали театральные училища, а они их устраивают регулярно. Также я посещал выпускные экзамены, и прочее. Тогда не было агентств — это сейчас их полным-полно, у каждого агентства штат артистов, и агенты вам их с удовольствием представят, пришлют резюме и диски с их работами.

Если вы задаетесь целью открыть какое-то новое дарование, это серьезное дело — значит, на это надо тратить силы и время. Но это, может быть, того стоит. Так что вы должны сами ходить по училищам, по театрам.

Я говорил, что в идеале не надо снимать театральных артистов, но у нас нет другого выхода, больше актеров вы нигде не найдете. Поэтому надо знать театры, надо постоянно посещать спектакли, не перепоручать и не доверять это ассистентам — мол, вы ходите и ищите, — а не лениться и ходить самому.

Работа с детьми

Теперь давайте поговорим немножко о детях, потому что работа с детьми — особое дело.

Когда речь идет о взрослых актерах, я решительно не рекомендую вам прибегать к показам. Так вот, это правило я отменяю в случае с детьми. Ребенок сам сыграть почти никогда не может, у него для этого нет ни специальных навыков, ни опыта — ему приходится показывать, и счастье, если он быстро схватывает и, как обезьянка, потом может повторить. Очень важно, чтобы ребенок при этом ощущал себя комфортно.

Крайне важно, чтобы он понимал, что идет серьезная работа, то есть исключается всякое сюсюканье: «Ах, какой ты хорошенький! Ах, какой ты миленький!» Маленького актера, конечно же, тоже надо хвалить, но умеренно, не так, как взрослого — взрослого надо хвалить больше, я в этом убежден.

Еще очень важно — кто родители вашего юного артиста. Непременно надо знакомиться с родителями прежде, чем утверждать ребенка на роль. Потому что бывают родители сумасшедшие, бывают больные, бывают алкоголики — кто угодно, и вы должны заранее понимать, к чему вам готовиться и что вы будете расхлебывать, если возьмете этого ребенка в длительную работу. К тому же очень помогает, если у вас контакт с родителями и вы можете в любой момент позвонить и сказать: «Таня, а вот ваш Ваня…» — и так далее.

Я обязательно провожу собрание с родителями перед тем, как начинаются съемки, потому что я хочу, чтобы они знали, что будет происходить, чтобы ни в коем случае не захваливали детей дома, так как дома часто из них тут же начинают делать звезд, и это беда. Мало того что ребенок сам полагает, что он звезда, раз его выбрали и снимают, и машину за ним присылают, и в школе все про это знают, так еще если вдобавок дома из него делают звезду (а это ведь как раз то время, когда у подростка формируется характер!), то характер у него становится отвратительный, причем очень быстро. И дальше с таким ребенком уже не справиться.

Кроме того, родители должны быть готовы к тому, что, когда их ребенка перестанут снимать, он будет переживать серьезную психологическую травму. Он не понимает: как это так, вчера со мной все носились, как с писаной торбой, я стоял на пьедестале, все меня обожали, сто человек вокруг меня крутились, меня все время угощали, говорили комплименты, а сегодня я никому не нужен?!.

Это и взрослому тяжело пережить, а ребенку особенно трудно. Поэтому без правильного родительского поведения он с этим не справится. А родители, как водится, не могут себя правильно вести, потому что они тоже с этим никогда не сталкивались, и, если они к тому же не очень умные, они никогда не справятся без вашей помощи. Значит, необходим контакт. Поэтому важно знать, кто родители ребенка, чтобы они потом не писали на вас доносы, чтобы потом вас не судили за что-нибудь, и так далее. Это все важно.

Собрание я провожу отдельно с родителями и отдельно с детьми. И еще собираю отдельно всю группу и строго-настрого объясняю, что, если услышу хоть одно слово мата на площадке, то с этим человеком мы прощаемся мгновенно, и если замечу хоть одну бутылку из-под алкоголя на площадке, значит, этот человек больше здесь не работает.

В этих делах я достаточно жесток, здесь иначе нельзя. Я убежден — если есть дети на площадке, то атмосфера должна быть совершенно особая, тем более когда из этих детей приходится выжимать все соки, чтобы добиться результата.

У каждого режиссера, постоянно работающего с детьми, разумеется, вырабатываются свои приемы этой работы. Александр Митта, например, чуть что хватается за голову, орет — ребенок пугается и делает то, что он просит. Ролан Быков устраивал бесконечные игры с детьми. И так далее.

Мой прием очень простой. Как только я определяюсь с детьми — а я стараюсь сделать это как можно раньше, как правило, месяца за два до начала съемок, а лучше за три (за два — это уже предел!), — я немедленно начинаю их учить.

То есть с ними работают специальный педагог по мастерству, педагог по движению, педагог по вокалу — у них начинается настоящая актерская школа. Поэтому мои дети, практически во всех фильмах, независимо от того, в какой стране я их снимал, как правило, все вырастают в профессионалов. То есть если они у меня играли хоть какую-то серьезную роль, они становятся профессионалами, потому что прошли целую школу.

Я не говорю, что это хорошо, но по-другому я не работаю. Я не могу тратить драгоценное съемочное время на обучение ребенка. Поэтому детей готовят заранее. Разумеется, я в этой подготовке тоже принимаю активное участие, у нас разработана целая методика.

Есть такая расхожая фраза, что, мол, невозможно переиграть животное или ребенка — я с ней совершенно не согласен. Ребенка можно переиграть сколько угодно. Если его не научить, он, по моему убеждению, будет играть очень плохо, поэтому с ним необходимо заниматься. И вот эти два месяца мы — и я, и мои друзья, которых я приглашаю в качестве педагогов, — тратим на то, чтобы научить детей, и чем ближе к съемкам, тем больше эти наши занятия приближаются к той роли, которую нужно сыграть юному исполнителю. Сначала делаются всякие упражнения и этюды на тему роли, а по мере приближения к съемкам тренинг становится все более конкретным.

И, соответственно, когда мы подходим к съемкам, мои юные актеры уже, конечно, знают наизусть все, что касается их персонажей. Так что на съемках я не занимаюсь обучением: если бы я занимался обучением на съемках, я никогда в жизни не смог бы так быстро снимать. Потому что при том, что мы тратим уйму времени на это обучение, все равно приходится делать десятки дублей, чтобы добиться того, что нужно, а если еще человек ничего не умеет и его надо учить прямо тут, на ходу, то это просто безумие!

Кстати, очень помогает, если вам удается так подобрать детей, чтобы отношения между ними были примерно такие же, как и у персонажей, которых они играют. Например, на Петрове и Васечкине для меня было важно, чтобы исполнители этих героев были бы влюблены в исполнительницу роли Маши, и, пока я этого не увидел, юную артистку на роль Маши не утверждал.

То же и в «Войне Принцессы» — пока я не добился некой симпатии у исполнителей главных ролей, дело не двигалось. Как я этого добивался — это уже отдельный рассказ. Всяческими ухищрениями, вплоть до обманов. Но это было важно, им же предстояло играть любовь, а они поначалу друг друга просто не принимали. Но в конце концов я это переломил, и все сложилось.

Еще один существенный момент. Ребенок должен чувствовать, что он самостоятелен, что он наравне со взрослыми делает серьезную большую взрослую работу, за которую ему, кстати, платят деньги. Я считаю, что это крайне важное для него ощущение.

Вот, собственно, и всё о детях, хотя, на самом деле, это тоже очень серьезный аспект нашей профессии. Работа с детьми — вещь очень сложная. И чем основательнее вы к ней подойдете и тщательнее подготовитесь, тем большего успеха добьетесь.

Из последних картин с участием детей, которые я видел, на меня произвел сильное впечатление фильм «Возвращение» Андрея Звягинцева. Прекрасная работа с детьми! Когда я вижу такого уровня работу с детьми, я сразу понимаю, что это серьезный режиссер. Потому что для того, чтобы заставить детей так играть, нужно прекрасно владеть профессией.

Еще одна картина, вызвавшая в этом плане мое восхищение, — это «Волчок» Василия Сигарева, где работа с девочкой просто изумительная! Для меня это, повторяю, явный признак, что это не просто режиссер, а очень талантливый режиссер, который сумел так работать с этой девочкой, что в результате она играет просто потрясающе. Я не верю, что дети могут играть сами по себе. Не могут. Надо найти такого ребенка и надо его научить.

Вопросы из зала

Как вы относитесь к алкоголю и к курению во время съемок?

Как вы с этим боретесь?

Алкоголь? Я не борюсь — это просто исключено. Если на съемках я вижу или чувствую, что человек выпил, этот человек больше у меня в группе не работает, какую бы позицию он ни занимал.

Что касается курения, то есть обеденный перерыв — так что, пожалуйста, во время обеда, вместо обеда, можете хоть всю пачку выкурить, это меня не касается, но, естественно, во время работы какое курение?! Что за курение?!.

Я вам расскажу одну историю. Это была моя первая американская картина, первый западный контракт, — рядом со мной продюсер, с которым мы собираем группу, и нам нужен line producer, по-нашему, директор. И вот приходят люди, он их при мне интервьюирует, а я сижу рядом, потому что мне интересно, тем более что мне придется вплотную работать с одним из этих людей.

Приходит очень симпатичный человек, рассказывает о себе, у него опыт, то-сё, и вообще он мне нравится, и вроде бы то, что нужно. И когда он уходит, я поворачиваюсь к моему продюсеру и говорю: «По-моему, мы нашли». А он говорит: «Нет». Я: «Почему нет?» Он отвечает: «Он же курит». Я, приехавший из Советского Союза, поражен до глубины души и говорю: «Ну и что?!» Он отвечает: «Как „ну и что“? Ты что, не понимаешь? Он line producer, это серьезная позиция, значит, на него смотрит вся группа: если он курит, ему нужно по крайней мере каждые два часа прерываться и курить. Он же не будет курить во время работы, значит, он будет делать перерывы, а это означает, что вся работа будет прерываться. Это очень плохой пример для окружающих — это раз. К тому же, если он курит, значит, мне придется платить за него большую медицинскую страховку, в три раза больше, чем обычно, потому что он не пройдет освидетельствование — это два. И наконец, если он курит, значит, он устает гораздо быстрее, чем все остальные. Категорически нет!»

У нас полстраны курит, поэтому что я могу вам сказать? Но если есть выбор между курящим и некурящим, то, конечно, я возьму некурящего — это, безусловно, гораздо более работоспособный человек с точки зрения эффективности работы. На Западе уже давно не берут курящих людей на ответственные работы, в цивилизованных странах курящего не возьмут на работу ни шофером-дальнобойщиком (только у нас они все смолят, а там это категорически исключено), ни пилотом водить самолеты, ни авиадиспетчером и т. д. Курящий человек не имеет никаких шансов попасть на любую ответственную работу, от выполнения которой зависит благополучие других людей. У нас — другое дело.

Нужен ли специальный воспитатель на фильм с детьми?

Конечно, нужен.

В идеале должны быть специальные воспитатели. То есть на группу из пяти-шести детей обязательно должен быть воспитатель, который следит за детьми, заботится о них, но если нет возможности взять такого воспитателя, то надо договариваться с родителями. Очень часто встречаются родители, которые жаждут хоть как-то приблизиться к кино и с удовольствием будут этим заниматься.

Значит, с детьми надо работать совсем по-другому, чем со взрослыми?

Вы меня, видимо, не поняли. Работа с ребенком выполняется абсолютно так же, как со взрослым артистом, просто для того, чтобы облегчить себе эту работу, его надо готовить к съемкам. Конечно, если он приходит на съемку неподготовленный, он начинает играть так, как играют сейчас дети в киножурнале «Ералаш» — смотреть на это невыносимо, они переигрывают в каждом движении, в каждом кадре.

Если вы хотите добиться, повторяю, естественного поведения, то ребенка надо к этому готовить, его надо тренировать так же, как тренируют в спорте. И когда он уже хоть с каким-то тренингом за спиной попадает к вам в руки, вы уже с ним работаете, как со взрослым, точно так же, разбирая сцену, репетируя и потом уже снимая.

Все, что я рассказывал вам о работе со взрослыми, точно так же относится и к детям. Никаких поблажек! Еще раз повторяю — никакого сюсюканья!

Нет, все по-взрослому, серьезно. И ребенок сразу начинает себя ощущать по-другому.

Дети за время съемок меняются невероятно, то есть они взрослеют с дикой скоростью, если только понимают, что с ними общаются, как со взрослыми.

Какие проблемы в работе с подростками?

Самая важная проблема с подростками — это дисциплина, потому что если они предоставлены сами себе, то начинается бог знает что: пьянки, траханье, девочки беременеют — что они только ни вытворяют… Поэтому если это тщательно не продумать — момент дисциплины, как она будет организована, кто за это будет отвечать, каким образом все будет происходить во время съемок, — то неприятностей вы не оберетесь. Допустим, вы выехали в экспедицию, живете в гостинице, дети живут по своим номерам, да еще, не дай бог, вы селите их на отдельном этаже — это кошмар! Так что все это нужно предусматривать и обдумывать. Главная проблема с подростками — их нужно держать в ежовых рукавицах, иначе они просто тут же сядут вам на голову. Это гораздо легче делать, конечно же, когда они очень увлечены. А они, как правило, будут увлечены, и этим надо умело пользоваться.

Бывали случаи, когда я менял детей, отсылал обратно из экспедиции. Я помню, у меня был очень талантливый мальчик, который мне безумно понравился на кастинге, и я его взял. Но потом, во время подготовительного периода, тренинга, я стал наблюдать за детьми — а я всегда за ними наблюдаю — и пришел к выводу, что он в общем-то человек очень скверный. Я увидел, как он все время тянет одеяло на себя, как общается с другими, и понял, что при том, что он мне точно подходит, при том, что он очень одаренный парень, я не могу его взять — он мне за два месяца съемок испортит всю команду, изменит всю атмосферу.

И я от него отказался и взял другого мальчика, менее способного, но с куда лучшим характером. Потому что я понимал, если я оставлю первого, на меня свалится огромное количество проблем. Это будут постоянные нервы, обиды, слезы, и чего только не будет, а мне надо, чтобы дети были счастливы, чтобы они приходили на площадку не просто готовые, но еще и счастливые.

То есть очень важно то, о чем мы с вами уже говорили, — характер выбранного вами юного актера, понимание, с кем вы имеете дело.

Хореография сцены

Мне хочется кое-что вам еще показать. Мы говорили с вами о мизансцене, и в прошлый раз на примере своего «Пистолета (с 6 до 7.30 вечера)» я вам рассказывал и показывал, что такое реальное время и как выстроить такой сложный кадр.

Я вам хочу показать еще один пример, на мой взгляд, совершенно блистательный. Это одна из лучших сцен, снятых в реальном времени, какие я вообще знаю в мировом кино. Вообще, этот фильм стоит того, чтобы его посмотреть, это фильм «Игрок» Роберта Олтмана, замечательного американского режиссера. Мы с вами говорили в прошлый раз о том, как начинать картину, вот посмотрите, как ее начинает Роберт Олтман.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Этот кадр идет восемь с половиной минут. Потрясающе сделано, на мой взгляд, потому что здесь соединено сразу очень много всего: и титры сюда вплетены, и задана тема картины (потому что вся картина посвящена Голливуду и отношениям в Голливуде), и найдена вот эта завораживающая пластика. Интересно, на вас это произвело такое же сильное впечатление?

Это очень изысканная хореография, я могу только себе представить, сколько Олтман репетировал эту сцену, это сложнейшее движение крана. Очень точно все разыграно, и точно отрежиссирована вся хореография. И полностью вводит нас в историю: вот герой, вот эти питчи, за время сцены их прошло четыре как минимум — кстати, это на самом деле так и происходит, я это видел много раз, тут все очень реально, очень жизненно, — и эта открытка, на которой дважды акцентируется внимание: сначала упал разносчик, и на секунду камера там остановилась, мы увидели, только не поняли, зачем нам показывают открытку, а в конце именно на ней заканчивается сцена.

Все закольцовывается, потому что, оказывается, кто-то ненавидит героя, и вот уже интрига здесь, и вся история начинает разыгрываться. И с точки зрения мизансценирова-ния, опять же, по-моему, изумительно. На секундочку предположим, что мы выключили звук и не слышим ни слова из того, о чем говорят персонажи — хотя диалоги очень интересные, — мы поймем, что происходит?

Конечно, абсолютно все понятно. В этом и фокус настоящей киномизансцены.

Это крайне сложная сцена — с режиссерской точки зрения просто блеск, поверьте мне. У меня, например, на «Улыбке Бога» была огромная сцена пожара, было задействовано раз в пять больше народу, чем здесь, и что там только ни происходило: и горел дом, и приезжали пожарники, и тушили. Сцена шла пять с половиной минут, и там масса событий внутри сцены, и один из актеров, игравший существенную роль в этой истории, никак не мог справиться с задачей.

Наши актеры не готовы к подобной работе, это такой сложности актерская техника, что они впадают в ступор. Они привыкли на сериалах сниматься по крохотным кусочкам, а тут надо весь текст помнить, нужно образ играть, да еще держать в голове, откуда камера подлетит, потому что она все время с разных сторон приближается, так что надо еще успевать повернуться вовремя, и к тому же сделать то, что нужно, — они теряются. Все в такой ситуации теряются, если не подготовлены по-настоящему, профессионально. А у нас очень мало подготовленных актеров.

Короче говоря, начался просто кошмар — дубль за дублем, пленка летит километрами, и на пятнадцатом дубле, когда на меня уже вот такими огромными глазами смотрели все вокруг, понимая, что пленка-то летит, а она стоит денег, и немалых, плюс к концу съемки мы останемся без пленки. И у меня просто выхода не было — этому актеру в уши засунули наушники, и я сказал: «Все, ни о чем не беспокойся, не старайся вспоминать текст, просто делай только то, что я говорю, и повторяй за мной все реплики». И я вынужден был очень быстро ему диктовать все, что он должен делать: повернулся направо — говоришь то-то (он повторяет и поворачивается направо), сейчас поворачиваешься налево — говоришь то-то, делаешь три шага вперед — говоришь такую-то фразу, — и так мы сняли два дубля. Последний дубль вошел в картину. Никто не знает, естественно, как это происходило, но это было именно так, я взмок от этой истории, потому что мне надо было успевать все проговаривать: и что он делает, и что он говорит, к тому же у него было много текста. Так что я хорошо понимаю, какую огромную работу проделал Олтман в этой первой сцене своей картины.

Произведение искусства

Я хочу, чтобы мы посмотрели с вами два отрывка, — двух разных режиссеров. Давайте начнем с первого. Это фрагмент из фильма Люка Бессона «Ее звали Никита». Люк Бессон и до этого фильма был достаточно известен, но «Никита» сделал его уже всемирной звездой, так же как стала звездой и Анн Парийо, исполнительница главной роли.

Второй фрагмент из американской картины «Возврата нет», это американский ремейк фильма Бессона, сделанный через три года после оглушительного успеха французской картины. Тут в главной роли Бриджит Фонда, а снял фильм достаточно известный коммерческий режиссер Джон Бэдхем, в послужном списке которого десятки картин. Его сделал знаменитым его первый прокатный фильм — по-моему, он его снял в 77-м году — «Лихорадка в субботу вечером».

(Идет демонстрация фрагментов из фильмов «Ее звали Никита» и «Возврата нет».)

Вы видите, фильм Бэдхема — это практически точная копия фильма Бессона. Аккуратно воспроизведена каждая сцена. И тем не менее между ними огромная разница.

В чем же она?

В чем разница между этими сценами?

На мой взгляд, это типичный пример, чем отличается добротное коммерческое американское кино от европейского произведения искусства. Почему я считаю «Ее звали Никита» произведением искусства и не считаю таковым эту картину?

Мне кажется, это достаточно очевидно. Для того чтобы фильм стал произведением искусства, надо совсем немного — нужно, чтобы он помимо того, что вызывал бы у нас эмоции, хватал за душу, заставлял не отрываться от экрана, еще создавал на экране свой собственный мир, ни на что не похожий. Совершенно не обязательно при этом, чтобы копировалась действительность, и, что Бессону, безусловно, удалось, — в его картине возникает этот свой странный мир.

Вообще, слово «странность» мне очень нравится. Если вы обратили внимание, в этой картине странность присутствует во всем, в каждом кадре: вот идут четыре человека по совершенно пустому городу, один из них почти голый, другой, наоборот, одет в плащ и застегнут на все пуговицы. Уже странность, правда?

И то, как они идут, то, как они одеты, — с первого же кадра вызывает ощущение странности происходящего, и эта странность проходит через весь фильм. Вспомните кульминацию сцены — момент убийства, когда героиня застреливает полицейского. Как это делает Бессон?

Никита вообще ничего не соображает, она в каком-то своем мире, она застреливает его, улыбаясь прелестной музыке, которая звучит у нее в голове. С чудной улыбкой, нежно улыбаясь полицейскому, слушая музыку, она его убивает. Разве это не странно?

Каждый кадр, каждый нюанс Бессона странен, и в результате получается блистательное кино.

Теперь что делает Бэдхем, достаточно, повторяю, опытный режиссер?

Типичное коммерческое американское кино. Он это все заземляет, у него они не странные люди, которые идут по пустому городу, а вполне нормальные, к тому же какие-то бездомные сидят неподалеку, и так далее. Если у Бэдхема стреляют, то стреляют всерьез, все ищут наркотики, и Никита убивает полицейского практически сознательно, она видит, что происходит вокруг. Все, повторяю, заземлено.

У Бессона каждый кадр — это образ: Никита не просто посажена в камеру, это какие-то низкие клетки, ее там содержат как животное, и сразу возникает ощущение, образ — это животные, сидящие в этих клетках.

А у Бэдхема они сидят совершенно нормально в обычных камерах. Вроде бы маленький нюанс, вроде бы разница-то небольшая — чуть другой ракурс, кинокамеру поставили тут повыше, а там пониже. Но сразу меняется ощущение, сразу меняется образ: у Бессона ощущение странности, а тут ощущение реальности и конкретности. Такое тоже может быть, только это уже не произведение искусства, это коммерческое кино, оно уже другое.

В сцене допроса Никиты ее бьет следователь, и она падает. У Бессона мы даже не видим самого этого момента, мы наблюдаем все происходящее сквозь щель под столом. А у Бэдхема все это совершенно конкретно — Никите реально дают по морде, и в кадре она падает. Что производит более сильное впечатление?

На меня, безусловно, первое.

Вот в чем разница — в первом случае творит художник, а во втором работает профессионал. Высокого класса ремесленник. Вот и выбирайте, что вам больше по душе.

Правда, в этой дилемме есть маленькая хитрость, она не так проста. Дело в том, что, для того чтобы стать серьезным художником в нашей профессии, надо сначала стать настоящим профессионалом. Дилетантов, пусть даже одаренных, наша работа не терпит.

6. Игра со зрителем

Правильные ракурсы. Что показывать и что не показывать. Месседж и точка зрения. Главные эмоции. Визуальное решение и философское наполнение. Финал фильма

Воображение

Предположим, вам надо снять некую сцену. До вас подобных сцен снималось бесчисленное количество.

Как же найти свое решение?

Каким путем пойти?

Прежде всего, надо определить, что вы покажете зрителю, а что нет. На чем вы построите его интерес к сцене. Сейчас поясню, что я имею в виду.

Я полагаю, все вы понимаете разницу между порнографическим кино и эротическим. В порнокино вам показывают все подробности, включая гениталии, в эротическом они от вас скрыты. По тому же принципу, мне кажется, отличается произведение искусства от какого-то ширпотреба. Все дело именно в этой разнице.

Большинству зрителей, если только это не обуреваемые жадным интересом к запретному подростки, порнуха через тридцать секунд, максимум минуту, уже неинтересна, им скучно это смотреть. Есть, разумеется, любители, но это небольшой процент, поверьте. В основном же людям, интересующимся сексом, намного интереснее смотреть эротику, потому что там прикрыто, потому что там простор для воображения.

У Анатоля Франса есть такой замечательный роман «Остров пингвинов». Очень остроумный роман, там есть сцена, где самая уродливая пингвиниха на острове, на которую вообще никто внимания не обращает, сооружает себе какой-то наряд, напяливает его на себя и мгновенно становится самой популярной пингвинихой, обойдя всех обнаженных красавиц. Почему?

Потому что всё скрыто, и от этого интересно, сразу появляется простор для фантазии. Для нашего с вами искусства это очень важно.

Когда мы даем зрителю возможность что-то додумать, довообразить, он нам очень благодарен. Во-первых, он понимает, что режиссер относится к нему с уважением, подсознательно, разумеется, понимает. Во-вторых, ему просто интереснее смотреть фильм, когда он может что-то доиграть у себя в голове, дофантазировать.

Это не обязательно должна быть интимная сцена, хотя, по моему убеждению, и в интимной сцене всегда лучше не показать, чем показать, то есть намекнуть, набросать, дать некий манок, но ни в коем случае не раскрывать все. Тогда у зрителя сразу просыпается жгучий интерес: а что ж там, за этой дверью? А что там, в этой темноте? Что-то мелькнуло, а больше я ничего не увидел! Сразу хочется увидеть, узнать больше, возникает, повторяю, огромный интерес.

Я сейчас все это немножко шутливо рассказываю, но на самом деле это очень серьезный момент в искусстве — что показывать и что не показывать.

Когда вы обдумываете сцену, когда вы придумываете мизансцену, то, конечно же, только от вас зависит, что вы решаете показать зрителю, а что от него утаить. И это, в частности, не просто ваше решение, это, по сути, и есть ваш почерк.

Мне лично всегда интереснее, когда от меня что-то утаивают. Мне, скажем, любопытно смотреть, как на экране крупно снятый рот что-то ест, и я еще не понимаю, кто это, но я уже вижу по этой детали, как человек ест, и начинаю думать, — а что это за персонаж такой, мне уже становится любопытно. Такой прием, безусловно, интересней, чем если мне сразу покажут общий план и я сразу все увижу. В этом случае интрига полностью пропадает.

Это, если хотите, такая игра, которая является одним из основных инструментов в руках режиссера, — что показать, что не показать.

Повторяю, мне кажется, вы должны определить для себя изначально, во что вы играете: это может быть эротическая сцена, это может быть драматическая сцена — не суть. Но вот что и как вы показываете зрителю, это очень важно.

Театр и кино

Чем отличается театр от кино?

В театре человек приходит, садится и сразу видит общий план, всю сцену, он видит все, что там происходит. Единственное, что может сделать театральный режиссер, он может фокусировать внимание зрителя светом. И вот он светом высвечивает авансцену, или левый портал, или задник, — это его раскадровка, театрального режиссера. Он выводит артиста на авансцену, высвечивает его, и это максимум, что он может сделать, чтобы сфокусировать на нем внимание зрителя.

У кинорежиссера в этом смысле гораздо больше возможностей, потому что он точно направляет взгляд зрителя туда, куда ему нужно. У него в руках для этого целый арсенал, он легко может использовать крупный, даже сверхкрупный план.

В этом смысле кинорежиссура замечательная профессия, потому что у нас есть полная возможность управлять восприятием зрителя, решая, показать ему что-то или не показать.

Лестница

Я хочу, чтобы мы с вами посмотрели один фрагмент. Это одна глава из фильма, потому что режиссер разделил весь фильм на главы, — одна глава из великого фильма Сергея Эйзенштейна «Броненосец „Потемкин“». Этот фильм Сергей Эйзенштейн снял, когда ему было двадцать семь лет, это была его вторая большая картина после «Стачки», которая сразу сделала его знаменитым на весь мир режис сером.

Это произошло потому, что он показал миру то, чего мир еще никогда не видел. До сих пор эта картина, хотя прошло уже почти девяносто пять лет, входит не только в сотню лучших фильмов всех времен и народов, а в десятку лучших, несмотря на то что это немое кино, второй фильм молодого человека.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Я сколько ни смотрю, каждый раз поражаюсь, как это все придумано, как подготовлено. Потому что, конечно, там была доля импровизации, но в основном это все тщательно продумано и раскадровано, каждый кадр нарисован, взвешен и осуществлен.

Какое это имеет отношение к тому, с чего мы начали сегодня?

Скажем, эта лестница…

Кто-нибудь был в Одессе?

Вы видели эту лестницу?

Она ведь на самом деле совсем небольшая, там, по-моему, всего четыре пролета. В этой сцене, которая кажется огромной, (а на самом деле вся глава идет только одиннадцать минут!), всего два или три общих плана лестницы, и то очень коротких: вначале, когда толпа стоит и машет морякам, и потом еще один раз. Все же остальное, если вы обратили внимание, это монтаж либо крупных и средних планов, либо очень крупных планов и деталей — то есть Эйзенштейн ни разу не показывает всей лестницы.

За счет этого он ее растягивает невероятно, то есть лестница становится во много раз длиннее, чем есть на самом деле. Ощущение, что она просто бесконечная, потому что по ней все идут и идут, и одни падают, другие их убивают, и снова идут, и идут…

А на самом-то деле это всего лишь маленькая лестница. Режиссер не раскрывает нам все, он дает возможность зрителю додумать, довообразить, и за счет этого создается ощущение такой долгой сцены, длиннющей лестницы, возникает такая мощь. Эта сцена давно уже стала классикой, весь мир ее знает, по ней учатся, ее цитируют.

Причем иногда даже совсем откровенно: например, в фильме «Неприкасаемые» Брайан де Пальма просто буквально цитирует эпизод с детской коляской.

Кроме всего прочего, по всей сцене замечательно выстроен ритм, по нарастающей. Вроде бы уже все свершилось, вроде бы уже вот она кульминация, убивают ребенка, и режиссер делает маленькую паузу. Но вот опять появляются казаки, и пошел новый всплеск.

Потрясающе выстроен ритм, замечательные монтажные стыки, то есть резкие, необычные сочетания кадров. Этот фильм стоит посмотреть очень внимательно на монтажном столе, чтобы как следует почувствовать, что такое вообще режиссура Эйзенштейна.

Месседж

Теперь еще один очень важный момент, и одна из наших новых тем. Она у нас обозначена как message. Месседж — это английское слово, постепенно переехавшее в русский язык и в русское кино, в переводе — «послание, сообщение».

Что же это означает?

В фильме Феллини «Рим» есть сцена, когда мотоциклисты в черном занимают ночной город. Весьма эффектная сцена. Я читал интервью режиссера по поводу этой картины. Журналист его спрашивает: «Синьор Феллини, что означает эта сцена?» И он, пожимая плечами, говорит: «Я не знаю, это дело критиков объяснить, что она означает. Я понятия не имею».

Разумеется, великий мастер лукавит. Конечно, когда он задумывает такую сцену, когда он вообще задумывает кино, он что-то имеет в виду, он что-то хочет сообщить своим зрителям. И вот это «что-то» — и есть ваш месседж, это и есть ваше послание.

Причем совершенно не обязательно, чтобы оно совпадало с историей: история, сюжет, фабула — это одно дело, это понятно, это как бы считывается на первом плане. Но если фильм делает настоящий режиссер, он всегда еще помимо непосредственно самой истории что-то обязательно хочет донести до зрителя, сообщить ему.

Я знаю три формы такого месседжа. Одна — это достаточно откровенное послание. Скажем, замечательный документальный фильм Михаила Ромма «Обыкновенный фашизм» — совершенно понятно, что он стремился сообщить зрителю: он хотел сказать, что фашизм зарождается в самом простом человеке, и важно вовремя упредить это начало. Ромм показывает простых людей и всё возникновение фашизма. Если не видели, обязательно посмотрите. Это, на мой взгляд, один из лучших отечественных документальных фильмов. И помимо истории, рассказанной в этом фильме, здесь еще откровенный месседж режиссера, его послание.

Может быть другое, более завуалированное послание — такая своеобразная исповедь, когда режиссер хочет признаться в чем-то. Иногда это покаяние, иногда — просто исповедь, в серьезных фильмах она нередко считывается. Таких фильмов достаточно много. Например, фильмы Тарковского. Зачастую там месседж существует именно в этом ракурсе, он всегда спрятан, это некая подспудная исповедь автора картины.

И есть, наконец, последняя форма месседжа, как мне кажется, — это, наоборот, проповедь, когда режиссер очень серьезно, на весь мир, провозглашает какую-то свою идею. Она рвется с экрана, настойчиво внедряется в головы зрителей. Это уже совсем другая, не скрытая форма месседжа, а, наоборот, абсолютно открытая. И таких картин тоже достаточно много.

Мы с вами начинали с того, что наша с вами профессия — это, прежде всего, умение хорошо рассказать, даже не просто хорошо, а замечательно рассказать замечательную историю. Но помимо этого очень важно для себя понять (и это вы никому не обязаны говорить, даже журналистам!), что, кроме самой истории, вы еще хотите сообщить миру и зрителям. Это ваше личное послание миру, и если вы четко его для себя формулируете и держите его в голове, то, так или иначе, оно будет сквозить во всей вашей работе. Большинство режиссеров, к сожалению, вообще об этом не задумываются: вот они получили сценарий, и они его снимают. Спросите их про месседж, они на вас удивленно посмотрят и скажут: «Здесь же все написано! Вот это кино я и снимаю».

Но мы с вами говорим немножко о другом. Мы говорим не о посредственном или пусть даже хорошем коммер ческом кино, мы говорим о киноискусстве, о произведении искусства. И для произведения искусства, я думаю, это непременное условие — некий месседж, заложенный в фильме.

Финал «Дороги»

Давайте посмотрим еще один фрагмент, опять же великого режиссера, замечательного мастера Федерико Феллини. Это одна из первых его картин, четвертая, насколько я помню, и, по-моему, гениальная — «Дорога», где главные роли играют Джульетта Мазина и Энтони Куинн.

Для тех, кто не видел, — это потрясающая драма о том, как силач Дзампано разъезжает по дорогам Италии и возит с собой в качестве помощницы маленькую дурочку Джельсомину, которую опять же гениально, по-моему, играет Джульетта Мазина, жена Феллини, вы ее видели в «Ночах Кабирии». В конце концов, Джельсомина умирает, потому что она не в силах пережить жестокость Дзампано — он убивает жонглера-клоуна, который ей очень симпатичен, и вообще он — животное, настоящее животное: пьет, жрет, трахается, врет, бьет, и так далее. А она его любит, она не в силах все это пережить. И она умирает, он остается один.

Я вам так подробно рассказываю, потому что мы с вами посмотрим финал, самый финал картины, когда Дзампано бросил Джельсомину. Когда он увидел, что она заболела и ей плохо, он просто бросил ее и уехал.

И вот он остался один. Он по-прежнему выступает в каких-то уличных цирках и вдруг слышит ту мелодию, которую она наигрывала, и что-то в нем такое пробуждается. Дальше он заходит в трактир, и идет финал картины.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вот как я понимаю финал картины и ее месседж, — даже такое животное, как Дзампано, которого замечательно играет Энтони Куинн, не может быть один. Вообще человек не может быть один, человек нуждается в другом человеке.

Дзампано неожиданно понимает это в конце фильма, и вдруг, в первый раз, человек, который строил из себя супермена, плачет, скорчившись на песке, и впервые его становится жалко, потому что на протяжении всей картины он вызывал только негативные чувства.

Может, кто-то по-другому прочтет этот финал и эту историю, но в любом случае, мне кажется (насколько я знаком с тем, о чем думал Феллини, и читал в его дневниках и его интервью), — это одна из основополагающих мыслей великого итальянского режиссера — человек не может быть один, он обязательно нуждается в ком-то рядом.

И вот этот месседж он нам посылает в конце своего фильма.

Главная эмоция

Еще одна важная вещь. Помимо месседжа и помимо истории, обязательно, как мне кажется, должна быть какая-то главная общечеловеческая эмоция, которая лежит в основе картины, тогда фильм становится значительным.

Какие главные человеческие эмоции вы знаете?

Любовь, в первую очередь.

А еще сильнее, если это не просто любовь, а безумная страсть. Вообще, когда речь идет об эмоциях — чем они ярче, тем значительнее становится история и, соответственно, сам фильм.

Если мы говорим «любовь», то, естественно, надо не забывать о ненависти. Ненависть тоже движет людьми, и это не менее сильное чувство, чем любовь.

На третье место я бы поставил страх, потому что из-за страха происходит огромное количество всяких драматических историй, бедствий, трагедий и так далее. Страх — это тоже очень мощная движущая сила, очень сильная эмоция.

Что еще? Ревность?

Наверное. Хотя это не главное. Я бы поместил ревность в конце списка, потому что она вытекает из первых мощных эмоций — из любви и страсти.

Зависть — да. Зависть — это сильная вещь.

Алчность, я бы еще добавил. Алчность — очень серьезная человеческая эмоция.

Я думаю, что мы можем сюда же написать, хотя это не чистая эмоция, но тоже очень серьезная движущая сила для многих историй и произведений искусства — голод. Голод, бывает, заставляет людей творить бог знает что. Я бы даже поставил «голод» после «страха».

Ярость, гнев. Обязательно.

Восхищение — это другая градация, я бы не относил эту эмоцию к первой десятке. Она, скорее, примыкает к любви. То есть такая эмоция, безусловно, может иметь место быть, но она не самая сильная. Я же думаю, что чем сильнее эмоция, которая спрятана в вашем фильме, тем значительнее он становится.

Чувство вины. Очень хорошо. Это очень серьезно.

Стыд — может быть, но это тоже, пожалуй, примыкает к чувству вины.

Эгоизм?

Это не совсем эмоция, это, скорее, черта характера, и он, наверное, тоже связан с какой-то определенной эмоцией. Мы сейчас говорим именно об эмоциях.

Наверное, еще желание испытывать радость, если уж говорить о чем-то позитивном. Особенно если это маниакальное желание радости.

Дальше вы этот список можете продолжить. Чем больше он у вас будет, тем больше у вас палитра, тем больше возможностей вам для раздумий.

Я убежден, повторюсь, что, помимо истории и месседжа, еще должна быть заложена в картине какая-то серьезная эмоция. Тогда фильм сразу приобретает значимость, тогда у него уже совершенно другой уровень восприятия.

Опять-таки это все не для журналистов и не для зрителей — это для вашей внутренней кухни, для вашей внутренней лаборатории. Когда вы обдумываете и готовитесь, тогда вы все для себя формулируете и совершенно не обязаны это кому-нибудь выкладывать. Это ваш собственный секрет — как вы готовите фильм. И то, о чем здесь шла речь, имеет к этой подготовке непосредственное отношение.

Финал «Пепла и алмаза»

Давайте посмотрим еще один фрагмент.

Вы только что видели финал «Дороги» Феллини, а сейчас посмотрим финал другой картины — я вам уже показывал из нее фрагмент — это фильм «Пепел и алмаз» замечательного польского режиссера Анджея Вайды, дай Бог ему здоровья. Я, кстати, недавно видел по телевизору его последний фильм «Катынь», или уже даже не последний, потому что он, конечно, феноменален, так как, несмотря на весьма солидный возраст, продолжает работать и работает очень много.

Я вам сейчас хочу показать финал картины «Пепел и алмаз» — опять-таки, чтобы вы подумали и над месседжем этого фильма, и над эмоцией, которая в нем заложена. Героя, напоминаю, здесь играет замечательный, рано ушедший из жизни польский актер Збигнев Цибульский.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вам ничто не напоминает этот финал?

Конечно, здесь прямая связь с «Дорогой». В чем она заключается?

В том, что здесь похожий месседж, потому что, как я понимаю, речь тут тоже идет о человеческом одиночестве, только есть разница в эмоциях.

Если Дзампано Энтони Куинна движим алчностью и гордыней, то героем Цибульского Мечиком движет ненависть, он вообще-то убийца. Он убийца, который ненавидит этот режим, и история развивается вокруг его миссии, состоящей в том, что он должен убить человека, партийного начальника, секретаря обкома.

Тут много важных эмоций, несколько мощных течений, которые несут его героя, — и чувство долга, и ненависть, и зарождающаяся любовь, поскольку он неожиданно встречает эту девушку. Когда Мечик умирает в конце, на этой мусорной куче, скуля, как собака, — месседж, как мне кажется, абсолютно ясный.

Два крупных режиссера снимают свои фильмы по сути об одном и том же, потому что это яркие общечеловеческие эмоции.

Финальный месседж

Мы с вами говорили о том, как важно правильно закончить картину, о том, что два самых главных момента в фильме — это его начало, где вы захватываете внимание зрителя, и его финал, — то, что остается в сознании зрителя, когда он выходит из зала или выключает телевизор.

Недаром очень многие крупные режиссеры основной свой месседж выводят в финале, потому что они хотят, чтобы зритель ушел, понимая, о чем режиссер ему толковал, зачем он ему рассказывал эту историю.

И от этого в великих фильмах великих режиссеров финал очень часто становится столь значительным. Потому что режиссер приберегает главную свою мысль под самый занавес, чтобы зритель ушел с нею. Мне кажется, это очень важно, потому что тогда зритель сохраняет нужное ощущение.

Даже в театрах — я, по-моему, приводил вам этот пример — опытные театральные режиссеры знают, что неудачный спектакль можно спасти ударным финалом с хорошо придуманными и поставленными поклонами, ритмичной музыкой, чтобы хотелось под нее хлопать. И тогда можно спасти спектакль, даже если он провальный — все равно зритель выйдет с ощущением, что некое событие состоялось.

Это палочка-выручалочка, когда мы говорим о заурядной постановке, но и когда речь идет о значительном произведении искусства, тоже очень важно, мне кажется, чтобы месседж так или иначе прозвучал в финале. Причем, даже если он спрятан где-то внутри картины, скажем, в середине, крайне важно, чтобы в конце он прозвучал еще раз.

Финал «Репетиции оркестра»

Давайте снова вернемся к Федерико Феллини. Я вообще убежден, что правильно смотреть выдающиеся картины великих мастеров по многу раз. Поэтому еще раз вернемся к Феллини.

На этот раз это абсолютно гениальное кино, его маленький телевизионный фильм, который называется «Репетиция оркестра». Если вы не видели, я вам всячески его рекомендую. Вообще, у великих мастеров надо смотреть все. Хуже они делают или лучше, это все равно всегда невероятно высокий уровень.

«Репетиция оркестра» — ни на что не похожее кино, по нашим понятиям это малобюджетный фильм, потому что он весь снят в одном зале, и вся история — во взаимоотношениях между оркестрантами и их дирижером во время репетиции оркестра. В течение этого маленького фильма, а он идет, по-моему, всего-то один час шесть минут, на экране возникают все стадии взаимоотношений — от любви, восхищения и поклонения до абсолютной ненависти.

Оркестранты в конечном счете восстают против диктатуры дирижера, они кричат, что «… дирижер нам вообще не нужен! И никакая диктатура нам не нужна!», то есть происходит целая революция внутри этого оркестра. К тому же оркестр — итальянский, а дирижер — немец, и говорит он по-немецки, что сразу же напоминает гитлеровскую речь, и его просто начинают ненавидеть эти оркестранты. И вот какой финал у этой картины.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Поразительный финал, конечно!

Феллини не был бы Феллини, если бы не придумал такую невероятную метафору в конце, когда этот гигантского размера чугунный шар разрушает стену старинного храма, где репетирует оркестр. Весь мир рушится, и единственное, что может его спасти, — это искусство.

И оказывается, что дирижер, этот лидер, которого музыканты так ненавидели, боролись против него весь фильм, свергали его, уничтожали — теперь он им до зарезу стал нужен, потому что он единственный, кто может помочь им обрести почву под ногами в этом разрушающемся мире и вести их дальше.

Это очень значительный финал, очень яркий месседж — яркий и с философской точки зрения и с визуальной. Феллини, конечно, всегда потрясающе делает финал, и визуально, и музыкально. Это один из самых лучших финалов, какие я знаю в кино.

И вообще фильм поразительный.

Вопросы из зала

А что, Феллини боялся сделать свой месседж более определенным?

Я не думаю, что он чего-то боялся. Полагаю, что такого уровня художник делает все сознательно. Не бывает, чтобы такой мастер что-то делал, не додумав.

Мне кажется, что в «Репетиции оркестра» Феллини совершенно сознательно дает зрителю возможность понять, что да, с одной стороны, это путь к спасению, но, с другой стороны, он говорит, — ребята, будьте готовы к тому, что это может стать и диктатурой, и вам придется подчиниться. Мне кажется, так. Да, это с одной стороны замечательно, а с другой стороны, это страшно. Он как бы показывает две стороны этого явления. По крайней мере, я воспринимаю это именно так.

Фильм и о власти, и об искусстве, и вообще об отношениях между людьми. Фильм маленький, но безумно значительный, ведь в нем столько всего происходит! Просто поразительно, как ему удалось сказать так много за столь короткое время.

Вообще, метафора человеческой жизни как некоего оркестра сама по себе очень значительна и замечательна. Когда-то в пятидесятые годы существовал такой оркестр — тогда тоже шла такая волна, борьба за всеобщее равенство. И вот появился специальный оркестр, он назывался Первый симфонический оркестр, «Персимфанс», и там не было дирижера. Довольно известный был оркестр, много гастролировал. И этот оркестр гордился тем, что они выступают без дирижера. На самом же деле, это, конечно, была чистая фикция и абсолютный обман зрителей и слушателей, потому что роль дирижера там выполняла первая скрипка, просто никто об этом не знал, это не афишировалось. Но все оркестранты, естественно, ориентировались на первую скрипку, и у них был целый код, они считывали каждое движение. Фактически дирижером был вот этот самый скрипач. Потому что никакой хороший оркестр без дирижера играть не может. Это аксиома.

Чем отличается проповедь от откровенной формы месседжа? Мне кажется, здесь грань достаточно размыта.

Проповедь — это более яркая форма послания. Это, скорее, заявление, которое обычно проходит через весь фильм довольно настойчиво, навязчиво.

Для меня разница в том, что, когда мы говорим о проповеди, этому месседжу откровенно посвящена вся картина.

Обычно же месседж — это все-таки скрытая форма.

Стоит ли актеров посвящать в режиссерский месседж?

Я думаю, что нет — актеров вообще мало во что надо посвящать. Помните, когда мы говорили о дистанции: если у актера есть ощущение, что он чего-то недопонимает, не до конца знает, что вы там задумали, то это хорошо. С моей точки зрения, это держит его на некоем уважительном расстоянии. А если он все знает, абсолютно все, что вы могли ему выложить, это сокращает дистанцию. Мне кажется, это не совсем правильно.

Работа с артистами, я вам уже говорил, — дело очень непростое. С моей точки зрения, лучше недоговорить, чем сказать слишком много.

Как правило, когда актер спрашивает, о чем фильм, его по большому счету это не интересует. Его интересует, что лично он будет играть, что у него за роль. Это главное, что его волнует. Поверьте мне, я имел дело с разного уровня артистами, в том числе и с великими, — и их тоже в первую очередь интересует их собственная роль. И уже во вторую, гораздо меньшую, — а что это вообще за кино.

Мне попадались замечательные артисты, которые даже не понимали, в чем они снимаются. Честно говоря, их это особенно и не беспокоило, но роль, которую они играли в фильме, их всегда очень волновала.

Я как-то ужинал с моим любимым артистом и другом Арменом Джигарханяном — ему позвонили из какой-то кинокомпании и долго уговаривали сняться. И он при мне сказал в трубку: «Сынок, послушай, вы мне лучше пришлите мой текст и мою сцену, а больше мне ничего не надо рассказывать». Ну, он такого высочайшего уровня артист, что может себе это позволить.

Поверьте, в первую очередь артиста волнует, как он будет выглядеть на экране и что он будет делать, — вот это главное. Все остальное его интересует гораздо меньше.

Обман

Есть один важный тонкий момент — это уже вопрос вашей дипломатии: вы должны уметь, как это ни парадоксально звучит, обманывать артиста.

Что значит «обманывать»?

Это такая ложь во спасение. Например, вы репетируете, а вам при этом ваш актер говорит: «Что-то это все фигня какая-то! Я вот предлагаю, давай лучше сделаем так, так и так». Может, это и неплохо, то, что он предлагает, но это совершенно не то, что вы имели в виду. Что же делать?

Если вы чувствуете, что коса нашла на камень и переубедить не получается, конечно же, надо соглашаться. Вообще, с артистами, по моему убеждению, поначалу надо всегда соглашаться, это их как-то очень взбадривает. Во-первых, иногда они действительно что-то здравомыслящее предлагают — редко, но бывает — и тогда вы это с удовольствием и с благодарностью принимаете. Вы говорите: «Внимание, все! Вот Сережа Пупкин предложил то-то и то-то. Он не только замечательный артист, у него еще и фантазия прекрасно работает! Сережа, спасибо тебе большое, так и снимем». То есть пусть все знают, что это Сережа предложил.

Но допустим, он предлагает какую-то очевидную ахинею, и ничего тут не сделаешь — это ваш артист, вы не можете с ним ссориться, вы должны продолжать его любить. Поэтому вы говорите: «Хорошо, для меня это неожиданная идея, я, честно говоря, не думал об этом, но давайте попробуем».

Много раз я, например, делал так — тайно договаривался с оператором, что пленка не идет. То есть все всерьез: я кричу «Мотор!», но и я, и оператор знаем, что дорогая пленка не крутится. Камера жужжит, а пленка не идет. А актер играет, он доволен.

Я говорю: «Замечательно! Хорошо! А что, если вот здесь еще попробовать вот так? Сереженька, вот мы три дубля сняли, как ты хотел, а теперь просто для меня, для сравнения, чтобы я убедился, что был не прав. Я и так знаю, что не прав, но чтобы я окончательно убедился. Давай снимем один дубль, как я просил. Ну, или большую часть, как ты, а вот этот кусочек — по-моему. А теперь еще один дублик, но теперь уже чуть больше — по-моему. А теперь снимем весь дубль, как я просил. Я понимаю, что это в корзину, но давай все-таки снимем».

И вот как-то все в конце концов удается.

Любые приемы и способы хороши, если речь идет о достижении важного для вас результата. То, что вы снимете, то и останется на экране, это уже не исправить. Если вы видите, что актер совсем впал в ступор, сделайте перерыв, пойдите с ним чайку попейте, поговорите о жизни, о том, о сем, маму его вспомните или детей. Любые темы затрагивайте, — чтобы постепенно вывести его на нужный вам градус, чтобы опять подвести артиста к этой сцене, которая никак не дается, подвести к этому сложному и важному дублю, который нужно от него получить. Как ни цинично это звучит, — здесь любые способы хороши. Вот моя точка зрения.

Удивление

Напоследок хочу дать вам несколько простых советов.

Очень важно следующее. Когда вы общаетесь с детьми, смотрите на них внимательно, обращайте внимание на их эмоции. У них очень многому можно научиться, потому что в отличие от взрослых они свои эмоции не скрывают.

Мы, когда вырастаем, уже умело скрываем свои эмоции, и далеко не всегда можно сразу понять, что человек чувствует. А дети очень непосредственны, — тем они и отличаются от взрослых, — и они выплескивают эмоции сразу. Понаблюдайте за ними, посмотрите. Я считаю, что очень полезно наблюдать за детьми, потому что многое можно взять от них в этом плане, в плане изучения эмоций. А изучать их необходимо, потому что эмоция, повторяю, это один из краеугольных камней вашей будущей работы.

И последнее, что мне кажется тоже очень существенным, — важно не потерять чувство удивления. Художник, на мой взгляд, в принципе заканчивается, когда перестает чему-либо удивляться. Если его ничто больше не удивляет в жизни, я думаю, на этом его творческая функция завершается. А если вы, наоборот, готовы к этому удивлению и даже сознательно немножко в себе его взращиваете, то это один из мощных питательных соков для вашей будущей работы. И когда вы думаете о картине, подумайте, в частности, чем она вас, эта ваша картина, будет удивлять. Как она вас удивит, что в ней будет такого, чего вы еще не знаете.

Отношения с фильмом

Вообще отношения с фильмом очень интересные. Если вы всерьез начнете работать, вы увидите, как они меняются. Поначалу вы влюблены в свою картину, вам все безумно нравится, вы в полном восторге, но потом наступает какой-то период, когда все в ней начинает вас раздражать, когда она вызывает какое-то отторжение, антагонизм. А затем приходит момент, когда вы опять в нее влюбляетесь.

Это очень интересные взаимоотношения режиссера и фильма, и они складываются совсем по-особому, когда наконец работа закончена и уже ничего нельзя в ней переделать. Бывают, конечно, режиссеры, которые изначально объявляют, что создают шедевр, — к ним всё вышесказанное не относится. Обычно же художник всегда сомневается, и отношения у него с его произведением очень непростые, они переживают совершенно разные стадии.

Вопрос из зала

Бывало ли, что вы теряли контроль над картиной?

Да, однажды у меня это было. Я, по-моему, об этом говорил. Это случилось на одной из моих самых первых картин, когда я, увлекшись своим артистом, его безусловным талантом и считая, что мы близкие друзья, в какой-то момент пошел у него на поводу. Он был человек с бурной фантазией, и я вдруг увидел, что картина у меня уплывает из рук, что крен у нее какой-то совершенно другой, она двигается совсем не туда, куда я ее собирался вести. И сценарий, который я написал, тоже перестал быть моим сценарием, и весь фильм стал вдруг рулить в какую-то другую сторону. Да, у меня было такое ощущение, и я помню, что меня это безумно встревожило, испугало, и я попытался вернуть этот контроль.

Это кончилось очень плохо, серьезным скандалом, полным разрывом отношений, что, естественно, не могло не сказаться на работе. Была тяжелейшая ситуация, в результате которой я остался на несколько лет без работы в Москве и вынужден был уехать в Одессу, снимать «Приключения Петрова и Васечкина». Так повернулась судьба. А две мои постановки, которые предполагались на «Мосфильме», в результате так и не состоялись.

Это всё были последствия того, что я потерял контроль. В свое оправдание могу сказать, что это была моя первая большая профессиональная картина — до этого было только андеграундное кино, где я, естественно, распоряжался всем на свете, и никто мне был не указ. Это было первое мое реальное и продолжительное столкновение с крупной личностью и с крупным артистом. Я тогда сделал большую ошибку, от которой пытался вас предостеречь, когда говорил о дистанции.

Заключение

В заключение скажу еще раз. Вы можете делать и придумывать все что угодно для того, чтобы выжать максимум из ваших актеров, но при этом не забывайте главного — прежде всего их надо любить.

Федерико Феллини, бывало, бог знает как орал на Марчелло Мастроянни, кем только его ни обзывал — и козлом, и тупицей, и лентяем! Но Мастроянни не обижался. Он прекрасно знал, что Феллини его обожает, и платил ему тем же. И в результате они вместе создавали шедевры. И в «Восьми с половиной» Феллини даже доверил ему сыграть своего альтер эго — Гвидо Ансельми.

7. Трудность выбора

Суть работы продюсера. Взаимоотношения с продюсером. Как выбирать оператора. Правильное начало фильма

Экзамен

Я вижу, что вы не особо стремитесь показать свои работы, те учебные фильмы, которые вы уже сняли по моим заданиям. Я даже понимаю, почему это происходит. Это, на самом деле, довольно сложный момент — показ своих работ. Действительно, есть чего бояться.

Самое удивительное, что вот вы закончили фильм, показали его — он, допустим, понравился, но дальше ведь все начинается сначала со следующим фильмом, и этот страх перед показом, перед премьерой никуда не уйдет, он преследует вас всю жизнь, потому что это такая странная профессия, когда всю жизнь приходится сдавать экзамен.

Что еще интереснее, это если в каких-то других творческих профессиях успех — понятие более-менее устойчивое, то в нашей все гораздо сложнее. Возьмем, например, художника. Вот он написал несколько десятков замечательных картин, а потом, допустим, какую-то чушь нарисует, ерунду. Всерьез это никак на его карьере не отразится. И дерьмом его работу никто никогда не назовет, даже если картина откровенно не получилась. Поскольку, что бы он ни нарисовал, это все равно он, все равно будет считаться, что это здорово. Его прикрывает его имя, причем очень основательно. Также все гораздо легче в этом плане и с композиторами, и с писателями. А вот с нами, с кинорежиссерами, все иначе.

По крайней мере, на Западе дело обстоит именно так — никакие предыдущие достижения не дают вам никакой индульгенции. Если вы делаете плохую картину, она автоматически перечеркивает весь ваш предыдущий путь. Там все жестче — там, если человек делает неудачный фильм, ему больше не дают деньги на съемки. Вряд ли найдется продюсер, который из соображений пиетета к вашим прошлым заслугам решит рискнуть деньгами. У нас по-другому… пока. Я думаю, что со временем это тоже изменится.

Так или иначе, это одна из составляющих нашей профессии: каждая новая картина — это новый экзамен. Мы всю жизнь вынуждены сдавать экзамены, и это не зависит от вашего возраста, от количества снятых фильмов, от призов, которые вы раньше получали, — все это не играет никакой роли. Если картина неудачная, она практически перечеркивает весь ваш предыдущий путь.

На Западе — только так. Причем в неудаче, как правило, винят именно режиссера, а не продюсера, как бы тесно они ни работали вместе.

Продюсеры

Еще одна из наших тем «режиссер и продюсер», так что давайте поговорим об этом подробней.

Надо понимать, что с некоторых пор ситуация у нас в стране начала меняться. Еще лет двадцать тому назад ни о каких продюсерах и речи не было, даже слова такого у нас в кино не употребляли. Фактически же продюсера у картины было два: один продюсер — государство, то есть государственная студия, которая и осуществляла весь продакшн, в том числе и финансирование; и сам режиссер, который находил проект, приносил на студию сценарий и двигал его вперед. По большому счету, он и был главным продюсером, а государство выступало в роли продюсера, которого на Западе называют executive producer, или ответственный продюсер. Государство финансировало проект и помогало осуществить его на своей базе, то есть на киностудии.

Двадцать лет тому назад ситуация у нас начала меняться, поскольку мы стали ориентироваться уже на Запад, на западную систему работы. А система работы на Западе резко отличалась от нашей, и до сих пор, должен сказать, отличается, хотя постепенно эти отличия стираются.

Надо точно понимать, что означает слово продюсер.

В России полная путаница с этим словом, потому что у нас до сих пор принято считать, что тот, кто дал деньги, тот и продюсер. И из-за этого возникает масса конфликтов и проблем. Человек дал деньги, и его тут же пишут в титрах «продюсер». А какой он на фиг продюсер? Он чистой воды инвестор, а это огромная разница.

Кто же такой продюсер?

Давайте разберемся. Это — автор всего проекта и его реализатор, поэтому главный «Оскар» получает вовсе не режиссер, а продюсер.

И это вполне заслуженно, потому что это человек, который придумывает проект.

Не важно, каким образом он это делает: газету ли он открыл и прочел там что-то, что навело его на мысль, или он что-то где-то услышал, или что-то произвело на него впечатление, или он специально читает сценарии и ищет то, что ему надо, — всё это не важно. Главное, что идея проекта приходит в голову именно ему. И под этот свой проект он начинает подыскивать автора, режиссера и деньги.

Если уж как следует разбираться, то на Западе есть целая градация: продюсер — именно продюсер, как мы уже определили, — это изначальный автор проекта и, соответственно, его хозяин.

Когда же они пишут executive producer (то, что у нас абсолютно неправильно переводят как «исполнительный продюсер», на самом деле это переводится как «ответственный продюсер»), — это очень серьезная позиция в фильме. В определенном смысле не менее, если не более, важная, чем непосредственный продюсер. Это человек, который сыграл главную роль в запуске картины. Он либо помог финансированию, то есть нашел инвесторов, либо договорился со студией об участии, либо привлек кинозвезд — короче говоря, без него фильм бы не состоялся.

Executive producer нередко никакого отношения к производству фильма не имеет. Бывает, что его функции на этом и заканчиваются: допустим, он помог профинансировать картину, нашел деньги, за это он и получает этот крайне важный для западного кино титр. Дальше — его добрая воля, хочет он участвовать в производстве или нет.

Есть также co-producer (копродюсер), то есть человек, который тоже вносит свою немалую лепту в создание фильма, она может выражаться по-разному, но участие его крайне весомо.

Далее идет associated producer, то есть ассоциативный продюсер, — это продюсеры, которые каким-то образом участвуют в производстве картины. Допустим, фильм снимается в разных городах или странах, и вот есть местные продюсеры, которые помогают в организации этих съемок. Или человек внес какой-то другой весомый вклад в работу над фильмом и в благодарность получил этот титр.

Также есть line producer — это позиция, которая раньше у нас называлась директор картины (теперь почему-то «исполнительный продюсер»), то есть это человек, непосредственно отвечающий за организацию съемок, ему подчиняются уже всякие более мелкие администраторы. Он также отвечает за плановый бюджет, контролирует расходы.

Вот примерно так они различаются.

Вопрос из зала

А что такое креативный продюсер? Каковы его функции в группе?

Такой позиции в съемочной киногруппе нет и быть не может. И продюсер, и режиссер-постановщик — люди сами по себе вполне креативные и в подкреплении такого рода не нуждаются. Это должность студийная или в кинотелекомпании. В основном относится к телевизионному производству. Когда оно идет потоком, такая позиция может оказаться вполне полезной. То есть это человек, который осуществляет дополнительный контроль над производством, занимается художественным руководством.

Контракт

Вернемся все же к основным людям в съемочной группе. Вопрос о взаимоотношениях режиссера и продюсера весьма сложный. Потому что фактически сталкиваются два хозяина: с одной стороны, формально — это, конечно, продюсер, с другой стороны, когда приходит режиссер, то командует, естественно, он, — на площадке царь и бог только режиссер.

Нередко бывает, что продюсер и режиссер по-разному видят решение картины. Чем это заканчивается?

Это заканчивается конфликтом и в конечном счете сменой режиссера, потому что юридически хозяин проекта продюсер. У режиссера есть только его контракт с продюсером, — единственное, что его защищает.

Имейте в виду, контракт контракту рознь. Мне, например, не так давно подсунули один контракт — я был потрясен: там практически вообще никаких прав у режиссера нет, все права только у продюсера. Это неправильно — я, естественно, отказался. Сейчас наша Гильдия режиссеров отрабатывает свой собственный контракт так, как это принято во всех странах, потому что до сих пор с этими контрактами тоже неразбериха — одни продюсеры пишут одно, другие — другое. Уже давно пора выработать стандарт, который будет окончательно взят за основу. В принципе, если у вас возникнет такая нужда, вы всегда можете обратиться в Гильдию режиссеров, и там вам помогут.

Когда подписывается западный режиссерский контракт, то это огромный талмуд. Помню, когда я подписал свой первый американский контракт двадцать пять лет назад, там было страниц сто пятьдесят. Я ничего в этом не понимал — не понимал, зачем эти все страницы и что там сказано. Потом, спустя какое-то время, я понял, что все это очень серьезно, каждый пункт в этом гигантском контракте оказывается крайне важным, если в нем разбираться. Там описывается все: каждая пуговица, каждое движение, а что будет в том случае, а что в этом. Поскольку я впервые подписывал такой контракт, то просто так, на доверии, подмахнул его и автоматически лишился очень крупной суммы денег — именно потому, что ничего не понимал. И никто не обязан был мне разъяснять. На Западе так принято — если ты не спрашиваешь, то тебе никто ничего и не объясняет.

Вы вправе все оспаривать и изменять, пока контракт не подписан. После того как он подписан, уже ничего нельзя исправить. Но пока он не подписан, ваше дело — отстаивать свои интересы, потому что это все равно контракт, это не Уголовный кодекс, это гибкая вещь, в одном случае — так, а в другом — эдак. Здесь все зависит от того, как договоритесь.

Естественно, когда речь заходит о правах, то это серьезное дело. Например, Джордж Лукас стал не только одним из самых знаменитых, но и одним из самых богатых режиссеров на свете, потому что, в частности, когда он подписывал свой первый контракт на «Звездные войны» (а было ему тогда тридцать три года!), он вбил туда, в этот контракт, пункт, что он будет получать приличный процент от продажи любой атрибутики — по-английски это называется merchandize, — связанной с фильмом: куклы, эмблемы, очки, майки и прочее. Он стал мультимиллионером, построил собственную студию и уже последующие свои картины снимал на своей собственной студии. Только благодаря тому, что этот пункт стоял у него в контракте. Потому что оказалось, что это гигантская статья доходов: по всему миру продавались и до сих пор продаются всякие куклы, изображения персонажей из «Звездных войн», кепки, значки и прочая атрибутика.

Вопросы из зала

А какие есть принципиальные права, которые нужно отстаивать?

Окончательный монтаж, что еще?

Окончательный монтаж отстаивать очень трудно. Раньше наши продюсеры вообще ничего в этом не понимали — сейчас они все уже умные, поэтому то, что называется по-английски final cut (окончательный монтаж), любой продюсер, конечно, старается оставить за собой.

На Западе это даже не обсуждают — только режиссеры уровня Спилберга или Скорсезе могут отстоять свои права на f nal cut. А так — никакая студия, никакой серьезный продюсер никогда режиссеру этот f nal cut не отдаст, потому что право окончательного монтажа — по большому счету это право на любые переделки в картине, на изменение концепции и тому подобное. Поэтому продюсер, конечно же, всегда старается оставить это право за собой.

У нас если это удается, то только в тех случаях, когда продюсеры попадаются несмышленые, то есть неопытные, или другой вариант — продюсер так влюблен в режиссера, так ему доверяет, что согласен на все.

А это правильно или неправильно, что у режиссера нет права окончательного монтажа?

Правильно или неправильно — вопрос весьма относительный. С моей точки зрения — категорически неправильно, потому что, конечно же, у нас в этом случае отнимают исконное наше авторское право сделать картину так, как мы считаем нужным.

С другой стороны, у продюсера своя правда. Она состоит в том, что, если я, продюсер, трачу деньги, я хочу эти деньги вернуть. И мне на ваши идеи наплевать, мне важно, сколько денег заплатит зритель. Так что это, конечно, все очень красиво, что вы там пытаетесь сделать в фильме, но меня это совсем не волнует, я буду делать то, что считаю нужным, и то, что, с моей точки зрения, принесет прибыль.

Здесь сталкиваются две противоположные позиции, и выкарабкиваться из этого изначального конфликта совсем непросто. С моей точки зрения, первый и самый важный этап во взаимоотношениях с продюсером — переговоры: после того, как вы все подписали, назад уже ходу нет. Так что первый этап крайне важный.

Какие именно права надо отстаивать?

Да все права надо отстаивать. Прав очень много, и, если вы начнете в это влезать, вы увидите, какое количество прав существует — право на использование фрагментов из фильма, право на использование персонажей, право на использование вашего имени, право на то и на сё. Их десятки, этих разных прав! Естественно, продюсер пытается забрать все, а вас оставить абсолютно ни с чем. Он говорит: «А я вам деньги плачу, этого достаточно. Получили деньги — и гуляйте!» Что тут можно сделать?

Понимаете, это как всегда в жизни — вы что-то отдаете, что-то получаете взамен. Это вопрос договоренностей, вопрос рыночных отношений. Я, скажем, теперь уже с тем опытом, который у меня есть, ни одного контракта без юриста не подписываю. Сколько бы ни стоили его услуги, но я обязательно и здесь, и за границей ищу хорошего юриста по авторским правам, который внимательнейшим образом этот контракт читает и дает мне советы, вносит свои исправления. При том что я теперь вроде и сам в чем-то разбираюсь, тем не менее пару раз наколовшись как следует, я уже себе настолько не доверяю, что предпочитаю, чтобы этот контракт изучил серьезный юрист — прежде чем я его подпишу. Что и вам всячески рекомендую.

Конфликты

Конечно, когда ты только начинаешь работу в кино, ты в определенном смысле находишься в состоянии слабости, а Ницше говорил: «Всякое действие в состоянии слабости обречено на неудачу». То есть ты в начале пути, и ты в полной зависимости, у тебя пока очень мало аргументов, потому что, если ты начнешь упираться, тебе скажут: «Ну и гуляйте! Мы другого возьмем. Ничуть не хуже». И что вы на это скажете? «Ну, хорошо, я согласен».

Поэтому здесь, наверное, надо быть очень дипломатичным, и в первую очередь определить для себя, что для вас самое важное в этой работе — получить ли просто право на нее и сделать работу или отстоять какие-то пункты в договоре, которые для вас крайне важны. Это очень гибкая вещь, и я не могу вам дать совет раз и навсегда по всем пунктам и деталям такого контракта. Каждый договор, по большому счету, индивидуален.

В моей практике не было ни одного договора, который бы остался изначально таким, каким он был мне предложен, он всегда менялся по ходу обсуждения. На Западе, я помню, не раз доходило до криков, до взрывов: «Расстаемся! Все! Договориться не можем!» Но в конце концов какие-то компромиссы находятся.

У нас сейчас Гильдия продюсеров, к сожалению, сильнее, чем Гильдия режиссеров, и, конечно же, они этим пользуются. Но тут уже, повторяю, все зависит от вашей гибкости и дипломатии. Вы ведь сразу же чувствуете, насколько в вас заинтересованы. Если в вас особой заинтересованности нет, значит, у вас и никаких аргументов нет, и вы соглашаетесь на все, что вам предлагают. А если вы видите, что вызываете интерес, тогда у вас, соответственно, появляются какие-то шансы что-то отстоять. Короче, это самый важный, на мой взгляд, момент в отношениях с продюсером — обсуждение договора и условий работы.

Но, допустим, все компромиссы найдены, всё подписано, вы договорились — значит, с этой минуты вы уже партнеры, потому что теперь вы делаете одно дело, и у вас общие цели — сделать его как можно успешней, как можно лучше. Любой конфликт с продюсером после подписания договора несет в себе огромную опасность, потому что в результате страдает картина. И по-другому быть не может.

Я не могу найти таких примеров в истории, когда конфликт с продюсером сыграл бы на руку картине. В результате все равно картина так или иначе страдает, особенно если конфликт заходит далеко. А бывает, доходит и до судов, и до чего угодно! Тогда, конечно, картина страдает и очень серьезно.

Очень редко, когда в этой войне режиссеру удается победить. Крайне редко. Для этого надо обладать железными нер вами и силой, понимать, что, будь что будет, но я дойду до конца. Это очень тяжелый путь, и я вам его не рекомендую — просто, когда уже выхода нет, то приходится на него вступать. Но в принципе, конечно, лучше обходиться без конфликтов с продюсером, потому что, повторяю, у вас общие цели, общие интересы.

Каким образом можно стараться избежать этих конфликтов?

И в каких случаях они возникают?

Когда вдруг продюсер чувствует, что его обманули.

В каком смысле «обманули»?

Он предполагал, что это будет одно кино, а в результате видит на экране совсем другое.

Материал

Тут есть еще одна опасность — продюсеры не умеют смотреть материал.

Вообще, материал никто не умеет смотреть.

И это огромная опасность, когда продюсер приходит и говорит: «Покажи мне материал, я хочу посмотреть». В принципе, у него есть на это право, и никто не может ему в этом отказать. Он может смотреть все, что захочет, — он за это заплатил, он хочет видеть, как потрачены деньги.

Но здесь кроется большая опасность, потому что, когда человек, который не может влезть в вашу голову и не видит, не чувствует всей этой мозаики, созданной вашим воображением, вдруг начинает смотреть отдельные фрагменты и отдельные кусочки, да еще и дубли, он, разумеется, ничего не понимает.

Он спрашивает — а почему столько дублей? Зачем они нужны? Это ведь огромные расходы на пленку, на съемку. А чем вот этот дубль отличается от этого, они же одинаковые?

Я за всю свою долгую жизнь, может, видел одного или двух человек, которые хоть в какой-то степени понимали, что это материал, — больше никто смотреть материал не умел. Не только продюсеры, вообще никто не умеет смотреть материал. Но если уж у вас безвыходное положение и надо показывать, то нужно обязательно настаивать на том, что вы покажете хотя бы подмонтированный материал, хотя бы отобранные дубли.

Потому что хуже нет, чем показывать человеку дубль за дублем, да еще не отобранные, не смонтированные, и к тому же даже не подобранные, то есть не выстроенные в правильном порядке! Через десять минут у него просто крыша едет, он перестает понимать, что это вообще такое, даже если кто-то рядом будет сидеть и объяснять, что это — так, а это — вот эдак.

А если ему чем-то не нравится материал, значит, он начинает подозревать, что что-то происходит не то, что его обманывают, что он на этом фильме не выиграет, а проиграет, то есть не заработает, а, наоборот, разорится. Он начинает выяснять, как вы работаете, что да как, и так далее.

То есть такой показ всегда — опасность, у вас в голове сразу должен выскакивать красный флажок.

Как избежать этой опасности?

Оптимальный вариант (это вообще идеальный вариант, на самом деле!) — дружить с продюсером и стараться его вовлечь — (это тоже надо делать достаточно осторожно!) — в творческий процесс, чтобы он понимал движение вашей мысли. Не потому, что вам нужны от него еще деньги, хотя и такое случается, а чтобы не было потом неожиданностей, чтобы он был как бы соучастником вашего творческого процесса. Вот это очень важно — вы его делаете соучастником. Понимаете?

Вы не противопоставляете себя ему: «Это, мол, не твое дело, я тут сам!» — а, наоборот, он с вами заодно, он — соучастник.

Это, повторяю, надо делать очень осторожно, потому что, если вы будете слишком много советоваться, сразу возникнет ощущение, что вы не знаете что к чему. То есть некая дистанция должна быть. Но, по крайней мере, это вас обезопасит от дальнейших расхождений, потому что продюсер уже не сможет спросить «а это что такое?», он уже в курсе, вы ему рассказывали, он знает. Ваша задача — чтобы с момента подписания договора продюсер был, грубо говоря, на вашей стороне. Вот это и есть самое важное.

И если такой тандем складывается — это счастье для режиссера, потому что тогда за его спиной появляется еще один человек, который постоянно ему помогает, оберегает его, организационно берет многое на себя. Вот это идеальные отношения. А если возникает конфликт, то это, конечно, уже беда.

Отставание

За чем следят продюсеры?

Если это профессиональный продюсер, то он хочет знать, как идет процесс, как прошел каждый съемочный день. Ему совершенно не обязательно самому торчать на съемочной площадке, но у него непременно есть человек, который будет следить за тем, что происходит. На Западе это вообще делается в обязательном порядке: в конце съемочного дня пишется рапортичка продюсеру и тут же ему отсылается — где бы он ни находился, в любом конце мира. Он получает полную рапортичку от линейного продюсера — как прошел съемочный день, сколько снято страниц, сколько снято дублей, сколько израсходовано пленки. Так что он постоянно в курсе дела, все контролирует.

У нас это происходит более расхлябанно, но тем не менее серьезные продюсеры, конечно же, обязательно следят за тем, как прошел съемочный день. Как только человек видит, что у вас идет отставание по отношению к календарному плану, он напрягается. Допустим, за день надо было снять пять страниц, а снято три, это уже серьезное отставание. Значит, на следующий день вам надо снять семь, а вы опять сняли три. Тогда на третий день сколько уже получается?!.

А что такое отставание?

Отставание — это значит, что будет перерасход бюджета, что денег не хватит, стало быть, от продюсера потребуются новые вложения, и, как вы понимаете, это никак не может способствовать его хорошему настроению.

Вопрос из зала

А если отставание происходит по техническим причинам?

Что значит «по техническим причинам»? Погода?

Это никого не волнует. Есть так называемые обстоятельства форс-мажорного характера, к которым относятся: наводнение, пожар, землетрясение, болезнь режиссера. Или возникают какие-то глобальные проблемы: войну вдруг объявили, или тайфун какой-нибудь налетел — вот с этим ничего не сделаешь. Тогда, да, это принимается во внимание.

Все остальное никого не волнует. Почему?

Потому что если съемочный процесс запущен, то уже на него пошли деньги. Это самое дорогое, что есть вообще в кино, — съемочный процесс. Каждый съемочный день на нормальной картине стоит десятки тысяч долларов. Каждый! И от того, что вы вдруг скажете: «О! сегодня погода испортилась! Не будем снимать», деньги эти не появятся.

День простоя съемочной группы — это очень плохо. Мгновенно подсчитывается, во что это обойдется продюсеру, ведь это выброшенные деньги, просто выброшенные на помойку. Так что вы обязаны, планируя съемку на натуре, иметь еще какой-то запасной вариант в случае внезапных изменений погоды — если вы снимаете в таких местах, где погода капризна, и метеослужба вам ничего не гарантирует.

Планирование

Календарно-постановочным планом занимается у нас человек, который называется второй режиссер. На Западе он называется f rst assistant, то есть первый ассистент. Естественно, когда план составляется, второй режиссер советуется с режиссером-постановщиком, задает ему ряд вопросов: «А вы согласны, что мы вот здесь поставим павильонные съемки, или, наоборот, здесь лучше съемки на натуре? А вот сюда мы перенесем выезд в экспедицию, потому что у нас актер освободится только тогда-то, вы согласны?»

У нас же еще в чем сложность, в нашем производстве, — в том, что, как правило, наши актеры работают сразу на трех работах: они и в театре играют, и на телевидении мелькают, и еще в кино снимаются.

На Западе это абсолютно исключено. Там, как только актер подписывает контракт, а подписывает он его задолго, то в обозначенные в контракте сроки — с первого, скажем, июля до тридцатого августа — он ваш, он нигде в это время не может еще что-то делать, это исключено. Ему платится аванс. Иногда контракты заключаются за год вперед, за два года, так что он знает, что в этот период он будет на такой-то картине. Если вы к сроку, который оговорен в контракте, не нашли денег на съемки, или еще что-то случилось, его это не волнует — это то время, которое было отдано вам, и ни на один день больше он никогда не останется, потому что у него дальше все уже расписано. Там все очень жестко.

У нас совсем другая ситуация.

У нас, в связи с тем что артисты сразу работают в нескольких местах, всё крайне сложно. Это ужасно усложняет нашу работу, потому что съемочная группа вынуждена всё время подлаживаться под расписание звезд, а у них, как правило, очень сложное расписание — бывает безумно тяжело свести их всех вместе, в одну сцену.

В результате у нас масса картин, где сначала снимают одного актера, затем другого, а потом монтажно их соединяют в одну сцену, потому что свести их было невозможно. Это, конечно же, отражается на качестве. Это такая профессиональная беда в нашем кино, одна из многих. Когда эта ситуация изменится, я не знаю.

Еще вопросы из зала

А насколько можно план, который существует, менять в зависимости от ситуации?

Его не можно, а нужно менять в зависимости от того, что происходит. Потому что, скажем, вы выехали на съемку, как было запланировано, и вдруг погода изменилась — метеослужба ошиблась, и дождь пошел. Что вам делать, не отменять же съемку!

На этот случай у вас наготове стоит интерьер или павильон, куда вы немедленно заходите. Когда я планирую съемки, я обязательно делаю какой-то такой запасной вариант. Потому что всякое бывает, например, не прилетел артист. У меня бывали разные случаи: помнится, на «Улыбке Бога» ждали Марину Голуб, она еще была жива, я с ней дружил и хотел, чтобы она снялась в этом фильме, и она очень хотела. Так вот, Марина звонит в слезах, говорит, что самолет не может вылететь. Что делать — она у меня должна быть утром на съемке. Уже собрались, слетелись другие актеры, она с ними в одной сцене. Срочно поменяли план.

Короче говоря, надо быть все время готовым что-то поменять и при этом не проиграть по времени, не потерять съемочный день.

Неужели никто из продюсеров никогда не добавляет денег, если это нужно для производства?

Смотря где — одно дело на Западе, другое дело в России. На Западе, если только это не одна из огромных студий-мэйджоров, которая внутри своих ресурсов может добавить миллионы, поменять планы и прочее, никто никогда ни копейки не добавит после того, как утвержден бюджет и фильм запущен в производство. Дополнительные деньги просто взять неоткуда, продюсер из собственного кармана их никогда не выложит, у него, во-первых, их может не быть просто физически, а во-вторых, всё, бюджет сформирован. Если не снято, не успели снять, значит, поезд ушел.

Я помню, меня это поразило когда-то в Штатах. Мой приятель оператор пригласил меня на просмотр своего нового фильма. «Ну как?» — спрашивает он после просмотра. А у меня ощущение, что что-то в фильме не стыкуется, чего-то там не хватает, о чем я ему и сказал. А он говорит: «А что здесь странного? Просто вот здесь не сняли сцену, там тоже сцена не снята, отсюда и нестыковки». Я спрашиваю: «Как это так?» А он: «Ну так, просто не сняли: деньги кончились и сроки истекли».

Если деньги кончились, то уже никогда и не снимут. В этом смысле там все очень жестко. Если ты не уложился в бюджет, это твои проблемы. Ведь если мы с вами говорим о независимом кино, то действительно неоткуда брать эти деньги. Деньги на производство берутся либо у инвесторов, либо у банка, и все бумаги подписаны, производство пошло. К тому же есть страховая компания, которая следит за тем, как идет производство, и если вдруг вы не уложились, то откуда их брать-то, эти деньги?

Все фильмы в обязательном порядке застрахованы, так же как обязательно застрахован режиссер, застрахованы главные артисты — есть три рода страховок.

И что же, фильм так и выйдет на экран, без ряда сцен? Неужели нельзя найти дополнительные деньги?

Так и выйдет на экран, да. Именно так. Или не выйдет вообще. Это уже другой вопрос, вопрос к дистрибьюторам.

А найти — это понятие такое весьма сомнительное. Это здесь можно ходить и искать, может, в конце концов, чего-то и найдется.

Что значит «найти»? Где? По дороге ходить искать?

Это абсурд. Все договора давно подписаны, задолго до начала съемок. Еще раз говорю, я не знаю случая, когда добавляются деньги на независимых картинах. Ну, разве что это уж совсем какая-то дешевая картина и там не хватает нескольких тысяч, тогда продюсер может решиться залезть в собственный карман. А так это исключено.

А получить кредит разве нельзя?

А на каком основании?

Еще раз объясняю: запуску в производство картины на Западе предшествует большая подготовительная работа. Когда бюджет сформирован, он закрыт. Продюсер не пойдет к инвестору признаваться, что он не уложился в бюджет.

Реплика из зала: Я просто не буду показывать фильм без неснятых сцен. Поэтому я не понимаю!

Я не буду комментировать эту реплику. Просто напомню, что вы не распоряжаетесь фильмом. Им распоряжается продюсер. Ну а кроме того, видимо, тут разница в менталитете и в профессиональном подходе.

У нас — так повелось испокон веков — если картина запущена, то что бы там ни было, сколько бы это ни стоило, но она должна быть вся снята, закончена.

Там же все по-другому, потому что, повторяю, сформирован бюджет, обозначены все сроки, — всё, дальше за пределы этого бюджета никто выходить не будет, продюсер не станет лезть в собственный карман и выкладывать собственные деньги.

К тому же подо что он будет снова брать инвестицию? Съемки ведь уже закончились. Это нереально.

А что, люфта в смете нет?

Нет, в сроки производства никакие люфты не закладываются. Есть понятие contingency — так называемые непредвиденные расходы. Эта статья в бюджете есть, конечно. Обычно это десять процентов от общей сметы. Но особенно на эти деньги не надо рассчитывать. Так или иначе, эти десять процентов, как правило, израсходуются.

Короче говоря, вот то, что в общих чертах я мог вам сказать об отношениях с продюсером. Это дело сложное. Повторюсь, принципиально важно, как мне кажется, быть с продюсером в хороших отношениях, стараться избегать всяческих конфликтов. Счастлив тот режиссер, который начал картину в хороших отношениях с продюсером и закончил ее так же. Это значит, что все сложилось, все получилось. Потому что продюсер, конечно, рискует деньгами, репутацией, и так далее. Режиссер, безусловно, тоже рискует. Своей карьерой. И неизвестно, кто больше.

А вот, допустим, подписывается контракт, и, согласно контракту, надо отчислять режиссеру, скажем, десять процентов от проката картины. Дальше картина прокатывается, все довольны. Но режиссеру никто не звонит. Он звонит продюсеру, говорит: «Ну как же так? Сборы такие большие, а где же деньги?» У него что, вообще нет никаких инструментов, чтобы проконтролировать этот доход? Потому что, если он не может этого сделать, тогда зачем вообще этот пункт вписывать?

Если говорить серьезно, то в нашей замечательной стране очень многое построено, к сожалению, на обмане и коррупции, в том числе и в кино. Сейчас наконец-то, я надеюсь, будет введен так называемый «электронный билет», потому что до сих пор поймать за руку вообще было никого нельзя: ты не можешь точно узнать, сколько зрителей на самом деле посмотрело твою картину.

Его введут, это уже решено. Хотя, я думаю, все равно найдутся уловки, как обойти и это, но, по крайней мере, хоть какой-то контроль будет. Однако далеко не все режиссеры в восторге от этого, многие говорят: «Как же так? Что ж, все будут знать, что на мою картину мало народу ходит?» Но тем не менее это будет введено, и это абсолютно правильно. Можно будет наконец начать контролировать, сколько зрителей на какой фильм пришло, сколько денег они заплатили.

Если режиссеру не платят причитающийся ему процент, разумеется, у него есть полное право поднять бухгалтерию и проверить, есть ли там доход. Другое дело, что бухгалтерия бывает черная и белая, и дохода по большому счету в нашем кино никакого нет.

Парадокс

Отечественное кино — и это тоже вы должны понимать — весьма убыточное на сегодняшний день предприятие. Редчайшие фильмы за историю российского кино, начавшуюся в 1991 году, окупили себя: из примерно двух с половиной тысяч фильмов, снятых за это время, окупило себя десятка два-три картин, может, чуть больше, все остальное — сплошные убытки.

Парадокс состоит в том, что сейчас назначили восемь успешных продюсерских компаний как бы киноолигархами, им вручены большие государственные деньги на новые крупные проекты. Но, если начать копаться, выясняется, что финансовый успех, который и есть основной показатель продюсерской работы, у них весьма относительный, по сути его и нет. Мы не будем сейчас обсуждать государственные решения, но пока, к большому сожалению, и я это говорю совершенно серьезно и искренне, наше кино в целом убыточно.

У наших картин, за редкими исключениями, когда речь идет о фильмах типа «Наша Russia», «Любовь-морковь», «Яйца судьбы» и тому подобное, по сути, никакой прибыли нет. Но это исключения, которые подтверждают правило. А правило состоит в том, что российская картина себя не окупает, что, конечно же, полный бред, это абсолютно неправильно, потому что Россия — это потенциально огромный рынок, не меньший, чем те же Штаты, Индия, Китай.

Почему раньше наши фильмы себя окупали полностью, приносили огромный доход, а теперь перестали? Стоит задуматься, но это отдельный разговор.

На самом деле, государство должно бы вкладываться не в производство, а в прокат и в рекламу — вот это, мне кажется, была бы реальная помощь в становлении кино.

Оператор

Теперь немного поговорим по поводу оператора, потому что эта тема не менее существенна. Собственно, это три главных человека в производстве кино — продюсер, режиссер, оператор.

С оператором тоже не все просто, потому что здесь есть некая дилемма. Вот представьте себе: вам нужен хороший оператор (всем нужен хороший оператор, потому что, чем лучше выглядит картинка, тем интересней кино!) и вот есть два оператора: один звезд с неба не хватает, зато он очень славный, симпатичный человек, с ним приятно иметь дело, с ним складываются дружеские отношения, а другой, предположим, явно гораздо талантливее, своего рода звезда в своем деле, но понятно, что и характер тяжелый, ершистый, напористый.

Вопрос — с каким оператором вы будете работать?

Однозначного ответа нет. Все зависит от вашего характера, от вашей уверенности в себе, от того, что вы ждете от вашего проекта: может быть, для вас важнее не столько картинка, сколько комфортное ощущение, важнее, чтобы вы понимали, что можете работать абсолютно свободно, бесконфликтно — это ведь тоже очень существенный момент.

Помню, однажды я что-то репетировал на площадке, повернулся и увидел человека (то ли из административной группы, то ли еще кто-то) с недружелюбной скептической ухмылкой на лице. А у меня все время было ощущение, что мне что-то мешает. И вот я повернулся и вдруг уткнулся в этот взгляд, и мне все стало ясно. Больше этот человек у меня никогда не работал, это был его последний день, потому что я себя чувствовал рядом с ним некомфортно. Я хочу, чтобы люди, которые со мной работают, получали бы от этой работы такое же удовольствие, как и я. Мы все как бы заряжаемся друг от друга, и когда я вижу такой взгляд, это мне мешает.

А если это оператор?

Видите, какая проблема?!

Если это оператор, который смотрит на тебя вот таким образом? Знаете, как тяжело!

Эта история, которую я вам рассказал, произошла в России, в Штатах такого не может быть. В Штатах вообще режиссер на площадке — это абсолютный бог и царь. Никто не имеет права подойти к нему, хлопнуть по плечу и сказать: «Эй, Михалыч!..» Это абсолютно недопустимо. Вокруг режиссера всегда пространство, зона, в которую никто не входит, к нему можно обратиться только через ассистента. Режиссера оберегают, потому что понимают, что от того, как он себя чувствует, в каком он настроении, зависит конечный результат.

У нас этого, к сожалению, напрочь не понимают. Я как-то пытался объяснить одному нашему продюсеру: «Пойми, твоя задача, чтобы я был в хорошем настроении. Если я в хорошем настроении, то, соответственно, лучше работаю, а это, разумеется, отражается на качестве, это в конечном счете твои деньги». Он меня не понял, решил, что я зазнался. Этого у нас вообще понять не в состоянии. А там все наоборот.

Короче говоря, возвращаясь к оператору, скажу, что это сложная история. Найти себе подходящего оператора — это как удачно жениться, это тандем. Далеко не всегда это получается, а если получается, то это большая удача, потому что вы находите себе соратника, единомышленника, сподвижника, и, когда такие тандемы складываются, они обычно держатся долгие-долгие годы, к счастью для режиссера.

Поначалу, я вам честно скажу, в этой дилемме я выбирал первого — мне важнее было чувствовать себя комфортно. Со временем я уже стал выбирать вторых, потому что теперь думаю, что у меня уже достаточно сил и опыта, чтобы совладать с любым характером. Но все равно, к сожалению, бывает, прокалываешься.

Я, к примеру сказать, пригласил моего американского оператора, с которым мы сняли американский фильм «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)», на мою российскую картину «Улыбка Бога, или Чисто одесская история», потому что знал, что он труженик, талантливый парень и прочее. Но так случилось, что перед съемками у него завязался роман, и он только-только женился. И вот между кадрами — лишь кадр заканчивается — он немедленно хватается за телефон, чтобы позвонить своей молодой жене. А если человек все время висит на телефоне в съемочный период, я понимаю, что у него голова занята абсолютно другим, не картиной, не кадром.

Я ему сказал: «Спрячь телефон! Чтобы я больше не видел, что ты звонишь, потому что в группе все уже насмехаются над тобой». А он: «Но я же в этот момент не снимаю!» Парень явно обиделся, но по телефону говорить перестал. Потом оказалось, что он стал посылать ей эсэмэски.

Я его не виню — я считаю, что сам сделал большую ошибку. Как только я услышал про этот роман, мне надо было сразу искать другого оператора, но я, будучи человеком порядочным, верным, пообещав ему, уже не стал отказываться. И это была моя ошибка, потому что человек, увлеченный бурной личной жизнью во время съемок, не может по-настоящему творчески отдаться картине. Это никогда не сов мещается.

Да, он дошел со мной до конца, но вряд ли мы уже теперь будем работать вместе. Отношения закончились, потому что я считаю, что он недостаточно выложился на этой картине.

Еще вопросы из зала

Второй шанс вы не даете никому?

Ну что вы, какие шансы, ребята! Это очень тяжелое дело — снять хорошее кино. Безумно тяжелое. Когда ты собираешь команду, каждый человек страшно важен, потому что от команды зависит результат. Так же, как капитан, который отправляется в дальнее плавание, каждого матроса знает сам лично. А оператор — это не матрос, это твой первый помощник, твой первый друг, на которого ты постоянно опираешься.

Единственный человек, который хоть что-то понимает в том, что ты делаешь на площадке, это оператор, больше никто. Он единственный, кто имеет представление, зачем вот этот кадр сейчас снимается и куда он пойдет в монтаж — если это профессиональный оператор, — и для чего, и почему, и как его надо снять. Он единственный — больше никто. А если с ним не складывается, то вы остаетесь в полном одиночестве, в полнейшем, и все решения принимаете только вы, ответственны за все только вы. Это серьезно.

Надо всегда очень тщательно всё продумать и подходить к выбору оператора с полной серьезностью. Скажем, на «Вой ну Принцессы» я пригласил Максима Осадчего. Почему именно Осадчего?

Я его не знал, это было еще до его известных нынче картин, до «Девятой роты», до «Сталинграда». Но я видел талантливые работы, какие-то клипы, рекламу, и мне стало интересно, а кто это снял. Оказалось, Осадчий. Так что кончилось тем, что я ему позвонил, мы с ним встретились раз, другой, третий, и мне понравилось, как он мыслит. В результате мы вместе работали, и, если у меня будет возможность, я, конечно же, буду приглашать Осадчего еще. Он, с моей точки зрения, блестящий оператор, огромного дарования и профессионализма. Но также бывали у меня и проколы, и очень печальные.

Скажите, а на какие качества оператора надо смотреть?

Ну, во-первых, оператор, как ни странно, должен быть образованным человеком. Чем он менее образован, тем, как правило, он слабее.

Ведь кто такой вообще оператор?

Оператор — это художник. Только разница в том, что обычный художник рисует красками и кистью на холсте, а оператор рисует светом и тенью, но композицию выбирают и тот, и другой. Если это талантливый, настоящий оператор, то он, конечно же, серьезный художник, он знает живопись очень глубоко. Мы всегда с оператором обычно отбираем живописцев, на которых ориентируемся именно для этой работы. Мы думаем, а кого мы берем за основу в этот раз. Скажем, для этого фильма подходят Борисов-Мусатов, Поленов, Левитан или, к примеру, импрессионисты. Обычно мы с оператором выбираем художников, от которых отталкиваемся, это нам помогает.

Если это человек образованный, то с ним довольно легко найти общий язык. Если он к тому же читающий человек, это еще лучше, потому что он будет внимательно читать сценарий, ему будет не все равно, что снимать — значит, он отнесется творчески и к сценарию, будет думать более драматургически, а не только как снять какой-то отдельный кадр.

А бывает и такое: оператор настолько подавляет режиссера, что картинки совершенно замечательные, а фильма нет. История не складывается, фильм рассыпается, но картинки, каждый кадр сам по себе, потрясающие. Такое тоже случается. Значит, здесь очень важно найти какой-то компромисс.

Понимаете, я не могу дать вам совет, какую жену себе найти или какого мужа, потому что это очень индивидуально для каждого из вас. И вот точно так же с оператором. Это должен быть человек вашей группы крови, это ваши глаза, вы через него будете смотреть.

Бывало, как вы знаете, всякое. Андрей Тарковский снимал «Сталкера» с замечательным оператором Георгием Рербергом, с которым до этого снимал «Зеркало», и расстался с ним во время картины, причем расстался конфликтно, серьезно.

«Сталкера» полностью переснимал Княжинский, а ведь Рерберг был высочайшего таланта человек. Так что это дело сложное, думайте, прежде чем принимать решение, смотрите на операторские работы, разговаривайте с операторами.

Здесь все должно совпасть, если говорить об идеале, — и талант оператора, и его характер. Бывают талантливые люди с очень склочным характером, и это безумно тяжело — работать в такой обстановке и каждую минуту собачиться с оператором. Представляете, во что превращается работа?!

Спилберг

Напоследок хочу вам кое-что показать. Мы с вами все время говорим о том, как важно начать картину. В прошлый раз мы смотрели финалы и думали, как важно ее закончить, но еще мы говорили и о том, как важно ее начать. Давайте посмотрим несколько начал, которые я считаю весьма примечательными, и поговорим немножко на эту тему.

(Идет демонстрация фрагмента фильма «Дуэль».)

Почему я хотел показать вам начало этой картины?

Вы поняли, что это фильм Стивена Спилберга. Это чуть ли не первая его большая картина, знаменитый фильм «Дуэль», или «Поединок», с которого, собственно, и началась его потрясающая карьера, и было тогда Стивену, по-моему, лет этак двадцать пять. Спилберг, конечно же, один из самых выдающихся, на мой взгляд, современных режиссеров. Все, что он делает, лично мне всегда очень интересно.

На что я хочу, чтобы вы здесь обратили внимание?

Смотрите, как начинается кино — оно сразу начинается с движения. Это вообще всегда хорошо, когда кино начинается с движения, потому что человеческий мозг и человеческий взгляд так устроены, что, когда идет какое-то движение, оно тебя сразу подсознательно завораживает и увлекает.

Опытные театральные режиссеры это знают, поэтому, когда открывается занавес, у таких режиссеров спектакль, как правило, начинается с того, что кто-то входит. И драматурги это тоже знают: очень часто в классических пьесах сначала кто-то входит. А если это так, значит, мы следим за движением, наше внимание сразу приковывается к происходящему. Поэтому и в кино очень часто кадр начинается с чего-то двигающегося. Это не правило и не гарантия успеха, но это всегда хорошо.

Итак, довольно долго — четыре с лишним минуты, пока идут титры, — мы не видим героя, мы видим только дорогу его глазами, а кто смотрит на эту дорогу, мы не знаем. Только когда заканчиваются титры, мы увидим героя в первый раз.

Это такой коронный прием Спилберга. Даже если мы вспомним его выдающийся фильм Schindler’s List («Список Шиндлера»), мы самого Шиндлера тоже долго не видим. Мы видим какие-то запонки, часы, что-то еще, видим костюм, который он надевает, а Шиндлера не видим. Потом увидим его затылок, как он причесывает себя рукой, как он входит в ресторан, садится, заказывает — все спиной, и только затем, по прошествии еще какого-то времени, режиссер нам покажет Шиндлера в лицо.

Почему он это делает?

Потому что он таким образом интригует зрителей, это такая режиссерская интрига: нам хочется понять, а кто же герой, мы все время его чувствуем, но никак не можем увидеть, и вот наконец он нам его показывает, и мы довольны.

Далее — что, наверное, тоже очень существенно, — это по жанру триллер, причем, на мой взгляд, замечательный триллер. Он почти без слов, кроме радио и одного короткого высказывания героя ничего нет, никаких диалогов, и так и будет весь фильм. Он почти без слов, он очень зрительный.

Что такое триллер?

Триллер — это напряжение, постоянно возрастающее напряжение, саспенс.

И вот этот саспенс уже в этой первой сцене начал возникать. Мало того, уже задан конфликт. Причем конфликт вроде бы начался с пустяка — кто-то кого-то обогнал. И почему бы не обогнать — дорога пустая!

Но видно, что водителю грузовика этот обгон не понравился, и, значит, что-то будет происходить, то есть мы, зрители, чувствуем, что саспенс появился, и дальше он будет расти, потому что это всё будет выстраиваться по нарастающей, пока не дойдет до полной кульминации. То есть уже задан ритм фильма, задано напряжение, задана атмосфера и самое главное — уже задан конфликт, и все это в первой сцене. Таким образом, нас уже предельно заинтриговали.

Наконец, самое интересное в этой сцене — мы не видим противника, и так и не увидим никогда. Герой, этот несчастный человек, будет весь фильм сражаться с этой огромной ржавой махиной, которая едет за ним и преследует его, и дальше вообще хочет его уничтожить, а кто там внутри этой махины, нам так и неизвестно. Получается замечательная метафора — это не важно, кто сидит внутри, это такое чудовище, монстр.

Что примечательно, — для молодого режиссера это стало главной темой его жизни: если вы проанализируете фильмы Спилберга, то заметите, что тема борьбы обычного маленького человека с чудовищем, с монстром, проходит практически через все его основные картины. Дальше это будут «Челюсти», где человек сражается с гигантской акулой, потом это будут свирепые динозавры, и даже в «Списке Шиндлера», с моей точки зрения, великой его картине, человек тоже сражается с монстром, с огромной машиной фашизма.

Фактически Спилберг уже в этой первой картине заявил свою основную человеческую тему в кино и в искусстве — человек против монстра. И человек у него всегда выигрывает, благодаря тому, что он — человек.

Вот такое начало. Мне кажется, что оно невероятно емкое, и дальше все, что в нем задано, будет в фильме развиваться и развиваться. Вообще, это очень хорошее кино!

«Облако-рай»

Посмотрим еще один фрагмент. На этот раз — наш, отечественный режиссер Николай Досталь и его картина, которую я очень люблю. Досталь — очень хороший режиссер, но это, на мой взгляд, лучшая его картина, настоящий шедевр — «Облако-рай». Помимо чудного Андрея Жигалова, играющего главную роль, тут еще, мне кажется, очень много тонких и точных режиссерских находок.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Давайте вспомним, с чего начинается картина. Не просто отличный проезд операторского крана, с которого оператор снимает панораму, там еще очень важен звук. Здесь вообще очень хорошая звуковая партитура, она правильно и точно выверена. Кран медленно спускается, и в то же время слышен этот стук, то есть кто-то там бежит.

Кто это?

Опять все та же интрига, как и у Спилберга, — явно это герой, но мы его еще не видим. Значит, наше внимание уже приковано к происходящему, и вот он наконец появился.

В течение этой короткой сцены, которую мы видим, нам полностью задан характер героя. Еще нет конфликта, но он уже вызревает — понятно, что человеку девать себя абсолютно некуда, ему совершенно нечего делать, он рано утром встал и умирает от скуки. Это значит, с ним что-то произойдет, — ну с ним-таки и происходит, с ним бог знает что происходит.

Вот эта роковая фраза героя в ответ на вопрос: «Ты уезжаешь?» Действительно, он вынужден будет уехать, хотя ехать ему абсолютно некуда и совершенно не хочется, но так уже все разворачивается, что пути назад нет, потому что такой это персонаж, потому что он так задан.

Также очень точно задана вся атмосфера будущей картины: еще ничего не произошло, только какие-то второстепенные персонажи появились, но этот тонкий юмор, режиссерская ирония, она сквозит везде, вы это чувствуете. Зритель уже подготовлен ко всему, что будет дальше, он уже никуда не денется, его уже взяли за жабры, и он будет сидеть прикованный к стулу, потому что герой ему нравится, и теперь он будет ждать, что же с ним случится.

И хотя здесь вроде бы совсем другой жанр, это вовсе не триллер, это такая своеобразная ироническая комедия, но, тем не менее, законы всё те же.

Это правильное начало — надо сразу заинтриговать зрителя, дать ему точные правила игры, чтобы он понимал, в какую игру с ним играют, и тогда уже зритель ваш, он никуда не денется.

Правила игры

Наконец, хочу вам показать еще один отрывок — тоже начало. Вернемся в Америку. Один из моих любимых фильмов — «Афера».

(Идет демонстрация фрагмента.)

Как видите, опять совсем другой жанр, другой режиссер — Джордж Рой Хилл. Но снова интрига — мы не знаем, что это за герой.

И опять же очень точно создана атмосфера звуковым рядом, потому что этот регтайм Скотта Джоплина задает и нужный ритм, и правильное восприятие сцены. Это популярная музыка тридцатых годов прошлого века, сразу возникает ощущение времени.

И еще один очень хороший режиссерский ход, — когда внимание зрителя обманным образом направлено на второстепенного персонажа, и только потом появляется герой. В данном случае герой Роберта Редфорда появился чуть позже.

И конечно, очень точно заданы все условия игры, замечательно обозначен жанр картины, зритель уже прекрасно знает, во что с ним играют, он уже предвкушает, — раз такая маленькая афера разыграна в самом начале — а фильм называется «Афера», — значит, впереди большая афера, что, собственно, и будет происходить.

Ну вот, я показал вам кое-какие примеры правильных, я бы даже сказал, блестящих начал. И теперь я хотел бы, чтобы вы озадачились своим началом в раздумьях над собственной картиной.

8. Самоотдача

Работа монтажера. Фиксация. И снова о репетициях. Музыка в фильме. Работа с композитором. Звукооператор и звукорежиссер. Создание шедевра

Кинопленка. Вопрос из зала

Что вы думаете о кинопленке? Долго ли она еще будет в употреблении?

К моему большому сожалению, я думаю, что пленка вообще скоро умрет. К сожалению потому, что я всю мою профессиональную жизнь был связан с пленкой, я привык держать ее в руках, когда монтировал, привык к этому тактильному ощущению, привык видеть и чувствовать один кадрик, то есть одну двадцать четвертую секунды. Нынешние кинематографисты этого уже не чувствуют, они этот один кадрик никогда в руках не держали и не видели. Но ничего не поделаешь, развитие технологии не остановить — пленка уходит.

Kodak, правда, еще сопротивляется, они все время придумывают что-то новое, но, мне кажется, максимум еще лет пять, и пленка вообще исчезнет, все кинотеатры будут переделаны в цифровые. Если еще несколько лет назад можно было легко увидеть разницу и понять, снимался ли фильм на пленку или на цифру, то сейчас уже существуют такие цифровые камеры, такая оптика, что разницы практически не чувствуется.

А плюсов много. И камера легче, а главное, резко снижаются расходы. Нет ни проявки, ни монтажа негатива, ни печати, ни перевода в телекино. Когда я сам снимал на цифру, я почувствовал, насколько это удобно: у тебя нет этого груза на плечах, когда ты судорожно думаешь, можешь ли ты позволить себе лишний дубль, чтобы не израсходовать пленку, потому что все это деньги, и деньги серьезные. А тут совсем другая ситуация.

Монтаж. Вопрос из зала

Вот проблема, с которой я столкнулся при монтаже: я снимал документальный фильм, материала, к счастью, было снято много, и я работал с профессиональным монтажером. Но при этом я ощущал довольно сильное его влияние на меня. Насколько, вы думаете, это правильно? И как это в конечном счете влияет на результат?

Вообще, у нас монтажеров в том смысле, в каком понимают эту профессию на Западе, до недавней поры не было, к сожалению. По сей день это у нас гигантская проблема, потому что по большому счету в стране нет ни одного серьезного института, где бы готовили монтажеров. На Западе монтажер — это человек с высшим образованием, получивший хорошее режиссерское университетское образование, но выбравший для себя именно этот путь. На Западе монтажер — это, на самом деле, режиссер постпродакшна, который и ведет весь постпродакшн. Взаимоотношения с таким профессионалом столь же серьезны и столь же важны для картины, как и взаимоотношения с оператором.

Помните, мы обсуждали отношения с оператором? Точно такая же ситуация с монтажером — чем более талантливого и опытного монтажера вы приглашаете, тем он, естественно, дороже обойдется, но тем ярче его видение, тем больше у него будет своих предложений.

Недавно мы обсуждали с режиссером фильма, который я продюсировал, кандидата на работу по монтажу, и я всячески советовал не жалеть никаких денег на классного монтажера. Режиссер, талантливый молодой человек, мне говорит: «А зачем? Я сам смонтирую!» Я отвечаю: «Да ни в коем случае!»

В чем разница?

Когда монтирует человек, который сам снял картину, у него так или иначе замыленный глаз, он поневоле находится в системе своего мышления. А когда появляется новый человек, который смотрит на ваш материал, как на материал чужой, смотрит свежим глазом, то это, конечно, очень помогает — могут возникнуть совсем неожиданные решения, фильм приобретет другое качество. Вы не можете так смотреть, не можете отрешиться от того, что вы помните, как снимался каждый кадр, это сидит у вас глубоко внутри, вы знаете, с каким трудом он достался, сколько сил вы на это угрохали, и расставаться с таким кадром очень трудно.

Чарли Чаплин, как правило, после того как заканчивал съемки очередной картины, на несколько месяцев уезжал куда-нибудь в горы, забывал о ней и только после этого возвращался и начинал монтировать. Это нормально, потому что необходимо проветрить мозги, чтобы посмотреть на свой материал чужим посторонним глазом. А у вас такой возможности нет и не будет — поехать на несколько месяцев в горы после съемок. Но, надеюсь, у вас будет возможность пригласить профессионального монтажера, который придет и посмотрит на ваш материал острым посторонним глазом и скажет: «А это что? Это надо выкинуть к черту!» И это очень хорошо.

Если у вас есть своя концепция и вы видите, что то, что человек вам предлагает, явно лучше, это, конечно, всегда приобретение. Кино в конечном счете, несмотря на то что в нем наличествует явный режиссерский приоритет и это в первую очередь режиссерская работа, все равно представляет собой комбинацию общих усилий, и чем большее количество талантливых профессионалов в нем участвует под вашим руководством, тем оно лучше, это все плюсы.

Каждый элемент: музыка, изображение — чем более талантливые люди это делают, тем более интересным получается фильм. Естественно, последнее слово за вами, но когда приходит человек, который может придумать, предложить что-то новое, и оказывается, что та сцена, тот эпизод, которые вы предполагали решить одним образом, совершенно иначе, на порядок интереснее могут заиграть в его руках, это все, безусловно, очень важно.

Непредвиденные расходы

Еще я вам хотел сказать одну вещь, уже по свежему моему опыту работы над последней американской картиной, которую я продюсировал и которую снимал мой сын Филипп Волкен, одаренный молодой режиссер, — «Голливудский мусор». Это был его полнометражный дебют.

Там была сделана одна ошибка при составлении бюджета. Обычно в бюджете закладывается десять процентов contingency, по-нашему «непредвиденные расходы». Так вот, оказалось, что этого мало. Я это четко понял: на первой картине десять процентов — это очень мало. Эти десять процентов съедаются очень-очень быстро, лучше закладывать двадцать.

На первой картине человек не может всё предусмотреть, у него нет достаточно опыта, чтобы он мог все предвидеть, поэтому так или иначе что-то случается, что-то происходит, и расходы немедленно увеличиваются. Держите это у себя в голове и отвоевывайте эти лишние десять процентов у продюсера, они очень пригодятся.

Фиксация

Есть одно понятие, на котором я хочу остановиться. Вот мы с вами говорили о репетициях, это практикуется в Америке. У нас тоже репетируют, но так не формулируют, а у них есть такое специальное слово — blowing. То есть вот идет репетиция, оператор тоже смотрит, и в какой-то момент режиссер говорит: «Все, стоп! Вот так мы и будем это делать во время съемки». Вот это и называется blowing, то есть по-нашему, наверное, фиксация. Ищется, пробуется, но вот наступает момент, когда это должно быть зафиксировано — вот это будет так! — это фиксация. И это очень важно, потому что, как только это режиссером произнесено и утверждено, то всем — и актерам, и оператору, и всей группе ясно, что именно так эта сцена и будет сниматься.

Вообще, я еще раз убедился в том, как важны репетиции, потому что это единственный способ попробовать все до съемки и заодно понять, кто же перед вами, почувствовать, что это за артист, что он за человек, насколько вы с ним стыкуетесь, насколько вы можете понимать друг друга, — вот это все ищется во время репетиций. Все равно на съемках приходится тратить на это время, но это уже ложится на заложенную вами во время репетиций основу. Когда все зафиксировано, есть четкий рисунок сцены, дальше все идет довольно гладко.

На этой нашей картине было двенадцать дней репетиций с каждым из артистов, репетиции шли с утра до ночи. Только так картина, как я говорю, «катится». Если бы не было этих двенадцати дней, это был бы кошмар, постоянная нервотрепка. А за эти репетиционные дни артисты полностью доверились режиссеру, потому что поначалу они относились к нему подозрительно. Артисты известные, с большим опытом, а он дебютант, это всегда вызывает подозрение. Так что поначалу шло даже подспудное, но вполне серьезное сопротивление, но за счет этих репетиций, за счет того, что все острые углы были обойдены, все решения найдены загодя, съемка пошла замечательно.

Репетиции — это, конечно, еще не гарантия, не панацея. И после репетиций на съемках бывают проблемы, но другого характера, все уже происходит совершенно по-другому, чем если бы их не было. Так что я еще раз убедился, как это нужно и как это важно. И в том числе ради того, чтобы артисты вам поверили, ради того, чтобы они за вами шли, ради того, чтобы избежать каких бы то ни было проблем и разногласий. К сожалению, как я уже говорил, у нас репетиционного периода стараются избегать.

Еще о репетициях. Вопрос из зала

А нормально, если репетируются все сцены сценария?

Это нормально. Вы ведь репетируете и разбираете не столько полную раскадровку, сколько вы репетируете главное — взаимоотношения персонажей, вы определяете, что в этой сцене важно, на что сделать акцент, что и как, так что это абсолютно нормально.

Главное в этих репетициях, повторяю, — найти общий язык с артистами, чтобы не было никаких расхождений, чтобы не оставалось ощущения, будто что-то не так, не то. Потому что, чем ярче артист, тем, естественно, больше он предлагает. У него может быть вообще другая точка зрения на то, что вы ему говорите, может быть совершенно свое видение. Затем и нужны репетиции и время, чтобы либо вы приняли что-то из того, что он предлагает, либо вы его убедили, что другого варианта нет, только ваш, и, так или иначе, пришли к соглашению.

Очень важно, чтобы оператор хотя бы к концу репетиций присутствовал на них и видел, что происходит. Потому что он для себя тоже что-то замечает, что-то придумывает в это время, что-то записывает и так далее. А потом, на площадке, естественно, это будет использоваться. Кстати, на площадке, когда вы репетируете, желательно, чтобы репетиция шла, как мы говорим, вполноги, то есть чтобы артисты не выкладывались полностью, чтобы они сохранили энергию на съемку. Распространенная ошибка — на репетиции на съемочной площадке режиссер заставляет актеров играть на полную катушку, и на кадр у них уже остается мало сил, силы эти не бесконечны. Поэтому я советую относиться к актерам бережно и до кадра их беречь, репетировать вполноги.

Музыка

У нас еще обозначена такая тема, как «работа с композитором и музыка», давайте немного об этом поговорим. Что такое вообще музыка в кино?

Тут есть такой интересный феномен, я бы даже сказал подвох, который состоит в том — вы сможете потом легко меня проверить, — что любая музыка, особенно любая хорошая музыка, замечательно ложится под любое изображение. Таким образом, у вас возникает миллион вариантов. Поэтому очень важно, чтобы у вас внутри, еще на уровне ваших размышлений, еще до того, как вы начинаете снимать фильм, уже звучала какая-то музыка, чтобы вы уже думали о том, что и как происходит в вашей картине с музыкальной точки зрения.

Вот, в частности, чем отличается американское кино от европейского: американцы любят, чтобы музыка звучала с первой минуты до последней, они считают, что это только украшает картину, и музыка у них звучит постоянно. На самом деле здесь опять же есть и плюс, и минус, потому что иногда замечательно работают паузы, гораздо более выразительно, чем, скажем, музыка.

На мой взгляд, музыка нужна в тех случаях, когда уже без нее не обойтись, когда она необходима, когда ясно, что без нее сцена не будет столь выразительной. Но очень часто, повторяю, бывает, что отсутствие музыки работает сильнее, чем ее присутствие, и в этом тоже нужно отдавать себе отчет, это очень серьезно нужно сопоставлять, прежде чем принимать окончательное решение.

Звук

Что такое вообще звук в кино?

Давайте на эту тему немного поразмышляем. Зрительское восприятие, как вы знаете, двоякое: мы воспринимаем глазами, и мы воспринимаем ушами, то есть аудио и видео. На заре киноискусства главное, естественно, было визуальное восприятие, оно занимало чуть ли не 85 % общего эмоционального восприятия зрителя. Потом, постепенно, по мере того как стало развиваться кино, звук стал занимать все больше и больше места, отвоевывать свои позиции, и в какой-то момент, несколько десятков лет назад, восприятие сравнялось: 50 % нашего зрительского восприятия стало уходить на экранное изображение, а другие 50 % на звук. Лет пятнадцать-двадцать тому назад и этот баланс стал меняться. На сегодняшний день звук превалирует над изображением, я бы сказал, что 60 %, а может быть, даже 65 % сегодняшнего зрительского восприятия — это звук, а не изображение.

Звук сегодня столь совершенен и качественен, особенно в хороших кинотеатрах, когда появилась система Dolby, что он берет на себя основную часть наших впечатлений от происходящего на экране. Допустим, изображение средненькое, но при очень качественном звуке — все равно возникает ощущение хорошего кино. А если фильм зрелищный, и к тому же замечательно звучит, — это сразу ощущение большого серьезного кино, настоящего качественного зрелища. Так сегодня работает звук, вы должны это точно понимать.

Звук может полностью угробить картину, а может ее очень серьезно приподнять, он может сделать из средне снятой картины шедевр. Поэтому очень важно, конечно же, кто у вас работает над звуком, что за профессионал. Сейчас есть такое понятие, как саунд-дизайн. Вы обязаны знать: есть звукооператор, есть звукорежиссер, есть звукорежиссер перезаписи — это все разные профессии.

Звукооператор — это человек, который записывает звук, саунд-дизайном он не занимается. Очень важно, как он его записывает, потому что опять же только недавно у нас стали как следует записывать звук на площадке, буквально несколько лет назад, до этого у нас все фильмы тонировались, все озвучивалось.

Чистовой звук. Вопрос из зала

А сейчас в кино используется чистовой звук?

Да, как правило. На Западе чистовой звук уже используется лет двадцать пять, если не больше. Запись чистового звука экономит и время, и деньги, так как озвучание — это большой процесс. На Западе актеры, как правило, не озвучивают, потому что после ваших съемок у них уже другие съемки в другом месте. Озвучание в их контракт не входит. Кроме того, на Западе считают, что лучше, чтобы сцена звучала естественно, что актер никогда не сыграет так же, стоя у микрофона, как он это сделал на съемках. Они уверены, что чистый звук экономит не только деньги, но и силы и улучшает качество, потому что, как ни старайся, но все равно тот звук, который записан на площадке, в естественных условиях, отличается от записанного в тон-ателье в лучшую сторону.

Это и так, и не так. В озвучании есть и свои плюсы. Можно многое улучшить — то, что было упущено во время съемки.

Например, в моей картине «Война Принцессы» я заново переозвучил всех персонажей. Потому что это подростки, дети. Им очень тяжело и играть хорошо, и еще звучать при этом чисто, не фальшиво. Так что на съемках я никакого внимания на звук не обращал, тем более что сцены были очень трудные для детей. Много снималось одним кадром, на сложном внутрикадровом монтаже, и я знал, что все равно потом сцены будут озвучивать.

А в моем фильме «Улыбка Бога, или Чисто одесская история», напротив, была одна-единственная сцена озвучания. И то только потому, что технически оказалось невозможно использовать тот звук, который был записан в некоторых кадрах во время съемки. Все же остальное вошло в картину так, как было записано. На этой картине, к счастью, был очень хороший звукооператор, француз, Стефан Альбинэ.

Вообще очень важно прислушиваться к звукооператору. Предположим, вы наконец после долгих мучительных усилий добились прекрасного дубля, а звукооператор недоволен, считает, что нужно снять еще. Что делать?

Лучше всего пойти ему навстречу, но, если по каким-то причинам это невозможно, значит, вы должны понимать, что эту сцену придется озвучивать.

На Западе уже давно работают с чистым звуком, давно уже у них в руках такая техника, которая позволяет записывать чистый звук прямо на площадке. У нас эта техника теперь тоже появилась, уже несколько лет наши серьезные режиссеры работают с чистым звуком.

Звукооператор и звукорежиссер. Вопрос из зала

А можно потом еще что-то наложить?

Можно, но сложно, и лучше этого не делать. Естественно, звук, записанный в тон-ателье, резко отличается от того, который записан на площадке, поэтому если вы хотите смешать в одной сцене два этих звука, то это большая головоломка, придется всю сцену переписывать. Просто взять и подмешать невозможно, это будет всегда отличаться.

Я недавно был на съемках молодого режиссера, моего бывшего ученика, и обратил внимание на работу звукооператора. Я спросил режиссера, который по неопытности не проследил за этим: «А почему у тебя звукооператор не пишет паузы?»

Необходимо в конце каждого рабочего дня записывать атмосферу на той площадке, на которой вы работаете, тот самый звук, который вам потом очень пригодится. Вместо того чтобы потом рвать на себе волосы, думая, где это можно записать, надо просто заставить всю группу замолчать и записать звук. В момент съемок это ничего не стоит, зато потом этот звук можно использовать как подкладку под все, что вам понадобится. Если же вы этого не сделаете, то потом подобную запись надо будет специально организовывать или брать то, что вы найдете в фонотеке. Конечно, в фонотеке можно найти все что угодно, но это уже немножко не то.

Итак, звукооператор — это человек, который записывает звук. У него есть помощники, есть ассистенты, так называемые бум-операторы, и так далее.

А есть звукорежиссер — это уже совсем другой человек, который работает со звуком, когда картина уже полностью снята. Когда к нему в руки попадает уже весь материал, он делает дизайн звука, он его придумывает, создает.

В моем фильме «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)» первая большая сцена — герой долго ходит вокруг дома. Я просто попросил актера пройти долгий витиеватый маршрут. Я знал, что в этой сцене сыграю на звуке. Так и вышло. Если убрать в ней звук, то это будет бессмысленная, тягомотная сцена. А за счет звука она становится очень насыщенной, напряженной, появляется необходимый саспенс.

Хороший звукорежиссер может много чего придумать, что опять же работает на картину. Очень важно, какого он класса, потому что от того, как звукорежиссер насытит фильм звуком, зависит очень многое. Естественно, все равно это делается под режиссерским началом, но каждый из этих ваших сотрудников вносит свою лепту, безумно важную, как мне кажется. Вы можете отказаться от половины того, что он предложит, но если это талантливый человек, он обязательно предложит что-то дельное.

Саунд-дизайнер. Вопрос из зала

А звукорежиссер и саунд-дизайнер — это одно и то же?

В России, по сути, да. На Западе на больших картинах это разделяется.

Чем отличаются эти профессии?

Дело в том, что звук состоит из нескольких аспектов. Звук — это музыка, это запись синхронных шумов, это запись реплик, диалогов, это использование фоновых шумов, и все это — разные аспекты конечной фонограммы.

Звукорежиссер — это, как правило, человек, который записывает в тон-ателье диалоги, синхронные шумы, готовит фоновые шумы. А саунд-дизайнер — это человек, который работает потом с этими шумами, придумывает и реализовывает всю звуковую концепцию.

У нас это не особо разделяется. На Западе, повторяю, на больших картинах, так же как в хорошей медицинской клинике, есть специалист по каждой части вашего организма — так и в кино. И кстати, именно в работе над звуком там очень много узких специалистов.

Звукорежиссер перезаписи

Отдельный такой специалист — это режиссер перезаписи звука. Сейчас и у нас такие есть, потому что это очень важное и тонкое дело, это фактически рождение картины. В руках у звукорежиссера перезаписи скапливается очень много звуковых дорожек, он должен все их свести в одну. На моей картине «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» у нас было, по-моему, сто двадцать восемь дорожек.

Представляете?

Минимум пять-шесть дорожек — это только музыка, а то, бывает, и все двадцать, потому что музыка используется разная. Во-первых, музыки в картине может быть очень много: вы можете использовать чьи-то песни, затем специально написанную, оригинальную музыку, потом какие-то музыкальные акценты, музыку, которая, скажем, звучит в кадре по радио, и так далее, — то есть у вас обязательно бывает несколько этих музыкальных дорожек.

Дальше — у вас несколько репличных дорожек, одни — это главные герои, другие — второстепенные, третьи — это сзади какая-то массовка и общий гул, гур-гур, как мы говорим, то есть еще энное количество репличных дорожек. Потом у вас идет опять же энное количество шумовых дорожек, и так далее. То есть у вас получается огромное количество этих звуковых дорожек, которые все надо свести в одну, и это высокое владение профессией и особое искусство.

Вы этого не можете делать, это должен делать специалист. Естественно, вы сидите рядом и даете свои рекомендации и комментарии, но, как правило, специалист в них не нуждается — он выслушивает вашу общую концепцию сцены и говорит: «Хорошо, а теперь помолчи, я сделаю эту сцену». И дальше он, как пианист, орудует этими кнопочками-клавишами.

Сейчас все это делается на компьютере, раньше же делалось вручную: двигали без конца эти рычажки — слава богу, это ушло в прошлое. Тем не менее режиссер перезаписи, или, как говорят по-английски, mixer, поскольку перезапись, это — mixing, так вот такой звукорежиссер должен обладать замечательным слухом, абсолютным слухом и чутьем. Потому что это очень трудная задача — чтобы, с одной стороны, звучало всё, что нужно, а с другой стороны, чтобы всё было разнопланово разнесено — так, чтобы то, что особенно важно, звучало на первом плане, чуть менее важно — на втором, и так далее. Тогда создается сложный объемный звук.

Фонограмма

Теперь все же вернемся к музыке. Мы говорили, что, например, пауза может стать очень серьезным акцентом, подчас гораздо более сильным акцентом, чем музыкальный. То есть пауза тоже часть того, что называется словом фонограмма. Это и есть по большому счету музыка вашего фильма, даже если реальная музыка там почти не звучит.

Есть фильмы, в которых музыки в обычном смысле слова нет вообще, но она собирается из огромного количества разных звуков: шум ветра, шум листвы, какие-то падающие капли и тому подобное, — целая симфония этих звуков, которая фактически и становится музыкой фильма. Это тоже нужно понимать, ведь подобное звуковое решение может быть подчас гораздо более выразительным, чем музыка, хотя все, конечно, зависит от задачи.

Можно привести и те, и другие примеры — их очень много. Есть режиссеры, которые вообще не используют музыку, и есть режиссеры, которые не мыслят кино без музыки, она у них звучит бесконечно. Я уже, разумеется, не говорю о мюзиклах, где музыка первостепенна.

Работа с композитором

Как происходит работа с композитором?

Почему люди вообще стараются пригласить композитора?

Ведь существует огромное количество разнообразной, уже написанной музыки. Казалось бы, чего проще — бери и используй.

Потому что под вашу оригинальную ленту, для того чтобы она стала еще более оригинальной, вам нужна точная оригинальная музыка, которую никто нигде никогда не слышал, — именно эта новая музыка поддержит ваш замысел. Поэтому в большинстве своем режиссеры стараются найти своего композитора, который поймет их, почувствует и поможет им в их замысле, за исключением таких редкостных случаев, как гениальный Чаплин, который сам писал для себя музыку.

Бывают потрясающие тандемы: Серджио Леоне и Эннио Морриконе — они, по-моему, даже учились в одном классе в школе. Федерико Феллини и Нино Рота — это самый лучший пример: и режиссер совершенно фантастический, и композитор, они всю жизнь практически прошли бок о бок. Вам очень посчастливится, если вы найдете такого человека и он с вами пройдет всю картину, а может быть, и не одну.

Итак, вы приглашаете композитора и рассказываете ему, что вы от него хотите. В чем сложность вашей работы?

В том, что вы не музыканты, вы ничего в этом не понимаете. В принципе, все, что он вам ни предложит, все будет звучать хорошо. Как же разобраться?

Мы говорили, что для общения с оператором необходимо знать живопись, чтобы разговаривать с ним профессионально. Вы должны ему сказать: «Пейзаж надо снять, как на картинах Борисова-Мусатова. А вот эту сцену, как у Ренуара». Вы должны с ним разговаривать профессионально, тогда он будет вас уважать. Точно так же с композитором — вы должны быть образованны, должны уметь хоть как-то объяснить ему, что вы хотите здесь то-то и так-то, чтобы было примерно вот такое звучание.

Важно, чтобы вы не плавали в этом разговоре, иначе он сразу увидит, что работает с дилетантом, и будет относиться к этому соответственно. Так что крайне существенно, чтобы вы слушали, знали музыку и могли разговаривать с композитором более-менее профессионально.

Я обычно, когда общаюсь с молодыми композиторами, прошу их сделать какие-то эскизы. До того как окончательно определиться с композитором, я всегда его прошу сделать наброски: если это хорошо, то мы заключим договор и будем работать, если плохо, тогда, к сожалению, мы расстанемся. Но я ему обещаю, что этот, написанный по моей просьбе эскиз использовать я, конечно же, не буду.

Вопросы из зала

А наброски, которые по вашей просьбе делает композитор, конкретные или просто на любую тему?

Разумеется, я прошу сделать эскиз под конкретную задачу.

На самом деле, когда в одной картине много музыкальных тем — это плохо, если только это не специально музыкальная картина. Могут быть разные мнения на этот счет, но, на мой взгляд, должна быть одна главная тема, тема вашего героя, и две, максимум три, побочные. Если их больше, это сбивает зрителя с толку.

Когда зритель выходит из зала после картины, у него в голове должна крутиться какая-то одна основная, запомнившаяся ему тема. Другое дело, что вы ее можете бесконечно варьировать, ее же можно по-всякому аранжировать, она может звучать совершенно по-разному, но тема, главная тема — одна. Как, например, в «Крестном отце» знаменитая тема Нино Роты звучит бесконечно, но вариаций там у нее десятки.

Итак, вам приносят эти эскизы, вы их либо принимаете, либо нет. В идеале вы должны знать, как звучат разные инструменты, тогда вы можете точно вносить поправки.

А композитор за эскизы просит деньги?

Нет, до того как с ним не заключен договор, денег он, естественно, просить не может. Он может сказать: «Я отказываюсь писать эскизы, пока со мной не заключат договор». Но без эскизов лично я не начинаю работу, даже если это известный, талантливый человек. Откуда у меня уверенность, что он точно сделает то, что нужно?!

У него может не получиться, он может не попасть в тему — это же все живое, творческое дело. Поэтому эскизы для меня первостепенны — то, что определяет, будем мы работать вместе или нет.

А практика какая — эскизы пишут уже после того, как картина снята?

Как правило, да. Но бывает и так — вы понимаете, что очень важно, чтобы сцена, которую вы снимаете, была музыкальной. Значит, она должна быть снята в определенном настроении, в определенном ритме, но композитора у вас еще нет, потому что, как правило, композитор вступает в работу после того, как картина снята. Значит, в этом случае я, например, беру уже какую-то готовую музыку, которая более-менее подходит мне по атмосфере и точно ложится по ритму, и я ее использую на площадке, для того чтобы актеры заряжались, для того чтобы создать на съемках соответствующую атмосферу.

То есть эта музыка звучит, и под нее мы снимаем. А затем в постпродакшн она заменяется оригинальной музыкой, написанной композитором.

А как звук при этом пишется?

Если вы пишете чистый звук, то, естественно, музыка в это время не может звучать. В этом случае музыка у меня звучит на репетициях, она все равно дает некий импульс. Она звучит между съемками, если там диалоги. Но ведь бывает, что и нет диалогов.

Это я делаю в тех случаях, когда необходимо задать правильный ритм, атмосферу. Зачастую этого не происходит, в основном снимают без музыки.

Еще, разумеется, снимают под музыку, когда нужно петь. В этом случае звучит фонограмма, заранее записанный вокал, и под нее уже снимают.

Еще о работе с композитором

Итак, композитор принес музыку, и вам что-то не понравилось, вы просите что-то переделать. Вот я вам расскажу, как мы работали с Игорем Зубковым, который мне писал музыку для «Улыбки Бога». Я впервые в жизни с ним работал, я искал что-то свежее, какого-то нового, чувствующего все современные направления композитора, и мне его всячески порекомендовали. Мы с ним пообщались, и он мне говорит: «Послушайте мой мюзикл „12 стульев“». Я послушал, мне очень понравилось. Я ему позвонил, мы встретились, и началась работа. Он переделывал эту музыку, которую писал для моей картины, десятки раз, каждый номер, пока я наконец не говорил: «Все! На этот раз все! Получилось!» Так вот непросто шла работа. Он был не в обиде, и хотя у него и до этого были картины, но он сказал, что впервые прошел настоящую школу. Недавно на фестивале кинокомедий «Улыбнись, Россия!» он получил приз «За лучшую музыку».

Еще раз хочу сказать — не пожалейте, потратьте свое время, чтобы узнать, почувствовать разные инструменты. Послушайте их звучание, чтобы вы могли точно сказать композитору: «Я хочу, чтобы здесь звучал гобой, а здесь — челеста». Для этого вы должны четко себе представлять, как они звучат, чем оперирует композитор. Нужно потратить силы и время для того, чтобы образоваться в этом плане.

После того как вы с композитором обо всем договорились и решили, что он пишет дальше, вы ему даете готовую монтажную сцену. Он должен точно писать по времени, по секундам, по долям секунд, потому что потом все должно сойтись. Вы это определяете, вы говорите: «Вот здесь мне нужна тема на семь с половиной секунд, а здесь — на двадцать семь секунд», — то есть вы с ним по всей картине расписываете всю партитуру: где и что звучит, и где какое настроение, где какой ритм. Вы все это обговариваете, и дальше он работает.

Конечно, вы рассказываете композитору весь свой замысел, вы пытаетесь всеми возможными способами, используя ваши знания и любые выразительные средства, объяснить ему, что вы от него хотите и как вы слышите, как вы понимаете тему, которая должна здесь прозвучать, и даете ему возможность сделать эскизы. Бывает, что человек сразу попадает, а бывает, что приходится просить его несколько раз переделывать. Если у вас есть четкое представление, что здесь должно быть, то вы обязаны этого от него добиться. В конечном счете все равно решение всегда за вами — что бы ни происходило на картине, кто бы что ни предлагал, все равно решение за вами. Чем яснее и четче вы себе представляете задачу, тем легче будет профессионалу, с которым вы работаете.

Это непросто. Сложно вообще все, мы с самого начала об этом говорили. У нас очень сложная и очень тяжелая работа.

Работа со звукооператором. Вопрос из зала

Вот пишется режиссерский сценарий. В этом сценарии понятно, что делают оператор, художник, они знают, какая техника где нужна, какой свет где будет, и так далее. А звукооператор работает над режиссерским сценарием?

Нет, не работает.

Почему нет?

Потому что единственное, что интересует звукооператора по большому счету, это что на съемках пишется синхронно, а что — нет. В режиссерских сценариях раньше писали «Н» — немой, или «С» — синхрон, или «Ф» — в тех случаях, когда съемка шла под фонограмму, потому что таким образом рассчитывалось количество магнитной пленки, на которую писал звукорежиссер. Сейчас при съемке на цифру это все уже не имеет значения. Звукооператор в подготовительном процессе участвует минимально. Единственное, если это серьезный звукооператор, его будет интересовать, где будут идти съемки, где павильоны, где интерьеры, где какая натура, чтобы он тоже к этому подготовился. У меня бывали замечательные звукооператоры, которые, например, рано утром выезжали на площадку, пока группа не приехала, чтобы записать все атмосферные звуки.

Очень часто бывает такая ситуация, что вы снимаете, и вдруг недалеко проехал трамвай, а еще хуже, пролетел самолет, а это ваш лучший дубль, вы его добивались целый день, и тут — раз! — совершенно непредвиденно пролетел самолет. Что делать?

Звукооператор говорит: «Это испорченный дубль». Соответственно, ничего не поделаешь, надо снимать еще раз. Я очень часто переснимал, с моей точки зрения, отменные кадры только из-за звука, потому что звукооператор мне говорил, что это, к сожалению, не пойдет.

Или, если уж бывает такая ситуация и нет никакой возможности снять еще раз — тем более если это пленка, и значит, надо еще потратить пленку — а, самое главное, вы уже понимаете, что так потрясающе актер больше не сыграет, вы уже этого не добьетесь, это был пик в этом дубле, тогда, конечно, лучше потом переозвучить, но сохранить выражение лица артиста, потому что так это уже в другой раз не получится.

Но по возможности, повторяю, к звукооператору необходимо прислушиваться, потому что он экономит и ваши силы, и ваше время, и ваши деньги. Если записан хороший чистый звук, значит, вы им и воспользуетесь. А если звукооператор говорит вам, что дубль в браке, то лучше не спорить, надо переснимать.

Вопрос из зала

Сейчас очень часто используется звук 5+1. Его потом записывают, во время постпродакшн?

Как правило, да. Это такой объемный звук, который звукорежиссер вполне потом может сделать. Но лучше, когда звукооператор учитывает это при записи звука.

Тарковский

А сейчас я хочу, чтобы мы с вами посмотрели одну новеллу из поразительной картины Андрея Тарковского «Андрей Руб лев». Это последняя новелла, которой фильм заканчивается, она называется «Колокол». Почему я считаю важным, чтобы мы потратили время именно на этот фрагмент этой замечательной картины?

С моей точки зрения, эта новелла абсолютно совершенна. По моим представлениям, это идеальное кино. Мало того что в этом сорокаминутном отдельном фильме масса замечательных элементов, он еще и потрясающе выстроен, как идеальная голливудская картина. Такое ощущение, что Тарковский, когда снимал «Колокол», держал в руках голливудский учебник «Как делать кино». То есть его интуиция, режиссерская и художническая, настолько была невероятна, что в результате выстроилось потрясающее голливудское кино. Что значит «голливудское кино»?

Значит, что в нем учтены все законы хорошего коммерческого голливудского фильма: трехактная композиция, поворотные пункты, кульминация — короче, вся драматургия, на которой он построен. Он в этом смысле просто эталонный, этот фильм.

Что еще здесь важно?

Я видел разных режиссеров в своей жизни, но никогда не встречал такого трудоголика, как Тарковский. Все настоящие режиссеры, естественно, фанаты своего дела, потому что это не профессия, а жизнь, но все-таки в какой-то момент каждый может дать небольшую слабину.

Я как-то был на Мосфильме — будучи студентом театрального института я снимался там в какой-то картине в небольшой роли — и тихонько пробрался в тон-ателье, когда там работал Тарковский. И, как завороженный, я проторчал там несколько часов, наблюдая, как он работает со звуком. Тарковский на моих глазах два часа искал один-единственный звук — стук лодки о берег, пока наконец не удовлетворился. То есть тщательность его режиссерской работы совершенно поразительная, отношение его к ней в этом плане было абсолютно фантастическое, и в результате была снята потрясающая картина.

Я уже говорил вам, что «Сталкера» Тарковский переснимал полностью — трижды переснимал с разными операторами, расстался с выдающимся оператором Рербергом, то есть он не щадил ни себя, ни кого-либо вокруг. В первую очередь, конечно, себя. Во всем был перфекционистом. Он, к примеру, добивался, чтобы на лужайке, которая попадет в кадр, был только зеленый цвет. И вся трава неправильного оттенка по одной травинке скрупулезно удалялась. И таких примеров полно.

Но давайте все же вернемся к «Андрею Рублеву» и посмотрим новеллу «Колокол».

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вот видите, впервые цвет в этом черно-белом фильме появляется в самом финале. Фильм «Андрей Рублев», конечно, поразительный по многим причинам. По-моему, это чуть ли не единственная в истории киноискусства картина, которая, являясь по сути байопиком (то есть фильмом, построенным на реальной биографии героя), где жизнь человека, в данном случае великого художника, рассказывается таким необычным образом. Мы видим не непосредственную историю главного героя, а видим то, что он видит, как бы смотрим на окружающий его мир его глазами.

Я не знаю, как и кому когда-то пришел в голову этот удивительный ход, потому что, когда они писали сценарий, Андрон Кончаловский и Андрей Тарковский, они были совсем молодые люди и тесно дружили. Они были молодые ребята, но ход абсолютно поразительный, и лучше, по-моему, никто никогда не делал. И когда Тарковский снимал эту картину, он тоже все еще был молодым человеком, это вторая его большая картина после «Иванова детства», ему было тридцать четыре года. И, на мой взгляд, это самая великая из всех его картин.

Что же касается непосредственно «Колокола», вы видите, как выстроена вся история, с этим потрясающим финалом, с катарсисом в конце. Замечательно выстроен саспенс, напряжение в фильме постоянно нарастает — чем дальше, тем больше, и мы понимаем, что на кону жизнь героя, он рискует всем, и прежде всего, своей жизнью. И к концу этой огромной картины, которая идет почти три с половиной часа, все сходится: главный герой, увидев в этом мальчике своего собрата по духу, художника, решает изменить своему обету молчания и заговорить.

И Рублев говорит мальчику, утешая его: «Мы пойдем с тобой вдвоем по земле, я буду иконы писать, а ты — колокола лить», — то есть он нашел идентичную душу, с которой может идти вдвоем. И на этой ноте картина кончается. Дальше черно-белое изображение неожиданно переходит в цвет, что тоже поразительно. И возникает очень красивый финал с лошадьми под дождем, с иконой Рублева.

Работа со звуком

А вы обратили внимание, как Тарковский работает со звуком, — потрясающе! Если выключить изображение и просто послушать, то это целая звуковая симфония, хотя музыки в фильме почти нет, она появляется очень-очень редко — только в тех местах, в которых, он считал, необходимо что-то акцентировать, а так в основном он оперирует множеством разнообразных звуков.

Вопрос из зала

Это что, звуки, записанные звукооператором на съемках?

Вовсе нет. Здесь практически нет ни одного естественного звука, все звуки придуманы, сделаны, записаны, и из них создан этот замечательный звуковой фон. Они все якобы реалистические, а на самом деле — нет.

На мой взгляд, этот фильм и по сей день представляет собой совершенно феноменальную работу, где все замечательно — и актерская игра, и потрясающие операторские кадры Вадима Юсова, и работа художников, и музыка Овчинникова. Все компоненты совершенно замечательные, и режиссер невероятного таланта, требовательности, самоотдачи соединил их воедино, и в результате появился этот шедевр.

Кстати, сам Тарковский — мне посчастливилось наблюдать его несколько раз, — вот он такой, как Бурляев здесь, в этой новелле; он, я думаю, про себя снимал. Он вот так работал, так рисковал, на таком надрыве жил и отливал свой колокол.

9. Риск и вера

Работа с художником-постановщиком, с художником по костюмам, с художником по гриму, со вторым режиссером. Фестивали и конкурсы. Старое и новое

Художник-постановщик

Тема этой главы — работа с художниками. Давайте об этом поговорим, а потом пойдем дальше.

Все, что относится к оператору, — помните, мы подробно это обсуждали, — относится и к художнику-постановщику. То есть если оператор — это ваша правая рука, то художник — левая. На самом деле это идеальный треугольник — режиссер-оператор-художник, идеальная ситуация, когда эти три человека работают с полным взаимопониманием, помогая друг другу, поддерживая друг друга.

Очень важно, чтобы отношения оператора и художника между собой были бы максимально теплые, чтобы было полнейшее взаимопонимание между ними — и человеческое, и профессиональное. Потому что, если по каким-то причинам эти два человека не состыковываются, личностным ли, профессиональным ли, это серьезная проблема, и она сразу будет сказываться на общей работе.

Идеально, чтобы художник и оператор работали бы вместе с вами с первой минуты подготовительного периода, чтобы они вместе с вами делали раскадровку. Во-первых, художник рисует гораздо лучше, чем вы, поэтому раскадровку он нарисует замечательно, и это тоже, безусловно, вам поможет в дальнейшей работе. На Западе раскадровку, или, как они говорят, story board, рисует специальный художник, который только этим и занимается, у нас это еще пока редкость.

Когда я говорю, что к художнику относится все то, что я говорил об операторе, — что я имею в виду?

Так же, как любой творческий человек, художник — человек со своим «я», то есть у него есть свое мировоззрение, свои ценности в искусстве, в кино и, соответственно, свой взгляд на вещи, свой взгляд на сценарий. Когда вы выбираете художника, когда вы его приглашаете на работу, то понятно, что чем более это яркий человек, чем более талантливый, тем больше творческих предложений во время работы от него поступит.

Но при этом представьте себе ситуацию, что предложений очень много, что он как бы «засыпает» вас предложениями, что он давит на вас, и вы это давление ощущаете. Значит, здесь надо искать какой-то компромисс, нужно понимать, что пока вы не окрепли, пока не пришел достаточный опыт, может, на первых порах вам и не нужен такой гений, а лучше пригласить человека менее выдающегося, но с которым будет значительно больше контакта и взаимопонимания. Мне кажется, это правильней, хотя, с другой стороны, если вы не боитесь, если вы верите в себя, вы можете приглашать кого угодно. Чем ярче люди, которые с вами работают, тем интересней будет общий результат, в том случае, разумеется, если вы сумеете ими управлять, если вы их поведете за собой и если они полностью признают ваше лидерство.

Если же они его по каким-то причинам не признают, это проблема, это всегда конфликты, вы будете нервничать, а у вас и так хватает проблем и забот во время первой или второй картины. Их всю жизнь будет хватать, но во время первого или второго фильма — это всегда самое тяжелое, пока хоть чуть-чуть встанешь на ноги, хоть немножко ощутишь почву под собой. Поэтому я думаю, что лучше, по возможности, чувствовать себя комфортно. Это, мне кажется, даже важнее на первых порах, чем такие подпорки в виде каких-то выдающихся профессионалов. Я думаю, что это очень важно — знать, что люди, которые рядом, верят в вас и с удовольствием вам помогают.

В течение первых недель общения вы быстро выясняете, одной с вами крови человек или нет. Это проверяется довольно быстро, поскольку вы проводите втроем очень много времени. Вы, оператор и художник вместе выбираете натуру, втроем, как правило, определяете главные параметры проекта, то есть: как будет готовиться картина, что будет строиться, какие декорации, если это павильон. Или вы, опять же вместе, решаете: нет, это все будет сниматься в интерьерах. И каждое дальнейшее решение, которое вы принимаете, очень важно, потому что оно скажется на результате.

Если, допустим, вы приняли решение снимать только в интерьерах и категорически отказались от декораций — это крайне серьезное, принципиальное решение. Потому что, конечно же, гораздо удобней, комфортней снимать в павильоне, поскольку там все приспособлено для съемки. Там свет расположен так, что он меняется по мановению руки. Бригадир осветителей командует — и его тут же поменяли. В одном конце павильона можно снимать один объект, в другом его конце уже другая декорация — там готов другой объект, вы мгновенно перешли и не потеряли времени. То есть павильон, конечно же, гораздо более практичен и удобен.

Но!..

Во-первых, строительство декораций стоит денег, это дороже, намного дороже, чем снимать в натуральных интерьерах. Аренда павильона тоже стоит денег, это все немалые расходы. Во-вторых, если только у вас не замечательные художники-профессионалы, все-таки естественные интерьеры на экране выглядят несколько иначе, чем интерьеры, построенные в декорациях. Я не знаю, замечаете ли эту разницу вы, но я, например, ее вижу, как правило, и могу сказать, что это декорация. Интерьеры всегда выглядят на экране более естественно. Но здесь надо крепко все обдумывать, и желательно вместе с художником и оператором.

Допустим, вам надо снимать в квартире. Если вы эту квартиру строите в павильоне, то это, конечно, гораздо удобнее, повторяю, для съемки, потому что там все стенки съемные, вы можете любую стенку отодвинуть, убрать, сделать так, чтобы вам было удобно снимать. Павильон неизмеримо комфортней для кинематографиста, но натуральный интерьер, то есть реальная квартира, которая несет за собой массу неудобств: негде разместиться, непонятно, куда прятать свет, как там будет двигаться камера, рельсы там толком не проложишь, — куча своих сложностей в любом естественном интерьере, — при всех сложностях съемки все-таки выглядит на экране несколько иначе, чем декорация.

Разумеется, важен еще жанр вашего фильма, насколько он условен. Скажем, в картине «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» я спокойно снимал квартиры в павильоне — мне было удобно, выгодно, это комедия, чуть-чуть условный жанр. А в «Войне Принцессы» я категорически отказался от павильонов, мы все снимали только в интерьерах, мне нужна была эта естественная фактура, это было очень важно.

Так что это все вы должны решать вместе с художником. И с оператором, естественно, тоже, потому что оператор будет сразу прикидывать, как и где он будет ставить свет. Ведь в интерьерах очень сложно прятать свет. Я помню, как мы мучились на «Пистолете (с 6 до 7.30 вечера)», когда камера бесконечно крутится на 360 градусов, а свет-то должен быть везде спрятан. Пойди реши такую сложнейшую задачу, — оператор просто из кожи вон лез, чтобы спрятать все приборы.

Все эти вещи определяются во время подготовительного периода, на первых порах, потому что они принципиальны для дальнейшей работы. И определяются они вместе с художником и вместе с оператором — это ваша неразлучная троица, которая возглавляет весь процесс, всю съемочную группу.

У нас бывали выдающиеся художники, совершенно замечательные — Сандейкин, Ромадин, Абдусаламов и многие другие. Да и сейчас среди молодых есть очень талантливые. Это очень важно, повторяю, — уровень художника. До того как вы встретитесь с художником, как и с любым другим членом группы, обязательно просмотрите его резюме, то есть вы должны понимать, с кем вы встречаетесь, с кем имеете дело. Это, кстати, касается любого члена группы, которого вы приглашаете. Вы смотрите резюме, смотрите, какие работы человек сделал, что у него за спиной.

Художник по костюмам

Художник-постановщик уже сам будет подбирать, с вашей помощью, конечно, художника по костюмам. Абсолютно неверно вы поступите, если пригласили художника-постановщика, а художника по костюмам приглашаете, не поставив его в известность, не оговорив с ним эту кандидатуру. Это неправильно, потому что художник по костюмам должен будет работать с ним в паре, в тандеме, и в идеале это должна быть его кандидатура, потому что костюмы — это неотъемлемая часть общего художественного решения. Это тоже крайне важно, потому что ничего не может быть неважного в картине.

Художник по костюмам — это вторая должность в съемочной группе. У художника-постановщика своя маленькая группа: у него есть декораторы и постановщики, которые с ним постоянно работают. И у художника по костюмам тоже есть свои люди: его ассистенты, костюмеры — это все команда художника по костюмам.

К сожалению, многие режиссеры, особенно молодые, не придают должного значения работе художника по костюмам. А это крайне важно, как вы оденете ваших героев, ваших персонажей, потому что любая наша одежда — это элемент того зрительного образа, который возникает при первом же взгляде. Как говорится, встречают по одежке… Это очень точная поговорка, потому что первое, что видит зритель, еще герой не произнес ни слова, это то, как он одет, и сразу делает свое заключение.

Чаплин искал всем известный образ Чарли довольно долго, бесконечно меняя все атрибуты своего костюма, пока наконец все не сложилось: широкие брюки, которые все время сползают, котелок, узенький, маленький сюртук, который еле налезает, рваные перчатки, огромные башмаки и еще тросточка. Когда все сложилось, это и стало тем замечательным образом, который десятилетиями потом царил на экранах во всем мире. Чаплин же не только актер, режиссер, сценарист, композитор, но еще и художник, поэтому он все это сам придумал и соединил.

Так что костюм — это очень важно. Помните начало моей картины «Жил-был настройщик»? Помните «утро настройщика»?

Я помню, как долго и мучительно мы с Роланом Быковым искали его костюм, сколько мы вещей перемерили. Никаким художникам я не доверял, потому что все, что они рисовали и предлагали, мне не нравилось. И вот мы день за днем копались в костюмерных, мерили, мерили, мерили… Я его замучил, бедного Ролана, потому что бесконечное количество шляп мы поменяли, пока не нашлась такая странная шляпка — то ли котелок, то ли непонятно что. Пока не нашлись это его пальтишко с таким особым воротничком, его вельветовый пиджак, бабочка. Вот когда все наконец сложилось, и возник этот настройщик — своеобразный обаятельный персонаж, который и появился в фильме и с которым я вообще задумывал сделать целую серию фильмов, правда, на первой картине все закончилось.

К чему я это все говорю? Никогда не ленитесь рыться в каких-то старых лавках, в костюмерных. На любой студии, на какой бы я ни работал, — на Одесской, на Мосфильме, на Горького, в «Экране», — я первым делом, как только начиналась картина, шел в костюмерную, изучал все, что там было, чтобы хотя бы понимать, что там вообще есть, ведь иногда это огромные залежи, просто колоссальные. И если вы целый день там проведете, то у вас тогда будет хоть какое-то представление, что можно использовать.

Реквизит и образование

Также я хожу в обязательном порядке в реквизиторские. Меня, по моей просьбе, ведут в реквизиторскую и показывают весь реквизит, все, что есть. Потому что иногда какая-то деталь, о которой ты даже не думал, вдруг лежит на полке, и оказывается, что она тебе очень нужна, и она украсит картину и поможет персонажу. Поэтому мой простой совет — не лениться в этом плане, изучать все, что есть на студии.

А если вы работаете не на студии, то все равно нужно искать. Хорошо иметь дома у себя какую-нибудь серьезную книгу по истории костюма, чтобы в случае чего в нее заглянуть. Чтобы с художником по костюмам тоже не «плавать», обсуждая тот или иной костюм, а понимать, о чем вы говорите.

Знаете, в чем трудность нашей работы?

В том, что вы в принципе должны владеть всеми этими профессиями, о которых мы говорим. Конечно, вы не можете ими владеть на том уровне, на каком ими владеют профессионалы, особенно главные из них — композитор, художник, оператор, — но вы должны хотя бы с ними разговаривать на одном языке, так что в этом плане необходимо, чтобы у вас был хотя бы какой-то багаж.

Если же вы ничего про это не знаете, то они это быстро понимают, вы теряете свой авторитет в их глазах, вам становится сложнее с ними общаться, потому что они с вами не особо считаются, зная, что вы ничего в их деле не соображаете. Поэтому, если вы чувствуете свой пробел в этом отношении, то этот пробел необходимо заполнить, необходимо походить по музеям, изучить творчество разных художников, понять, чем отличаются разные стили и так далее, хоть как-то быть образованным в этом плане. То же самое касается музыки и работы с композитором.

Важно понимать, что оператор и художник — это одного плана люди. Разница между ними состоит в том, что художник сначала рисует кисточкой, а затем все, что он нарисовал, строят в павильоне или на натурной площадке его подручные, которыми он руководит, — художник-декоратор и постановщики. А оператор рисует светом, его главное орудие труда — свет, и светом он может делать удивительные вещи, если это по-настоящему талантливый оператор. И в его подчинении вся команда осветителей во главе с бригадиром.

Художник по гриму

Третий человек из художнической команды — это художник по гриму. Тоже не менее важный человек, чем остальные члены группы. У хорошего художника по гриму, как правило, своя система работы. У него обычно есть помощник, ассистент. Если это большая картина, то у него может быть и несколько ассистентов: один человек у него занимается прическами, другой готовит парики, третий отвечает за всякие накладки, усы и прочее.

Художник по гриму — очень важная в нашем деле профессия. Я бы сказал, что в кино она важнее, чем в театре, потому что в театре в конечном счете возможна грубоватая работа — все равно это на сцене, вдалеке, и зритель не увидит каких-то нюансов, каких-то недоделок. А если гример плохо сработал в кино, это ничем не спрячешь, это видно сразу. От того, какой грим на артисте, как он найден, опять же зависит образ персонажа, и это необыкновенно важно.

Фильм «Крестный отец» все помнят?

Когда обсуждался персонаж, которого в «Крестном отце» играл Марлон Брандо, то есть именно крестный отец, то, когда он обсуждал с Фрэнсисом Фордом Копполой его будущий образ, Брандо предложил: «Я буду бульдогом», и Коппола на это согласился. Брандо взял вату, намочил и засунул себе за щеки два огромных комка, и у него сразу стало бульдожье лицо, и от этого образа они с Копполой стали отталкиваться, выстраивая этот персонаж. Придумывали они его вдвоем, и в результате получилась потрясающе сыгранная роль и один из самых замечательных образов в кино.

Когда вы работаете над гримом, вас, как правило, четыре человека: вы, художник по гриму, артист/артистка и оператор.

Если это настоящий оператор, он обязательно придет посмотреть, какой грим вы собираетесь сделать, потому что ему потом работать с этим, светить, и ему надо знать, какие тени и как будет выглядеть лицо артиста, так что оператор обязательно какой-то свой штрих в работу над гримом внесет.

Очень важно, чтобы артист с доверием относился к гримеру. Вообще, я вам скажу, настоящий художник по гриму — это не просто человек, который умеет приклеить бороду, усы, завить вам волосы. Настоящие художники по гриму, с которыми мне посчастливилось сталкиваться, — это психологи.

Великий художник по гриму Вебстер Филлипс, с которым я работал в Голливуде, — это человек, который начинал еще когда-то на той, классической «Планете обезьян», работал на «Унесенных ветром», много чего он делал. Когда мы познакомились, он сказал: «Вот этой кисточкой я клал пудру на Грету Гарбо, а вот этими ножницами я подстригал усы Кларку Гейблу». Так вот Вебстер Филлипс, конечно, был настоящим психологом.

Я видел, как актер садился к нему в кресло и как вставал — полностью преображенный, причем не только внешне. Вебстер мне потом объяснил, что он все делает сознательно. Он говорил: «В каком бы настроении актер ко мне ни пришел, от меня он должен уйти счастливым и абсолютно готовым к работе». И вот каким-то необыкновенным образом своими мягкими руками и мягким голосом он любого артиста, в каком бы нервном состоянии этот актер или актриса ни пребывали, психологически совершенно менял. После того как они вставали из кресла Вебстера Филлипса, это были люди полностью готовые к съемке. Он умел их настроить, расслабить, это был идеальный художник по гриму.

Второй режиссер

Часто спрашивают: «А чем отличается режиссер от режиссера-постановщика? В титрах пишут и то, и другое».

Режиссер — так пишут у нас, в России. У нас есть режиссер-постановщик и так называемый второй режиссер, или просто «режиссер», как его пишут в титрах. На Западе эта должность называется f rst assistant — первый ассистент. Это человек, который занимается непосредственно организацией съемки, организацией съемочной площадки, он ответственен за набор массовки, групповки, эпизодников.

У меня, например, на картине «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» было два вторых режиссера. Один занимался подготовкой и только подготовкой, это был мой начальник штаба. Вы сами не можете этим заниматься, у вас куча своих дел, вам необходим начальник штаба, организатор. Так что один режиссер у меня сидел и готовил съемку, а другой непосредственно работал на площадке, потому что, когда я репетирую с артистами, мне нужно, чтобы в это время была выстроен весь второй план, и это уже непосредственное дело второго режиссера.

Второй режиссер выстраивает второй план, работает с эпизодниками, с групповкой, с массовкой, — опять же под вашим руководством, вы все с ним оговариваете. Второму режиссеру подчиняются ассистенты по актерам и ассистент по реквизиту. Второй режиссер дает им задания, объясняет, что и как. Ему же подчинен помреж — помощник режиссера.

Помреж

У нас в России помощник режиссера, как правило, выполняет несколько функций, что совершенно неправильно. Помощник или помощница режиссера, помреж в просторечии, с одной стороны, выполняет всякие мелкие поручения, которых бывает бесчисленное количество во время съемки, а с другой — она, как правило, у нас ответственна за хлопушку, и она же записывает все, что происходит в кадре. Это получается огромная работа.

На Западе это все разделено: хлопушкой там хлопает, как правило, ассистент оператора, а то, что у нас называется «помреж», у них называется script-girl — девушка, контролирующая точность деталей в кадре, — и она действительно внимательнейшим образом следит за всем, что происходит на съемке.

Это очень важная, ответственная работа, потому что кадров и сцен много — в среднем в фильме получается полторы тысячи кадров — и пойди упомни, где лежала вот эта бумажка в начале этой сцены, когда актер снимается в ее продолжении через две недели. Кто в этот момент может помнить, где что лежало, торчал ли платок из кармана или нет, а script-girl, или у нас помреж, это помнит, знает, фотографирует. В обязательном порядке в ее руках фотоаппарат: как только заканчивается кадр, она обязана все сфотографировать и все записать: что происходило, где и как. Она следит, кто во что одет, какие в кадре детали. Если вы видите ляпы в картине, это значит, что был непрофессиональный помреж, или непрофессиональная script-girl, она не проследила за всем.

Как правило, так сложилось исторически, эту важнейшую обязанность выполняют девушки. У меня были очень хорошие помрежи, я им очень признателен за их работу. Многие из тех, кто начинал помрежами на моих картинах, стали серьезными профессионалами, выросли во вторых режиссеров.

Бюджет и прибыль

Как-то меня спросили: «У меня вопрос о бюджете. Ведь от бюджета зависит уровень картины, правильно? И соответственно, сколько фильм может заработать. Фильм с маленьким бюджетом никогда не заработает больших денег, так ведь? Какой же выход?»

Нет, вы путаете. Есть независимое кино, то, что называется independent, и есть студийные фильмы, которые делают студии. Студийное кино, мейнстрим — это действительно огромные бюджеты. А бюджеты независимых фильмов могут быть любыми — пятьдесят тысяч долларов, пятнадцать тысяч долларов. И их коммерческий успех может быть невероятным, тому тьма примеров.

В независимом кино бюджет может быть любой. Вообще, фильмы с бюджетом до двадцати миллионов долларов считаются low-budget, то есть недорогое кино. Но диапазон здесь огромный, фильм может стоить сто тысяч, а может миллион — все зависит от картины, от возможностей продюсера, и так далее.

Я знаю, что мои лос-анджелесские студенты-выпускники добывали деньги на свои первые работы где только могли. Кто сколько достал, тот потом на эти деньги и снимал. В конечном счете, по моему опыту, по моему абсолютному убеждению, дело не в деньгах! Дело в том, что у вас в голове, что вы придумали и как можете это реализовать.

Когда нет денег, начинаешь ломать голову, и в конце концов рождаются, бывает, абсолютно блестящие идеи и работы.

И, что самое интересное, я вам уже об этом говорил, — на любых фестивалях мира, от самых мелких до самых крупных, включая Канны, эти фильмы соревнуются абсолютно на одном уровне, никого не интересует, сколько вы потратили на фильм — десять тысяч, сто тысяч или сто миллионов, — интересует только конечный результат.

Еще о художнике

Вернемся к разговору о художнике. Хороший художник всегда ходит с блокнотом, это просто неотъемлемая часть его работы, — он тут же, мгновенно делает бесчисленные зарисовки.

Что такое настоящий кинохудожник?

Кинохудожник — это особая профессия, это человек, который в себе объединяет несколько вещей: он и придумщик, и действительно художник, живописец, и архитектор, и человек, который должен понимать, из чего, из каких материалов и как что-то лепится, строится, клеится, то есть он должен обладать разнообразными знаниями и талантами. Это высокая квалификация и особая профессия.

Когда художник обсуждает с вами картину, то он выдвигает свои предложения. Мало того, он еще обязан разбираться в ценах, и, когда вы с ним обсуждаете, что вы будете делать, — будет ли строиться декорация, или это будет натура, нужно ли будет ехать в экспедицию или нет, художник все это осмечивает. Предлагая вам что-то, он должен понимать, если это профессионал, во что это ему обойдется, и он делает свою смету расходов. И эта смета, смета художника, это конечно же — неотъемлемая часть общего бюджета.

Этим художник несколько отличается от оператора, потому что оператор сметами не занимается, оператор просто вам составит список, что необходимо, какая техника ему понадобится. А дальше — ваши проблемы, вернее, проблемы вашего продюсера, где эту технику добыть, за сколько договориться. А художник, он еще обязан смету составить и расписать, какие материалы ему нужны и для чего.

Настоящий художник и сам, без всякой вашей просьбы поедет куда-то на поиски подходящей натуры. Потом скажет вам: «Я хочу вам предложить, я нашел такое место потрясающее, оно для этой сцены идеально. Пойдемте, я вас отвезу». Настоящие кинохудожники, вы сразу это почувствуете, — это совершенно особые люди, это особая профессия.

Так же, как вот, скажем, я с удовольствием сижу и пишу за столом, но все равно для меня это несовместимо с живой работой на площадке, потому что я — режиссер, так и для кинохудожников — они всегда живописцы, они всегда что-то рисуют, но главное для них — это живая работа с материалами, живая работа на площадке. Это люди такого особого племени, что ли. Я отношусь к ним с большим уважением и любовью, потому что, как правило, сталкивался всегда с замечательными художниками, и они вносили огромную лепту в картину.

Я помню, на «Биндюжнике и Короле» нужно было снять синагогу. Там была большая сцена, происходящая в синагоге, огромная музыкальная сцена, крысы там бегали и много еще чего происходило. Мы тыркались в разные синагоги, и нам везде отказывали, говорили: «Нет, у вас в синагоге крысы — как это может быть? Зачем вы это написали?» Я пытался объяснять, что не я это написал, а Бабель. А мне в ответ: «Ну, Бабель… Значит, Бабель был плохой еврей!» И отказывали.

В конечном счете мы построили эту синагогу на студии. Впервые, по-моему, в отечественном кино. Был большой павильон, и во весь этот павильон прекрасный художник Марк Горелик построил совершенно замечательную синагогу, и там же потом, после того как мы отсняли синагогу, трактир построил. Так здорово работал художник, что комар носа не подточит — реальная синагога была на экране. То есть от художника зависит очень многое.

Доктор Смерть

А теперь я хочу, чтобы вы посмотрели фрагмент из нового фильма «Вы не знаете Джека». Давайте посмотрим начало фильма. Эта картина появилась несколько лет назад. Я как раз был в Штатах, когда она выходила. Везде висели афиши, что вот-вот выйдет фильм по заказу компании HBO. HBO — это Home Box Of ce, один из крупнейших телеканалов в США (такого же уровня, как у нас Первый, Россия, НТВ), который сам производит фильмы. Но фильмы эти не идут в кинопрокат, они идут по телевизору.

Это необычный фильм. Во-первых, его снял замечательный режиссер Барри Левинсон, во-вторых, в основе фильма потрясающая история доктора Кеворкяна по прозвищу «доктор Смерть». Если вы знаете, это человек, который боролся за эвтаназию, который помог уйти из жизни полутора сотням неизлечимо больных, которого в конце концов все-таки осудили и посадили и который, отсидев несколько лет, вышел на свободу.

В общем, это реальная история, и к тому же доктора Кеворкяна играет Аль Пачино, один из величайших артистов, живущих сегодня.

Я хочу, чтобы вы посмотрели самое начало. Все помнят, как выглядит Аль Пачино? А теперь посмотрите.

(Идет демонстрация фрагмента.)

На меня произвела очень сильное впечатление работа художника по гриму в этой картине. Помимо того, что Аль Пачино действительно потрясающий артист, он может перевоплотиться в кого угодно — от Супермена до старика, которого вы сейчас видели, — тут совершенно замечательная работа художника по гриму. Он, как вы видите, полностью преобразил Аль Пачино: и нос у него другой, и вообще все лицо иное. На крупных планах хорошо видно, что нижняя губа немножко по-другому у него двигается, — и от этого конечно же сразу возникает очень точный образ. Ты тут же понимаешь: вот он такой, этот доктор, ты ему веришь.

И не только доктор, все персонажи в этом фильме сделаны в этом смысле отменно, потому что Джон Гудман, скажем, которого вы тоже наверняка знаете, — он ведь здесь тоже совершенно другой, — абсолютно не похож на себя. Дальше появляется Сьюзан Сарандон — опять совсем другая, вы ее такой не видели.

Фильм «Вы не знаете Джека» вышел у нас на DVD, я вам его рекомендую, поскольку и картина очень серьезная, и тема потрясающая, а в данном случае она нам интересна еще и потому, что в ней, повторяю, замечательная работа художника по гриму. Эти образы, которые здесь вылеплены, абсолютно точно работают на замысел, идею картины, они сразу запоминаются.

Конечно же это делалось при участии артистов, безусловно, и в первую очередь под началом режиссера, но работа художника по гриму тоже очень важна. Если бы картина могла быть представлена на «Оскар», то я уверен, что художник по гриму вполне мог бы его получить, но это телевизионный фильм, он на «Оскар» не пойдет, может быть, «Эмми» получит.

У нас, к сожалению, эта профессия не ценится. У нас никаких премий художникам по гриму даже не дают. А в Голливуде мой Вебстер Филлипс сам был членом Академии, голосовал, кого из художников-гримеров наградить.

Атмосфера и образ

Давайте теперь посмотрим фрагмент из совсем другой картины. Это французская картина «Самурай» режиссера Жан-Пьера Мельвиля. Мы посмотрим самое начало.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Почему я хотел, чтобы вы посмотрели начало этого фильма?

Потому что, с моей точки зрения, здесь помимо оператора и режиссера замечательная работа художника: сразу создана атмосфера, а это очень важно, когда в первой же сцене создается атмосфера фильма, которая слагается из многих вещей — из звуков, из деталей. Здесь довольно долгий статичный кадр, эта почти пустая комната, мы не видим героя, а видим только дым, потому что он лежит и курит. И сразу возникает нужное ощущение тревоги и одиночества.

Первая сцена соответствует эпиграфу фильма. Одиночество — это тема картины. Комната почти пустая. Там есть очень точная деталь — птица в клетке, — которая потом не раз сработает, потому что герой на этой птице проверяет, приходил ли кто-то к нему, пока его не было. Если кто-то приходит, птица начинает метаться, и герой потом видит по количеству перышек на дне клетки, что кто-то был у него в комнате. Но птица — еще и олицетворение самого персонажа, он сам в клетке, он сам загнан, она символизирует его состояние. В этом смысле замечательно придумана вся эта начальная сцена.

Теперь обратите внимание, как художник по костюмам одел героя. Он дал ему плащ и шляпу, в этих плаще и шляпе Ален Делон в дальнейшей своей карьере пройдет через энное количество картин, но придуман этот образ именно в этом фильме. Он потом будет менять плащи и шляпы, но это уже будут вариации образа, впервые появившегося здесь, придуманного режиссером и художником по костюмам. Он такой одинокий романтичный бандит… Очень точный образ.

Я люблю эту картину, Делон здесь крайне выразителен.

Функциональность костюма

А теперь вспомним другой фильм, в оригинале он назывался «Леон», у нас в прокате, по-моему, шел под названием «Леон-киллер». Это картина Люка Бессона, давайте посмотрим фрагмент из нее.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вспомните, как выглядел персонаж Жана Рено: у него на голове какая-то непонятная то ли тюбетейка, то ли ермолка, в общем, странная шапочка, какое-то нелепое широкое черное пальто, короткие брюки, — то есть такой чуть-чуть нелепый, клоунский вид. Потом, когда картина начинает развиваться, вдруг обнаруживается, что этот костюм далеко не случаен, он абсолютно функционален: это широкое пальто скрывает массу оружия, которое он на себе носит; эта шапочка на нем для того, чтобы его нельзя было ухватить за волосы; короткие брюки — чтобы он мог прыгать и широко раздвигать ноги. Каждый атрибут костюма предельно функционален и к тому же создает удивительный образ этого персонажа, который сразу запоминается. Это идеальная, с моей точки зрения, работа художника по костюмам.

Кстати, с этим связан забавный случай. Я как-то читал лекцию в американской киношколе и как раз восхищался этой картиной, она тогда только вышла. А ко мне перед этим подошла девушка, которая попросилась посидеть у меня на занятиях, ее интересовала режиссура, она хотела попасть ко мне на курс, и я ей разрешил поприсутствовать, так что она находилась там, в аудитории.

Во время лекции я, в частности, выражал свое восхищение работой художника по костюмам. Примерно то, что я вам сейчас излагал, — как замечательно придуман костюм Леона, как он функционален, как работает на идею фильма, на персонаж и так далее. Потом во время перерыва эта девушка, ее звали Магали, подошла ко мне, и я ей сказал: «Вы знаете, я не уверен, что смогу взять вас на курс, потому что, видите, класс полностью сформирован, мы уже давно занимаемся, вам будет сложно нагнать».

А она говорит: «Очень жалко. Может быть, вы все же разрешите мне посещать ваш курс? Мне очень понравилась лекция. И еще я хотела вам сказать: вы так интересно рассказывали про этот фильм, про работу художника по костюмам. А я как раз была художником по костюмам на этой картине, работала с Бессоном». Такая оказалась барышня. Конечно, после этого я ей разрешил поступить на курс.

Ваше видение

Значит, мы договорились: вы должны хоть немножко знать историю костюма, не просто «плавать» — что вам предложит художник по костюмам, то вы и берете, потому что не особо ориентируетесь, — а знать, именно знать. Это точно так же, как, помните, мы с вами говорили о знакомстве с актером — что нужно для того, чтобы познакомиться с актером?

Надо абсолютно все знать про персонажа, про его историю — гораздо больше, чем может об этом знать актер. Вот точно так же надо обладать определенными знаниями, готовясь к встрече с художником, если вы хотите серьезного результата от этой встречи, если вы ждете, чтобы в результате родилось что-то особенное.

Многие режиссеры нередко вообще ни о чем не заботятся: есть художник, что-то предложил — ну и хорошо, замечательно. Но если вы автор картины, то конечно же у вас есть собственное видение.

Вы не обязаны его сразу выкладывать, вы ждете, что вам предложат, а дальше вы понимаете, насколько это предложение соответствует вашему видению, насколько оно совпадает с вашим замыслом. Может, и прекрасно совпадает, даже интереснее, чем вы думали, а может быть, совсем не то, тогда надо искать общие точки соприкосновения, тогда надо сказать: «Нет, это не то, мне нужно совсем другое, потому что мне важно, чтобы в этой сцене была такая-то атмосфера, а с этим персонажем было связано то-то и то-то, мне нужно совсем иное ощущение от этого персонажа».

У вас должно быть четкое видение, прежде чем вы начинаете разговаривать с художником. Не вы идете за ним, а он идет за вами, так же, как композитор идет за вами, так же, как оператор идет за вами, так же, как звукорежиссер идет за вами.

Кроме работы с художниками, еще немаловажный аспект нашей профессии — это работа с графикой, то есть с компьютерщиками, с людьми, которые занимаются спецэффектами.

Картина — это большое производство, это много разного народа, и чем, повторяю, интереснее собрана группа, чем более она яркая, тем интереснее рождается фильм, но все равно конечно же последнее слово всегда за режиссером.

«Мужчина и женщина»

Мне хочется, чтобы вы посмотрели еще несколько фрагментов. Почему именно эти фрагменты? Именно эти фильмы?

Наш с вами курс называется «Свой почерк в режиссуре», и я пытаюсь обратить ваше внимание на фильмы тех режиссеров, которые явно отличаются своим почерком, которые ни на кого не похожи, которые проложили свой, абсолютно оригинальный, путь в киноискусстве. И все, о чем мы с вами говорим, все эти аспекты кино — и атмосфера в кадре, и работа с оператором и художником, и сотрудничество со всеми остальными членами группы — в этих работах сходятся счастливым образом, все соединяется, и в результате получается фильм, который радует миллионы людей на протяжении долгих-долгих лет.

Чем отличается настоящая картина от картины проходной?

Что такое «классика»?

Классика — это то, что проверено годами, то, что хочется пересмотреть, так же, как любимая книга: вот она стоит на полке, периодически мы ее берем и перечитываем, потому что в ней всегда что-то там обнаруживаешь для себя новое, хочется перечитать. То же самое с выдающимися фильмами, которые становятся классикой, — их хочется пересмотреть, их хочется увидеть еще, и каждый раз, когда ты пересматриваешь их, ты что-то для себя открываешь.

Вот уверяю вас, я «Крестного отца» смотрел, наверное, десяток раз, и каждый раз видел там то, чего не заметил в предыдущий. Это один из примеров, а таких фильмов много. Не очень много, но достаточно. Хватает, слава богу, замечательных фильмов, которые можно и нужно пересматривать и в которых всегда что-то новое, интересное и полезное для себя обнаружишь.

Один из таких фильмов, для меня по крайней мере, а я с вами делюсь тем, что я люблю, — это фильм «Мужчина и женщина» Клода Лелуша, который я уже не раз упоминал. Лелуш, дай бог ему здоровья, очень плодотворно работает и по сей день, снимает отличные фильмы и, может, еще много чего прекрасного сделает, но это была одна из его первых картин. В этом фильме он был всем — и автором сценария, и продюсером, и режиссером, и оператором. И получил за него и «Золотую пальмовую ветвь» в Каннах, и двух «Оскаров» — за лучший иностранный фильм и за лучший сценарий. Этот фильм сразу сделал его мировой звездой, он стал режиссером номер один во Франции.

Каким-то счастливым образом сошлось в этом фильме очень многое — и это романтическое отношение к любви мужчины и женщины, и чудная, запоминающаяся музыка Франсиса Лея, и эта особая пластика кино, которая стала потом визитной карточкой Лелуша, он потом этой особой манерой движения камеры пользовался во многих своих картинах.

На мой взгляд, этот фильм остается его жемчужиной, лучшим из всего, что он сделал, а сделал он немало. Лелуш в своем творчестве повторяет свою любимую историю многократно. Через двадцать лет он сделал фильм «Мужчина и женщина: двадцать лет спустя» с этими же героями и с теми же актерами — Жан-Луи Трентиньяном и Анук Эме. Одна из последних его картин называется «Леди и джентльмены» с Патрисией Каас и Джереми Айронсом. В принципе, это все та же самая история, и он там даже цитирует «Мужчину и женщину». Конечно же, он понимает, что это был главный фильм в его жизни, я так думаю. Давайте посмотрим фрагмент из этой картины.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Когда этот фильм появился, он ошеломил зрителя, потому что там очень много было нового, чего никто не видел.

А секреты этих новаций очень просты — то, что потом стало знаменитым, классическим (об этом фильме написано немало книг!), на самом деле было связано с отсутствием нормального финансирования. Я вам говорил: голь на выдумки хитра! Так оно и есть. Денег у Лелуша было очень мало. Он, например, не мог себе позволить снять весь фильм на цветную пленку, потому что цветная пленка вдвое дороже, чем черно-белая, поэтому полфильма снято на черно-белую пленку, а полфильма — на цветную. Потом критики восхищались, как он интересно придумал, как это здорово — здесь цвет, а здесь ч/б. Как это потрясающе соединено! Как это ему удалось?! А на самом деле эта загадка решается очень просто!

Или манера съемки в этой картине, то, как у него работает камера. Лелуш чуть ли не первый применил эту, как я говорю, живую камеру, то есть ручную с плеча, которой он все время здесь оперирует. Вы потом посмотрите картину внимательно, там огромные сцены сняты ручной камерой на замечательном движении. У него не было крана, у него не было техники, а стэдикам еще тогда не придумали, поэтому он выворачивался, как мог, снимал из багажника машины, и это все придало удивительную новизну и долгую жизнь его фильму.

Я почти не сомневаюсь, что фрагмент, который мы с вами посмотрели, делался следующим образом: Лелуш снял энное количество пейзажей, которые ему нравились, а потом уже придумал, как их объединить этим закадровым текстом, который замечательно лег, и получилась совершенно особая атмосфера. Это все кухня, на самом деле. Зрителей, по сути, совершенно не волнует, отчего, почему да как это делалось, зрителей интересует результат. Они либо принимают его, либо отторгают.

В случае с этой картиной все было внове, все было интересно, а главное, Лелуш попал в десятку с удивительной атмосферой, созданной им в фильме. Атмосферой, повторяю, возвышенной, романтической. И в результате сама история этих двух героев — мужчины и женщины — достигла почти мифологического уровня. Поэтому он так и назвал фильм — «Мужчина и женщина». Простое и гениальное название.

О замечательной музыке мы уже говорили. В общем, все звезды сошлись над этой картиной.

Удивительно, это ведь была середина шестидесятых, то есть прошло пятьдесят лет, но, если вы сейчас будете ее пересматривать, вы заметите, что она смотрится, как живая сегодняшняя картина, что манера съемки, подачи материала в ней очень современна.

«Догвилль»

Посмотрим начало другой картины выдающегося режиссера из другой страны — Ларса фон Триера. Ларс фон Триер — невероятный выдумщик, который опрокидывал, как вы знаете, все каноны классического кино, который придумал целый новый стиль съемки — «Догму», где отказался от света и от любой техники. Но когда он сделал «Догвилль», то просто потряс весь киномир, потому что такого в кино не придумывал до него ни один режиссер. Давайте посмотрим фрагмент оттуда.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Фильм совершенно замечательный. Что сделал Ларс фон Триер?

Он в очередной раз опрокинул все понятия о том, что такое кино. До этой картины мы понимали, что кино — куда более безусловное искусство, чем театр.

Театр — это некая условность, там артисты представляют себе, что вот есть четвертая стена, и делают вид, что не замечают зрителей. А зрители, в свою очередь, делают вид, что верят, что их не замечают.

Кино — вещь куда более безусловная, более конкретная, снимается, как правило, в реальных местах или в декорациях, которые претендуют на то, чтобы выглядеть реалистично.

А Ларс фон Триер все это объединил в одной картине. Он снял большой амбар, весь пол там разрисовал, разметив якобы построенные, но не видимые нам дома, звуком обозначил вход и выход в невидимые двери и заставил артистов существовать внутри этого пространства.

Самое удивительное, что при этом произошло: он режиссер такого уровня и так работает с актерами, и такую интересную историю рассказывает, и так они все взаимодействуют, что минут через десять-пятнадцать ты напрочь забываешь о том, что это разрисованный пол и условные стены, которых ты не видишь, и условные двери — все это забывается, и ты начинаешь с волнением следить за всем, что происходит в фильме.

Так возникает настоящее искусство, когда все каноны опрокидываются и появляется что-то совершенно новое, чего нельзя было себе даже представить. Невозможно было представить, что можно объединить абсолютную театральную условность и конкретику кино, до Ларса фон Триера этого никто не делал, а ему это удалось. И поэтому, на мой взгляд, «Догвилль» — совершенно выдающийся фильм.

Вообще, конечно, фильмы Ларса фон Триера, и в первую очередь «Рассекая волны», надо смотреть, потому что это абсолютно оригинальные работы, ни на что не похожие.

«Шербурские зонтики»

А теперь хочу предложить вам другой пример соединения театральной условности с безусловным языком кино — фильм «Шербурские зонтики». Он получил «Золотую пальмовую ветвь» за два года до фильма «Мужчина и женщина». Режиссер Жак Деми тоже был молодым человеком, из того же поколения, что и Лелуш. Казалось бы, идея, которая пришла ему в голову, ни в какие ворота не лезла — почему вдруг надо петь весь фильм?

Мюзиклы в то время были, в основном знаменитые американские мюзиклы, но этот фильм вовсе не мюзикл.

Что такое мюзикл?

Драматургия мюзикла строится следующим образом: люди разговаривают, потом, когда эмоциональный накал растет, им не хватает эмоций, и они начинают петь, а потом, когда все развивается еще больше, они уже начинают танцевать. Вот что такое мюзикл.

И к тому же музыкальный номер обязательно продолжает действие. В отличие от оперетты, где номера вставные, которые можно вынуть без ущерба для рассказываемой истории, из мюзикла ничего вынуть нельзя, в истории в этом случае образовывается брешь.

Но в данном случае никакого драматургического музыкального развития нет. И номеров, как таковых, тоже нет. И танцев нет вообще. Так что это не мюзикл.

И не музыкальная комедия, и не фильм с песнями, к которым тоже все привыкли.

Эта картина опрокинула все привычные понятия о музыкальном кино, потому что здесь поют от начала до конца и поют при этом прозаические тексты, это не стихи, персонажи поют прозу.

Просто принята некая условность — вместо того чтобы разговаривать, они поют. Вот и все. Давайте посмотрим, как это происходит.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Конечно же идея была абсолютно дерзкая, безумно рискованная, ничего не стоило провалиться. Через пять минут зрители могли сказать: «Да что это вообще за ахинея такая?! Чего ради они поют, вместо того чтобы нормально разговаривать?!» Но, благодаря чутью, таланту режиссера, благодаря правильному подбору артистов, благодаря замечательной музыке, которую написал Мишель Легран, благодаря всем прочим элементам — работе оператора, художника и других, так сложилось, что фильм стал поразительным явлением и восхитил миллионы людей по всему свету.

И так же, как у Лелуша «Мужчина и женщина» осталась лучшей картиной, у Жака Деми «Шербурские зонтики» конечно же являются его самым удачным творением, хотя потом он сделал еще с десяток фильмов, включая известный музыкальный фильм «Девушки из Рошфора» с той же Катрин Денев, и даже в Голливуде работал. Но эта картина осталась его звездной. И по сей день она замечательно смотрится, вот это поразительно. Он снял ее в шестьдесят четвертом году, но и сегодня видно, что она живая, ее хочется смотреть, она вкусная, она так придумана.

Риск и выигрыш

У нас тоже делались подобные попытки, вот, в частности, не так давно показывали по телевизору старый фильм «Романс о влюбленных» Андрона Кончаловского, режиссера, к которому я отношусь с большим уважением. Одна «Ася-хромоножка» чего стоит!

Так вот сценарист Евгений Григорьев написал сценарий «Романса» в стихах. Когда-то это выглядело крайне необычно и интересно. К большому сожалению, я должен констатировать, что картина безнадежно устарела, смотреть ее сейчас тяжело. Она кажется пафосной, многозначительной, постоянно фальшивит, хотя там замечательные артисты, там и Збруев, и Купченко, и Коренева, и Смоктуновский, — то есть чудные артисты, но все эти тексты уже невозможно сейчас слушать, ты не понимаешь, почему персонажи должны говорить этими белыми стихами, какого рожна, и почему все это так выспренно. А вот в «Шербурских зонтиках» все по-прежнему живо.

И «Гусарская баллада» Рязанова, где тоже разговаривают стихами, до сих пор живет, как ни странно. А там — увы! — все фальшивит.

Я могу даже объяснить почему — потому что картина в определенном смысле была конъюнктурная, время прошло, и она сразу устарела.

А картина Жака Деми, которая, повторяю, опрокинула все каноны музыкального фильма, несмотря на прошедшие годы, все еще звучит молодо, дерзко, ярко, она жива по сей день.

Я к чему вам это говорю?

К тому, что это все крайне рискованные вещи — люди рискнули, рискнули всем. Потому что в подобной ситуации режиссер рискует всем. Ведь, когда он берет у кого-то деньги на фильм, он их должен вернуть, то есть — либо пан, либо пропал. Если не вернет, никто ему больше их не даст, карьера закончится. Они рискнули, и они выиграли.

Выиграли, благодаря таланту, самоотверженности, упорству, благодаря абсолютной своей вере, что то, что они делают, должно получиться. Именно так и рождается шедевр — когда человек рискует всем и выигрывает.

10. Режиссерский поиск

Разные решения. Некоторые аспекты монтажа. Два ритма. Монтаж аттракционов. Вертикальный монтаж. Монтажный прием. Монтажная фраза

«Гамлет» Оливье

Эту лекцию я хочу начать сразу с показов. Я, собственно, давно намеревался показать вам эти фрагменты, потому что, мне кажется, это очень важно — понять, как разные режиссеры снимают одну и ту же сцену, увидеть, в чем, собственно, разница между режиссерскими подходами, и реально почувствовать, что такое режиссура, чем один выдающийся режиссер отличается от другого.

Сегодня попробуем это рассмотреть на примере «Гамлета».

Почему «Гамлет»?

Ну, во-первых, это одна из величайших пьес во всей мировой драматургии. И немудрено, что ее постоянно экранизируют. Если вы заглянете в IMDb (International Movie Database), — а я настоятельно рекомендую вам пользоваться этим замечательным справочником, — вы найдете более семидесяти экранизаций. Плюс как минимум столько же, если не больше, различных вариаций на тему «Гамлета».

Интересно, что великая французская актриса Сара Бернар играла Гамлета. Ей в то время было пятьдесят два года. И одна из первых экранизаций «Гамлета» — это фильм с ее участием, снятый в тысяча девятьсот двенадцатом году. Но, к сожалению, он полностью не сохранился.

Почему «Гамлета» так много экранизируют?

Потому что каждое новое поколение хочет своего «Гамлета». Видимо, это та история и тот герой, которые обязательно вызывают отклик у зрителей, у молодых людей прежде всего.

Причем «Гамлеты» существуют совершенно разные: некоторые режиссеры вообще переводили все в современность — лет пятнадцать назад я видел в Америке прекрасного «Гамлета», где Клавдий — крупный бизнесмен, нефтяной магнат, то есть вся шекспировская история полностью сохранена, только все действие перенесено в сегодняшний день. Короче говоря, это действительно потрясающая драматургия, и поэтому для любого режиссера всегда безумно интересно к ней прикоснуться, а каждый хороший актер мечтает сыграть Гамлета. Иногда эта мечта реализуется, иногда нет.

Давайте попробуем посмотреть первый фрагмент, потом обсудим. Первая экранизация, о которой пойдет речь, — это такой классический «Гамлет» Лоуренса Оливье, великого английского артиста и режиссера, который не только поставил своего «Гамлета», но сам же его и сыграл.

Я хочу, чтобы вы посмотрели две сцены: одна сцена с Офелией и одна — известный монолог «Быть или не быть», пожалуй, самый знаменитый монолог во всей мировой драматургии.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Почему я выбрал именно этот монолог?

Потому что на самом деле любой монолог — это очень трудная для кино вещь. Тем более он такой длинный и такой сложный, что найти для него органичное и убедительное кинематографическое решение совсем не просто. Поэтому мне и хочется, чтобы вы посмотрели, как разные крупные режиссеры решали именно эту сцену.

Что сделал Лоуренс Оливье?

Если мы обратимся к шекспировскому подлиннику, то в пьесе происходит следующее: Полоний и Клавдий используют Офелию как ловушку. Они подговаривают ее, чтобы она походила с книжкой в руках, а сами прячутся, чтобы подслушать, как будет вести себя Гамлет. Они хотят лишний раз убедиться, что Гамлет безумен. А Гамлет, не зная об этом, входит и размышляет над тем, что ему вообще делать, как ему жить дальше, быть или не быть. И заканчивается монолог тем, что он видит Офелию, и происходит та сцена, которая здесь идет вначале. То есть Лоуренс Оливье поменял эти сцены местами.

С какой целью он это сделал, я могу только догадываться, у меня нет никакой информации на эту тему. Думаю, что ему хотелось как бы «оторвать», вырвать из контекста этот значительный монолог, а не вписывать его в общую сцену. Ему хотелось, чтобы это происходило, как вы видели, на выразительном фоне бушующего моря. Как вы заметили, Оливье довольно конкретно подходит к экранному решению монолога — Гамлет у него вынимает кинжал и уже готов себя убить, но в какой-то момент, вроде как бы случайно, роняет кинжал, и вопрос решается сам собой: Гамлет будет жить и будет бороться.

В конце своего монолога Гамлет произносит, может быть, самое значительное из всего, что он здесь говорит. Вот его слова: «Трусливыми нас делает раздумье». Помните, это уже в самом конце?

По-английски, это — to lose the name of action, то есть буквально — ты теряешь действие, когда слишком много раздумываешь! Именно на этом заканчивается монолог. Правильно поступил Оливье или нет — вопрос неоднозначный. Мы сейчас посмотрим другие фрагменты и сравним.

Но, по крайней мере, это безусловно решение: мрачная погода, бурное море — как олицетворение переживаний в душе Гамлета, и этот кинжал, который он якобы случайно роняет, что мне, честно говоря, не очень нравится. Вообще, признаться, мне не совсем по душе, как решена вся эта сцена. Я, скажем, не очень понимаю этот наезд камеры на гамлетовскую макушку и целый ряд других моментов. Но, с другой стороны, не мне сейчас судить. В свое время эта картина была очень высоко оценена критикой и зрителями и считалась шекспировской вершиной в кино. Лоуренсу Оливье здесь сорок лет — это актерский предел для данной роли, потому что если мы вспомним, сколько лет Гамлету, то ему, судя по пьесе, около тридцати. Поэтому сорок — это, конечно, уже самый предел! Но поскольку, повторяю, это мечта каждого крупного актера, то Оливье ее реализовал.

«Гамлет» Козинцева

Давайте посмотрим другой фрагмент. На этот раз это уже наша отечественная экранизация, осуществленная Григорием Михайловичем Козинцевым, который очень долгие годы мечтал экранизировать «Гамлета». Он мне об этом рассказывал, мне посчастливилось быть с ним знакомым и общаться. Он ко мне относился с теплотой, у меня даже сохранилось письмо Григория Михайловича, которое он мне написал по поводу моего первого фильма «Сад».

Так вот он рассказывал, как он начинал эту работу, какие у него первые, совсем сумасшедшие идеи были по поводу «Гамлета». Даже не хочу сейчас повторять, потому что вы будете смеяться — безумные идеи! Он много лет жил с этой мечтой и в конце концов ее реализовал, и советское государство ему в этом помогло, выделило нужные на эту постановку средства.

И вот в шестьдесят седьмом году Козинцев наконец снял своего «Гамлета». Гамлета здесь играет замечательный актер Иннокентий Михайлович Смоктуновский, с которым мне тоже посчастливилось быть знакомым и даже поработать. Своим замечательным голосом он записал для меня авторский текст все на том же «Саде». Гамлет — это одна из самых значительных ролей Смоктуновского. Ему было тридцать девять лет, тоже уже на пределе.

Вот сравните — если Гамлет у Оливье несколько экспансивный, он все время в движении, бегает, прыгает, то Смоктуновский совсем другой, вы сейчас это увидите, он такой надломленный, рефлексирующий. И внимательно посмотрите, как Козинцев решает те же две сцены.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Вот видите, есть некое сходство, потому что Козинцев тоже выводит Гамлета к морю, ему тоже нравится видеть бушующие волны, это уже некий штамп возникает. И Козинцев, так же как и Оливье, отделяет этот знаменитый монолог, выводит его из контекста действия, только, наоборот, он переставляет его уже вперед, до сцены с Офелией. Опять же, если следовать каноническому тексту, то там, напоминаю, этот монолог внутри сцены, а Козинцев его выделяет.

Мне кажется, совершенно замечательный здесь Смоктуновский — тонкий, без нажима. Когда он говорит: «Я вас любил когда-то…», ему абсолютно веришь, понимаешь его страдания. Кстати, сам Смоктуновский, с которым я об этой роли говорил, остался недоволен как своей работой, так и режиссерским решением. С Козинцевым он больше не работал.

Тем не менее Козинцева после этого фильма начали особенно ценить в мире, приглашать на различные шекспировские фестивали. Картина стала действительно известной. Смоктуновский получил за эту роль Ленинскую премию, Козинцев тоже. И серьезные шекспироведы, с которыми мне довелось общаться, высоко оценивали этот фильм. После него Козинцев, как вы знаете, сделал еще одну шекспировскую экранизацию — «Короля Лира».

«Гамлет» Дзеффирелли

Следующий наш автор — это замечательный итальянский режиссер Франко Дзеффирелли, знаменитый своими шекспировскими картинами. По-моему, он поставил все основные шекспировские пьесы — и в театре, и в кино. Не менее знаменит он и как замечательный оперный режиссер. «Гамлет» так же, как и в случае с Козинцевым, был его заветной мечтой. Вообще, многие выдающиеся режиссеры отдавали дань этой пьесе: Андрей Тарковский, например, ставил «Гамлета» на сцене Ленкома, великий японский режиссер Акира Куросава снял своего «Гамлета», естественно все переиначив.

Фильм Дзеффирелли признан самой точной, классической экранизацией пьесы. Гамлета здесь играет Мел Гибсон, которому в это время было тридцать пять лет, тоже не мальчик. Почему Дзеффирелли пригласил Гибсона?

Надо учитывать, что Гибсон в это время был очень на слуху после «Безумного Макса» и целого ряда картин, он вошел в когорту мировых звезд первой величины. Поэтому, конечно, идея сделать Мела Гибсона Гамлетом была не просто творческой, а еще и очень коммерческой — огромное количество молодых девушек по всему миру, умиравших от восторга по поводу Мела Гибсона, должны были пойти посмотреть «Гамлета» с его участием.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Видите, с одной стороны, несмотря на весь свой опыт и талант, Дзеффирелли тоже не может справиться с тем, как это написано у Шекспира. Он тоже выносит этот монолог из сцены, отделяет его. Но зато, по-моему, очень хорошая идея и настоящее режиссерское решение — перенести весь монолог в гробницу, где Гамлет общается с умершими. За счет этого особого места действия монолог сразу обретает совсем другую силу и мощь и становится гораздо более убедительным. Это серьезная режиссерская идея, и в результате вся сцена сразу же становится очень весомой. Но, как видите, с шекспировской конструкцией Дзеффирелли все равно не совладал, предпочел решить это именно таким образом.

Гамлет здесь сам по себе тоже интересный. Хотя все равно узнаешь знакомые приемы Гибсона. Он ведь снимался здесь после «Смертельного оружия». А там, помните, он без конца бегал, выпучив глаза, был такой экспансивный, стремительный, он и здесь местами такой же. Я помню, когда эта картина вышла, была масса споров по поводу такого решения — очень уж необычный Гамлет появился.

«Гамлет» Брана

И наконец, последний «Гамлет», которого я хочу вам показать, — это фрагмент из фильма замечательного английского актера и режиссера Кеннета Брана. Когда Брана появился, его стали называть «вторым Лоуренсом Оливье». Он сначала стал известен как театральный артист на сцене лондонского театра «Ковент-Гарден», потом проявил себя как театральный режиссер, а затем довольно молодым человеком был приглашен в Голливуд в качестве актера и режиссера.

В Голливуде его мощным прорывом стал фильм «Генрих V», который он поставил в восемьдесят девятом году, сам сыграв главного героя. Он получил за этот фильм премию БАФТА за лучшую режиссуру, был номинирован на премию «Оскар» как лучший актер. И дальше лет семь подряд Брана каждый год делал по картине, в том числе одну шекспировскую — «Много шума из ничего». Поставил, в частности, «Франкенштейна» — большую, многомиллионную картину, где он опять же играет главного героя. Вообще, Брана во всех своих фильмах сам снимается, сам играет, и, с моей точки зрения, он и режиссер выдающийся, и актер замечательный.

И как всякий выдающийся актер-режиссер, он конечно же мечтал сыграть Гамлета и наконец эту свою мечту осуществил. Убедил Голливуд дать ему пятнадцать миллионов, столько тогда стоила эта картина, это девяносто шестой год.

Этот фильм, с одной стороны, самая подробная экранизация «Гамлета», потому что фильм идет четыре часа, там ни одна шекспировская строчка не пропущена. В этой картине Брана сделал неожиданную вещь — он полностью перенес все действие из шекспировского Средневековья и датского замка Эльсинор в другую, не совсем четко определенную страну. То ли это Австрия, то ли Россия — этакое странное место действия. К тому же он перенес его в XIX век, все здесь происходит в XIX веке. Причем происходит все время в снегах, во льду, тут постоянный холод в этом роскошном то ли австрийском, то ли русском дворце.

Брана собрал блестящую команду актеров, — кого тут только нет, даже Ричард Аттенборо! — и сам сыграл Гамлета, тоже, кстати, уже почти на пределе, ему здесь тридцать пять лет. А Офелию играет тогда еще совсем молоденькая Кейт Уинслет.

Почему я начинаю показ не прямо с выбранной для обсуждения сцены, а намного раньше, чем в предыдущих фрагментах, которые мы смотрели?

Потому что тут невозможно отрезать, все снято одним большим кадром на сложном внутрикадровом монтаже, поэтому я так и начинаю показ этого фрагмента — иначе это было бы неуважением к режиссеру. Обратите внимание, как сделан первый кадр, прежде чем посмотрите все остальное.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Кеннет Брана не сделал ни одной купюры в шекспировском тексте, не внес никаких изменений, в отличие от всех предыдущих режиссеров, которые ставили «Гамлета». Я был абсолютно поражен, когда увидел эту картину. Как мне кажется, это совершенно потрясающее кино именно с режиссерской точки зрения. В частности, идея перенести действие этих двух сцен в зеркальный зал, по моему убеждению, абсолютно блистательна. Потому что теперь это уже не просто монолог «Быть или не быть?», Брана превратил его в диалог с самим собой, благодаря зеркальному отражению, с которым Гамлет общается. К тому же монолог обрел еще и двойной смысл, так как за этим зеркалом прячутся Клавдий и Полоний.

Вообще, это совершенно счастливая, замечательная идея — окружить все действие этаким бесконечным количеством открывающихся потайных дверей, зеркалами, за которыми можно прятаться и сквозь которые можно подсматривать. Этот дворец весь состоит из каких-то ловушек, тайников, что сразу придает значимость и объем всему происходящему. Видите, как много определяет натурная площадка. Брана снимал в замке графа Мальборо, который полностью отдал на растерзание кинематографистам свой замок и сам даже снялся в этой картине (сыграл стражника).

И сцена с Офелией становится предельно яркой и динамичной, когда она тоже происходит перед зеркалами, когда обыгрываются отражения. В этой сцене, если вы обратили внимание, первый раз из всех четырех вариантов, которые мы посмотрели, Гамлет на наших глазах принимает решение и отказывается от Офелии. Во всех предыдущих вариантах он это решение принимал раньше, и во время сцены просто его обнародовал.

По-моему, это замечательная режиссерская работа. Когда я первый раз посмотрел фильм, я был просто восхищен дарованием этого человека, масштабом его режиссерской мысли, тем, как он придумал этот фильм, как он его сделал. И совершенно не важно, что он перенес действие в XIX век, я бы сказал, что все стало даже значительней. Далеко не все шекспироведы со мной согласятся, например, известный шекспировед Алексей Бартошевич категорически фильм не принял, ему он показался скучным, длинным, а режиссерские открытия, в частности эту сцену у зеркала, счел просто забавными.

Кстати, по поводу длины картины. С коммерческой точки зрения фильм был успешен. Несмотря на его протяженность, его купило огромное количество стран, так что он с лихвой отбил затраты.

Я слышал такое мнение: «Мне кажется, что последний вариант, это уже не Шекспир вовсе и не „Гамлет“. Потому что то, что описывал Шекспир, — это совсем другой антураж. Тут уместно море, огромный замок, лестницы, одиночество Гамлета. А здесь, в этом фильме, слишком много всего. Ощущение, что режиссер проблему Гамлета прячет за всем этим антуражем. И сам Гамлет какой-то непонятный».

Категорически не могу согласиться. Не буду повторяться по поводу режиссерского решения. Что же касается актерской работы, то, знаете, каждое десятилетие шекспироведы вручают приз лучшему Гамлету поколения, и вот Кеннет Брана его получил. То, что он не похож на традиционный образ, с моей точки зрения, очень хорошо. Брана даже внешне нашел совсем другое решение. Он, как вы видели, полностью обесцветил себе волосы, сделал из себя этакого платинового блондина.

Напомню вам, что в России был и другой Гамлет, не менее знаменитый, чем все те, которых мы сейчас с вами видели, но совсем другой. Абсолютно неистовый, почти бешеный, глубоко страдающий — Гамлет Владимира Высоцкого, которого он потрясающе сыграл в Театре на Таганке в замечательном спектакле Юрия Любимова.

Давайте подведем некий итог. Очевидно, что чем более талантлив режиссер, тем интереснее его трактовка. Вы видите, как по-разному это происходит. Можно выбрать еще с десяток «Гамлетов», и всегда это будет сделано по-другому, всегда по-своему. Это и есть то, что называется «свой почерк в режиссуре», потому что каждый из этих режиссеров, фрагменты из фильмов которых мы видели, — высокого класса талантливый профессионал, и его почерк всегда можно узнать по целому ряду признаков.

Так, скажем, всегда и легко узнается Дзеффирелли. Кстати, считается, что его «Ромео и Джульетта» — это лучшая экранизация шекспировской пьесы вообще, хотя их тоже была тьма-тьмущая. И я с этим абсолютно согласен. Возвращаясь же к «Гамлету» — может, и у вас когда-нибудь будет свой «Гамлет».

Монтаж

А теперь давайте немножко поговорим о монтаже, потому что это очень важная часть нашей работы, честно вам скажу, моя любимая. Из всех элементов, из которых состоит работа кинорежиссера, я лично больше всего люблю монтаж и могу даже объяснить почему. Потому что, когда ты снимаешь картину, это все равно так или иначе всегда некий компромисс. Идеально не получается никогда, обязательно что-то чуть-чуть не так, что-то не то: артисты ли не совсем так играют, оператор ли не совсем так снял, декорации построили не совсем те, что надо, погода подвела. Даже при том, что ты очень доволен, как ты снял кадр, — ну просто замечательный кадр! — но идеально не получается никогда. Все равно всегда существует определенный компромисс между идеалом, который у тебя в голове, и тем, как это реально воплощается.

А когда ты попадаешь в монтажную — всё, тут тебе никто не мешает, никто тебя не раздражает, ни от кого и ни от чего ты больше не зависишь и можешь полностью сосредоточиться на картине и колдовать с ней какое-то время наедине. И рождается что-то, о чем ты раньше и не думал. Это некое таинство, так я это воспринимаю.

Я, по-моему, рассказывал о том, как в Голливуде на моей первой американской картине «Time of darkness» («Время тьмы») — в российском прокате «Феофания, рисующая смерть» — монтажер, с которым я пришел знакомиться после окончания съемок, сказал мне: «Ну все, приятно было познакомиться, а теперь я буду работать, а ты иди, гуляй!».

Я был совершенно ошарашен и обижен — как так, меня вдруг лишили моего любимого удовольствия?! Как это так — кто-то чужой будет без меня монтировать мою картину?! Потом я понял, что в этом есть определенный смысл. Свежий, незамыленный взгляд профессионала-монтажера может многое привнести в фильм.

Что такое монтаж?

Это не просто складывание кадров и выстраивание их в некой логической последовательности. Очень многие думают, что это и есть монтаж, а это не монтаж, это склейка. Монтаж — это поиск нового качества сцены: вот сцена снята, вот она логически выстроена (по-английски это называется rough cut — кадры выложены в логическом последовательном порядке!), и только после этого, после того как она склеена, выстроена, и начинается монтаж, то есть поиск наиболее выразительного решения для этой сцены. Всегда есть масса вариантов: если у вас сняты крупные планы, детали, средние планы, общий план, то у вас на руках масса материала, и очень важно понять, какой из всех возможных вариантов оптимальный.

Не менее важно разобраться, в каком ритме будет смонтирована сцена. Я помню, у меня был студент, сделавший такой этюд: снял ноги, которые маршировали. Его идея была в том, чтобы показать под музыку, как по-разному люди ходят. Музыку он выбрал заранее, она ему очень нравилась. Но когда он все эти кадры с марширующими ногами сложил и подложил музыку, оказалось, что ничего не работает, все выглядело очень скверно. Почему?

Да потому что люди ходили в совершенно разном ритме, каждый ходил по-своему, и ритм этой ходьбы с музыкой совершенно не совпадал. В голове у него все это замечательно монтировалось, а на поверку никак не получалось, и он был очень расстроен. Что мы сделали? Я ему сказал: «Сократи длину кадров по ритму музыки». Он сократил, то есть чисто формально мы обрезали его кадры по музыкальным фразам, и все получилось. Все эти шаги разной походкой, направленные в разные стороны, внезапно заиграли, потому что протяженность временного экранного куска стала точно ритмически попадать в музыку.

Получается, что у нас два совершенно разных ритма: один ритм — внутрикадровый и другой ритм — протяжение самого кадра. Соответственно, если вы правильно все делаете и учитываете, как картина будет складываться, то и актеры ваши действуют в определенном ритме, и сцена идет в определенном ритме, и монтировать тогда вам гораздо легче. Если же вы ошиблись во время съемки и тот ритм, в котором вы сняли сцену, не соответствует общему ритму картины, который должен быть все время у вас в голове, то тут возникает большая проблема.

Знаете, в чем сложность нашей работы?

Когда композитор пишет свою симфонию, она у него постоянно звучит в голове, и он расписывает на нотной бумаге звучание каждого отдельного инструмента. Так и у вас должна быть в голове вся картина, когда вы снимаете кино. Тогда вы чувствуете каждую ноту в оркестре, тогда вы понимаете, что звучит фальшиво, что неправильно.

Возвращаясь к нашей теме, скажу: можно многое исправить в монтаже, исправить ошибки, совершенные во время съемок. Но в идеале, конечно, монтаж не просто исправляет, а намного улучшает все, что вы снимали и делали.

Приемы монтажа

Есть энное количество разных монтажных правил. Если вы откроете любой учебник по монтажу, — такие все-таки существуют в природе (один из первых, кстати, был написан замечательным режиссером Львом Кулешовым!), — вы обязательно о них прочтете. Они довольно просты, и их, конечно, следует знать, хотя я думаю, что любой нормальный человек, практикуясь, так или иначе их для себя определяет.

Скажем, плохо монтируются между собой планы примерно одной крупности. Если они отличаются друг от друга несильно, то всегда будет ощущение скачка на экране.

Но есть главное правило этого удивительного искусства монтажа, главный закон, который состоит в том, что любое монтажное правило можно нарушить и вывести в прием.

Что такое «прием»?

Прием — это когда что-то повторено минимум три раза. Как только что-то повторяется три раза, так у зрителя возникает ощущение, что это прием. Допустим, у вас явно плохое сочетание кадров из-за маленькой разницы в крупности, возникает нехорошее ощущение дрыжка, но если вы три раза подряд повторяете такое сочетание, то начинает казаться, что это сделано специально, что это прием, это не ошибка, и зритель именно так это воспринимает и «покупает» это.

Прелесть монтажа в том, что на самом деле можно делать все что угодно, если выводить это на уровень приема, то есть повторив несколько раз.

Монтаж аттракционов

Из знаменитых монтажных терминов, пожалуй, самый известный — эйзенштейновский «монтаж аттракционов». Сергей Эйзенштейн сам вышел из цирка, из театра, он начинал как яркий театральный, цирковой художник и режиссер. Он считал, что кинематограф должен брать пример с цирка и с мюзик-холла по части этих бьющих по мозгам эффектов, которые и в цирке, и в мюзик-холле обязательно делаются. То есть когда все направлено на то, чтобы резко возбудить зрителя, тем или иным образом разбудить его эмоции, заставить его либо волноваться под барабанную дробь, чтобы он дрожал, думая, что сейчас кто-то упадет с каната, либо, наоборот, заставить его смеяться с помощью клоунских трюков и реприз. То есть идет очень серьезное давление на зрителя, на его чувства, и для этого и в цирке, и в мюзик-холле выбираются определенные эмоциональные моменты, чтобы зрителя ткнуть в них носом.

Отсюда у Эйзенштейна и появился этот метод «монтажа аттракционов», который он сначала воплотил в театре, когда ставил «На всякого мудреца довольно простоты» Островского. Тогда, во время работы над постановкой, у него эта идея и появилась. Он опробовал эти приемы, чрезвычайно сильные, сначала в театре, а потом идею монтажа аттракционов перенес в кино.

Что же такое монтаж аттракционов в понимании Эйзенштейна?

Это резкое столкновение кадров, которое должно вызывать у зрителя яркую эмоцию. Кадры, которые, казалось бы, не должны стыковаться между собой, он специально соединял для того, чтобы вызвать нужную ему зрительскую реакцию. При этом обязательно у всей этой длинной цепочки соединенных кадров должна быть общая соединяющая линия, созданная в определенном ритме, — отсюда возникает ощущение полифонии.

Давайте посмотрим, что делал Эйзенштейн, потому что иначе, на словах, это все кажется странным и непонятным. Это фрагмент из его фильма «Октябрь». Грандиозная сцена с поднимающимся мостом.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Здесь абсолютно замечательное, по-моему, совпадение внутреннего ритма каждого кадра и его протяженности по длине. За счет этого совпадения получается потрясающий эффект, так как одно накладывается на другое и, естественно, еще поддерживается музыкой. Если бы вы вычертили покадровый график, вы бы увидели, как выстроена вся сцена, как она постепенно ускоряется, как каждый кадр становится все короче-короче-короче-короче, как Эйзенштейн ритмически все это выстраивает.

Строящийся монтаж

Это термин выдающегося отечественного режиссера Всеволода Пудовкина. Смысл этого метода в том, что за счет монтажа, то есть организовав материал соответствующим образом, можно вложить в него совершенно новый смысл, тот, которым он вовсе не обладал изначально.

Пудовкин приводил следующий пример. Он брал три кадра — улыбающееся лицо персонажа, крупный план револьвера и то же лицо, но испуганное. Возникало ощущение, что персонаж трус, боится. Если же поменять местами первый и третий кадр, то ощущение возникало прямо противоположное — персонаж ничего не боится, он бесстрашен. То есть перестановка кадров меняет смысл и, соответственно, эмоциональное воздействие на зрителя.

Другой пример строящегося монтажа — создание необходимого впечатления за счет набора отдельных деталей, не показывая при этом всю сцену целиком. Тут расчет на воображение зрителя. Мы с вами говорили об этом, когда обсуждали, что показывать и что не показывать.

Интеллектуальный монтаж

Это еще один метод, который изобрел великий Сергей Эйзенштейн. Он противопоставлял его методу строящегося монтажа Пудовкина.

Вслед за своим учителем Львом Кулешовым, который впервые подвел под монтаж теоретическую базу, Эйзенштейн считал монтаж новым, диалектическим способом создания смысла происходящего. То есть, в отличие от последовательного монтажа, он соединял, казалось бы, совершенно несвязанные друг с другом кадры. От этого неожиданного соединения возникали удивительные зрительские ассоциации.

Монтажная фраза

Есть такое понятие — монтажная фраза. Что это такое?

Монтажная фраза — это некое монтажное построение, в результате которого возникает либо определенная мысль, либо определенная эмоция. Я вам очень советую — мне, по крайней мере, это всегда помогает, думаю, и вам поможет, — проговаривать эту монтажную фразу вслух, как литературную фразу, тогда гораздо яснее, что вы реально пытаетесь слепить и как.

Кроме того, если это хорошая, правильная литературная фраза, в ней тоже всегда есть определенный ритм. Давайте возьмем любую фразу, ну, например: «На берегу пустынных волн стоял он, дум великих полн, и вдаль глядел. Пред ним широко река неслася…»

Вы можете сказать: «Вы специально взяли поэзию! Конечно, тут четкий ритм».

Пожалуйста, давайте возьмем какую-нибудь прозаическую фразу. В данном случае не играет никакой роли, проза это или поэзия, это должна быть хорошая литературная фраза.

Но давайте разберемся в этих пушкинских поэтических строках. Итак: «На берегу пустынных волн стоял он, дум великих полн, и вдаль глядел. Пред ним широко река неслася». С чего начинается эта история в кино? Понятно, что сначала вам нужен общий план, чтобы обозначить некую географию происходящего. То есть общий план — берег реки, на котором стоит человек.

Теперь «стоял он, дум великих полн». Это что у вас? Это, совершенно очевидно, крупный план, потому что как иначе вы можете понять, что человек «дум великих полн»? Только заглянув ему в глаза. А для того, чтобы заглянуть ему в глаза, вам нужен крупный план.

Дальше — «пред ним широко…» Это то, что он видит, то есть это уже его точка зрения. Опять же либо общий план, либо, что лучше, панорама: «широко река неслася» — и так далее.

Понятно? Это я вам даю подсказку для будущей вашей работы. Для того чтобы сделать красивую монтажную фразу, вначале напишите ее на бумаге, придайте ей изящную литературную форму. Независимо от того, что именно вы пытаетесь сказать, это вам пригодится.

Вы спросите: «То есть надо написать литературный сценарий?»

Отнюдь нет. Это не литературный сценарий. Литературный сценарий вообще ушел в прошлое, такого понятия теперь уже и нет, это именно монтажная фраза. Ритм, в котором вы ее напишете, тоже имеет большое значение для вашего монтажа.

Хорошая литературная фраза поможет вам выстроить правильную монтажную фразу. Допустим: «Вечерело, солнце садилось, петухи уже кричали, но магазины были закрыты, и Ваня не мог никуда попасть». По крайней мере, в этой фразе есть какой-то смысл и какая-то эмоция, об этом я и толкую. Монтажная фраза должна быть выстроена изящно, точно, она несет в себе определенную мысль, некую эмоцию, а литературная запись — это вам подсказка для того, чтобы ее красиво выстроить.

Внутрикадровый монтаж

Еще существует один интересный термин — внутрикадровый монтаж. Разберемся, что это такое.

Вы планируете, рассчитываете весь монтаж внутри одного кадра и не режете его нигде, то есть вы продумываете, как вы снимете кадр, и внутри этого кадра определяете, где у вас будет укрупнение, где общий план, профиль героя, деталь, что-то еще. При этом никаких склеек, все снимается одним сплошным кадром.

Вот мы видели у Кеннета Брана первый кадр — это такой долгий кадр с довольно непростым внутрикадровым монтажом. Этот длинный кадр заканчивается на среднем плане Кейт Уинслет, а начинается с общего плана, где по экрану идут сразу несколько персонажей.

А бывает, что внутрикадровый монтаж включает в себя и какую-то очень маленькую деталь, когда, скажем, вдруг камера крупно наезжает на что-то. Возможно любое сочетание — крупный план, общий план, наезд, отъезд. Все что угодно можно делать, особенно если у вас в руках стэдикам. Хороший оператор стэдикама может творить чудеса.

Это и есть внутрикадровый монтаж, и в случае его применения вы должны еще на уровне сценария очень тщательно продумывать монтажную фразу, потому что этот кадр не режется, он войдет в картину полностью таким, каким будет снят, исправить, переделать монтажом его уже нельзя. Вы его испортите, если начнете резать, потому что он не задуман как кадр, куда вы будете что-то вставлять. Монтировать его не нужно, он уже смонтирован, только внутрикадровым монтажом.

Возникает вопрос: «А еще нельзя рвать панораму, правильно?» Ну да, это не очень красиво. Опять-таки, если только это не делается специально, не возводится в ранг приема, когда панорама оборвалась раз, оборвалась два, оборвалась три, — тогда ради бога, имеете право!

В любом другом случае движение прерывать нехорошо, движение лучше всегда довести до конца или подхватить каким-то другим движением.

Параллельный монтаж

Что такое параллельный монтаж, я уверен, вы понимаете. Рассказывается одна история, и параллельно ей идет другая история, и вы перемежаете одну и вторую. За счет этого можно создать очень высокое напряжение действия, сократить длинноты.

Как видите, это очень просто. Хотя кинематограф пришел к этому монтажу тоже далеко не сразу. Первооткрывателем такого метода считается замечательный американский режиссер Дэвид Гриффит, фильм которого «Нетерпимость» вы просто обязаны посмотреть.

А теперь я хочу чуть подробней рассказать вам, как я обычно монтирую, может быть, что-то из этого вам пригодится. Я для себя называю такой метод музыкальным монтажом, хотя официально подобного термина не существует.

Музыкальный монтаж

Зачастую в кино бывает так: вы начинаете монтировать, пока музыки еще нет, композитор ее еще не написал, потому что он ее напишет под картинку, то есть под уже выстроенный монтаж. В идеале вы должны ему дать уже абсолютно выверенный чистовой монтаж, потому что он будет писать по секундам, и ему очень важно знать, где, сколько, какой кусочек длится — здесь пять секунд, здесь пятнадцать секунд и так далее. Поэтому композитор может предварительно делать какие-то эскизы, которые вы обсуждаете, но окончательно он вступает в работу, когда у вас готов чистовой монтаж, он работает под картинку, под экран. Сложность нашей работы состоит в том, что музыки еще нет, а вы уже должны смонтировать кино.

Я с вами делюсь своим опытом и даю рекомендации, исходя из него же. Так вот, мне помогает следующее. Я беру какую-то временную, условную музыку примерно такого же звучания, какое, по моему представлению, должно быть потом в фильме, и, самое главное, такого ритма, который мне нужен, и монтирую кино под эту музыку.

Я делаю это в том случае, если хочу, чтобы данный кусок картины был музыкальным, то есть если мне надо, чтобы он точно попал в нужный мне ритм. В качестве временной музыки я использую чужие вещи, зачастую знаменитые, но я это делаю только для себя, это моя кухня. К тому же для меня это полезно еще и потому, что помогает точно определить, чего я хочу от композитора.

Вопросы из зала

А было ли так, что конечный вариант вам нравился меньше, чем черновой?

Бывало всякое. В этом случае моя задача добиться, чтобы композитор, с которым я работаю, написал бы не хуже, чем тот пример, который я ему дал.

То есть вы эту временную музыку показываете композитору?

Да, в некоторых случаях показываю. Я говорю: «Мне нужно примерно что-то такое».

Повторяю, поскольку я люблю музыкальные вещи и в моих картинах, как правило, очень много музыки, то мне помогает, когда я пользуюсь чужой музыкой, как неким примером. Я и на съемках иногда запускаю какую-то музыкальную фонограмму для актеров, чтобы их правильно настроить. И в монтаже я часто подкладываю какую-то временную музыку, чтобы правильно смонтировать сцену, а потом просто меняю ее на специально написанную.

А как вы работаете с фонограммой для актеров — вы включаете, и они играют, или это происходит до съемки?

Это зависит от того, синхронная сцена или нет. Если она синхронная, то есть если актеры разговаривают, то, конечно, я не могу включать фонограмму во время сцены. В этом случае я даю им послушать музыку, чтобы настроить на определенный лад.

А если это сцена несинхронная, где звук не пишется, то, разумеется, фонограмма может звучать. В последних моих картинах, как правило, в основном все синхронно, никакого озвучания потом нет, все пишется вчистую. Но случается несинхрон, бывают сцены без слов, и если мне важно, чтобы актеры действовали в определенном настроении и в определенном ритме, то я запускаю им фонограмму, чтобы они под нее работали, и это им сильно помогает.

Скажите, а много ли материала вы снимаете про запас, чтобы потом, может быть, использовать его при монтаже?

Нет, ничего лишнего я не снимаю. Я не делаю этого по той причине, что я почти всю жизнь работал с пленкой. Пленка — вещь дорогая, каждый лишний дубль — это всегда деньги, каждый лишний кадр — это рабочее время. Я рассчитываю свое рабочее время по кадрам: допустим, у меня рабочий день двенадцать часов, час — обеденный перерыв. Значит, уже одиннадцать. И вот перед тем, как идти на съемку, я обязательно лишний раз проверяю, сколько кадров я сегодня должен снять. А в Соединенных Штатах — сколько страниц, так как они считают не по кадрам, а по страницам. Мы здесь, в России, считаем по кадрам.

Это значит, что я не ленюсь, хожу с секундомером и засекаю время, сколько каждый кадр у меня идет. Хотя я это уже просчитывал, когда писал режиссерский сценарий, но перед съемкой я это непременно делаю еще раз. Плюс, у меня репетиции до съемки, где я тоже это делаю, чтобы точно понимать, сколько кадров за день успею снять.

На каждый кадр добавляйте еще минимум час, если не два, на перестановку света. Соответственно, количество кадров, которые вы можете снять за день, сразу резко уменьшается. Это еще зависит от того, какой сложности эти кадры.

Поэтому о том, чтобы снимать лишние кадры, я даже думать не хочу. Эта формула — «может быть, пригодится» — для меня исключена!

Но вот недавно я впервые снимал, вернее, не я, а мой режиссер, я был продюсером, так вот впервые я снимал большую игровую картину на цифровую камеру. Конечно же это большое облегчение, потому что я только что объяснял, как я пытаюсь все точно просчитать, а тут никто ничего не считает. Проще и лучше снять все насквозь — в эту сторону, потом в другую, и так далее, — раз уж все равно все готово для кадра, ведь пленка же в этом случае ничего не стоит, ее просто нет. Лишние несколько секунд роли не играют, зато потом появляются дополнительные возможности для монтажа. Так что это, безусловно, довольно важный плюс при цифровой съемке.

Но есть и минус в этом изобилии материала. Я однажды, по-моему, уже об этом говорил: понимаете, можно сесть на стул только один раз, нельзя сесть дважды, трижды и с разных ракурсов. Это абсолютно бессмысленно — снимать, как человек садится на стул с разных ракурсов. Вы уж решите изначально, как именно вы хотите это снять.

Потому что вы должны понимать — чем больше материала вы сняли, тем тяжелее будет ваша работа в монтаже. Сняв гору лишнего материала, вы обрекаете себя на чистое мучение, это стандартная ошибка начинающих режиссеров, которым кажется, что чем больше снимешь, тем лучше. Нет, совсем не лучше!

Лучше решить, что вам нужно, заранее. Поверьте мне, это гораздо правильней. Это вас обезопасит от тяжелых мук во время монтажа. Я видел такую ситуацию неоднократно — отснят огромный ворох материала: и так можно, и сяк можно, миллион вариантов, и человек сидит с головной болью и не понимает, что ему делать.

Бывало ли в вашей практике, что в раскадровке у вас задумано одно, а на площадке вы понимаете, что, благодаря случайности, родился какой-то неожиданный интересный момент? Меняете ли вы тогда свою раскадровку?

Ну, разумеется, как же иначе! Я вообще импровизатор по натуре, очень люблю это дело. Безусловно, если я вижу, что на площадке родилось что-то более яркое, чем моя домашняя заготовка, то, конечно, я ее тут же меняю.

Монтажная пауза

Что еще можно добавить о монтаже?

Сейчас монтаж приобрел особое качество потому, что звук стал крайне значителен. Вы же не просто монтируете изображение, вы еще всегда учитываете и звук тоже, то есть звук влияет на монтаж. Допустим, в этом месте вам нужна пауза, нужна тишина. Что это означает?

Это означает, что этот монтажный кусок у вас будет более длительным, потому что, если он будет коротким, ощущения паузы не возникнет. Значит это зависит от звука, то есть вы уже изначально понимаете, что вам в данной сцене и в определенном кадре нужен длинный звук примерно вот такого плана. Но если нужен длинный звук, то, может быть, нужен и длинный кадр, тогда таким образом выстраивается ритм.

«Да здравствует Мексика!»

Давайте посмотрим еще один маленький фрагмент. Он из фильма «Да здравствует Мексика!». Это удивительная работа все того же Сергея Эйзенштейна. В тридцатом году прошлого века, после феноменального успеха фильма «Броненосец „Потемкин“», снятого в двадцать пятом году, Эйзенштейн, будучи уже мировой звездой, а также его оператор Эдуард Тиссэ и его ассистент Григорий Александров были приглашены на студию Paramount в Голливуд. Перед этим Эйзенштейн много ездил по Европе, читал лекции, рассказывал про кино, и вот его пригласили на Paramount, и самое поразительное, что советская власть его отпустила и он туда поехал. Причем пригласили его не просто, а пригласили на постановку. Это вообще было большое событие, потому что впервые в Голливуд пригласили на постановку советского режиссера.

Paramount Pictures заключила с Эйзенштейном контракт на экранизацию романа Теодора Драйзера «Американская трагедия». И он вместе с Айвором Монтегю и Григорием Александровым и при содействии самого Драйзера начал работу над сценарием. Но ничего из этого проекта не вышло. Paramount в конце концов отказалась от его сценария.

Довольно долго и мучительно после этого американские продюсеры обсуждали с Эйзенштейном разные варианты того, что он будет снимать, и все что-то никак не ладилось, ему все предложенное не нравилось.

До тех пор пока знаменитый американский писатель Эптон Синклер не предложил написать сценарий и снять фильм о Мексике. Тут Эйзенштейн страшно загорелся, и они втроем с Тиссэ и Александровым — это была такая авантюра, по большому счету — отправились в Мексику, где исколесили всю страну и без конца при этом снимали.

Это была крайне сложносочиненная история, этот фильм, потому что Эйзенштейн в одной картине решил объединить и документальные новеллы, и игровые. Он хотел создать целую панораму этой, тогда абсолютно загадочной и не ведомой никому страны. Я не сомневаюсь, что он бы создал великую картину, если бы ему дали довести весь этот замысел до конца, но, к сожалению, ему этого сделать не дали, потому что, естественно, в Советском Союзе было много доброхотов, которые безумно завидовали тому, что вот они сидят тут, а Эйзенштейн колесит в свое удовольствие где-то там за границей.

И Сталин, которого кто-то подначил, послал Эйзенштейну телеграмму с требованием вернуться назад, в Советский Союз, и великий режиссер совершил, по-моему, самый опрометчивый поступок в своей жизни — он вернулся.

При этом требование было вернуться срочно, и предполагалось, что отснятую в Мексике пленку ему перешлют, там было 80 тысяч метров пленки. Но этого не случилось, пленка застряла в Голливуде, и никто не торопился ее пересылать. Получили ее здесь у нас только спустя 50 лет, и Григорий Александров, который уже к этому времени сам стал знаменитым режиссером, снял «Волгу-Волгу», «Цирк» и другие фильмы, смонтировал эту картину из того, что удалось тогда получить, потому что это был не весь отснятый ими материал. Александров смонтировал картину, предполагая, что примерно так бы ее смонтировал его друг и учитель Эйзенштейн, хотя я думаю, что, конечно, не так.

И вот именно в таком варианте этот фильм «Да здравствует Мексика!» сейчас существует. Он все равно ужасно интересен, как и все, что делал Эйзенштейн. Это всегда ни на что не похоже, всегда очень оригинально и безумно талантливо.

Я хочу показать вам только две минутки этого фильма, самое его начало, когда идет еще документальная часть. Закадровый текст читает Сергей Бондарчук.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Помимо того, что здесь каждый кадр очень живописен, замечательные композиции — все-таки снимал выдающийся оператор Тиссэ! — еще, если вы обратили внимание, тут превосходная монтажная фраза. Помните, о чем я говорил, что такое «монтажная фраза»? Если ее переложить на литературный язык, она бы, наверное, звучала так: «Замечательные лица индейцев на фоне древних ацтекских статуй, похожие на них. Лица мужские, женские, люди, которые взбираются по этим пирамидам. И опять — лица, лица, лица, которые, оказывается, принадлежат группе людей, несущих умерших».

Соответственно, в монтажной фразе это крупные, крупные, крупные планы, которые перетекают в длинный общий план с панорамой. Вот такой ритм у этой монтажной фразы.

Понятно, да? Тогда на этом с теоретической частью можно закончить.

11. Стратегия режиссерской борьбы

Этапы борьбы за ваше кино. Построение режиссерской карьеры. Участие в фестивалях. Охрана сценария. Планка кинорежиссера

Стратегия выживания

Эта лекция посвящена весьма животрепещущей теме — нашей стратегии выживания, или стратегии в борьбе за кино.

Есть три основных момента в нашей профессии, связанных с этой темой. Первое — кино надо запустить. Что для этого нужно? Для этого нужна, в первую очередь, как мы с вами говорили, основа основ, то бишь хороший сценарий. И финансирование, разумеется. То есть — хорошая история и деньги. Вот, собственно, два главных компонента, необходимых для запуска проекта.

Второе — как снять фильм, об этом мы уже говорили выше.

И третий момент, не менее важный, после того как картина уже снята и сделана, — как с ней быть дальше, как довести ее до зрителя, как ее продать, грубо говоря. И это, уверяю вас, не менее серьезная проблема, чем две предыдущих. Показать — еще ладно, допустим, просмотр или премьеру вашего фильма удалось организовать, но вот продать его, выпустить в широкий кино- или телепрокат — это намного сложнее.

Итак, это три главных этапа нашей профессиональной жизни. Можно, конечно, не обсуждать третий этап, потому что, по большому счету, это дело продюсера, но, с другой стороны, от того, как картина будет продана, как она пойдет, кто ее увидит, зависит, естественно, и судьба режиссера, потому что, если его никто не знает, никакой судьбы у его фильма не возникло, никто его не видел, то и судьба режиссера складывается достаточно печально, или, скажем так, сложно. Поэтому третий этап все-таки неотъемлем от нашей работы и очень важен.

Попробуем рассмотреть все эти три этапа.

Запуск проекта

Давайте по порядку. Сначала о том, как запустить картину в наших условиях. Будем надеяться, потому что хочется надеяться на что-то хорошее, что государство все-таки очухается и поймет, что необходимо поддерживать кино иначе: не распределяя все основные деньги между несколькими продюсерскими компаниями, а на конкурсной основе, как это бывало раньше, тем самым помогая молодым компаниям, молодым продюсерам, молодым режиссерам. Хочется верить, что так оно и будет.

Соответственно, один из путей найти финансирование для вашего проекта — это получить господдержку, что очень непросто, потому что для того, чтобы получить господдержку, нужно подать на конкурс готовый проект. Сейчас поясню, что я имею в виду. Представьте себе, что вы обращаетесь в государственную или в какую-то частную структуру, в кинокомпанию, это неважно, и вот вы приходите и говорите: «Здравствуйте, вот я такой-то замечательный режиссер. Что у вас там есть в вашем сценарном портфеле? Дайте-ка я там пошурую, может, мне что-то понравится». Как вы думаете, какая будет реакция? Уверяю вас, если вы не чей-то сын или дочь, не любовница какая-нибудь олигархическая, а просто режиссер, который хочет работать и сделать первые шаги, то это будет очень непросто. Никто вас с распростертыми объятиями не ждет. И сценарный портфель для вас никто не готовит. Это очень тяжелый путь, я об этом вас сразу предупреждал, еще в самом начале наших занятий.

Единственное, чем вы можете его себе облегчить, придя к вашему предполагаемому инвестору, — это предложить готовый проект. Повторяю, не важно, кто этот инвестор, это может быть государство, может быть какая-то частная компания, важно только, чтобы он был, потому что без денег кино сделать невозможно. Так вот, если вы приходите к такому инвестору с готовым проектом, это уже совсем другой разговор.

Что значит — готовый проект? Это означает, что у вас в руках прекрасный сценарий, в который вы верите. Если вы в него не очень верите, то не стоит даже начинать, потому что, только глубоко веря во что-то, можно убедить кого-то другого.

Если вы приходите с таким проектом, тогда по крайней мере с вами серьезно разговаривают, потому что вы не просто никому не известный Петров или Петрова, а вы Петров, который принес очень интересный сценарий, который нравится, увлекает, у которого есть перспектива. Тогда на вас обращают внимание, говорят: «А покажите, Петров (или Петрова), что вы умеете». Вы отвечаете: «А вот у меня есть такие-то ролики».

Я произнес слово «ролики». Для того чтобы двигаться вперед, нужно иметь ролик: то есть вы не просто пришли, а принесли с собой ваш демо-ролик. Такой ролик — это ваша визитная карточка. Не важно, сколько он идет, он может идти четыре минуты или пять минут, я бы рекомендовал от четырех до восьми, где-то в этом промежутке, потому что больше никто не любит смотреть, дольше десяти минут — это вообще очень тяжело.

Имейте в виду, люди, от которых зависят деньги и принятие решений, терпеть не могут двух вещей: первое — они не любят что-либо читать, как ни странно. Из бесчисленного количества сильных мира сего, с которыми я общался, а уж поверьте, их были сотни, я видел, может, одного-двух, максимум трех читающих людей, все остальные ничего не читают, особенно им не нравится читать сценарии.

У меня когда-то была такая голливудская история: был один знаменитый продюсер, собственно, он еще есть, слава богу, жив-здоров, — это Пол Маслянский, он делал «Полицейскую академию», «Русский дом» и много еще других картин… Так вот мне устроили с ним встречу, я приехал на Warner Brothers, это был вечер пятницы. И Пол мне говорит, видимо, он уже устал к концу недели: «Знаешь что, прежде чем мы будем говорить о твоем проекте, я хочу тебе предложить следующее. Вот видишь, у меня тут на столе лежит два десятка сценариев. С собой на уик-энд я могу взять только один, не больше, потому что я же должен отдыхать хоть иногда. Так вот, если ты мне сейчас найдешь, какой именно сценарий я возьму с собой, тогда я внимательно выслушаю твой проект». После чего он достал саксофон и стал играть, а я начал перелистывать сценарии, ничего не понимая, да и как можно понять за столь короткое время?!

Наконец я выбрал тот, который мне показался наиболее привлекательным, просто потому, что я посчитал его название самым интересным, и говорю: «Вот этот!» А он говорит: «Нет, ты ошибся!» И вытаскивает из пачки совсем другой, с ничего не говорящим названием. И спрашивает: «А знаешь почему?» Я честно признался, что понятия не имею, чем он руководствуется. И он заявляет: «Да потому что он самый тонкий!» Это был Пол Маслянский, крупный голливудский продюсер.

То же самое и здесь, у нас, — люди терпеть не могут читать. Поэтому для того, чтобы продюсеры хоть что-то прочли, вы обязаны, во-первых, изложить свой проект как можно короче и как можно убедительнее, желательно, на полстранички; во-вторых, если вы говорите вслух — помните о питче? — то же самое: надо не пространно, красочно, размахивая руками, рассказывать, а максимум в три минуты уложить свой рассказ о том, какой это потрясающий проект, — тогда, возможно, ваш гипотетический инвестор или продюсер прочтет эти полстранички. Если он полстранички прочтет и заинтересуется, у вас должны быть наготове полторы-две странички, как второй вариант, или, может быть, еще чуть подробнее.

И второе — как я уже говорил, эти люди не любят смотреть длинные ролики. Понимаете, одно дело, они идут в кино, на премьеру, или смотрят что-то дома, — это они отдыхают. А когда они смотрят ваш ролик, они считают, что это работа. Поэтому чем он короче и убедительней, тем лучше. В идеале, чтобы он был минут на пять и чтобы этот ролик был ярким, необычным, чтобы в нем было что-то, чего ваш продюсер или инвестор еще не видел, если, конечно, такое возможно.

Очень тяжело заставить продюсеров что-то толком посмотреть. Поэтому я и говорю, что ваш ролик, в любом случае, не должен превышать десяти минут. Заставить людей что-то долго смотреть, а «долго» в их понимании — это все, что больше десяти минут, очень сложно. Так же, как очень трудно заставить их прочесть больше полутора страниц. Так что запомните, что краткость — сестра таланта, и исходите из этого. У всех мало времени, и всем неохота ни читать, ни смотреть — они смотрят другие вещи.

Замечательно, когда вы можете подкрепить ваш проект участием звезды. На Западе это имеет гораздо большее значение, чем у нас, но и у нас тоже немаловажно. То есть если у вас есть какие-то пути заинтересовать кого-то из актеров, то, конечно, этим надо воспользоваться. Наши актеры куда более доступны, чем западные звезды, никто не откажется вас выслушать, если вам очень этого хочется. Поэтому, если вы добавляете: «Кстати, Владимир Машков очень хочет это играть, спит и видит. Можете у него удостовериться!» — это уже большой плюс. «А сколько он возьмет?» — непременно спросит инвестор. И если вы говорите: «Ну, он так заинтересован, что готов сделать большую скидку», то успех в финансировании вам обеспечен.

Это единственное, что я могу вам посоветовать в плане поисков финансирования. То есть опять же все прежде всего упирается в историю. И это должна быть не просто хорошая история, а такая история, без которой жить невозможно, — просто замечательная история, которую совершенно необходимо снять.

Какие еще могут быть плюсы, когда вы представляете свой проект?

Мы с вами их обсуждали. Давайте вспомним. У вас гораздо больше шансов, если вы говорите: «Эта картина будет стоить всего-навсего…» — и какую-то скромную цифру обозначаете. Почему можно снять фильм столь недорого? Потому что он происходит в одном месте, в нем всего три или четыре главных персонажа, причем это никак не отражается на качестве. Картина все равно будет замечательная, очень смешная или очень страшная, но при этом она стоит в два раза дешевле, чем любой другой проект. Сразу будет большой интерес у продюсеров, уверяю вас, сразу! Потому что в конечном счете все считают деньги, и всем важно не просто выкинуть их неизвестно на что, а по крайней мере вернуть их обратно. Любое кино — это риск, это мы знаем, а если ты молодой человек, который толком ничего до сих пор не снял, — это уже риск вдвойне, ведь тебе надо доверить немалые деньги. Поэтому уменьшить этот риск возможно только таким образом.

Итак, мы с вами обсудили первый этап и чем его можно подкрепить. Другой стратегии я здесь не вижу.

Исполнительный продюсер

Второй этап мы с вами пропускаем, потому что мы уже об этом много говорили: о всяких подводных камнях, которые возможны по ходу дела, об отношениях с продюсером, с оператором и с артистами. Это мы все обсуждали.

Пожалуй, могу только добавить, что еще очень важны отношения с директором — у нас теперь часто эту должность называют «исполнительный продюсер». Странное такое придумали название, по-моему, совершенно не по-русски звучит. Фактически это и есть директор картины.

И с этим человеком тоже должен быть полный альянс, потому что у него сложная роль — с одной стороны, он работает на продюсера, то есть его задача всячески вас ограничить, и на все ваши: «А хотелось бы это…», он должен говорить: «Нет!» Но с другой стороны, если вам удастся наладить с ним хорошие отношения и убедить его, что то, что вы просите, — это важно и нужно, он будет носом землю рыть, чтобы вам помочь и сделать картину такой, какой вы ее видите.

Это очень значительный персонаж в команде, и крайне важно, как у вас с ним все будет складываться. Это по части производства.

Дистрибуция и фестивали

Итак, картина готова, и наступает совершенно новый этап вашей жизни, теперь ее нужно кому-то показать. Вот здесь, как ни странно, все зависит от вашей энергии и вашей инициативы, потому что можно двигаться разными путями. Стандартный путь, по которому, скорей всего, пойдет ваш продюсер, — это показать картину дистрибуторам. Как правило, продюсера мало волнуют фестивали и награды, которые вы там можете получить.

На Западе вообще разделяется прокатное кино и фестивальное. Тамошние продюсеры, как правило, считают, что фестивальное кино более артхаусное, и поэтому в прокат оно обычно не идет. У нас несколько по-другому на это смотрят, но, так или иначе, продюсер обязательно будет стараться картину продать. Если он вложил в нее деньги, он должен их вернуть, значит, он непременно покажет ее прокатчикам и закупщикам на телеканалах. Замечательно, если кто-то купит картину. Если тем самым ваш продюсер таким образом вернет свои деньги, значит, у вас все хорошо. Но зачастую картины никто не покупает. Почему?

Потому что ваш фильм (разве что это что-то из ряда вон выходящее!) — это фильм небольшого бюджета, без крупных звезд, и дистрибуторам такая картина не интересна. Ведь на те маленькие деньги, которые вы получите (если вы их получите!), фильм с размахом, с привлечением большого количества звезд, иначе говоря, коммерческую большую картину снять невозможно, так или иначе, это будет какое-то камерное кино, или, как говорят прокатчики, артхаус.

У нас сейчас кино четко делится на блокбастеры и артхаус. Деньги, выделенные государством на кино и переданные в недавно созданный Фонд кино, преимущественно предназначены именно для создания блокбастеров. На самом деле это, конечно, неправильно, но у нас вот так все разделено. Что же касается так называемого артхаусного кино, то денег на него выделяется очень мало, и подобные фильмы практически никто не покупает: ни кинотеатры, то есть прокатчики, ни телеканалы, ни DVD-компании, никто. Происходит это только в каких-то редчайших случаях. А покупают они в основном те фильмы, на которых могут заработать, то бишь ориентированные на массовую аудиторию, а еще точнее — ориентированные на массовую молодежную аудиторию. К тому же наша система киномаркетинга работает в целом очень плохо.

То есть ситуация достаточно сложная, и какие из нее выходы?

В мире и в России проходит огромное количество фестивалей. В Штатах, например, чуть ли не в каждом городе по фестивалю, всего сотни и сотни. И в России их сейчас полно, несколько десятков. И они все множатся. Я, к примеру, получил Гран-при за «Улыбку Бога» на I Всероссийском кинофестивале «Ейский маяк» в городе Ейске. А недавно возглавлял жюри полнометражных фильмов на I Международном кинофестивале детских, юношеских и семейных фильмов «Ноль плюс» в Тюмени. Можно еще много привести примеров. Я не уверен, честно говоря, что приз в Ейске что-то поменяет в вашей судьбе, но если, предположим, ваша картина, попав на какие-то небольшие фестивали, потом попадает на более престижные и в конце концов становится известной, то это вполне реальный путь и для продвижения вашего фильма, и для вашей карьеры.

Я вспоминаю Международный кинофестиваль документальных фильмов в Новосибирске, где я был почетным гостем с моим документальным фильмом «Пробуждение» об августовском путче девяносто первого года. Так вот я там познакомился с польским режиссером, который меня поразил своим рассказом. Этот парень снял свой первый фильм и вот уже больше полутора лет ездит с ним по всему миру, переезжая с фестиваля на фестиваль, и больше ничего не делает. Тут такая интересная вещь — если ты попадаешь в международную фестивальную систему и фильм как-то прозвучал, о нем говорят, пишут, то потом уже сами фестивали, которые связаны между собой, начинают передавать его друг другу вместе с режиссером. То есть, на самом деле, можно действительно так жить довольно долго, переезжая из одного города в другой. Этот молодой режиссер объездил весь мир — примерно 60 с лишним стран — и везде показывал свой фильм. Если бы он сам решил совершить подобное кругосветное путешествие, это стоило бы ему огромных денег, а тут мало того что фестивали все ему оплачивают, — он еще приобретает международную известность, обрастает связями.

Фестиваль — это не просто возможность показать фильм. Фестиваль — это пространство, на котором обязательно возникают новые контакты, непременно открываются какие-то новые возможности. Это продюсеры, которые ищут что-то новое и многообещающее, это прокатчики, которые тоже в поиске, это директора других фестивалей, это, наконец, члены жюри, каждый из которых — профессионал. И при этом все эти люди разные, из разных стран и могут быть даже из разных областей, так или иначе связанных с кино. То есть фестиваль — это, на самом деле, очень важное, серьезное дело в нашей с вами жизни. И чем он крупнее, тем, естественно, он серьезней и тем на выходе он лучше, то есть тем весомей ваше в нем участие. В этом смысле очень важен уровень фестиваля.

Что это такое — уровень фестиваля? Скажем, всем известно, что наш Московский международный фестиваль — это фестиваль группы А, куда он попал еще десятки лет тому назад. Вроде бы это очень серьезный уровень, потому что фестивали группы А — это крупнейшие фестивали в мире, это Канны, Венеция, Торонто, Монреаль, Берлин. Почему я говорю «вроде бы»? Давайте разберемся, что такое вообще крупный фестиваль. У него есть три главных критерия: первый — участие мировых звезд, второй — участие серьезной международной кинокритики, то есть мировых журналистов, и третий, может быть, даже самый главный — то, как участие в этом фестивале меняет судьбу картины и судьбу ее режиссера.

Так вот, участие в фестивале группы А полностью меняет всю судьбу картины и режиссера. Всего-навсего простое участие, я уж не говорю о случае, когда картина выигрывает какой-то приз. Если вы имеете право поставить на своей картине of cial selection, то есть эти две веточки, подтверждающие, что ваш фильм отобран пусть даже не в главный конкурс, а просто в официальную программу, например, в Каннах, это автоматически означает, что вашу картину купит энное количество стран. Так что это чрезвычайно важно.

К глубокому моему сожалению, Москва ничем этим не знаменита. Если к нам и приезжают мировые звезды, то, как правило, единицы, то есть кого-то одного удается зазвать. Международных крупных критиков тоже особо не видно, и никакого влияния даже главный приз Московского фестиваля на судьбу картины и ее создателя не оказывает. Даже если, допустим, этот приз получит российская картина, это все равно не гарантирует, что фильм покажут в собственной стране режиссера. Не говоря уж об иностранных картинах. Если фильм получил приз Московского фестиваля, то это вовсе не значит, что он тут же выйдет в прокат — никакой связи! Это нонсенс. Невозможно себе представить, чтобы итальянский фильм, получивший приз в Венеции, не вышел в Италии. То же самое касается и всех остальных стран. Поэтому я и говорю, что номинальная принадлежность Московского международного кинофестиваля к группе А еще не определяет его высокий уровень. Хотя, надо отдать должное Кириллу Разлогову и всей команде, готовящей фестиваль, программы московского фестиваля, особенно внеконкурсные, всегда очень интересны.

Помимо Московского международного кинофестиваля есть куча всяких других — и в России, и за ее пределами. Из наших крупных национальных фестивалей это «Кинотавр» в Сочи, «Окно в Европу» в Выборге, «Амурская осень» в Благовещенске, «Киношок» в Анапе, «Литература и кино» в Гатчине, «Фестиваль фестивалей» в Санкт-Петербурге, «В кругу семьи» в Иркутске и так далее. И за рубежом их огромное количество. Никто не может ограничить вас в идее послать фильм на любой фестиваль в мире, никто!

Надо иметь в виду, что всякий фестиваль — это все равно всегда какая-то политика, кто-то кого-то проталкивает, кто-то какие-то интересы лоббирует. Наши отечественные фестивали в этом плане исключением не являются. Обычно у фестиваля есть хозяева, и у людей, которые им владеют, разумеется, есть свои интересы. Зачастую это тоже бывают киношники, нередко они сами производители, значит, они в первую очередь заинтересованы в том, чтобы прежде всего наградить и продвинуть свои фильмы. За рубежом тоже есть своя коррупция, но она, как мне кажется, все же меньше, чем у нас. По крайней мере, я вот бывал в разных жюри в разных странах и никакого специального давления на себя не ощущал.

Один мой ученик отправил в Канны свой фильм, и ему пришел ответ, что фильм официально выбран и он может с ним приехать. И он поехал, завел там очень полезные знакомства. Фильм просто попал в одну из программ, но карьера этого молодого режиссера тут же начала развиваться.

Я вам уже приводил пример из собственного опыта, когда рассказывал про фильм «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)». Когда я его закончил, то посмотрел, на какие фестивали группы А я успеваю. Ближайшим оказался Монреаль. Я бросил DVD с фильмом в почту и забыл об этом. Прошло две недели, когда мне вдруг позвонил президент фестиваля Серж Лозик и сказал: «Поздравляю, вы в главном конкурсе, вы представляете Соединенные Штаты. Приглашаем вас с вашей группой в Монреаль». И сразу судьба картины изменилась, тут же появились всякого рода предложения по дистрибуции.

Вопросы из зала

А какие есть ограничения?

Нет никаких ограничений. Есть только технические критерии. Когда вы открываете сайт фестиваля, там всегда написано, какие требования, в частности, на каком носителе вы должны представить фильм. Вот в Монреале, например, хотя это фестиваль группы А, мы показывали картину не на пленке, а в цифровом формате, это допускалось. У фестивалей бывают свои небольшие отличия в плане технических требований.

А что реально вы получили от фестиваля?

Тот факт, что картина представляла США в главном конкурсе, моментально вызвал к ней огромный интерес, была большая пресса, картину стали покупать. Вот и все.

Фестиваль — это реальный путь для продвижения вашей картины. И здесь все зависит только от вас, от вашей инициативы, вашей энергии. Единственный минус — довольно много американских фестивалей берут вступительный взнос за рассмотрение возможности участия вашего фильма. То есть вы посылаете картину, не зная, возьмут ее или не возьмут, но в любом случае вы должны заплатить тридцать, сорок или пятьдесят долларов. Очень многие маленькие фестивали берут такие деньги, в противном случае они фильм даже не рассматривают. Это их доход. Ведь в среднем каждый такой фестиваль получает от полутора до трех тысяч заявок на участие.

Фильм должен быть дублирован на английский язык?

Не обязательно. Но субтитры на английском должны быть непременно. Бывают такие фестивали, где требуется, чтобы фильмы были представлены только на языке той страны, где проходит фестиваль, но это редкость. Английский язык давно стал международным, и обычно, если это международный фестиваль, на английском картину берут.

Нужно ли приобретать права на использование фрагментов музыки?

Обязательно. Вы не имеете права использовать даже одну секунду чужой музыки без разрешения, на это должен быть соответствующий документ. Некоторые режиссеры и продюсеры этого не делают, надеясь на авось, в смысле, может, никто не заметит, и проскочит. Я этого категорически не советую. А если не проскочит? Тем более если фильм представлен на международном фестивале, то такой скандал, связанный с судом, вам совершенно не нужен.

Прилагать никаких документов, когда вы отсылаете картину на фестиваль, не надо. Просто имейте в виду, что, не имея прав на музыку, вы вообще не можете никуда продать картину. Потому что в обязательном порядке, когда вы продаете кому-то фильм — любому прокатчику, любому телевидению или компании по производству DVD, — вы предоставляете музыкальную справку, где перечислены абсолютно все музыкальные моменты картины, и подписываете документ, что вы владеете всеми этими правами.

Нужно ли подтверждать документально, что я режиссер фильма?

Для продажи — безусловно. Продюсерская компания должна подтвердить, что владеет всеми правами. Подтвердить она это может договорами с режиссером, с автором сценария, с композитором. Для фестивалей ничего этого подтверждать не нужно.

Но, заключая договор с продюсером, мы разве не отдаем ему все права?

Нет, не все. Фильм снят по определенному сценарию, и этот сценарий является неотъемлемой собственностью его автора. Не важно, что он продал его продюсеру, сценарий все равно на всю жизнь является его интеллектуальной собственностью.

И если вы по этому сценарию сняли фильм, то вы автор этого фильма и, соответственно, по любому международному авторскому праву, являетесь наряду с автором сценария и композитором одним из хозяев этой интеллектуальной собственности. Для того чтобы вы могли представить фильм на фестиваль, этого совершенно достаточно.

Можно ли украсть сценарий?

Сценарий надо предохранить, то есть зарегистрировать в соответствующем месте по охране авторских прав. В каждой стране, в том числе и в нашей, это делают. Но все равно бывают случаи, что и зарегистрированные сценарии воруют, все бывает. Мир большой, и каких только изворотливых проходимцев в нем нет.

Я прекрасно помню, как пришел в Голливуде к одному продюсеру, который пригласил меня для разговора, и он мне сказал: «Я слышал, что ты хорошо и быстро пишешь и можешь очень быстро написать сценарий». Я отвечаю: «Да, могу». Он: «За какой срок?» Я: «Ну, если сильно понадобится, то за неделю, пожалуй, смог бы». Он говорит: «Ну, очень хорошо, это то, что мне надо. Мне тебя очень хвалили, вот, держи сценарий — иди, пиши». Я беру в руки сценарий, ничего не понимаю и спрашиваю: «Я что-то не понял, что значит „вот сценарий“? Что писать? Он же уже написан!» Он говорит: «Как что? Возьми, поменяй имена, немножко все измени — и дело с концом. У меня уже деньги есть на этот проект, я договорился. Иди, переписывай!» И это был реально действующий продюсер. Я, разумеется, вернул ему сценарий, ушел и больше с тех пор никогда с ним не встречался.

Так что все бывает. Воруют идеи, воруют истории. Мне однажды позвонил мой приятель и спрашивает: «Ты читал сегодня „Hollywood Reporter“ (это главная кинематографическая газета в Америке)?» Я отвечаю: «Нет, а что там?». Он говорит: «Посмотри первую страницу». Я смотрю и вижу заметку о том, что такой-то компанией запущена новая картина. Там подробно изложен весь замысел фильма. И я понимаю, что это один к одному мой сценарий, просто все мои ходы. Бывают, конечно, совпадения, но не может точно то же самое прийти в голову еще кому-то. Так что у меня сомнений нет, что это моя история, тем более вестерн — жанр достаточно необычный. Я звоню своей агентше и спрашиваю: «Ты читала?» Она: «Да, читала». Я говорю: «Ну, что мы будем делать?» Она спрашивает: «У тебя есть сейчас свободные 35 тысяч долларов? Можем начинать судиться. А если нет — ничего делать не будем, будем ждать, пока фильм выйдет. Тогда, по крайней мере, если будем судиться и выиграем, то получим намного больше». Вот такая была история. Фильм, кстати, по-моему, так и не вышел, поэтому до суда дело не дошло. Так часто бывает — фильм запускается, но потом производство закрывается. Причина, как правило, одна — исчезло финансирование.

В Штатах, для того чтобы обезопасить свой сценарий, делают даже двойную охрану — регистрируют сценарий сначала в писательской гильдии, а потом еще для верности посылают в Библиотеку Конгресса. У нас в России сейчас есть несколько мест, где можно зарегистрировать сценарий, и это надо делать обязательно, чтобы хоть как-то себя подстраховать.

Нестандартные пути

Давайте пойдем дальше. Если вы помните, в самом начале наших занятий я вам пытался объяснить, насколько это тяжелое дело — кинорежиссура. И эти три этапа, которые я вам обозначил выше, они, каждый по-своему, безумно тяжелые. Очень сложно запустить фильм, и это трудно не только у нас. Например в Голливуде, если картина запускается, считают, что произошло чудо, потому что запускается один фильм из тысячи. Писательская гильдия в Голливуде ежедневно регистрирует десятки новых сценариев. Представляете, сколько за год?! Из них реализуется примерно пятьсот, а пять тысяч сценариев так и лежит, а еще с прошлого года пять тысяч, а еще с позапрошлого, и так далее. Их десятки и десятки тысяч, поэтому-то, когда все же запускается картина, все считают, что произошло чудо. Это очень тяжелый этап, говорю об этом совершенно серьезно.

Сделать хорошую картину — об этом мы говорили в течение всего курса — безумно сложно. А дальше, когда кажется, что уже все, можно наконец вздохнуть, начинается не менее тяжелый и мучительный этап — как эту картину продать? Как ее показать? И как с ней дальше быть? Вы ведь с ней уже кровно связаны. И здесь хороши любые пути.

Приведу вам пример. Когда я работал в Лос-Анджелесе, у меня завязывались какие-то отношения со студией MGM — «Метро-Голдвин-Мейер». И всякий раз, когда я туда ездил, я видел, что перед воротами студии стоят два молодых парня с плакатом, на котором большими буквами было начертано: «У нас написан абсолютно блестящий сценарий!» Все уже к ним привыкли, они простояли там не меньше двух или трех недель, честное слово. Но самое интересное, что, в конце концов, один из executives, то есть один из руководителей студии, остановился и попросил этот сценарий почитать. И у них его купили и запустили в производство. Настоящая голливудская история.

Или вот вам другая история: парень стал себя снимать простой любительской камерой. Его идея заключалась в том, что он, никому не известный молодой человек, познакомится и снимет у себя в фильме кинозвезду Дрю Берримор. И вот он начал снимать себя этой любительской камерой. Сначала рассказывал, что он собирается делать, а потом снимал, как он это делал. И кончилось тем, что он действительно каким-то невероятным образом встретился с Дрю Берримор, она пришла к нему на свидание в ресторанчик. И все это вошло в фильм. Полнометражная история про то, как он ищет пути с ней познакомиться, как звонит одному, другому, и в конечном счете финал фильма — наконец он с ней встречается. Этот фильм был удостоен всяких призов, вышел в прокат. У дебютанта-режиссера сложилась карьера, он получил деньги на следующую картину.

То есть всякие нестандартные ходы возможны, все, повторяю, зависит от вашей энергии, инициативы и фантазии. Могу привести вам еще несколько подобных случаев. Последний, известный мне, — молодая пара на маленькую цифровую камеру сняла фильм, который называется «Паранормальное явление». Там ничего не происходит, совсем ничего, с моей точки зрения. Просто нарастание саспенса в доме, где эта пара ночует. Бюджет этого фильма был, насколько я помню, двенадцать с половиной тысяч долларов. Изрядную часть этих денег они потратили на мебель, которой обставили этот дом. Фильм был куплен, попал в большой прокат, в результате заработал какие-то немыслимые деньги, по-моему, восемьдесят или восемьдесят пять миллионов долларов. Так что все бывает.

Другой подобный пример — «Ведьма из Блэр», также снятый на ручную камеру. Там трое героев ходят по лесу и снимают друг друга. Опять же ничего не происходит, с моей точки зрения. Абсолютно феноменальный успех! Потом эти ребята сняли продолжение «Ведьмы из Блэр», уже с большим, многомиллионным, бюджетом, хотя по сути все то же самое, потом сделали фильм «Предыстория: Ведьма из Блэр», потом еще что-то. Так что они уже лет десять занимаются только этими «Ведьмами» и более чем обеспечены, а ведь это были абсолютно нищие студенты, тоже дебютанты, но вот выстрелило.

Или еще один пример. Молодая супружеская пара — режиссер и его жена, продюсер, — поехала на Багамы с тем, чтобы снять фильм про то, как человек отстал от катера, который вывозил туристов в океан плавать с аквалангом, и как его съели акулы. Вот и все, вся история. Акул никто не показывает, но зато показывают, как человек в воде медленно умирает, потому что его оставили одного. Фильм основан на реальных событиях. Кстати, актрису во время съемок там действительно укусил кто-то, ей полпальца отхватила какая-то хищная рыба.

Бюджет этого фильма был, правда, не двенадцать тысяч, а в десять раз больше, — они потратили сто двадцать тысяч. Но по сути это тоже крошечные деньги для художественной картины. У них купила этот фильм за два с половиной миллиона долларов компания «Lions Gate». Фильм вышел в мировой прокат — по-английски он называется «Open Water», а по-русски «Открытое море» — и имел большой успех. Всем интересно посмотреть, как акулы кого-то жрут. Спустя три года был снят сиквел — «Дрейф», в российском прокате — «Открытое море-2».

Я все это рассказываю вам к тому, что, как вы видите, есть совершенно разные пути. Выигрывают люди, которые не боятся нестандартных решений, которые вообще не боятся рискнуть. Ведь конкуренция на самом деле огромная. Раньше, при советской власти, кинорежиссеров готовили только два места в нашей стране — ВГИК и Высшие режиссерские курсы, — и только человек, обладавший специальным дипломом Курсов или ВГИКа, имел право снимать кино, всем остальным постановка на студии не светила.

Сейчас все изменилось, любой может снимать кино, ничего для этого не нужно, кроме умения и денег. И конкуренция тем самым выросла невероятно. И для того, чтобы выиграть в этой конкуренции, надо приложить мозги, просто так не выиграешь ни за что. А тем более сложно пробиться в Голливуде, где вообще весь мир толкается локтями. Да и у нас страна немаленькая, желающих получить деньги на картину и снять ее тоже немало. Вот что я вам могу сказать по поводу стратегии.

Успех и бюджет

Я с вами абсолютно искренен, говорю только то, что знаю на собственном опыте, на опыте своих студентов. У меня есть целый ряд очень успешных учеников, но они шли именно таким фестивальным путем: сначала маленькие фестивали, если там фильм проходит успешно, его посылают дальше, дальше и дальше.

Знаете, что самое замечательное на самом деле в нашем бизнесе? Что совершенно не важно, сколько потрачено денег, и совершенно не важно, какой камерой вы сняли фильм, на цифру или на пленку, все это жюри не волнует.

Мой «Пистолет (с 6 до 7.30 вечера)», производство которого обошлось в крохотную, по большому счету, сумму — сто двадцать тысяч долларов, конкурировал на Монреальском Всемирном кинофестивале с картинами, которые стоили пятьдесят и сто миллионов, они были в одном конкурсе. Не помню, сколько их там было, кажется, семнадцать картин в главном конкурсе.

Жюри волнует только результат вашей работы, представленной на фестивале. Как вы достигли этого результата — ваше дело. Я считаю, что это замечательно, это очень демократичная часть нашей профессии.

Никто не оценивает: «О! Этот фильм стоил двадцать миллионов или сто двадцать миллионов, поэтому к нему надо по-другому относиться». Нет! Как вы знаете, главный «Оскар» несколько лет назад получил не «Аватар» Джеймса Камерона стоимостью в двести восемьдесят миллионов долларов, а независимая картина «Повелитель бури» Кэтрин Бигилоу со скромным бюджетом в десять миллионов. Потому что оцениваются талант и качество работы.

Еще вопросы из зала

Расскажите о последнем фильме, который вы продюсировали в Америке.

Это такая ироническая комедия, она называется «Голливудский мусор» — о двух мусорщиках, работающих в Голливуде, и что с ними происходит. Мне не хочется рассказывать всю фабулу фильма. Она достаточно изящна, остроумна, и я очень надеюсь, что картина привлечет внимание, потому что история сама по себе смешная и трогательная. И тот факт, что ее действие происходит в Голливуде, тоже интересен, потому что всегда всем интересна звездная жизнь. Тот факт, что в маленькой картине участвовало несколько крупных звезд, тоже очень необычен. Я надеюсь, это привлечет внимание дистрибуторов потом. Режиссер, я уже об этом говорил — мой сын и ученик Филипп Волкен. Он же и написал сценарий. Это его дебют. Фильм, на мой взгляд, вполне состоялся. Он получил Гран-При на Голливудском кинофестивале, Приз за лучшую комедию на Международном кинофестивале в Хьюстоне, целый ряд других наград. Был в конкурсе Московского международного кинофестиваля. Благодаря всему этому у Филиппа появилась возможность запуститься со следующей картиной. Сейчас он снимает триллер «Вымогательство», тоже по своему сценарию.

У вас есть устоявшаяся стратегия, которой вы придерживаетесь?

Я вам все рассказал про стратегию. Мы шли тем же путем, то есть когда фильм был закончен, он отправился на фестивали и мы начали его показывать дистрибуторам — двигались двумя путями, в обе стороны. В результате контракт на «Голливудский мусор» с дистрибуторской компанией был заключен, и он сейчас продается по всему миру. Кстати, есть и третий путь — пока фильм еще не закончен, пойти в крупную компанию, большую студию, и предложить им так называемый rough cut, то есть сложенный, но еще не готовый фильм, чтобы они вложили в него деньги, довели фильм до конца и сами выпустили в прокат. Но в этом случае они, разумеется, заберут все права. Это возможный путь, но нужно оценить все за и против. Их предостаточно.

Скажите, пожалуйста, как вам кажется, почему довольно часто становятся успешными картины, в которых актер, исполняющий главную роль, и режиссер-постановщик — один и тот же человек?

Я не уверен, что это происходит так уж часто. Начнем с того, что каждая крупная звезда обязательно в какой-то момент решает, что ему или ей надо заняться режиссурой.

Им кажется, что это очень легко, потому что они находятся с другой стороны камеры, и у них складывается впечатление, что ничего такого особенного, чего бы они не смогли, в этой профессии нет. Обычно у каждой серьезной звезды есть хотя бы по одному снятому, то есть срежиссированному им или ею фильму. Но, как правило, на этом все заканчивается. Они довольно быстро понимают, что это была глупость, что режиссура — это совершенно другая профессия, и возвращаются к своей собственной. Так происходит в девяноста девяти процентах случаев.

Дело в том, что звезде получить деньги на картину неизмеримо проще, чем нам с вами. Хотя бы потому, что у него, у звезды, знакомое, узнаваемое лицо. И чем оно более знакомо, тем охотнее люди дадут деньги этому человеку. Если человек на них ежедневно пялится с экрана телевизора, то подсознательно к нему возникает доверие и желание быть причастным к его деятельности. Скажем, «Обитаемый остров» стоил, насколько я знаю, двадцать девять миллионов, но вряд ли он когда-нибудь окупится. Тем не менее, я не сомневаюсь, Федор Бондарчук получит деньги на любой другой свой проект, потому что он очень узнаваем, он постоянно фигурирует на обложках журналов, в телевизоре. Подобное происходит во всех странах. Звезде профинансировать свою картину, безусловно, проще.

Я говорил о девяноста девяти процентах. Но остается еще один процент — это те люди, которые не просто являются кинозвездами, это люди по-настоящему талантливые и мыслящие. Им тесны только актерские рамки. Они понимают, что могут совершить что-то серьезное, и совершают. Их не так много, но они есть — Клинт Иствуд, Мэл Гибсон, Кеннет Брана, Кевин Костнер, Никита Михалков. Недавно к ним присоединилась Анджелина Джоли. Это люди, которые, став звездой, ощутили в себе другие возможности и реализовали их. Когда мы говорим о таких величинах, как Чарли Чаплин, Лоуренс Оливье или Орсон Уэллс, это, конечно, некие исключения из правил, потому что это совершенно выдающиеся артисты и к тому же выдающиеся режиссеры.

Если вы помните (мы с вами смотрели отрывки из «Гражданина Кейна»), Орсон Уэллс в свои двадцать шесть лет разрушил массу правил, которые до него существовали в кино, и создал свои. Поэтому он стал великим режиссером, так же как, скажем, молодой Эйзенштейн. Это действительно очень крупный талант. Или тот же Клинт Иствуд — он, на мой взгляд, вообще феномен, уникальная какая-то фигура.

В общем, отвечая на ваш вопрос, скажу так: звездам легче начать заниматься режиссурой, но подлинный успех приходит к ним только тогда, когда это люди с действительно серьезным режиссерским дарованием.

А как удается удержать съемочный процесс, когда ты в это же время должен находиться в кадре?

Вы правы, это безумно сложно — все контролировать и одновременно еще думать о своей роли. Я не представляю себе, как начинающий человек, если только это не такой выдающийся талант, как Чарли Чаплин или Орсон Уэллс, может постоянно находиться и там, и там, то есть то с одной стороны от камеры, то с другой.

Но не надо также забывать, что звезды — это люди очень опытные. Они потому и звезды, что у них за спиной десятки картин, и они профессионалы очень высокого класса. И этот колоссальный опыт безусловно помогает им справляться с такой сложной двойной работой.

«Челюсти»

А теперь, подытоживая наше все сказанное, я хочу, чтобы вы посмотрели пару фрагментов. Начнем со знаменитого фильма «Челюсти» Стивена Спилберга, снятого в 1975 году. Вы ведь видели фильм, да? Напомню, что «Челюсти» — это был один из самых ошеломительных успехов в истории кино. Первая большая картина молодого Стивена Спилберга после его дебюта — фильма «Дуэль», или «Поединок». И эта картина сразу вывела его в первые ряды мировой режиссуры. Она получила сразу трех «Оскаров» — за лучший монтаж, лучшую музыку и лучший звук. Лично я бы в первую очередь наградил ее за режиссуру. Картина, с моей точки зрения, действительно замечательная. Кстати, именно этот фильм был впервые в истории кино назван блокбастером.

Посмотрим самое начало фильма.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Почему я хотел показать вам начало картины? Здесь уже заданы все ходы, которые режиссер дальше использует на протяжении всего фильма.

Первый фокус этой картины — до последних минут фильма никакой акулы мы ни разу не видим. Несмотря на огромную по тем временам стоимость сделанной в натуральную величину механической, начиненной электроникой акулы, Спилберг, идя на серьезный конфликт со студией, потратившей на эту акулу бешеные деньги, показывает нам ее только в самом конце, в последних трех минутах фильма. Но он оказался абсолютно прав. Кто там плавает, под водой? Как выглядит этот монстр-убийца?…

То есть режиссер совершенно замечательно сыграл на воображении зрителя, он дает зрителям возможность дофантазировать, и это оказывается гораздо сильнее, чем если бы он показывал нам эту акулу, как показывали их и подобных чудовищ до него в сотнях других картин. Каких только жутких монстров не показывали, но никогда это не производило столь сильного впечатления, как в этом фильме. Это первое важное открытие Спилберга.

Второй момент — придуман этот жуткий акулий взгляд, то есть активно используется субъективная камера, которая снимает из-под воды. Я вам честно признаюсь, после того, как я когда-то посмотрел эту картину, я зарекся заплывать далеко в океан, потому что у меня с тех пор все время ощущение, что кто-то снизу на меня смотрит. До Спилберга этого тоже никто не делал, он это придумал. Взгляд этот задан уже в первых кадрах фильма. И кстати, чем дальше идет фильм, тем меньше режиссер этот прием использует. Он не нуждается в том, чтобы повторять его снова и снова, так как этот взгляд уже крепко засел в зрительском сознании.

И третье — имидж акулы, помимо этого взгляда, главным образом создает музыка, которая звучит всякий раз при ее появлении. Как только эта музыкальная фраза была придумана, она сразу создала образ страшной акулы-убийцы. При первых же звуках мгновенно идет нарастание саспенса. Все это, разумеется, в сочетании с изображением океана, скрывающего акулу в своих глубинах.

Безусловно, в этом фильме и сценарий прекрасный, в основе которого замечательный одноименный роман Питера Бенчли, и актеры превосходные. Но думаю, что абсолютно выдающимся фильм сделали эти три компонента. Потом появились «Челюсти-2», «Челюсти-3», «Челюсти-4» и десятки других римейков и последователей, но на этот уровень кинорежиссуры уже, конечно, никто никогда не вышел.

Десятки лет на студии Universal всех пугают этой акулой. Когда там возят туристов, то непременно проезжают мимо озера, посредине которого рыбак на лодочке удит рыбу. А потом появляется акулий плавник, раздается знаменитая музыка, рыбак уходит под воду, на воде расплывается кровавое пятно, и т. д. Это один из самых популярных аттракционов на студии.

Если же говорить о чисто художественных достоинствах картины, то это тот редкий случай, когда сразу, с первых кадров, задан очень высокий уровень, и этот уровень выдержан в течение всей картины. Спилберг мастерски держит саспенс, ты смотришь фильм с неослабевающим вниманием, поскольку если вы внимательно посмотрите картину, то увидите, что саспенс тщательно выстроен по нарастающей.

Я помню, как зрители в кинотеатре радостно хлопали в конце, когда, слава богу, это чудовище наконец-то было уничтожено. Хотя на самом деле это конечно же сказка, потому что никакая акула не может так злонамеренно гоняться за корабликом, целенаправленно на него нападать и уничтожать его.

Как мы с вами говорили, основная тема Спилберга в его творчестве — человек и чудовище, и здесь она, конечно, обозначена очень явно. Как мне кажется, главный вывод, который мы с вами можем сделать благодаря ему, — это больше доверять зрителю, давать ему больше возможности что-то додумать, дофантазировать.

Помните, мы с вами говорили о том, что показывать и что не показывать? Я тогда не успел продемонстрировать вам этот фрагмент. Так вот, Спилберг не показывает и за счет этого очень сильно выигрывает.

«Запах женщины»

Посмотрим еще один фрагмент. Это уже совсем другая картина, тоже наверняка вам хорошо известная, — фильм «Запах женщины» Мартина Бреста, снятый в 1992 году, американский римейк одноименного итальянского фильма Дино Ризи, поставленного по роману Джованни Арпино «Мрак и мед». Это тот редкий случай, когда римейк не только не уступает оригиналу, а, на мой взгляд, по целому ряду параметров превосходит его. Внимание на экран.

(Идет демонстрация фрагмента.)

Мы посмотрели одну из лучших сцен этой замечательной картины. Здесь такой двойной фокус — сцена уже изначально, на уровне сценария, задумана как совершенно необычная, поражающая воображение, потому что слепой мужчина учит танцевать танго молодую красивую девушку, то есть сама по себе идея уже из ряда вон выходящая. А когда к этому добавляется великий артист, то, конечно, сцена становится потрясающей. Кстати, это первая роль актрисы Габриэль Анвар, после чего ее карьера прямо взлетела, один небольшой эпизод сразу сделал ей карьеру на долгие годы.

Опять же это, разумеется, немножко сказочная история, потому что мало таких мужчин, как Аль Пачино, да к тому же так танцующих, даже зрячие люди редко могут так танцевать, для этого надо быть танцором-профессионалом, а ведь он здесь играет слепого. И отнюдь не танцора, а военного офицера.

В реальности зритель конечно же ничего подобного никогда не видел. И он испытывает невероятное чувство восхищения и благодарности, потому что видит человека, который преодолевает, казалось бы, непреодолимое, и все это поддерживается совершенно чудной музыкой, которая создает необходимую атмосферу. Движение, пластика, музыка, замечательные артисты — здесь сразу несколько компонентов, которые захватывают и приковывают и делают эту сцену блистательной.

И в результате режиссерский расчет на то, что зритель поверит во все происходящее, срабатывает. Режиссерская планка в этой сцене поднята так высоко, что зритель даже не задумывается, насколько это происходящее реально.

Вообще, это парадокс хорошего кино — в обычной жизни чем выше поднимается планка, тем тяжелее ее взять, а в кино — чем выше ты ее ставишь, тем иногда, оказывается, проще ее взять, и когда это происходит, то становится большим событием. Так что очень важно изначально установить планку вашего замысла на серьезную высоту.

12. Правила игры

Цензура. Запрет картины. Борьба за фильм. Взлеты и падения. Суть профессии

«Приключения Петрова и Васечкина»

Я долго думал, чем закончить этот наш краткий курс. И в конце концов решил рассказать вам одну почти невероятную историю, которая представляется мне весьма поучительной. Поучительной и с точки зрения исторической, то есть вам будет полезно услышать о том, какие нравы царили в нашей стране лет этак тридцать пять тому назад, и с точки зрения профессиональной, то бишь что может произойти со снятым фильмом. К сожалению, все подводные камни предусмотреть невозможно. Но важно во что бы то ни стало удержать свою лодку на плаву.

История эта связана с двумя картинами, ставшими по сути моей визитной карточкой. Однако, если бы моя судьба сложилась иначе, что было очень возможно, она, скорей всего, была бы совсем другой. Итак, вот вам честный рассказ о том, что тогда произошло.

Кинематографисты редко меряют свою жизнь прожитыми годами — как правило, снятыми фильмами. Никто из нас не скажет: «это было в таком-то году», мы скажем: «это было во время съемок такой-то картины». Так вот, история, которую я расскажу, случилась со мной по окончании съемок фильмов о приключениях ставшей впоследствии знаменитой троицы — Петрова, Васечкина и красавицы Маши.

Фильмы «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» и «Каникулы Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» я снимал на Одесской киностудии по заказу Гостелерадио СССР. Это довольно важная информация для понимания происходившего. Фильмы в ту пору, а было это в 1983 году, полновластно принадлежали одной из двух государственных монополий — либо Госкино, либо Гостелерадио, независимо от того, на какой студии снимались. Оба госкомитета относились друг к другу весьма ревностно, если не сказать враждебно, в дела друг друга категорически не вмешивались, и, соответственно, отношения с кинематографистами у них тоже складывались совершенно автономно.

Фильмы, делавшиеся по заказу Гостелерадио, вся страна возила сдавать в московское телевизионное объединение «Экран», директором которого был тогда в ту пору довольно беззлобный, но подневольный и весьма боязливый человек Борис Михайлович Хессин. Именно он и давал окончательную оценку представленной картине — оценку, от которой зависели как экранная судьба фильма, так и гонорары его создателей.

Напомню вам: фильмы, о которых идет речь, были, во-первых, музыкальными, причем музыка, написанная молодым композитором Татьяной Островской, звучала по тем временам более чем современно и сильно отличалась от привычных «пионерских» мелодий, а во-вторых, картины эти несли в себе довольно сильный сатирический заряд. Дело в том, что я использовал в своих сценариях классические произведения, делая своеобразный парафраз, то бишь перенес их действие в сегодняшний день и дал их разыгрывать детям, в результате чего они начали звучать весьма остро, даже злободневно.

Так, скажем, первая серия «Каникул», являвшаяся полнометражным мюзиклом под названием «Хулиган», представляла собой современную вариацию на тему гоголевского «Ревизора», где все действие происходило в пионерском лагере. Занимавшие ответственные посты в лагерной дружине пионеры превратились, таким образом, в маленьких коррумпированных чиновников, каковыми они, между прочим, зачастую и были на самом деле.

«Экран», куда режиссеры на разных этапах работы над фильмом обязаны были представлять отснятый материал для утверждения, а точнее — для цензуры, почувствовав опасность, зревшую в моих картинах, давал мне бесконечные поправки, настаивая на досъемках, пересъемках, переозвучивании уже отснятых сцен.

Так, например, в номере «Танго», которое исполнял Васечкин, категорически было предложено убрать первое слово в словосочетании «красный следопыт», в противном случае весь номер должен был пойти «под ножницы».

В результате в куплете:

Пойми, я сердцем чист, Враньем по горло сыт, В душе я активист И красный следопыт!

Васечкин стал петь «… и даже следопыт!».

Или, скажем, в первой новелле «Приключений» — «Укрощение строптивой» — Васечкин, беседуя с Петровым, интересуется:

— Ты за луну или за солнце?

Петров сомневается:

— Ну, допустим, за солнце.

— За проклятого японца! — торжествует Васечкин.

— А если за луну? — озадаченно спрашивает Петров.

— За луну — за советскую страну! — снисходительно поясняет Васечкин.

Так вот, граничащая с безумием боязнь крамолы доходила до такой степени, что слово «советскую» тоже решительно потребовали заменить. В данном случае я вывернулся, поставив в фонограмме на это место громко прозвучавший школьный звонок, «забивший» иронично звучавшее словосочетание.

Примеров таких могу привести множество.

Вплоть до того, что спустя три месяца после окончания съемок я опять собрал съемочную группу и своих юных актеров, чтобы доснять целую сцену — как начальница лагеря читает детям «Ревизора» и распределяет роли. Это было сделано для того, чтобы снять сатирический пафос «Хулигана», как бы «перевести стрелки» на Гоголя, тем более что текст его использовался почти впрямую.

Однако даже эта решительная мера меня, точнее, мои фильмы, не спасла.

Фильм «на полке»

Долгую историю затяжной борьбы за строчки, куплеты, сцены и даже порой музыкальные фразы я сейчас опущу — не об этом речь. Перейду сразу к тому моменту, когда «Экран» принимал решение о судьбе уже полностью готовых и уже исправленных картин. К этому времени мой первый двухсерийный фильм «Приключения Петрова и Васечкина…» уже больше года лежал без движения. «Каникулы…», похоже, ожидала та же судьба.

После просмотра разъяренный Хессин стукнул кулаком по столу и объявил буквально следующее:

— Эти фильмы в эфир не выйдут никогда! Эти дети разговаривают и держатся не как наши дети! И вообще!.. Что за тексты они поют? Кто эти стихи написал?

— Я, — робко вякнул я.

— Ах вот оно что! — еще больше рассвирепел Хессин. — Теперь понятно! Ладно эти стихи и диалоги, но ведь и музыка не пионерская! И даже пластика не пионерская тоже! Этого мы на экранах никогда, вы слышите, товарищ Алеников, ни-ког-да пропагандировать не будем! Это не советские фильмы! Это какие-то сплошные американизмы!!!

Никакие мои уговоры открыть глаза и посмотреть в окно, чтобы хотя бы прислушаться к доносящейся оттуда современной музыке, — увы! — не возымели ни малейшего действия. Нюхом чующий скрытую крамолу Хессин категорически стоял на своем. Приговор был окончательный и обжалованию не подлежал. Фильмы о Петрове и Васечкине легли «на полку», другими словами, на веки вечные отправились в фильмохранилище без права показа в эфире.

При этом справедливости ради следует заметить, что лично ко мне директор «Экрана» относился с безусловной симпатией, проскальзывающей даже во время гневных отповедей, обрушивавшихся на меня. Он как бы пытался дать понять, что самому ему фильмы, безусловно, нравятся, но он, к сожалению, находясь на столь ответственном посту, вынужден играть по принятым правилам.

Аудиенция

Короче говоря, начался новый этап моей жизни. Я вступил в борьбу за выход моих фильмов в свет. Куда я только не писал, и к кому только не обращался!

Я пытался дать Хессину в руки своеобразные «охранные грамоты», которые в свою очередь дали бы ему возможность оправдаться перед высшим начальством — руководством Гостелерадио. Документы эти призваны были подтвердить лояльность моих картин и их героев.

В «Экран» пошел поток писем и звонков. Академия педагогических наук объясняла, что никакого криминала в «Любви второгодника» не видит. Институт художественного воспитания Академии наук СССР общим собранием принимал решение, что фильм даже полезно показать подрастающему поколению, ибо, разговаривая с ним на его языке, он безусловно с успехом преподаст ему ряд важных нравственных уроков…

Мэтр детской музыки знаменитый композитор Дмитрий Кабалевский давал заключение, что музыка в фильме имеет полное право на существование. Главный детский поэт страны, автор государственного гимна Сергей Михалков примерно то же самое объяснял «Экрану» по поводу стихов, служивших текстами к песням… Пытались защитить картины художественный руководитель Детского Музыкального театра известный режиссер Наталья Сац, секретарь Союза писателей детский писатель Анатолий Алексин и многие другие.

Я мог бы продолжать и продолжать этот список, тем более что с огромной благодарностью вспоминаю всех людей, пытавшихся мне помочь. Увы, все оказалось бесполезно. Время было смутное, куда повернет недавно пришедший к власти Андропов, было не совсем ясно, и Гостелерадио совершенно не хотело рисковать, выпуская мои фильмы на всесоюзный голубой экран.

Тем не менее я не сдавался и в конце концов был вызван на аудиенцию к считавшемуся всесильным первому заместителю председателя Гостелерадио СССР Энверу Мамедову.

Войдя в масштабный кабинет, я не сразу обнаружил его хозяина. Огромный стол в конце кабинета пустовал.

— Ну чего встал? — раздался хамовитый голос, и только тут обнаружилось, что Мамедов в вальяжной позе возлежит на ковре, разглядывая меня снизу вверх. — Ты чего ко мне с торбой пришел? — спросил первый зам, кивая на висевшую на моем плече сумку. — Ты больше с торбой ко мне не приходи, оставляй в приемной!

Наступила странная пауза. Я, признаться, был совершенно не подготовлен к этой сюрреалистической встрече и теперь судорожно пытался решить, что делать, как реагировать на это хамское «ты», да и вообще, оставаться ли на ногах или сесть, а если сесть, то куда…

В конце концов так же молча я стал опускаться на знаменитый ковер, тот самый, на который так часто вызывались провинившиеся. Впрочем, не успел я присесть, как Мамедову отчего-то наскучило валяться, он встал и направился к столу. Я тоже вынужден был подняться, иначе ситуация становилась уже совершенно абсурдной.

Водрузившись над столом, первый заместитель посмотрел на меня мутным взором и неожиданно поманил к себе длинным пальцем. Я приблизился, припоминая ходившие по «Экрану» слухи о том, что всесильный зам употребляет наркотики и вообще не чужд никаким иным земным радостям.

Периодически на киностудиях страны запускались фильмы вне всяких утвержденных планов, или уже на утвержденные неожиданно отпускались дополнительные деньги, или внезапно на главную роль без всяких там художественных советов специальным приказом назначалась та или иная актриса… И все эти разнородные события имели под собой только одно объяснение — личные взаимоотношения первого замминистра с прекрасными представительницами киноискусства. Впрочем, в этом плане я, признаться, не вижу большой разницы между Гостелерадио и Голливудом.

Короче говоря, я подошел и остановился около стола, давая Мамедову возможность рассмотреть меня более внимательно. Видимо, что-то в этом осмотре не удовлетворило первого заместителя председателя Гостелерадио СССР.

— Ты чего воняешь? — строго спросил он, откинувшись на спинку кресла.

Мне показалось, что я ослышался.

— Не понял, — совершенно искренне произнес я.

— Я говорю, ты чего эту вонь распустил? — повторил Мамедов, тыча указательным пальцем в бумаги, разложенные перед ним на столе, в которых я тут же признал собственноручные обращения в разные высокие инстанции, включая ЦК партии, с целью спасения своего детища. — Ты чего, думаешь, тебе это поможет? Во! — И первый заместитель сложил у меня перед носом выразительную фигуру из своих длинных пальцев. — Ты бы, вместо того чтобы этим говном заниматься, лучше думал, чего снимаешь! Кончай эту вонь по-хорошему, а то…

Я так и не узнал, чем именно собирался пригрозить мне Мамедов, потому что в это время речь всесильного зама прервал телефонный звонок.

Телефонов на гигантском столе было штук восемь. На этот раз звонил красный, с гербом, — «вертушка». Мамедов осторожно взял трубку и как-то неуловимо весь вдруг вытянулся в кресле.

— Да, конечно, — забормотал он, — безусловно. Я так и предполагал…

При этом он ожесточенно замахал на меня свободной рукой, давая понять, что аудиенция окончена.

Я выскочил из кабинета вне себя от злости и бессилия. Диалог, как говорится, не состоялся. Я впервые столкнулся с советской бюрократической машиной, которая с изощренным садизмом пересылала жалобы сограждан тем лицам, на которых они жаловались. То же случилось и с моим письмом, отправленным в отдел культуры ЦК. Оно вернулось в ту самую инстанцию, мнение которой я оспаривал.

Разговор с министром

Я решил, что у меня остался единственный шанс — попытаться поговорить с самим министром, то бишь любимцем покойного Брежнева, знаменитым своей суровостью председателем Гостелерадио СССР Сергеем Георгиевичем Лапиным, который одним движением пальца мог решить как судьбу моих картин, так и мою собственную.

Я прекрасно понимал, что с фильмами на полке у меня не было никаких шансов получить новую постановку, тем более что в штате киностудий я никогда не состоял. Поэтому борьба шла не просто за выход фильмов, но в принципе за мое право быть режиссером. А если говорить серьезно, то за смысл всей моей жизни, поскольку без любимой профессии я ее себе просто не представлял.

Лапин, надо заметить, при всех его зверствах, слыл человеком не чуждым искусству и к целому ряду деятелей культуры благоволил. Так однажды, спустя примерно пару месяцев после окончания моей первой официальной картины, сделанной все в том же «Экране», «Жил-был настройщик», у меня раздался интересный звонок.

— Здравствуйте, Володя! — приветствовал меня вежливый голос. — Это говорит Захаров.

— Здравствуйте, Марк Анатольевич! — обрадовался я неожиданному звонку замечательного режиссера, с которым имел удовольствие быть знакомым.

— Дело вот в чем, — каким-то извиняющимся голосом продолжал Захаров, — я по просьбе Лапина лечу в Швейцарию, на кинофестиваль телевизионных фильмов в Монтрё, представлять в конкурсе вашу картину «Жил-был настройщик». Так вот я бы хотел ее посмотреть. Как это можно организовать?

Я опешил. Мало того что никто не сообщил мне о том, что «Настройщик» был представлен на фестиваль, но даже представлять фильм отправляли не меня, автора сценария и режиссера, и даже не Ролана Быкова, сыгравшего в нем главную роль, а не имеющего ни малейшего отношения к картине Марка Захарова.

Рассказываю об этом эпизоде просто для пояснения царивших в ту пору нравов. Все опиралось исключительно на личные симпатии или же, напротив, антипатии могущественного телерадиоминистра.

На следующий день я позвонил Лапину. К моему удивлению, вежливый референт тут же соединил меня. Я решил, что это хороший знак.

— Слушаю вас, — раздался в трубке вполне любезно звучащий голос.

Я поздоровался, представился.

— И что же вас тревожит, Владимир Михайлович? — приветливо поинтересовался министр.

— Меня тревожит то, что мои фильмы решено не выпускать на экран, — обрадовался я. — Понимаете, Сергей Георгиевич, это все же два с лишним года работы большой группы людей, я уже не говорю о государственных деньгах, выброшенных на ветер…

— Прекрасно вас понимаю, — сочувственно прервал меня Лапин. — Напомните, о каких, собственно, фильмах идет речь?

Я напомнил.

— Да, да, конечно, — с энтузиазмом отреагировал председатель Госкомитета. — Но помилуйте, Владимир Михайлович, дорогой мой, как же мы можем выпустить эти фильмы?

— А почему же нет? — насторожился я.

— Да фильмы-то очень плохие! — со странной радостью в голосе заявил министр.

Я опешил. Чего угодно я мог ожидать, но только не такого удара ниже пояса. От него у меня не было заготовлено никакого отпора. В этом плане любой художник совершенно беззащитен. Он может ответить на все, кроме упрека, что его работа плоха.

— Но как же так, Сергей Георгиевич, — слабо попробовал оправдаться я, — фильмы получили целый ряд наград на международных кинофестивалях… Вот только что главный приз на фестивале в Испании… Все-таки международное признание…

— Нам, дорогой мой, Запад не указ! — резко прервал мои излияния Лапин и, помолчав, произнес совсем уже загадочную фразу: — Тем хуже для них и для вас!

— Почему? — робко поинтересовался я.

— Потому что я вам очень не советую ориентироваться на западные мнения! — напирая на букву «ч» в слове «очень», отрезал министр. — Это же капиталистический фестиваль! Они специально дают свои хорошие призы нашим плохим картинам, чтобы выставить нас на посмешище! Мы еще разберемся, что это за умник ухитрился отправить ваш фильм на этот фестиваль! Какая студия отправляла?

— Одесская, — уныло ответствовал я, чувствуя себя предателем.

Должен вам сказать, что замечательный мой редактор на Одесской студии Марина Багрий-Шахматова, минуя Москву, тайком отправляла мои фильмы на фестивали в надежде, что завоеванные награды помогут одолеть цензурные препоны.

— Ну, с Одесской студией мы разберемся, — злорадно произнес Сергей Георгиевич. — А вы, голубчик, — неожиданно смягчился он, — если уж сняли плохой фильм, так, по крайней мере, имейте мужество отвечать за него. А на Запад нам тут кивать нечего! Нам, дорогой мой, Запад не указ! У нас своя голова на плечах. Чем-то вы им там, видимо, очень потрафили, если уж они вам призы дают за эти ваши так называемые творения.

— А вы их видели? — сраженный всей этой логикой, упавшим голосом спросил я.

— Ну конечно! — обрадовался Лапин. — Разумеется, видел. Ужасные фильмы! Просто очень плохие! Смотреть невозможно. У вас, Владимир Михайлович, простите, есть какая-нибудь другая профессия? — участливо полюбопытствовал он.

— Нет, — несколько раздраженно ответил я.

— А жаль, очень жаль, — огорчился министр. — Я бы вам искренне посоветовал переменить профессию. Вам, простите, голубчик, сколько лет?

— Тридцать пять, — растерялся я.

— Ну вот, еще не поздно! — обнадежил меня Лапин. — Подумайте об этом. И уж во всяком случае не связывайте свои творческие планы с Гостелерадио. У нас с вами вряд ли что получится в будущем. Ну, всего вам доброго, голубчик! Спасибо за звонок! — ласково попрощался он.

Я долго и тупо смотрел на гудящую трубку, прежде чем решился положить ее обратно на рычаг. Мне понадобилось, наверное, не менее четверти часа, чтобы совладать с охватившим меня диким отчаянием и опять понемногу начать рассуждать.

Я повторил про себя весь телефонный разговор с министром. Несколько раз. Слово в слово. Как видите, и сейчас, спустя столько лет, я его помню досконально. Мы всегда запоминаем все судьбоносные моменты нашей жизни.

В общем, чем больше повторял я лапинские фразы, тем большее сомнение они у меня вызывали. Если уж ему так не понравились мои фильмы, почему он не привел ни одного конкретного довода, примера, почему не объяснил, чем именно они так плохи?!

Я почувствовал, что мне необходимо срочно, сию же минуту разрешить эти раздиравшие меня сомнения. И уже более не колеблясь, вновь набрал номер председателя Комитета. Трубку снял тот же вежливый референт, который соединил меня с Лапиным около получаса тому назад.

— Это опять режиссер Алеников, — сказал я. — Я хотел уточнить у вас, когда именно Сергей Георгиевич смотрел мои фильмы «Приключения Петрова и Васечкина…» и «Каникулы Петрова и Васечкина». Руководство студии просило меня узнать… Для них важно, какого именно числа это было…

— Одну минуточку, я сейчас проверю, — ответил референт. — Не вешайте трубку.

Я ждал с замиранием сердца.

Наконец трубка вновь ожила.

— Тут какое-то недоразумение, — несколько удивленно произнес референт. — Сергей Георгиевич эти фильмы не видел.

— Вы уверены? — еле сдерживая радость, переспросил я.

— Ну конечно, — подтвердил референт. — Я лично отвечаю за все просмотры. Эти фильмы мы ни разу не заказывали.

— Большое спасибо за уточнение. Я передам. На студии разберутся. Всего хорошего.

Я медленно положил трубку.

Теперь я буквально задыхался от ярости.

— Тварь! — шептал я. — Вонючая тварь! Сукин сын! Гад ползучий! Ты же чуть не погубил меня! Чуть не пустил под откос всю мою жизнь!..

Сам того не ведая, коварный министр своей подлостью просто развязал мне руки. Сейчас я был готов к любым, самым отчаянным шагам.

Дочь генсека

Я уже говорил, что с ЦК партии у меня ничего не вышло. Письмо мое оттуда переслали обратно в Гостелерадио. Ну и что было делать?… Выше Лапина в стране был только один человек — генеральный секретарь коммунистической партии. Так что оставался всего один вариант. И я стал усиленно думать, как мне добраться лично до генсека этой самой партии, то бишь до Юрия Владимировича Андропова. Выше идти было некуда, выше был только Бог.

Впрочем, думал я недолго. Мне сразу припомнилось, как кто-то рассказывал, что дочь Андропова, Ирина, якобы работает в каком-то музыкальном журнале. Я открыл телефонную книгу.

Музыкальных журналов в Москве оказалось три. Первый из них назывался «Музыкальная жизнь». С него я и начал.

— Скажите, Ирина Юрьевна Андропова у себя? — спросил я, почти в полной уверенности, что меня в мягкой форме пошлют подальше, поскольку никакой Ирины Юрьевны там наверняка не было и в помине.

Но мне, на удивление, вдруг стало везти. Ирина Юрьевна была и, мало того, присутствовала на работе.

Еще через пять минут я сидел в машине и мчался в редакцию, а еще через полчаса уже был в кабинете заместителя главного редактора журнала И. Ю. Андроповой и с пылом убеждал ее найти время посмотреть мои фильмы.

Андропова удивленно разглядывала меня светлыми глазами сквозь стекла очков.

— Понимаете, Ирина Юрьевна, — горячился я, — это детские музыкальные картины, по сути мюзиклы, фактически новый жанр для нашего кино. Нам, кинематографистам, было бы так важно, чтобы журнал откликнулся на эти работы…

— Я понимаю, — уклончиво проговорила Андропова, — но дело в том, что кино у нас занимается другой сотрудник.

— Я бы очень просил, чтобы фильм посмотрели именно вы! — вдохновенно убеждал я. — Я очень доверяю вашему мнению!

— Вы что, читали мои статьи? — заинтересовалась Андропова.

— Разумеется! — ни на секунду не задумавшись, соврал я, доселе не державший журнала в руках. — Постоянно слежу за ними! И поэтому знаю, какой у вас тонкий вкус.

— Благодарю вас, — улыбнулась Андропова. — Но у меня совершенно нет времени! — продолжала сопротивляться она.

— Ну, тут я под вас подстроюсь, это не проблема! — настаивал я. — Мы можем это сделать в любое время! Даже в выходные. Поймите, это прелестные детские фильмы! У вас, кстати, есть дети?

— Есть, — вздохнула Андропова.

— Ну вот и прекрасно! — просиял я. — Возьмите на просмотр детей, доставьте им удовольствие. Я закажу зал на студии, даже машину, чтобы вас привезти, отвезти…

— Машина у меня есть… — скромно заметила Андропова.

— Тем более! — не сдавался я. — Можно даже привезти фильмы вам на дачу, показать, чтобы вам было удобно. Дача ведь у вас, наверное, тоже есть?

— И дача есть, — опять вздохнула Ирина Юрьевна. — Но ведь мое мнение ничего не решает.

— А ничего и не надо решать! — упрашивал я. — Просто посмотрите. Больше ничего.

Так мы играли в эту игру минут сорок. Помните, как в детстве — «да» и «нет» не говорить, белый и черный не выбирать? Оба мы прекрасно понимали, о чем идет речь, но в открытую не было сказано ни слова. Наконец она сдалась. Дело было в четверг. Мы договорились, что я закажу на студии просмотровый зал на понедельник и перезвоню ей, чтобы подтвердить.

Я искренне поблагодарил Ирину Юрьевну и с легким сердцем отправился домой. Ехал я не спеша, тщательно обдумывая свой следующий шаг.

Из дома я позвонил в «Экран», в приемную Хессина, и уверенным голосом попросил секретаршу Галочку зарезервировать на понедельник директорский просмотровый зал. На целый день. Ведь фильмы шли пять часов.

— А вы согласовали с Борисом Михайловичем? — удивилась секретарша.

— Я не думаю, что у него будут возражения, — небрежно сказал я. — Этот просмотр устраивается для семьи Андроповых. Они приедут смотреть мои фильмы.

— Ах вот как! — задохнулась секретарша.

Я положил трубку, еле сдерживая смех.

Ровно через пять минут раздался звонок. Звонил Хессин.

— Я правильно понял, Володенька, — осторожно приступил он к разговору, — у вас в понедельник намечается какой-то просмотр…

Я улыбнулся. «Володенькой» при всем своем хорошем отношении ко мне Хессин меня раньше никогда не называл.

— Совершенно верно, Борис Михайлович, — спокойно ответил я. — Вы все правильно поняли. В понедельник семья Андроповых приедет смотреть «Петрова и Васечкина».

Хессин помолчал.

— А можно узнать, как… каким именно… — неуверенно начал он.

— Конечно, — усмехнувшись про себя, прервал я директора. — Вы хотите узнать, кто их пригласил? Я их пригласил, Борис Михайлович. Лично.

— А-а, — только и сказал Хессин.

— Всего доброго, Борис Михайлович, — вежливо попрощался я и положил трубку.

Каменная баба

Однако час моего подлинного торжества еще не наступил. Он пришел на следующее утро вместе с ранним телефонным звонком.

— Владимир Михайлович? — радостно осведомился мужской голос.

— Да, это я, — ответил я, волнуясь, ибо почему-то почувствовал, что сейчас будет решаться моя судьба.

— Сейчас с вами будет говорить Стелла Ивановна Жданова, — торжественно произнес голос. — Соединяю.

Я вам должен заметить, что эта всемогущая дама была заместителем Лапина, отвечавшим непосредственно за продукцию «Экрана». Я прозвал ее про себя «каменная баба», после того как несколько раз наблюдал, с каким каменным лицом она шествовала по коридорам студии, не удостаивая режиссеров, с большинством из которых она, безусловно, была знакома, даже легким кивком. Как правило, за ней шелестела небольшая свита, состоявшая из референтов и просителей с подобострастными лицами.

Мое личное с ней знакомство, если, конечно, его можно считать таковым, было ограничено сдачей моего предыдущего фильма «Жил-был настройщик», о котором я вам уже не раз упоминал. Хессин, не беря на себя решение по оценке этой моей картины, переадресовал его вышестоящему начальству. Таким образом, в назначенный день я оказался в личном просмотровом зале Ждановой на десятом этаже здания телецентра в Останкино. Она вошла с небольшой свитой и, устроившись в кресле, наконец обратила на меня внимание, ухитрившись при этом не то что не поздороваться, но даже и не взглянуть в мою сторону.

— Кто это? — осведомилась она у одного из спутников.

— Это режиссер-постановщик фильма, — услужливо сообщили ей. — Алеников.

— Пусть он ждет в коридоре! — объявила каменная баба, так и не удосужившись повернуться ко мне.

Меня вежливо, но настойчиво попросили выйти.

— Стелла Ивановна не любит, когда режиссеры сидят в зале! — извиняющимся тоном шепнул мне кто-то из свиты.

Полтора часа я маялся в коридоре. Наконец двери зала распахнулись. Жданова величественно проплыла мимо, по-прежнему упорно меня не замечая. Один из ее помощников, обратив внимание на мой растерянный вид, приостановился.

— Картина принята, — вполголоса сочувственно произнес он. — Хорошая картина. Поздравляю вас!

И бросился догонять свою хозяйку.

Короче говоря, звонила эта самая всемогущая Стелла Жданова.

— Здравствуйте, Владимир Михайлович! — вполне любезно зазвучал в трубке низкий женский голос.

— Здрасьте! — выдавил я из себя.

От каменной бабы я не ждал ничего хорошего.

— Я слышала, у вас там какие-то проблемы? — поинтересовалась Жданова.

— Проблемы? — возмутился я. — У меня нет никаких проблем. Это у вас проблемы с моими фильмами.

— Что вы имеете в виду? — удивилась каменная баба.

— Как что? — на этот раз удивился я. — Мои фильмы лежат на полке, больше ничего. А так все в полном порядке, спасибо.

— А кто вам, собственно, сказал, что они на полке? — как бы продолжала удивляться Жданова. — Обе ваши двухсерийные картины представлены оценочной комиссией на первую категорию, категория эта утверждена, и на следующей неделе, если не ошибаюсь, эти фильмы планируются к выходу в эфир по первой всесоюзной программе.

Такой моментальной реакции Гостелерадио на мои действия я, честно вам скажу, не ожидал. Это как же надо было покрутиться на пупе, чтобы за ночь переверстать все уже давно утвержденные на следующую неделю планы эфирных показов! Я был поражен.

— Вот как? Я не знал. — Это было все, что мне удалось из себя выжать.

— Именно так, — спокойно подтвердила каменная баба. — Я думаю, что в сегодняшних газетах уже есть программа будущей недели. Можете удостовериться. Что-нибудь еще вас беспокоит?

— Нет, — буркнул я, не успевая опомниться от этой очередной новости.

То есть, понимаете, они не просто поменяли программу, но и с газетами успели! Как тут было не восхититься подобной оперативностью.

— Больше ничего не беспокоит, — пытаясь осмыслить происходящее, произнес я.

— В таком случае, Владимир Михайлович, разрешите пожелать вам дальнейших творческих успехов, — сладким голосом проворковала Жданова. — Всего вам самого доброго!

В трубке запищало.

Я бросился вниз по лестнице, к почтовому ящику. Газета «Правда» черным по белому сообщала о предстоящей премьере моих фильмов. По первой программе. В хорошее субботнее и воскресное время, прайм-тайм. С утренними повторами на следующий день.

Я бы, наверное, заплакал от радости, если бы снова не зазвонил телефон.

— Владимир Михайлович? — спросил интеллигентный женский голос. — Это вас беспокоит Андропова. Я хочу вам сказать, что, к сожалению, в понедельник я никак не смогу приехать. У нас назначено экстренное редакционное совещание.

— Спасибо вам, Ирина Юрьевна, — сказал я, проглотив комок в горле и окончательно приходя в себя. — Уже не надо. Все в порядке.

— Рада за вас, — искренне обрадовалась Андропова. — Поздравляю. Желаю удачи!

Вот, собственно, и вся история. К слову сказать, журнал «Музыкальная жизнь» был одним из первых, откликнувшихся на появление «Петрова и Васечкина».

«Биндюжник и Король»

Для «Экрана» я впоследствии, в 1986 году, снял еще одну картину — сатирическую комедию «Нужные люди». Попав под горбачевское постановление о борьбе с пьянством (действие фильма во многом происходило в ресторане!), она подверглась столь решительным переделкам и сокращениям, что в результате вместо снятого двухсерийного фильма на экраны был выпущен односерийный. Мои отчаянные письма в высокие инстанции в очередной раз остались без ответа. Фильм кромсали чужие руки, так как я отказался этим заниматься. И вышел он в таком виде, что мне было стыдно за него.

Я в буквальном смысле слова заболел от всего этого. Цена, которую я всякий раз платил за счастье заниматься любимой профессией, оказалась для меня слишком высока. Я решил, что отношения мои с советским кино на этом заканчиваются, и стал всерьез размышлять об отъезде.

Однако осуществиться моим планам было не суждено. Горбачевские перемены все больше сказывались на тогдашнем нашем существовании. Первыми среди творческой интеллигенции эти перемены почувствовали кинематографисты. Так, в частности, люди, доселе годами не замечавшие меня, вдруг стали любезно улыбаться мне при встрече.

А однажды раздался звонок, заставивший меня буквально подпрыгнуть.

Звонили из литературно-драматической редакции Центрального телевидения. Моя жизнь снова пересеклась с Гостелерадио.

— Мы здесь нашли вашу заявку пятилетней давности на экранизацию «Одесских рассказов» Исаака Бабеля, — вежливо сказали мне. — Мы готовы начать работу над фильмом. Не хотите ли приехать заключить договор на сценарий?

Какой там отъезд! Речь шла о долгожданной работе, о которой можно было только мечтать. Вместе с замечательным поэтом и писателем Асаром Эппелем мы в считаные дни написали сценарий. Мы решили, что в основу фильма ляжет уже сочиненный Асаром вместе с композитором Александром Журбиным мюзикл «Закат», основанный на одноименной бабелевской пьесе.

Сценарий был сдан намного раньше срока и принят без поправок.

Я начал готовиться к запуску. Потекли томительные месяцы ожидания. Один, второй, четвертый, шестой…

Не выдержав, я однажды отправился на телевидение и чуть ли не силой ворвался в кабинет главного редактора литдрамы (литературно-драматической редакции, заказавшей фильм).

— Вы можете сказать, в чем дело? — решительно потребовал я объяснений. — Вы же сами звонили, торопили, а теперь сценарий уже полгода лежит без движения!

Главный редактор, белесый, невзрачный, вполне еще молодой человек, фамилию которого я навсегда выбросил из своей памяти, поэтому не могу вам сейчас ее назвать, — плотно закрыл двойные двери кабинета и только потом, окончательно убедившись, что нас никто не слышит, доверительно обратился ко мне.

— Мы не сомневаемся, Володя, что вы сделаете хороший фильм, — сказал он, — мы знаем, что вы талантливый человек. Но войдите и в наше положение. Разве мы можем запустить эту картину?

— А почему нет? — удивился я.

— Ну как же вы не понимаете, — всплеснул руками редактор. — Кто все эти ваши персонажи?

— И кто же? — Я по-прежнему не понимал.

Редактор нервно оглянулся на закрытую дверь и еще больше приглушил голос.

— Они же евреи! — доверительным шепотом сообщил он. — Теперь вам понятно?

— Не очень, — сказал я. — К тому же это не мои персонажи. Это герои Исаака Бабеля.

— Вот именно, — кивнул редактор. — В том-то и дело. Но есть выход. У меня к вам предложение. Измените национальность этих героев, и мы завтра же запустим вас в производство.

Я с интересом разглядывал бесцветные глазки своего собеседника. Меня уже ничто не удивляло.

— Кем же вы хотите, чтобы Мендель Крик, его дети Беня, Левка, Двойра, жена Нехама и все остальные персонажи были по национальности?

Хорошо помню, что лицо редактора поначалу даже осветилось от удовольствия, что я наконец-то понял и разделил его заботы. Но теперь он задумался, работа мысли отразилась на его челе.

Прошла пара томительных минут. А затем нахмурившийся лоб разгладился, и мыслитель просиял.

— Есть прекрасная идея! — воскликнул он. — Они же все живут на Молдаванке. Вот пусть и будут молдаване. Договорились?

Это было уже слишком. Не прощаясь, я вышел из кабинета, поклявшись, что больше никогда не переступлю его порога. И слово свое сдержал. Больше ноги моей там не было.

Это был 1988 год. Фильм «Биндюжник и Король» я снял в следующем году на киностудии имени Горького. Он стал первым и пока единственным драматическим мюзиклом в отечественном кино, с успехом показывался на разных международных кинофестивалях и в конце концов привел меня в Голливуд, поскольку был приглашен Лос-Анд же лесским кинофестивалем, где оказался в центре всеобщего внимания. После этого неожиданного успеха я и подписал свой первый американский контракт. Впрочем, это уже совсем другая история.

Заключение

Что же касается Петрова и Васечкина, то, как вы знаете, за прошедшие годы их имена стали нарицательными. Бесчисленные истории, которые я в свое время сочинял про них еще для киножурнала «Ералаш», оказались постепенно все востребованы. Вышли в свет пластинки, мультфильмы, спектакли, книги. В 1993 году Российское телевидение впервые отметило десятилетие появления моих героев на экране специальной передачей и с тех пор празднует юбилей этих фильмов каждые пять лет. К их двадцатилетию было выпущено специальное подарочное издание DVD, куда в качестве бонусов вошли все вырезанные цензурой сцены и даже кинопробы, которые я делал когда-то в виде своеобразного шутливого фильма.

В 2009-м двадцатипятилетие картин праздновалось и в центральном московском кинотеатре «Художественный», и в парке «Коломенское», где был натянут огромный экран, и тысячи съехавшихся с разных концов мира фанатов в течение целого дня могли любоваться своими любимыми персонажами. Уже отмечает свое пятнадцатилетие и неустанно посещаемый интернетовский сайт — А на тридцатилетие картин мне подарили звезду на небе. Она так и называется — «Приключения Петрова и Васечкина».

Так есть ли смысл, спрашивается, вспоминать былое?

Убежден, что самый непосредственный. Только освежая подробности того жуткого карикатурного мира, в котором мы существовали, можно всерьез оценить нашу сегодняшнюю жизнь. Не в том смысле, что, мол, было плохо, а стало хорошо, а в том, что, играя порой не по правилам, мы все же прекрасно понимали правила игры, и это давало нам шансы на выигрыш. А правила игры, хоть и похожи, но везде разные. И для того чтобы научиться выигрывать, их необходимо понимать.

Я рассказал вам всю эту историю не для того, чтобы похвастаться, как я ловко обманул советскую власть, а для того, чтобы вы поняли — судьба вашей картины и, соответственно, ваша профессиональная судьба может иногда висеть на волоске и зависеть от массы обстоятельств, над которыми вы не вольны. Но есть главное, что зависит только от вас, — это ваш характер. Я уже говорил это как-то и повторю в заключение. Именно характер делает вас режиссером. И если вы воспитали его в себе, то ничто, никакие запреты и препоны не смогут вам помешать. Вы все равно в конце концов так или иначе добьетесь своего. Снимете свой фильм и увидите его на экране. Чего я вам от души желаю.

На этом мы наш краткий курс заканчиваем. Думаю, вы уяснили для себя определенные азы нашего ремесла. Теперь дело за вами. Учитесь дальше, творите, пробуйте!

И если вы действительно хотите стать режиссерами, то идите и становитесь ими. Находите замечательную историю, вызывающую серьезный отклик в вашей душе, берите камеру и снимайте. Желаю вам всем успехов!

© Алеников Владимир Михайлович, 2015 г.

Приложения

Список фильмов, рекомендованных В. М. Алениковым для курса «Свой почерк в режиссуре»

1. «ГАМЛЕТ» Лоуренса Оливье, «ГАМЛЕТ» Григория Козинцева, «ГАМЛЕТ» Франко Дзеффирелли, «ГАМЛЕТ» Кеннета Брана.

2. Чарльз Спенсер Чаплин — «МАЛЫШ», «Золотая лихорадка», «ОГНИ БОЛЬШОГО ГОРОДА», «НОВЫЕ ВРЕМЕНА».

3. «НЕИЗВЕСТНЫЙ ЧАПЛИН» — трехсерийный английский документальный фильм, режиссеры Кевин Браунлоу, Дэвид Гилл.

4. Федерико Феллини — «НОЧИ КАБИРИИ», «ДОРОГА» «ВОСЕМЬ С ПОЛОВИНОЙ», «РЕПЕТИЦИЯ ОРКЕСТРА».

5. «ЛЕОН», «ЕЕ ЗВАЛИ НИКИТА» Люка Бессона и «ТОЧКА НЕВОЗВРАЩЕНИЯ» Джона Бэдхема.

6. «ПОБЕГ» Сэма Пекинпа, «ПОБЕГ» Роджера Доналдсона.

7. Акира Куросава — «РАСЕМОН», «СЕМЬ САМУРАЕВ».

8. «ВЕЛИКОЛЕПНАЯ СЕМЕРКА» Джона Стерджеса.

9. «АНДРЕЙ РУБЛЕВ» Андрея Тарковского.

10. «ПРАВИЛА ИГРЫ» Жана Ренуара.

11. Сергей Эйзенштейн — «ОКТЯБРЬ», «БРОНЕНОСЕЦ ПОТЕМКИН», «ИВАН ГРОЗНЫЙ», «ДА ЗДРАВСТВУЕТ МЕКСИКА!».

12. «ИГРОК» Роберта Олтмэна.

13. «ПЕПЕЛ И АЛМАЗ» Анджея Вайды.

14. Стивен Спилберг — «ДУЭЛЬ» («ПОЕДИНОК»), «ЧЕЛЮСТИ», «СПИСОК ШИНДЛЕРА».

15. «АФЕРА» Джорджа Роя Хилла.

16. «ЗАПАХ ЖЕНЩИНЫ» Мартина Бреста и «ЗАПАХ ЖЕНЩИНЫ» Дино Ризи.

17. Френсис Форд Коппола «КРЕСТНЫЙ ОТЕЦ» (трилогия), «АПОКАЛИПСИС СЕГОДНЯ».

18. Элеанор Коппола «СЕРДЦЕ ТЬМЫ» — документальный фильм о съемках Френсисом Фордом Копполой «Апокалипсиса».

19. «ОБЛАКО-РАЙ» Николая Досталя.

20. «ЛЕТЯТ ЖУРАВЛИ» Михаила Калатозова.

21. «САМУРАЙ» Жан-Пьера Мельвиля.

Владимир Алеников Краткая биографическая справка

Веб-сайты:

Родился 7 августа 1948 года в Ленинграде. Начал творческую карьеру как поэт-переводчик с французского и испанского языков. В 1972 году заочно окончил режиссерский факультет ЛГИТМИКа, в 1975-м — Студию драматургов А. Арбузова и С. Алешина. В 1973 году создал любительскую киностудию «Литфильм», где и осуществил свои первые режиссерские работы. Автор пьес, романов, а также книг для детей. Член ПЕН-клуба — международного объединения писателей, член Международной Федерации журналистов, профессор кинорежиссуры Лос-Анджелесского университета, академик Национальной Академии кинематографических искусств России и Российской Академии кинематографических наук и искусств, призер российских и международных кинофестивалей. Заслуженный деятель искусств России, почетный кинематографист России, художественный руководитель Российской центральной студии документальных фильмов, руководитель режиссерских мастерских на Высших курсах кино и телевидения ВГИКа и на Высших курсах сценаристов и режиссеров.

Фильмография

— автор сценариев и режиссер-постановщик двух десятков сюжетов в киножурнале «Ералаш» (1975–1981 гг.) — главные призы на МКФ в Москве, Таллине, Киеве и пр.

Фильмы:

— «Сад» (к/м, автор сцен. и реж. — пост., продюсер, 1973 г., киностудия «Литфильм»);

— «Комитас» (х/ф, автор сцен. и реж. — пост., 1974 г., студия телефильмов «Ереван»);

— «Увертюра» (док., автор сцен. и реж., 1974 г., студия телефильмов «Ереван»);

— «Комната смеха» (х/ф, автор сцен. и реж. — пост., 1975 г., киностудия «Литфильм»);

— «Меня зовут Русачок» (к/м., автор сцен., 1978 г., Центрнаучфильм);

— «Дом» (мульт., автор сцен.,1978 г., Союзмультфильм);

— «Переменка» (мульт., автор сцен., 1979 г., Союзмульт фильм);

— «Жил-был настройщик» (х/ф, автор сцен. /при участии Р. Быкова/, реж. — пост., 1979 г., т/о «Экран») — «Лучший режиссерский дебют», МКФ в Монтрё, Швейцария;

— «Чучело-Мяучело» (мульт., автор сцен., 1980 г., Союзмультфильм);

— «Братец Кролик, братец Лис и все остальные» (мульт., автор сцен., 1980 г., Молдова-фильм);

— «История, расказанная ночью» (х/ф, к/м, автор сцен., 1980 г., Центрнаучфильм);

— «Репетиция детского оркестра» (док., автор сцен., 1981 г., Центрнаучфильм);

— «Как мужик хозяйничал» (мульт., автор сцен., 1981, Беларусьфильм);

— «Этюд для домино с роялем» (к/м, автор сцен. /c В. Горловым/, 1982 г., т/о «Экран»);

— «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» (х/ф, 2 серии, автор сцен. /с В. Горловым/, реж. — пост., автор текстов песен, 1982 г., Одесская киностудия) — Главный приз кинофестиваля «Молодость» в Киеве, 1982 г.; Приз «Дунай» на МКФ детских и юношеских фильмов в Братиславе, 1982 г. и др.;

— «Каникулы Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» (х/ф, 2 серии, мюзикл, автор сцен. и автор текстов песен, реж. — пост., 1983 г., Одесская киностудия) — Приз «За лучший фильм для подростков» на МКФ детских и юношеских фильмов в Хихоне, Испания; Приз «За лучшую режиссуру» кинофестиваля «Молодость» в Киеве, 1983 г.; Главный приз Всесоюзного фестиваля телефильмов в Киеве, 1983 г. и др.;

— «Пантелей и Пугало» (мульт., автор сцен., 1984 г., Союзмультфильм);

— «Погода на август» (х/ф, автор сцен., 1984 г., Рижская киностудия);

— «Непохожая» (х/ф, 2 серии, автор текстов песен, реж. — пост. /с М. Муат/, 1985 г., т/о «Экран»);

— «Нужные люди» (х/ф, автор текстов песен, реж. — пост., 1986 г., т/о «Экран»);

— «Биндюжник и Король» (х/ф, мюзикл, 2 серии, автор сцен. /с А. Эппелем/, реж. — пост., 1989 г., Киностудия имени Горького) — диплом МКФ в Торонто (Фестиваль Фестивалей), 1990 г.; диплом МКФ в Иерусалиме, 1990 г.; диплом МКФ Американского Киноинститута — AFI в Лос-Анджелесе, 1990 г.; дипломы МКФ в Балтиморе, Филадельфии, Сан-Франциско, Майами — 1990–1991 гг.; Приз I МКФ «Музыка в кино» в Ялте, 1991 г.;

— «Пробуждение» (док., автор сцен. /с Ю. Перовым/, реж. — пост., продюсер — об августовском путче 1991 г.) — благодарность от Президента России Б. Н. Ельцина, 1991 г.; специальный диплом МКФ документальных фильмов в Новосибирске, 2010 г.;

— «В русском стиле» (х/ф, автор сцен. /c Ю. Перовым/, 1991 г., Одесская киностудия);

— «Время тьмы» /в российском прокате — «Феофания, рисующая смерть»/ (х/ф, автор сцен. /с Ю. Перовым и К. Мартин/, реж. — пост., продюсер, 1991 г., Kodiak Films, США,) — МКФ мистических и фантастических фильмов в Монреале, 1992 г., МКФ фильмов ужасов «Дилан Дог» в Милане, 1992 г.;

— «Миражи» (к/м., автор сцен., реж. — пост., Dream Factory Entertainment, США, 1994 г.);

— «Мир искусства» (док., автор сцен., автор стихов, реж., т/о «Экран», 1996 г.);

— «Короли российского сыска» (худ. телесериал — 3 фильма: «Убийство Бутурлина», «Воскресное убийство», «Шантаж», 1997 г., реж-пост. и продюсер, кинокомпания «Аквилон» по заказу РТР);

— «Спасти человека» (док., автор сцен., автор текста песни, реж., продюсер, кинокомпания «Аквилон» по заказу МЧС, 1997 г.);

— «Любовь Великих» (худ. телесериал — 12 фильмов, 1998 г., продюсер сериала, автор сцен. и реж. — пост. новеллы «Величие любви», кинокомпания «Аквилон» по заказу РенТВ);

— «Пистолет (с 6.00 до 7.30)» (х/ф, автор сцен., реж. — пост., монтажер, продюсер, Front Line Films, США, 2003 г.) — Диплом жюри Всемирного кинофестиваля в Монреале, 2003 г.; Диплом жюри МКФ в Квебеке, Канада, 2003 г.; Диплом «За выдающийся фильм» МКФ авторских фильмов в Белграде, 2003 г.; Приз «За лучшую операторскую работу» МКФ в Тибуроне, США, 2004 г.; Диплом жюри МКФ в Гонолулу, США, 2004 г.; Приз «За лучший монтаж» МКФ в Страсбурге, Франция, 2004 г.; участник МКФ в Москве, 2004 г.; МКФ «Фестиваль Фестивалей» в Санкт-Петербурге, 2004 г.; МКФ «Рейнданс» в Лондоне, 2004 г.; МКФ «Охне Кохле» в Вене, 2005 г.;

— «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» (х/ф, автор сцен./с Г. Голубенко/, автор текстов песен, реж-пост., монтажер, продюсер /с В. Гореловым и Г. Голубенко/, «Pictures Forever and Ever», Россия — Украина, 2008 г.) — Приз «Большая золотая ладья» на XVI фестивале российского кино «Окно в Европу» в Выборге, 2008 г.; Приз Владимиру Аленикову «За сохранение и приумножение лучших традиций российского кино» на VI Российском кинофоруме «Амурская осень» в Благовещенске, 2008 г.; Приз «За прекрасный актерский ансамбль» и Приз «За лучшую музыку к фильму» на IX Российском фестивале кинокомедии, 2009 г.; Приз «За ироническую связь времен» и Приз «За лучшую мужскую роль» Ивану Жидкову на XV Российском кинофестивале «Литература и кино» в Гатчине, 2009 г.; Официальное участие в программе VI МКФ в Сиракьюзе (США), 2009 г.; в программе XXXI Московского МКФ, 2009 г.; в программе XVI МКФ «Листопад» в Минске, 2009 г.; Приз режиссеру Владимиру Аленикову «За лучший актерский ансамбль» на XVII МКФ актеров кино в Твери, 2009 г.; Приз «За лучшую режиссуру» и Приз «За принятие лучшего продюсерского решения» на IV МКФ семейных и детских фильмов «В кругу семьи» в Екатеринбурге, 2009 г.; Приз Ивану Жидкову «За лучшую мужскую роль» на I МКФ в Чебоксарах, 2010 г.; Гран-При I Российского кинофестиваля «Ейский маяк» в Ейске, 2010 г.;

— «Голливудский мусор» (х/ф, продюсер, кинокомпания Filmmuse, США, 2011 г.) — Приз «За лучшую комедию» — «Голд Реми (Gold Remi)» на XXXXV кинофестивале WorldFest в Хьюстоне, США, 2012 г.; Приз «За лучшую актерскую работу» исполнителю главной роли Джету Ридзу, там же; официальное участие — конкурс «Перспективы» XXXIV Московского международного кинофестиваля, 2012 г.; официальное участие — конкурс III Одесского международного кинофестиваля, 2012 г.; Главный Приз «За лучший фильм» на XVI Голливудском международном кинофестивале, США, 2012 г.; официальное участие — фильм Открытия и конкурс XXVII Международного кинофестиваля в Форт-Лодердейл, США, 2012 г.; Приз «За лучшую комедию» на Международном кинофестивале Action on Film, США, 2012 г.

— «Полет бабочки» (к/м, — автор сценария, реж. — пост., монтажер, киностудия «Мир искусства», 2011 г.);

— «Война Принцессы» (х/ф, автор сцен. /с Д. Родиминым/, реж. — пост., монтажер, продюсер, студия Владимира Аленикова, 2013 г.) — Гала-премьера — на XXXV Московском МКФ; Приз «За реалистичность отражения остросоциальных проблем современности» на X Международном кинофестивале «Золотой абрикос» в Ереване, 2013 г.; Приз кинопрессы на XI Открытом Российском фестивале кино и театра «Амурская осень» в Благовещенске, 2013 г.; Приз «За актуальность темы» на IV Санкт-Петербургском благотворительном кинофестивале «Детский КиноМай», 2013 г.; диплом «За выдающийся авторский фильм» на VII Международном кинофестивале детских фильмов FILEM’ON в Брюсселе, 2013 г.; Специальный Приз жюри на XVII Международном кинофестивале «Темные ночи» в Таллине, 2013 г.; Главный приз — Гран-При — на III Международном кинофестивале фильмов для детей и юношества «Дары волхвов» в Барселоне, 2014 г.; Приз «За лучшую режиссуру игрового фильма» на XIX Международном кинофестивале «Кино — детям» в Самаре, 2014 г.; Приз «За лучший фильм» на XX кинофестивале российского кино в Кельне, 2014 г.; Специальный приз «За огромный вклад в оздоровление морально-нравственного климата в молодежной среде, в преодоление агрессии и межнациональной розни» на IV Международном молодежном кинофестивале «Свет миру» в Ярославле, 2014 г.; Приз «За разработку темы социальных проблем в подростковом возрасте» на XVIII Всероссийском кинофестивале визуальных искусств в «Орленке», 2014 г.; Приз Екатерине Черепухиной «За лучшую детскую роль» на XVIII Всероссийском кинофестивале визуальных искусств в «Орленке», 2014 г.; Приз детского жюри Екатерине Черепухиной «За хорошее раскрытие образа Принцессы в фильме „Война Принцессы“» на XXII Международном детском кинофестивале «Алые Паруса» в «Артеке», 2014 г.

— «Кино как попытка сближения» — (к/м, автор сцен., реж. — пост., монтажер, киностудия «Мир искусства», 2015 г.).

— Диплом жюри IV Международного кинофестиваля «Просто хорошее кино» в Ярославле, 2015 год.

Почетные награды

Международная премия «Капля» — «За вклад в развитие жанра хоррора и остросюжетного кино» — вручена на V-ой торжественной церемонии в Москве, 2015 г.

Приз «За огромный вклад в оздоровление морально-нравственного климата в молодежной среде, в преодоление агрессии и межнациональной розни» — вручен на IV Международном молодежном кинофестивале «Свет миру» в Ярославле, 2014 г.

Приз «За вклад в развитие детского кинематографа» — вручен на V Всероссийском детском кинофестивале «Киноостров» в Санкт-Петербурге, 2014 г.

Приз «За личный вклад в развитие молодежного киноискусства и поддержку научно-популярного кино в России» — вручен на II Всероссийском молодёжном фестивале научно-популярного фильма «Kinnofest» в Пензе, 2013 г.

Приз «За вклад в комедию» — вручен на XIV Открытом российском кинофестивале комедии «Улыбнись, Россия!», 2013 г.

Приз «За сохранение и приумножение лучших традиций отечественного кинематографа» — вручен на VI Российском кинофоруме «Амурская осень», 2008 г.

Дополнение 1 Отрывок из режиссерского сценария к фильму «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» (Репринт)

Новелла «Укрощение строптивой» Сцена № 8. Раскадровка

Дополнение 2 Отрывок из режиссерского сценария к фильму «Биндюжник и король» II серия. Сцена № 12 «Драка» (Репринт)

Сцена № 12. «Драка» Раскадровка

Дополнение 3 Отрывок из режиссерского сценария «Война принцессы» Сцена № 1. «Пролог. Угон машины». Раскадровка (Репринт)

Иллюстрации

«Жил-был настройщик» стал моей первой официальной полнометражной картиной, хотя на самом деле четвертой. Но «Сад» и «Комната смеха» создавались вне государственной монополии и потому были обречены. А фильм «Комитас», который я снимал на армянской студии, советская власть просто уничтожила. Чудом удалось сохранить несколько сцен

«Пробуждение» — один из немногих моих документальных фильмов. Я снимал его трое суток — с 19-го по 22-е августа 1991 года. Благодаря уникальной хронике фильм с каждым годом становится все интересней и значимей. В 2010-м году он был с большим успехом показан на Международном кинофестивале документального кино «Встречи в Сибири». Я очень горжусь этой картиной

Киножурнал «Ералаш», благодаря его создателю и руководителю Александру Хмелику, был замечательной режиссерской школой. За три минуты рассказать историю, найти для нее особую форму киноязыка, да еще, чтобы было смешно — это совсем непросто

На съемках одного из моих первых сюжетов — «Загадочное женское сердце»

Хмелик вывел меня из «подполья» и сделал официальным режиссером. По сути он и был моим главным учителем в кино. Также многому научила меня работа с детьми. С ними выкладываешься особым образом

На съемках сюжета «Угадайка»

Вот они, мои любимые герои — Петров и Васечкин (Егор Дружинин и Дима Барков). Комедия «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» и мюзикл «Каникулы Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» стали для меня важнейшим опытом в освоении жанрового кино

В мюзикле «Биндюжник и Король» моя жена Тамара Тана, игравшая рыбачку, снималась вместе с нашей крохотной, только родившейся дочкой Асей

Плакат «Встреча 20 лет спустя»

Этот плакат был выпущен к 20-летию фильмов. К этой же дате было приурочено и специальное коллекционное издание, куда вошли все вырезанные советской цензурой сцены и всевозможные дополнения, включая кинопробы к фильмам, сюжеты «Ералаша» и мультфильм «Переменка», где впервые появились мои персонажи. Теперь уже мы отметили 30-летие картин. В честь этой даты мне подарили звезду на небе под тем же названием — «Приключения Петрова и Васечкина». А я написал книгу об их новых приключениях — «Петров и Васечкин в стране Эргония»

Плакат «Биндюжник и Король»

«Биндюжник и Король» стал первым и, как ни странно, по сей день остается единственным драматическим мюзиклом, снятым в отечественном кино. Я очень люблю эту работу

В «Биндюжнике» был блистательный актерский состав. В частности, эта потрясающая пара — Таня Васильева (Двойра) и Роман Карцев (Боярский). Карцев до сих пор считает, что это его лучшая роль в кино

С великолепной Ириной Розановой, сочно сыгравшей Маруську, сыном Филиппом, Зиновием Гердтом и потрясающим Менделем Криком — Арменом Джигарханяном

Армен очень полюбил нашу Асю. Тогда трудно было себе представить, что они через несколько лет вновь окажутся на одной съемочной площадке

В последний день съемок артисты «Биндюжника», как видите, носили меня на руках. Для многих из них этот фильм стал дебютом в кино. Слева направо — Слава Гришечкин (Молодой человек), Коля Добрынин (Лева Кацап), Андрей Ургант (Левка Крик), Георгий Пицхелаури (Сенька Топун), Максим Леонидов (Беня Крик), Сережа Колесников (Моня Артиллерист)

Я наконец дожил до возраста, когда мне стали вручать награды «За вклад». Уже вручили за вклад в кинокомедию, в детское кино, в остросюжетное кино. Теперь, как сказал композитор Александр Журбин, автор музыки к «Биндюжнику и Королю», осталось получить за вклад в мюзикл

Фильм «Улыбка Бога, или Чисто одесская история» опять привел меня в Одессу. В основу фильма легли рассказы из книги «Рыжий город» чудесного одесского писателя Гарика Голубенко, с которым мы и написали сценарий. Главным продюсером был вдохновитель всего проекта, замечательный одессит Валерий Горелов

В этом фильме Ален попадает в разные времена. Это персонажи пятидесятых годов — буфетчица китобойной флотилии «Слава» мадам Парнокопытенко, в роли которой снялась неподражаемая Нина Усатова, и ее супруг — одесский артист Алексей Акопьян

В «Улыбке Бога» Роман Карцев опять играл у меня портного. На этот раз по фамилии Перельмутер. И снова блестяще. Надеюсь, будет и третья возможность поработать с этим замечательным артистом

С моим любимым актером и другом Арменом Джигарханяном на съемках фильма «Улыбка Бога, или Чисто одесская история». Работать с этим великим артистом — счастье

Самой первой наградой, которую завоевал фильм «Улыбка Бога, или Чисто одесская история», стал приз «Большая золотая ладья» на одном из лучших российских кинофестивалей — «Окно в Европу» в Выборге

С героями фильма перед знаменитым одесским оперным театром. Ваня Жидков играл простодушного американца Алена, а Тамара Тана — колоритную одесситку, экскурсоводшу Эльвиру

Я коллекционирую хлопушки своих картин. За каждой из них большой кусок моей жизни

Фотография сделана на съемках фильма «Война Принцессы», сценарий которого мы написали вместе с Денисом Родиминым. Судьба каждого фильма складывается по-своему. У этой картины был нелегкий и долгий путь к зрителю. Гала-премьера состоялась на Московском международном кинофестивале в 2013-м году. С тех пор картина набрала уже полтора десятка наград

На крупных международных фестивалях всегда происходят удивительные и замечательные встречи. С великой актрисой, кумиром моей юности, Клаудией Кардинале

Вместе с Дэрил Ханной, сыгравшей одну из ролей, представляем американский фильм «Голливудский мусор» («Garbage») на Одесском международном кинофестивале. Снимал фильм по своему сценарию мой сын Филипп Волкен, это был его полнометражный дебют, а я его продюсировал вместе с Алиной Шрайбман (она слева)

Филипп, как видите, вырос со времен «Каникул Петрова и Васечкина» и «Биндюжника…», где он снимался. Сильно перерос отца. Теперь он сам — сценарист и режиссер. Его первый фильм «Голливудский мусор» завоевал Главный приз на Голливудском кинофестивале и еще с полдюжины наград. Сейчас он готовится к новой картине — «Вымогательство»

Плакат «Война Принцессы»

Фильм «Война Принцессы», наверное, самый важный в моей биографии. Слоган фильма — «И на войне случается любовь». Одной из наград, полученной картиной, я горжусь особо, там замечательная формулировка. На Международном молодежном кинофестивале «Свет миру» митрополит Ярославский и Ростовский Пантелеймон вручил мне Специальный приз «За огромный вклад в оздоровление морально-нравственного климата в молодежной среде, в преодоление агрессии и межнациональной розни»

Афиша фестиваля российского кино в Кельне, где «Война Принцессы» получила Главный приз. Этот кадр из фильма стал символом фестиваля

Фестивали — это не просто развлечение, это нужная и важная часть профессиональной кинематографической жизни

У фильма, который я снимал и продюсировал для американской кинокомпании «Kodiak» (сценарий мы написали вместе с Юрием Перовым и Кэтрин Мартин), было три названия. В Европе он шел под названием «The Clearing», («Очищение»), в Америке под названием «Time of darkness» («Время тьмы»), а в российском прокате он назывался «Феофания, рисующая смерть»

Этот фильм был моей первой американской картиной и во многом изменил мои представления о кинопроизводстве

Я впервые работал с такой крупной голливудской звездой, как Джордж Сигал, и очень многому научился за время этой работы

Эта фотография называется «Репетиция». В группе никто не обращал ни малейшего внимания на то, что актрисы снимались в обнаженном виде. Все были заняты делом. Со стороны, наверное, мы выглядели как сумасшедшие, но, по счастью съемки шли очень далеко от населенных пунктов, так что посторонних не было

Картина «Феофания, рисующая смерть» открыла для меня совершенно новые горизонты в кино. Дело было не только в американском опыте. Она стала моим первым триллером, и я навсегда полюбил этот замечательный жанр

Интересно, что 25 лет спустя, в 2015 году, мне неожиданно за этот фильм вручили Международную премию «Капля» — «За вклад в жанр хоррора и остросюжетного кино». Еще присовокупили «Пистолет (с 6 до 7:30 вечера)» и «Война Принцессы». Но главной все же была «Феофания¾»

Сериал «Любовь Великих», который я продюсировал для РЕН ТВ, состоял из одиннадцати фильмов, хотя поначалу планировалось намного больше. В каждом из них Николай Караченцов и Тамара Тана перевоплощались в новых персонажей — Коля в кого-то из великих людей, Тамара в его возлюбленную. Как автор и режиссер я снимал для этого проекта только один фильм — «Величие любви» — о поразительной любви Пьера Абеляра и Элоизы

Мой американский фильм «Пистолет (с 6 до 7:30 вечера)» был снят в реальном времени пятнадцатью сложнейшими кадрами. Один из призов, которым я горжусь, — это приз на международном кинофестивале в Страсбурге «За лучший монтаж», хотя монтажа в привычном смысле не было, французы оценили внутрикадровый монтаж

Пресс-конференция на Международном кинофестивале авторского кино «Взгляд в мир» в Белграде. «Пистолет (с 6 до 7:30 вечера)» получил диплом жюри «За выдающийся фильм». Пожалуй, этот фильм — самое трудное, что я делал в кино. Когда я писал сценарий, то не думал, что это будет так тяжело. Я просто ставил перед собой задачу максимально создать для зрителя эффект присутствия. Сложнейшая хореография камеры, актеров и на натуре, и в интерьерах потребовала невероятных усилий

На премьере фильма в Лос-Анджелесе с Филиппом и Асей

Сериал «Короли российского сыска» стал одним из первых сериалов нового времени. Мемуары начальника имперского сыска Кошко служили замечательным материалом. Было задумано 26 фильмов. Но сняли мы только три — «Убийство Бутурлина», «Воскресное убийство» и «Шантаж». Финансирование закончилось. В последний день съемок артисты попросили меня сфотографироваться с ними на память в костюме из той эпохи. Вот вся команда сыщиков, помощников Кошко. Слева направо Геннадий Назаров (Круглов), Любовь Руднева (секретарша) Александр Феклистов (Карнаухов), Николай Добрынин (Долгушин), Тамара Тана (Марго Врублевская), Евгений Сармонт (доктор Кацман) и посредине ваш покорный слуга

В сериале «Короли российского сыска» Армен и Ася снова стали партнерами на съемочной площадке. Ася играла внучку великого сыщика Аркадия Кошко, которой он рассказывает все свои истории. Я этот ход придумал, а потом оказалось, что все так и было на самом деле, — в эмиграции, в Париже, Кошко действительно рассказывал истории своей жизни внучке Оле. Я с ней встречался, ей было уже за девяносто. А роль Кошко стала одной из любимых работ Джигарханяна

Кадры из фильма «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные». Новелла «Укрощение строптивой». I серия

Кадры из фильма «Биндюжник и Король». II серия. Сцена 12. «Драка»

Кадры из фильма «Война Принцессы». Сцена 1. «Пролог. Угон машины»

Оглавление

Предисловие

Авторское предисловие

1. Парадокс режиссера

  Кинорежиссура

  Авторское кино для широкого зрителя

  Кино для всех

  Идти и снимать

  Фильм — это война

  Выбор жанра

  История

  Рассказчики историй

  Продюсер

  Дешевое кино

  Простая история

  Сценарист

  Жанр сценария

  Компания

  Еще об истории

  Альтернативный фактор

  Сценарное мастерство

  Парадокс

  Наблюдения

  Характер

  Задание

2. Искусство компромиссов

  Low budget

  Проверка истории

  Действия героя

  Банальности

  Диалоги

  Чистый жанр

  Оператор

  Встреча с актером

  Репетиции

  Компромиссы

  Еще о репетициях

  Чаплин

  Начало фильма

  Финал

  Характер героя

  Анализ истории

  Задания

3. Выразительные средства режиссера

  Еще о персонаже

  Еще о режиссуре

  Бюджет фильма

  Способы съемки

  Расчеты

  Раскадровка

  Композиция фильма

  Мизансцена

  Орсон Уэллс

  Диагональная композиция

  Игра со временем

  Восьмерка

  Еще о мизансцене

  Еще о репетициях

  И ЕЩЕ РАЗ О МИЗАНСЦЕНЕ

  Ритм

  «Иван Грозный»

  Композиция кадра

  Задание

4. Создание своего мира

  Импровизация

  Ступор

  Представление персонажа

  Сны и воспоминания

  Реальное время

  Актерская свобода

  Жан Ренуар

  Феллини

  Работа Феллини с актерами

  Мир Феллини

  Финал великого фильма

5. Артисты и дети

  Кастинг

  Отношения с артистами

  Дистанция

  Работа с актером

  Действие

  Предыстория

  Читка

  Зажим

  Театральные артисты

  Атмосфера

  Актерский рынок

  Работа с детьми

  Вопросы из зала

  Хореография сцены

  Произведение искусства

6. Игра со зрителем

  Воображение

  Театр и кино

  Лестница

  Месседж

  Финал «Дороги»

  Главная эмоция

  Финал «Пепла и алмаза»

  Финальный месседж

  Финал «Репетиции оркестра»

  Вопросы из зала

  Обман

  Удивление

  Отношения с фильмом

  Вопрос из зала

  Заключение

7. Трудность выбора

  Экзамен

  Продюсеры

  Вопрос из зала

  Контракт

  Вопросы из зала

  Конфликты

  Материал

  Отставание

  Вопрос из зала

  Планирование

  Еще вопросы из зала

  Парадокс

  Оператор

  Еще вопросы из зала

  Спилберг

  «Облако-рай»

  Правила игры

8. Самоотдача

  Кинопленка. Вопрос из зала

  Монтаж. Вопрос из зала

  Непредвиденные расходы

  Фиксация

  Еще о репетициях. Вопрос из зала

  Музыка

  Звук

  Чистовой звук. Вопрос из зала

  Звукооператор и звукорежиссер. Вопрос из зала

  Саунд-дизайнер. Вопрос из зала

  Звукорежиссер перезаписи

  Фонограмма

  Работа с композитором

  Вопросы из зала

  Еще о работе с композитором

  Работа со звукооператором. Вопрос из зала

  Вопрос из зала

  Тарковский

  Работа со звуком

  Вопрос из зала

9. Риск и вера

  Художник-постановщик

  Художник по костюмам

  Реквизит и образование

  Знаете, в чем трудность нашей работы?

  Художник по гриму

  Второй режиссер

  Помреж

  Бюджет и прибыль

  Еще о художнике

  Доктор Смерть

  Атмосфера и образ

  Функциональность костюма

  Ваше видение

  «Мужчина и женщина»

  «Догвилль»

  «Шербурские зонтики»

  Риск и выигрыш

10. Режиссерский поиск

  «Гамлет» Оливье

  «Гамлет» Козинцева

  «Гамлет» Дзеффирелли

  «Гамлет» Брана

  Монтаж

  Приемы монтажа

  Монтаж аттракционов

  Строящийся монтаж

  Интеллектуальный монтаж

  Монтажная фраза

  Внутрикадровый монтаж

  Параллельный монтаж

  Музыкальный монтаж

  Вопросы из зала

  Монтажная пауза

  «Да здравствует Мексика!»

11. Стратегия режиссерской борьбы

  Стратегия выживания

  Запуск проекта

  Исполнительный продюсер

  Дистрибуция и фестивали

  Вопросы из зала

  Нестандартные пути

  Успех и бюджет

  Еще вопросы из зала

  «Челюсти»

  «Запах женщины»

12. Правила игры

  «Приключения Петрова и Васечкина»

  Фильм «на полке»

  Аудиенция

  Разговор с министром

  Дочь генсека

  Каменная баба

  «Биндюжник и Король»

Заключение

Приложения

  Список фильмов, рекомендованных В. М. Алениковым для курса «Свой почерк в режиссуре»

  Владимир Алеников Краткая биографическая справка

  Фильмография

  Почетные награды

  Дополнение 1 Отрывок из режиссерского сценария к фильму «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» (Репринт)

  Новелла «Укрощение строптивой» Сцена № 8. Раскадровка

  Дополнение 2 Отрывок из режиссерского сценария к фильму «Биндюжник и король» II серия. Сцена № 12 «Драка» (Репринт)

  Сцена № 12. «Драка» Раскадровка

  Дополнение 3 Отрывок из режиссерского сценария «Война принцессы» Сцена № 1. «Пролог. Угон машины». Раскадровка (Репринт)

  Иллюстрации Fueled by Johannes Gensfleisch zur Laden zum Gutenberg